Impressum

© Philharmonie Luxembourg 2012 Prelude Établissement public Salle de concerts Grande-Duchesse Joséphine-Charlotte good luck 6 1, Place de l’Europe John Cage: Foreword 9 L-1499 Luxembourg www.philharmonie.lu John Cage: How to pass, kick, fall, and run 11 www.rainydays.lu John Cage: An Autobiographical Statement 20

ISBN 978-2-9599696-8-3 John Cage: Seriously Comma 26 EAN 9782959969683 John Cage: Defense of Satie 29 Aufhören oder verdoppeln? Wie John Cage fünf Millionen Lire gewann 35 Für den Inhalt verantwortlich: Matthias Naske Elisabeth Flunger: John Cage kocht 40 Redaktion: Stefan Fricke: Aus gegebenem Anlass 44 Bernhard Günther John Cage: Soixante réponses à trente questions de Daniel Charles 47 Dominique Escande Karsten Nottelmann À propos John Cage. Eine aktuelle Umfrage 54 Hélène Pierrakos Redaktionelle Mitarbeit: Linus Eusterbrock Martin McGarry Programme Raphaël Rippinger

Design: Pentagram Design 24.11.2012 20:00 «Postcard from Heaven» 64 Limited, Berlin John Cage: Postcard from Heaven 67 Satz: Bernhard Günther Joseph Haydn: «Symphonie des Adieux» 68 Print Management: print solutions, Luxembourg Joseph Haydn: «Abschiedssymphonie» 70 John Cage: 4’33’’ 72 Die Photos auf den Seiten 8, 19, 28 und 34 entstanden im Johannes S. Sistermanns: Unstrument 74 Rahmen des Projekts «good John Cage: The Seasons 74 luck» der Klassen T3ARAN2 John Cage: Sixty-Eight 75 am Lycée Technique des Arts et Métiers Luxembourg- John Cage about how (not) to perform John Cage 75 Limpertsberg (LTAM) für das Festival rainy days 2012. Wir 25.11.2012 15:00 & 17:00 «Listen to the Silence» 76 danken den Schülern Cathy Correia Boaventura, Christine «Listen to the Silence». A journey with John Cage 78 Eckardt, CélineGil Bornatici, Geert Van Der Speeten: John Cage on a Child’s Scale 79 Roshan Anandini Marguerite Graf, Liz Angela Heintz, Raquel Lellé, Aline Mamer, 25.11.2012 20:00 «The Absent» 80 Lisa Schiltz, Kim Karin Staudt, Bernhard Günther: Mozarts letzte Worte. 83 Sally Weiland und Laura Su Weisen und dem Lehrer Zu Vadim Karassikovs neuer Komposition «The Absent» Joseph Tomassini für die The Antidote. Vadim Karassikov in conversation with Bernhard Günther 84 Kooperation.

Umschlagillustration: 01.12.2012 20:00 «Living Room Music» 92 Patrick Ackermann, Commentaires d’œuvres / Werkkommentare 94 James Chan-A-Sue

Nous remercions / Dank an: 29.11.2012 20:00–23:00 «A Liquid Room for John Cage» 96 les musiciens, auteurs et Bernhard Günther: Im fließenden Raum. 100 partenaires du festival; L’Orchestre Philharmonique Ein kleiner Rückblick auf die Verflüssigung der Konzertsituation du Luxembourg; The John Tom Pauwels: Pandora’s Music Box 104 Cage Trust / Laura Kuhn, Jean-Luc Plouvier: A Liquid Room for John Cage. Au sujet des œuvres 105 Edition Peters, Wesleyan University Press, Ircam Paris, Cdmc Paris, 02.12.2012 15:00–22:00 «The Big John Cage Extravaganza» 110 Conservatoire de Musique de la Ville de Luxembourg & «Toy Piano World Summit» Grand Foyer 112 Tous droits réservés / Grand Auditorium 121 Alle Rechte vorbehalten / All rights reserved Salle de Musique de Chambre 133 Espace Découverte 134 Salle de répétition I 154 Autres lieux / Sonstige Orte 160

Artists

Compositeurs, interprètes & ensembles. Index & Biographies 164 PRELUDE

4 5 good luck

100 ans, c’est une longue période, surtout dans un domaine artistique associé à 100 Jahre sind eine lange Zeit, vor allem in einem künstlerischen Bereich, der mit la notion de «nouvelle musique». Le 100e anniversaire du musicien innovateur Begriffen wie «neue Musik» verbunden wird. Den 100. Geburtstag des vermutlich probablement le plus influent de sa génération, ou du moins le plus célèbre, est einflussreichsten, zumindest aber bekanntesten musikalischen Neuerers seiner l’occasion pour nous d’une petite rétrospective. Generation haben wir zum Anlass für einen kleinen Rückblick genommen.

Petit, c’est en tout cas ce qui caractérise ce jouet découvert comme instrument Klein zunächst einmal wegen jenes Spielzeugs, das Cage 1948 als Musikinstrument de musique par Cage en 1948, comme une tache blanche sur la carte. Parmi tous entdeckte wie einen weißen Fleck auf der Landkarte. Das Toy Piano hat allen an- les instruments, le toy piano (piano-jouet) a ceci de particulier que la première deren Musikinstrumenten eines voraus: Die erste Reaktion darauf ist immer ein réaction qu’il provoque est le sourire. Le «Toy Piano World Summit» ouvre sur Lächeln. Alle folgenden Reaktionen einschließlich bewundernden Staunens ermög- toutes les réactions suivantes, y compris l’étonnement admiratif le 02.12.2012 licht der «Toy Piano World Summit»: Am 02.12.2012 sind einige der erfinderischsten quelques-uns des interprètes et compositeurs les plus inventifs de la communauté Interpreten und Komponisten aus der sich rasant entwickelnden weltweiten Toy- du toy piano mondiale, en plein développement, sont au rendez-vous de la Piano-Community zu Gast in der Philharmonie. Dramaturgisch und organisatorisch Philharmonie. Etroitement imbriquée avec cet événement, côté dramaturgie et eng verzahnt damit ist die zeitgleiche «Big John Cage Extravaganza», der Höhe- organisation, la «Big John Cage Extravaganza» simultanée est le point fort de punkt des erwähnten Rückblicks: Insgesamt 68 einzelne Ereignisse – Konzerte, la rétrospective. 68 événements spécifiques au total – concerts, performances, Performances, Installationen, bunte Mischungen daraus, Mitmachgelegenheiten installations, mélanges variés, occasions de participer pour les enfants à partir de für Kinder ab 7 Jahren, eine Toy-Piano-Ausstellung im Foyer u.v.a. – machen 7 ans, exposition de toy pianos au Foyer, entre autres – font de cette journée diesen Tag der offenen Tür zu einem ganz besonderen Geburtstagsfest.1 portes ouvertes une fête d’anniversaire absolument unique. Was bzw. wer da überhaupt gefeiert wird – das unbedingt zu entdecken lädt dieser Ce catalogue du festival invite à découvrir ce que, ou plutôt celui qu’on fête là, Festivalkatalog ein. Für Musiker gehört das Aufschlagen einer Partitur von John et pourquoi. Pour les musiciens, la découverte d’une partition de John Cage Cage zu den abwechslungsreichsten Momenten – statt Noten findet sich dort appartient aux moments les plus surprenants – au lieu de notes, on peut trouver eventuell eine Liste von Adressen samt Anleitung zum Herstellen einer Wander- une liste d’adresses avec un mode d’emploi pour fabriquer une carte de randonnée, karte, ein Bündel transparenter Plastikkreise, ein in einzelne Seiten zerlegter Roman un paquet de cercles imprimés sur des morceaux de plastique transparent, un zum Verteilen ans Publikum oder ein Brief an eine Wohltätigkeitsvereinigung. roman aux pages découpées à distribuer au public ou une lettre à une association Cages Texte sind ähnlich formenreich. Einige der lesenswertesten und wirkungs- de bienfaisance. Les textes de Cage sont également d’une variété étonnante. Vous reichsten finden Sie in diesem Band. Mit der Cage eigenen lächelnden Präzision, trouverez certains des plus fascinants et des plus importants dans ce volume. Avec die ihre Spuren auch im Ablaufplan der hier beschriebenen Veranstaltungspro- une précision en clin d’œil à celle de Cage, qui marque aussi le déroulement du gramme hinterlassen hat, freuen wir uns mit Ihnen auf Cages 100,24109. Geburts- programme des concerts indiqué ici, nous nous réjouissons de fêter avec vous ce tag am 02.12.2012. 100,24109e anniversaire de Cage le 02.12.2012. Zu den musikalischen Erfindungen, an denen Cage zumindest beteiligt war, darf Parmi les inventions musicales auxquelles Cage a pour le moins pris part, on man zählen: die Befragung des Zufalls, die Klangvielfalt des Schlagzeugs und peut compter la place donnée au hasard, la variété des percussions et du piano, Klaviers, die Simultaneität von nicht miteinander koordinierten Klangereignissen, la simultanéité d’événements sonores non coordonnés entre eux, l’ouverture à la die Öffnung hin zu Performance, Happening und Bildender Kunst sowie die performance, le happening et les arts visuels, ainsi que l’intégration du manger, Einbindung von Essen, Trinken, Schachspielen, Rauchen, Wohnen, Bahnfahren, boire, jouer aux échecs, fumer, habiter, prendre le train, le bruit du trafic, les Verkehrslärm, Kakteen, Zweigen, Schneckenhäusern, Vogelgezwitscher und Stille cactus, les bâtons, les coquilles d’escargots, les gazouillements d’oiseaux et le ins Musikleben. Wo vor 100 Jahren noch weiße Flecken auf der Hörlandkarte silence dans la vie musicale. Là où on ne trouvait, il y a cent ans, que des taches waren, finden sich heute blühende Klanglandschaften. Wie sähen wohl die 27 blanches sur la carte sonore, vous trouvez aujourd’hui des paysages sonores neuen Stücke dieses Festivals aus, wenn Cage nicht konsequent, eloquent und florissants. À quoi pourraient bien ressembler les 27 créations du festival, si Cage unwiderstehlich ins Ungewisse aufgebrochen wäre? Wer war Cage überhaupt? ne s’était pas embarqué vers l’inconnu de façon aussi conséquente, éloquente et Und wer sind die 77 anderen Komponisten und Komponistinnen bei den rainy irrésistible? Qui était Cage exactement? Découvrez-le ici. Nous vous souhaitons days 2012? Bitte lesen Sie nach. Wir wünschen glückliche Entdeckungen mit den d’heureuses découvertes avec les pièces et les textes du festival de cette année. Stücken und Texten des diesjährigen Festivals.

Bernhard Günther Matthias Naske Bernhard Günther Matthias Naske Dramaturge Directeur Général Dramaturg Generaldirektor

6 7 Aufhören oder verdoppeln? Wie John Cage 1958 fünf Millionen Lire bei einem italienischen Fernsehquiz gewann

Assistentin: Herr John Cage.

Mike Bongiorno: Guten Abend Herr Cage, wie geht es Ihnen?

John Cage: Es geht gut.

Also, ich erklärte gerade unseren Zuschauern, dass diese Person, die sich soeben zurückgezogen hat, mit beiden Beinen auf der Erde steht [wörtlich «den Kopf auf den Schultern hat», sich keine Illusionen macht], weil sie sich zurückgezogen hat; deshalb möchte ich Sie fragen, ob auch Sie mit beiden Beinen auf der Erde stehen, das heißt, ob Sie sich zurückziehen oder ob Sie um diese fünf Millionen spielen wollen.

Ich verdopple.

Sie verdoppeln.

Ja.

Ja, schon gut. Nach diesem ganzen Vortrag, den ich ihm gehalten habe! [Er lacht, Applaus des Publikums.] Na gut, Sie verdoppeln, aber haben Sie das verstanden, wenn Sie jetzt Im Februar 1958 hat John verlieren, bleibt recht wenig übrig, Sie bekommen den Trostpreis, die Eintausendundvier, das Cage über mehrere wäre eine Million und vierhunderttausend. Wochen am italienischen Fernsehquiz «Lascia o Raddoppia?» (wörtlich: In Ordnung. Lässt du es oder verdop- pelst du?) teilgenommen, das donnerstagabends aus In Ordnung? Ihnen reicht eine Million vierhunderttausend? Mailand live im Programm der RAI gesendet wurde. Ja, das ist viel. Moderator war der in New York City geborene italienische Fernsehstar Das ist viel? Das sind 2.000 Dollar, two thousand dollars. Mike Bongiorno (1924– 2009). Die Aufzeichnungen gelten als verschollen, nur Sehr, sehr gut. von der letzten Folge exis- tiert eine Tonbandaufzeich- nung. Der Künstler Carlo Sehr gut, two thousand dollars, es reichen Ihnen 2.000 Dollar. Bertocci hat diese Auf- nahme 1974 in einer Instal- Ja, in Amerika gibt es a talent check, Guggenheim talent check… lation verwendet und 1975 als Transkript in der Zeit- schrift Gong veröffentlicht Es gibt ein Stipendium in Amerika, das Guggenheim… – ohne Cages Italienisch und Mike Bongiornos Englisch zu glätten. Two thousand dollars… (Übersetzung: Elisabeth Flunger)

… das zweitausend Dollar wert ist; das Guggenheim‑Stipendium. Page de gauche / Linke Seite: good luck Sehr, sehr gut. photo: étudiants du Lycée Technique des Arts et Métiers Luxembourg-Limpertsberg Aber es ist sehr schwierig, dieses Stipendium zu bekommen. Hingegen, wenn Sie verlieren, (LTAM), voir p. 2 / siehe S. 2

34 35 gewinnen Sie trotzdem dieselbe Summe, aber wenn Sie gewinnen? 5 Millionen sind The name of the mushroom is Bacillus, Bacillus Acrotometosis.4 4 Originale Transkription, achttausend Dollar. zweifelhaft. Bacillus Acrotometosis ist der wissenschaftliche Name, richtig. Die Farbe der Sporen? Bessere. Ah, Yellow. Das ist besser! Tja, ich weiß. Gut, aber wenn Sie verlieren sind es zwei, hingegen wenn Sie aufgeben, sind es zweieinhalb. Die Farbe der Sporen ist gelb, das ist richtig; die Farbe, jetzt die Form der Sporen?

Ja, aber es ist unterschiedlich zwischen 8 und 2. Oval.

Wie, es ist unterschiedlich zwischen 8 und 2? Oval, richtig. Die Länge der Sporen in Mikron?

Two thousand … Four to six micron.

… ich habe verstanden, es ist besser, 8 zu haben, es ist viel besser, 8 zu haben als 2. In Ord‑ Vier bis sechs Mikron, das ist richtig; die Breite dieser Sporen in Mikron. nung, also Sie wollen es versuchen. Nun, mit dieser Zahlengeschichte verlieren wir uns in der Kabbala und in den Lottozahlen, na gut. Also Herr Cage, Sie trauen sich, in die Kabine Three to four. zu gehen und zu verdoppeln, ja? Sie müssen jetzt keinen Umschlag aussuchen, nehmen Sie dort Platz, und wir werden sehen wie es ausgeht, nicht wahr? Ärgern Sie sich nicht, wenn Drei bis vier, bravissimo John. [Applaus.] Dritte Frage, dritte und letzte Frage. Au, au, es dann vielleicht schiefgeht, oder? Ich hab’s Ihnen gesagt, sich zurückzuziehen. [Geräusche Herr Cage, wenn Sie bis jetzt geschwitzt haben, werden Sie noch mehr schwitzen, wenn Sie von Schritten und Eintritt in die Kabine.] Nun, Herr Cage, auch dieses Mal haben wir die die dritte und letzte Frage hören für Ihre 5 Millionen. Herr Cage, Achtung: Sagen Sie uns Fragen auf Englisch übersetzt, ich werde Ihnen einen Briefumschlag mit der Übersetzung die Namen der 24 Gattungen der Agaricales mit weißen Sporen, die im Atkinson verzeichnet schicken, so können Sie sich das da drinnen durchlesen, ja! Na, ich denke, heute abend sind, die Namen der 24 Gattungen der Agaricales mit weißen Sporen aus dem Atkinson.5 5 In der originalen werden Sie wohl viel aufgeregter sein als die letzten Abende. [Geräusch: Briefumschlag wird Transkription «24 generi diagarici e spore bianche», aufgerissen] Ich sehe, Sie schwitzen, Ihr Gesicht ist voller Schweiß, trocknen Sie sich ab, I can enumerate the alphabetic list. richtig wäre «di agarici»; Herr Cage. Jetzt zeigen wir Ihnen das Lichtbild Nummer 1 – Lichtbild Nummer 1 – hier vermutlich auch statt «e spore bianche» (und ist es auf dem Bildschirm. Wir zeigen Ihnen, auf dem Lichtbild Nummer 1, Herr Cage, Wie bitte? weißen Sporen) «a spore den Bestimmungschlüssel der Po‑li‑po‑ra‑ceae, fotografiert aus einem Band des Atkinson, bianche» (mit weißen in dieser Aufstellung wurden die Namen von vier Gattungen gelöscht, und zwar bei den I can enumerate the alphabetic list. Sporen), also: die 24 Gattungen mit weißen Buchstaben a, b, c und d. Ergänzen Sie den Bestimmungschlüssel mit den fehlenden Namen. Sporen aus der Ordnung Die ist wirklich 5 Millionen wert, man muss sie zweimal lesen, um zu verstehen, worum es Herr Cage sagt uns, dass er imstande ist, uns die komplette Liste in alphabetischer der Agaricales. John geht; ergänzen Sie den Bestimmungschlüssel mit den fehlenden Namen. Von jetzt an neunzig Reihenfolge zu sagen, zu geben. Cages erste Aufzählung begann anscheinend mit Sekunden, ninety seconds; alles klar? [Es beginnt das Tock, Tock, Tock, Tock, …] Amanita aus der Familie O.K. Alphabetische. der Amanitaceae. Die Agaricales sind eine For a, Fistulina. Ordnung der Pilze mit [Es beginnt das Tock, Tock, Tock, Tock. Bongiorno fährt fort, indem er die Aufzählung von (je nach Quelle und A Fistulina, richtig! Cage mitzählt.] Eins, weiter, Amanita gut, Amanitassis drei, vier, fünf, sechs, sieben, acht, Forschungsstand) 18 bis 33 Familien und neun… bravissimo, aufgestiegen. [Musik und Applaus.] Bravissimo, bravo bravo bravo Hunderten von Gattungen 1 In der originalen For b, Poliporus.1 bravo. Bravo bravissimo, bravo Cage. Also, schließlich hat uns Herr Cage zweifelsfrei (mit unterschiedlichen Transkription: poliporu. gezeigt, dass er etwas von Pilzen versteht, denn mit den Fragen, die wir ihm heute Abend Sporenfarben). Zwei Familien der Agaricales Für b, Poliporus, richtig. gestellt haben, konnte man ganz schön ins Schwitzen kommen. Demnach war er nicht nur sind die Agaricaceae und einfach eine Person, die auf diese Bühne gekommen ist, um mehr oder weniger skurrile die Amanitaceae (von John Cage und daraufhin auch 2 In der originalen 2 For c, Boletus. Darbietungen von überaus skurriler Musik zu machen, demnach ist er wirklich eine gut von Bongiorno Amanitassis Transkription: poletus. vorbereitete Person. Ich wusste es, denn ich erinnere mich, dass uns Herr Cage erzählt hat, ausgesprochen). Agaricus Für c, Boletus. dass er in den Wäldchen in der Nähe von New York wohnt und dass er jeden Tag seine (Champignon) ist eine Gattung der Agaricaceae Spaziergänge macht, um Pilze zu suchen, und dort hat er seine Sache gelernt. mit ca. 300 Arten, 3 In der originalen For d, Boletinus.3 Amanita eine Gattung Transkription: bollitinus. Ein Dankeschön an… Pilze, und Dankeschön an die RAI, und Dankeschön an der Amanitaceae. Es ist nicht ganz klar, auf welche Boletinus, bravissimo; Herr Cage, es geht weiter mit der Herausforderung. Gehen wir zur alle Leuten von Italien… Ebene der Hierarchie sich zweiten Frage über. Bitte bringt dem Herrn Cage die Übersetzung dieser anderen Frage. War die Frage bezieht: Die Familien der Agaricales es schwierig? Was it difficult? An alle Leute von Italien. [Applaus] Bravo, Herr Cage, auf Wiedersehen und gute Reise, oder die 24 Gattungen aus kehren Sie jetzt zurück nach Amerika oder bleiben Sie hier? Do you go back to United States der Ordnung der Agaricales A little. or you stay here? [unhörbare Antwort] Ah! Er kommt wieder, ich habe verstanden. mit weißen Sporen? Der erwähnte Band von George F. Atkinson stand bei der A little, ein kleines bisschen, gut. Diapositiv Nummer 2, Achtung wir zeigen Ihnen diesmal … meine Musik bleibt. Transkription leider nicht das Foto eines Pilzes, der in Wirklichkeit und auf dem Foto einen schwarzen Stiel hat. zur Verfügung. Sie müssen uns sagen: den wissenschaftlichen Namen, die Farbe der Sporen, die Form der Ah! Sie gehen fort und Ihre Musik bleibt hier, aber es wäre besser, wenn Ihre Musik fortginge Sporen, die Länge der Sporen in Mikron, die Breite der Sporen in Mikron. Konzentrieren und Sie hierbleiben. [Gelächter und Applaus.] Auf Wiedersehen Herr Cage, auf Wiedersehen Sie sich gut, Herr Cage. und viel Glück für alle mit Lascia o Raddoppia!

36 37 John Cage kocht Der japanische Ursprung der Makrobiotik zeigt sich vor allem in der Verwendung von Zutaten wie Miso, Tofu, Seitan, Tempeh, Natto, Sojasoßen, Sesam, Umeboshi- Ein kleiner Exkurs zur makrobiotischen Ernährung Pflaumen, Shiitake-Pilzen, Reisessig, Algen. Brot und Nudeln spielen eine unter- Elisabeth Flunger geordnete Rolle. Milchprodukte und Fleisch sollen gemieden werden. Fisch ist in Mit Kommentaren von Henry David Thoreau (aus Walden, 1854) kleinen Mengen erlaubt. Misosuppe wird sehr geschätzt und oft gegessen, gerne auch zum Frühstück.

A little bread or a few potatoes would have done as well, with less trouble and filth.

Wichtig ist die Beurteilung der Nahrungsmittel nach ihren Yin- oder Yang-Eigen- schaften. Yin und Yang sind Begriffe aus der chinesischen Medizin und bezeichnen gegensätzliche Energietendenzen. Yin ist eine ausdehnende kalte, dunkle, passive Energie, Yang ist verdichtend, warm, hell, aktiv, aggressiv. Nach makrobiotischer If a man does not keep pace with his companions, perhaps it is because he hears a different Auffassung führt eine Yang-betonte Ernährung zu inneren Verspannungen, eine drummer. Let him step to the music which he hears, however measured or far away. Yin-betonte Ernährung dagegen zu Konzentrationsmangel und Gedächtnis- schwäche. Als ich 1988 im Wiener Konzerthaus an einem Gesprächskonzert mit John Cage mitwirkte, passierte es: Alle waren hungrig, man musste essen gehen. Mit Rücksicht Es wird empfohlen, nur ausgewogene Produkte aus der Mitte des Yin/Yang- auf John Cage, für den makrobiotisches Essen unabdingbar war, steuerte man Spektrums zu sich zu nehmen: Vollkorngetreide, Hülsenfrüchte, Gemüse, Algen. nicht das nächste Wirtshaus, sondern das damals einzige vegetarische Restaurant Yin-betonte oder yang-betonte Nahrungsmittel sind zu meiden. Als extrem yin der Wiener Innenstadt an. Die Enttäuschung war vorauszusehen, und sie war groß: gelten zum Beispiel Zucker, Alkohol, Kaffee, Nachtschattengewächse, scharfe «Haben Sie keinen makrobiotisch gekochten Reis?» fragte der verwunderte Cage Gewürze und die meisten Milchprodukte, als extrem yang gelten Fleisch, Geflügel, den ebenso verwunderten Kellner wiederholt. Weder der Kellner noch der Koch Eier, Hartkäse und Salz. waren imstande, das herbeizuschaffen, was von ihnen verlangt wurde. John Cage war nicht zickig und hat das Fehlen von Vollkornreis nach dem Essen durch den Like many of my contemporaries, I had rarely for many years used animal food, or tea, or Konsum von Getreide in Form von Wodka ausgeglichen. coffee, etc.; not so much because of any ill effects which I had traced to them, as because they were not agreeable to my imagination. John Cage war seit 1977 ein Anhänger der Makrobiotik. Er litt damals an Arthritis und begann auf Empfehlung von Yoko Ono eine makrobiotische Diät. Ob sie Die chinesische Lehre von den 5 Elementen hat sich in der Makrobiotik ebenfalls ihm geholfen hat? Auf jeden Fall hat sie ihm gut getan. niedergeschlagen. Die Jahreszeiten spielen bei der Auswahl und Zubereitung der Speisen eine große Rolle. Man unterscheidet 5 Geschmacksrichtungen: süß, The indescribable innocence and beneficence of Nature – of sun and wind and rain, of sauer, bitter, scharf und salzig. Die Lebensmittel werden auch nach ihrer Farbe summer and winter – such health, such cheer, they afford forever! klassifiziert und bestimmten Organen zugeordnet: grün/blau – Leber und Gallen- blase, rot/orange – Herz und Dünndarm; gelb – Magen, Milz und Bauchspeichel- Die Makrobiotik ist eine praxisorientierte Gesundheitslehre, die den menschlichen drüse; weiß und blass – Lunge und Dickdarm; dunkel – Nieren und Blase. Körper und die Ernährung in einen philosophischen Kontext stellt. Sie wurde vom Japaner Georges Ohsawa (1893–1966) entwickelt und ab 1945 in Europa und In cold weather we eat more, in warm less. den USA verbreitet. Seine Schüler, vor allem die Ehepaare Aveline und Michio Kushi und Cornellia und Herman Aihara, haben die Lehre weiterentwickelt. Eine makrobiotische Mahlzeit besteht idealerweise aus fünf Bestandteilen: Die Makrobiotik kritisiert den modernen westlichen Lebensstil, insbesondere die Getreide, Gemüse (vorwiegend gekocht), Hülsenfrüchte, Algen und Pickles. symptomorientierte Medizin und die Ernährungsgewohnheiten. Stattdessen wird eine Ernährung empfohlen, die auf der traditionellen japanischen Ernährung basiert. I had in my cellar a firkin of potatoes, about two quarts of peas with the weevil in them, and on my shelf a little rice, a jug of molasses, and of rye and Indian meal a peck each. If, then, we would indeed restore mankind by truly Indian, botanic, magnetic, or natural means, let us first be as simple and well as Nature ourselves, dispel the clouds which hang Durch die Bevorzugung von gekochtem Gemüse und die seltene Verwendung over our own brows, and take up a little life into our pores. von Obst (yin) kann makrobiotische Ernährung zu Vitamin-C-Mangel führen. Auch Vitamin-B12-Mangel durch das Fehlen von tierischen Produkten kann Einige Grundsätze der Makrobiotik: zum Problem werden. Chronische Müdigkeit, Heißhungerattacken und – Die Ernährung ist die Grundlage für Glück und Gesundheit. Wachstumsmängel bei Kindern sind mögliche Folgen. – Jede Krankheit wird durch ein Ungleichgewicht von Yin und Yang verursacht. – Vollkorngetreide ist das der Menschheit angemessene Hauptnahrungsmittel. To many creatures there is in this sense but one necessary of life, Food. – Die Nahrungsmittel sollten möglichst aus biologischem Anbau stammen und natürlich belassen verzehrt werden. John Cage war kein strenger Makrobiot. In der Einleitung zur Rezeptesammlung, die – Es sollten nur Nahrungsmittel aus der Region zur jeweiligen Saison verwendet der John Cage Trust auf http://johncage.org/blog/Cage_Macrobiotic_Recipes.pdf werden. veröffentlicht, schreibt er in Bezug auf das Yin/Yang-Prinzip: «Ich habe das nicht sehr eingehend studiert. Alles, was ich tue, ist: Ich versuche zu beobachten, ob I learned from my two years’ experience that it would cost incredibly little trouble to obtain etwas mir gut tut oder nicht.» So finden sich unter seinen Rezepten unter anderem one’s necessary food, even in this latitude; that a man may use as simple a diet as the zwei Rezepte für Huhn und eine Anleitung für die Zubereitung von Speiseeis. animals, and yet retain health and strength.

40 41 Es lässt sich nicht beurteilen, ob und wie die makrobiotische Ernährung Cages Musik beeinflusst hat. Die Makrobiotik steht, genauso wie seine Gewohnheit zu meditieren und seine Auseinandersetzung mit dem Zen-Buddhismus, im Kontext seiner Beschäftigung mit fernöstlicher Philosophie und Disziplin. Außerdem passt die Makrobiotik gut zu seinem Interesse für Natur, das auch in seinem großen Wissen über Pilze zum Ausdruck kam, und zu seiner Neigung, natürliche Vorlagen, Materialien und Vorgänge in seinen Kompositionen zu verwenden, wie den Sternenhimmel in Atlas Eclipticalis, Holzmaserungen in Music for Carillon N° 5, Instrumente aus pflanzlichen Materialien in Branches und Child of Tree, und ver- schiedenste Arten von Zufallsoperationen bei der Komposition und Interpretation vieler seiner Stücke.

Nature is as well adapted to our weakness as to our strength. The incessant anxiety and strain of some is a well‑nigh incurable form of disease.

Ein Anhänger der Makrobiotik hat Außenseiterstatus: Es ist schwierig, einen Makrobioten zum Essen einzuladen, wenn man selber keiner ist, und für den Normalverbraucher ist eine makrobiotische Mahlzeit leider oft unbefriedigend. Makrobioten haben es – nicht nur auf Reisen, auch im ganz normalen Alltag – manchmal schwer, sich ihr Essen zu beschaffen. Nur besonders kompromisslose, unkonventionelle und eigenständige Persönlichkeiten halten das so lange durch wie John Cage.

If one guest came he sometimes partook of my frugal meal, and it was no interruption to conversation to be stirring a hasty‑pudding, or watching the rising and maturing of a loaf of bread in the ashes, in the meanwhile.

Drei Rezepte von John Cage http://johncage.org/blog/Cage_Macrobiotic_Recipes.pdf

Miso Soup About three heaping tablespoons of miso paste. There are as many kinds of these as there are whines or cheeses. A few turnips, carrots, and scallions. Any other vegetables. A bunch of watercress. In a little sesame oil, sauté the cut up scallion, then the carrots and turnips, not long. Then add 4 C of good water. When that comes to a boil, reduce the fire to low after removing a cup of water to put the miso paste in. Cover and don’t simmer for longer than say 10 minutes. Meanwhile, you’ve soaked some Wakame (seaweed). At the penultimate moment add the tenderest vegetables (seaweed and cress); others you’ve already put in. And after turning out the flame add the cup of miso paste dissolved. Serve. In hot weather, chill for about 20 minutes in the freezer.

Brown Rice Twice as much water as rice. If you wish, substitute a very little wild rice for some of the brown rice. Wash or soak overnight then drain. Add a small amount of hijiki (seaweed) and some Braggs. Very often I add a small amount of wild rice. Bring to good boil. Cover with cloth arid heavy lid and cook for twenty minutes over a medium flame; reduce flame to very low and cook thirty more minutes. Uncover. If it is not sticking, cook it some more. If it is sticking to Nicht ganz so ernst zu neh- the bottom of the pan, stir it a little and then cover again and let it rest with the mende Rezepte finden sich Cages berühmten «Matsch- fire off. When you look at it again after ten minutes or so it will have loosened buch» aus den frühen 1950er itself from the bottom of the pan. Another way to cook rice: Using the same Jahren, in dem Kinder lernen, proportions of rice, bring to a boil and then simply cover with lid without the wie man Sandkuchen macht (man nehme: etwas Dreck cloth, reducing the fire to low. After forty-five minutes, remove from fire but leave und ausreichend Wasser…). lid on for at least twenty minutes. John Cage, Lois Long: Mud Book: How to Make Pies and Cakes, publiziert 1988 von Mushrooms Cut in reasonable pieces and sauté in canola oil (not too much oil). Harry N. Abrams. Cover a little and then uncover to reduce liquid. Before it is all gone, add a little

Page de droite / Rechte Seite: Braggs. Taste to decide whether lemon is needed or pepper. (Use as a side dish or photo: Elisabeth Flunger combine with rice to make Mushroom Rice).

42 43 PROGRAMME

62 63 «Postcard from Heaven»

Samedi / Samstag / Saturday Johannes S. Sistermanns: Unstrument für leeres Orchester, WaVer und 24.11.2012 20:00 CD-Zuspielung (2012, commande Philharmonie Luxembourg, Grand Auditorium création / Kompositionsauftrag Philharmonie Luxembourg, Uraufführung) 8’ Amsterdam Harp Ensemble Miriam Overlach, Lenie de Meij, Vera Kool, Joana Daunyte, Ivan Gomez, John Cage: The Seasons. Ballet in one act for orchestra (1947) Anneleen Schuitemaker, Stijn Bovenkamp, Sari van Brug, Karen Capiau, Prelude I Beate Loonstra, Victoria Davies, Milou de Rooij, Merel Leijen, Winter Christa Emmerink, Marleen de Bakker, Marije Vijselaar, Lisa Supadi, Prelude II Sophie van Dijk, Oxana Thijssen harpes Spring Erika Waardenburg harpe, direction Prelude III Summer John Cage: Postcard from Heaven for 1–20 harps (version pour 20 harpes) Prelude IV (1982) – 10’ Fall Finale (Prelude I) 15’ Orchestre Philharmonique du Luxembourg Lucas Vis direction John Cage: Sixty‑Eight (1992) 30’ Joseph Haydn: Symphonie N° 45 fis‑moll (fa dièse mineur) Hob. I:45 («Abschiedssymphonie» / «Les Adieux») (1772) Allegro assai Adagio Backstage Menuet: Allegretto – Trio 18:45 Salle de Musique de Chambre Presto – Adagio Film: John Cage – Journeys in Sound. 33’ A documentary produced by Allan Miller and Paul Smaczny (2012) (VO E, ST F) – 60’ John Cage: 4’33” (1952) I: Tacet II: Tacet III: Tacet Pendant l’entracte et après le concert / 5’ Während der Pause und im Anschluss an das Konzert Grand Foyer — United Instruments of Lucilin André Pons-Valdès, Tomoko Kiba, Sophie Deshayes, Marcel Lallemang, Guy Frisch, Olivier Sliepen performance

John Cage: Sculptures Musicales. For sounds lasting and leaving from different points and forming a sounding sculpture (1989)

64 65 Johannes S. Sistermanns: Unstrument John Cage: Sixty-Eight Einen Orchesterklang erlebt man im Konzertraum immer im Moment seines Sixty‑Eight für 68 Musiker entstand im Februar 1992, sechs Monate bevor John Entstehens. Die physische Präsenz von Musikern und Dirigenten sind die Cage am 12. August in New York an einem Herzinfarkt starb. Es gehört mit Voraussetzung hierfür. Der Musiker aber spielt nicht das Instrument, sondern die Thirteen und Two 6 zu seinen drei letzten Werken. Die Uraufführung fand am auf ihm gespannten Saiten, den luftigen Innenraum, das Fell, Metall… Die so 6. November in Frankfurt durch das hr-Sinfonieorchester unter der Leitung von entstehenden Schwingungen werden vom Holz, Blech, Metall und instrumental Lucas Vis statt. leeren Resonanzraum aufgenommen und nur vergrößert. Der Musiker regt an, das Instrument nimmt auf, vergrößert und gibt diesen Klang ab in / an den Wie auch jedes der anderen «Number pieces», die Cage in den letzten fünf Jahren Aufführungs-Raum. seines Lebens komponierte, hat Sixty‑Eight keine Partitur, sondern nur einzelne Stimmen. Jede der 68 Stimmen ist auf jeweils einem Blatt notiert und besteht aus All das bleibt erhalten in Unstrument. Nur der spielende Musiker ist nicht mehr 15 einzelnen Tönen, die in sogenannten «time-brackets» (Zeitklammern) ange- vorhanden. Das Orchester bleibt bestehen, die Sitzaufteilung und Anordnung der ordnet sind. So kann beispielsweise der erste vom Konzertmeister zu spielende Instrumente an ihrem Orchester-Platz erhalten. Die Musik entsteht und erklingt Ton, ein Cis in der zweigestrichenen Oktave, zwischen 0’00” (dem Beginn des im Konzertsaal. Die Musik wird jetzt von einem Schallwandler angeregt. Die Stücks) und 1’45” beginnen und jederzeit zwischen 1’10” und 2’55” wieder Komposition gibt es nicht als notierte Partitur. Dirigent, Interpret und Komponist aufhören; der 15. und letzte Ton E beginnt zwischen 27’05” und 28’50” und endet fallen zusammen in einem Aufführungs-Moment und einer Person: dem frühestens bei 28’15”, spätestens bei 30’00”. (Manos Tsangaris berichtet, dass er Komponisten Johannes S. Sistermanns. Dieser steuert in einer Live-Klangregie die bei einer Einstudierung eines der Nummernstücke einen Ton nicht spielte; mit Aufführung von seinem Laptop im Konzertsaal. der Begründung, er habe den Ton halt beendet, bevor dieser überhaupt begonnen habe, sei Cage aber in keinster Weise einverstanden gewesen.) Die Komposition ist digital entstanden und gelangt über einige Schnittstellen von seinem Computer bis zum Instrument: Die digitalen Audiosignale werden Die 15 «time-brackets» sind zwar für alle 68 Instrumente gleich, auch wenn den über die Soundkarte (das Audio-Interface) per Kabel in einen Spezialverstärker einzelnen Stimmen unterschiedliche Töne zugewiesen sind. Durch die individuelle und von hier aus wiederum per Kabel in sogenannte WaVer geleitet. Ein Entscheidung jedes Musikers über Anfang und Ende (und damit auch die Länge) WaVer ist ein Schallwandler ungefähr in der Größe einer Zigarettenschachtel, eines jeden Tons entsteht aber ein besonderer Gesamtklang. Die einzige Anmer- in dem eine Membran in Schwingung versetzt wird. Je ein WaVer überträgt die kung auf den Stimmen dazu lautet: «A unison of differences, single tones in Schwingung auf die Material-Oberfläche eines Orchester-Instruments. Dieses flexible time-brackets (single bows or breaths, long or short) played only once, resoniert entsprechend seines Materials und Leerraumes und gibt dann den Klang having any dynamic, any overtone structure.» (Bernhard Günther) an den Konzertsaal ab. Der Holzkorpus eines Cellos beispielsweise wird also diesmal nicht über schwingende Saiten und einen Steg zum Schwingen gebracht, sondern über einen am Instrument befestigten kleinen Schallwandler. Alle Klänge John Cage about how (not) to perform John Cage der Komposition Unstrument kommen aus den Instrumenten und nicht aus Last night you told a student that he should not have any ego involvement in the performance irgendwelchen Lautsprechern im Konzertsaal. of your compositions, but rather should perform it in the spirit of the piece. But I feel that, in your music especially, there is a necessity for ego involvement because you leave so much for Die vielstimmige Komposition Unstrument bringt zahlreiche Instrumente aus allen the performer to decide. Orchestergruppen zum Klingen. Es werden sowohl einzelne Instrumente als auch ganze Instrumentalgruppen sowie Raumbewegungen durch das Orchester zu No. The performer can use similar methods to make the determinations that I hören sein. have left free, and will if he’s in the spirit of the thing. When I have a number of musicians, some of them decide that because I’ve given them this freedom they Unstrument entstand im Auftrag der Philharmonie Luxembourg für das Festival will do whatever they please, and generally, in order to make my work appear rainy days 2012. foolish, they turn themselves into clowns. Actually, they’ve succeeded in showing Die Realisierung dieser Komposition wurde unterstützt von JM AudioDesign. how foolish they are. I’ve given them freedom and I would hope they would use Johannes S. Sistermanns that freedom to change themselves rather than to continue being foolish. Have you heard that Town Hall recording of my Concert for Piano and Orchestra?

John Cage: The Seasons Yes… This work was originally used as music for the choreographed piece by Merce Cunningham of the same title, with stage design by Isamu Noguchi. At one point, one of the woodwind instruments quotes from Stravinsky … The Seasons consists of nine movements: Prelude I – Winter – Prelude II – Spring – I think it’s Le Sacre. You could look at the part I had given him and you’d never Prelude III – Summer – Prelude IV – Fall – Finale (Prelude I). It’s a sweet and find anything like that in it. He was just going wild – not playing what was in lyric composition, and like Sonatas and Interludes and String Quartet in Four Parts, front of him, but rather whatever came into his head. I have tried in my work indicative of Cage’s interest in Indian aesthetics. Here, Cage uses the Indian to free myself from my own head. I would hope that people would take that signification as deep inspiration: Winter as quiescence, Spring as creation, opportunity to do likewise. Summer as preservation, and Fall as destruction. It is one of the compositions John Cage (1970, in an interview with Genevieve Marcus. – Richard Kostelanetz: Conversing with Cage. – in which Cage tries to «imitate nature in her manner of operation», an idea he New York: Routledge, 2003. – p. 68) also drew from Indian philosophy. The work’s overall rhythmic structure is 2-2- 1-3-2-4-1-3-1, which also expresses the relative lengths of each of the work’s nine movements. Cage first composed the piano version, then an orchestral version, with assistance with its orchestration from Lou Harrison and Virgil Thomson. (www.johncage.org)

74 75 «Listen to the Silence»

Dimanche / Sonntag / Sunday 25.11.2012 15:00 & 17:00 Espace Découverte

«Listen to the Silence» Un voyage sans paroles avec John Cage pour enfants à partir de 6 ans et leurs parents / Eine Reise ohne Worte mit John Cage für Kinder ab 6 Jahren und ihre Eltern

Letizia Rentini direction, vidéo Wouter Van Looy direction, scénographie Jeroen Malaise piano Tjyying Liu performance

Production Zonzo Compagnie en coproduction avec De Werf, Rataplan, Muziektheater Transparant, Big Bang – European music festival for young and adventurous audiences et Acht Brücken

55’ sans entracte / ohne Pause

76 77 «Listen to the Silence» John Cage on a Child’s Scale A journey with John Cage Geert Van Der Speeten (De Standaard, 31.10.2011)

«Until I die there will be sounds. Is John Cage’s music suitable for children? «Listen to the Silence», a mini-concert And they will continue following my death. in which they are allowed to throw ping-pong balls into the piano, proves that it One need not fear about the future of music.» is. «Listen to the Silence» had its Belgian premiere this weekend as part of Jonge (John Cage) Snaken in Bruges. It is a typical festival production. Because it is so fragile and daring, it has to be put in the right context and surroundings. Wouter Van Looy’s Zonzo Compagnie launched this John Cage project straight onto the international «Listen to the Silence – un voyage avec John Cage» est une expérience musicale circuit. […] destinée aux enfants, invités à explorer le point de vue musical et de l’extraordi- naire vision de la vie de ce compositeur singulier. La chance, la méditation, le «Listen to the Silence» is not an educational project. Although it does incorporate mouvement et le dialogue sont associés à la musique, aux sons et à d’autres a brief life story, in which we get to know John Cage on the basis of several formes musicales telles que le bruit et le silence. incisive quotes: the seeker of silence, the elusive figure, the radical questioner who La performance prend la forme d’une expérience interactive et plonge les enfants overturned traditions. And the composer too, who preferred to seek out sounds dans un monde sonore nouveau. Accompagnés par l’acteur Tjyying Liu et le he had never heard before. pianiste Jeroen Malaise, les enfants découvrent et expérimentent la beauté du silence, une nouvelle manière de composer, ainsi que la spiritualité et la puissance The exceptional thing about this production is that it applies several of Cage’s de la musique. Ils ont le champ libre pour créer leur propre paysage musical, tout principles to its form and execution. Because he often used the factor of chance, en étant stimulés et chamboulés par l’approche critique de Cage, entre son et to start with it is fate that determines which of the two halves of the performance espace. you get to see. You may end up behind the grand piano. It is gradually transformed into a prepared piano with the assistance of the audience. Or else you sit amongst the mixers, musical boxes, squeaking ducks and rustling plastic bags from which «Listen to the Silence – eine Reise mit John Cage» ist eine Musik-Performance für grows a merry musical chaos. Kinder, inspiriert von der herausragenden Musik des Komponisten John Cage und dessen Lebensvision. In diesem eindringlichen Musikereignis mischen sich Klang, After all, Cage’s work was noise too. And music that questioned convention. Stille und Geräusch mit Zufälligem, Meditativen, Erzähltem und Bewegtem. To give an example, the children are allowed to use ping-pong balls and drumsticks Angeleitet durch den Schauspieler Tjyying Liu und den Pianisten Jeroen Malaise, inside the piano when the pianist gives the signal. Or else they can introduce a erforschen die Kinder die Schönheit der Stille und die große Kraft der Musik. note of reality by fiddling with the tuning knob on the radio. Interaktive Passagen, in der die Kinder ihre eigene musikalische Landschaft frei gestalten, wechseln sich mit Aufführungen ab, die das Publikum dazu anregen, «Listen to the Silence» makes clever use of video and shadow images. They all John Cage und sein visionäres Denken zu entdecken. revolve around sound, as do the interventions by the main actor (Chi Jing Liu). With his torch, it looks as if he is searching for ominous sounds, first against a wall of images showing a dark forest, and then amongst the audience. We «Listen to the Silence – a journey with John Cage» is a musical experience for breathlessly listen with him. children from the musical perspective and extraordinary view on life by that singular composer. Chance, meditation, movement and dialogue are combined This performance makes us prick up our ears so keenly that in the end we even with music, sound and other musical forms such as noise and silence. listen attentively to the amplified sound of a chair leg scraping on the floor. You The performance takes the form of an interactive experience and plunges the have to admit that this is quite a feat. And it’s certainly the case that we wonder – children in a new world of sound. Accompanied by actor Tjyying Liu and pianist together with Cage – whether this is a sound we have ever heard before. Jeroen Malaise, the children discover and experiment with the beauty of silence, a new way of composing and the spirituality and power of music. They are given In between times we also hear several marvelous pieces for solo piano: the seductive free rein to create their own musical landscape, whilst being stimulated and Three Easy Pieces, the mysterious In a Landscape and, to round off, a composition moved by Cages’ critical approach between sound and space. for toy piano. The timing of this show is well-figured out and it packages its references well, including those to the dance idiom of Cage’s partner Merce Cunningham. Children will see it above all as a tailor-made guided tour, through a radical and intriguing musical world.

78 79 «The Absent»

Dimanche / Sonntag / Sunday 25.11.2012 20:00 Cafétéria des musiciens, Grand Auditorium (Accès par l’entrée des artistes / Zugang über den Künstlereingang)

Ensemble intercontemporain Emmanuele Ophèle flûte Jérôme Comte clarinette Anthony Millet accordéon (musicien supplémentaire) Gilles Durot percussion Jeanne-Marie Conquer violon Grégoire Simon alto Pierre Strauch violoncelle

Bernhard Günther, Vadim Karassikov mise en espace Pitt Wagner, Laurent Vallerang réalisation vidéo Gavriil Lecuit piano (vidéo) (en coopération avec le Conservatoire de la Ville de Luxembourg)

Vadim Karassikov: The Absent. An almost silent sound and visual installation for flute, viola, cello, piano and video (2011–2012, création / Uraufführung, commande / Kompositionsauftrag Philharmonie Luxembourg) Part 1 (flute) – ~8’ (in the cafeteria) Part 2 (viola, cello, live video) – ~9–12’ (moving in small groups towards the hall, catching a few seconds’ glimpse into the corridor, taking a seat on the stage of the Grand Auditorium for the rest of the concert) Part 3 (cello, video, live video) – ~9–10’ Part 4 looming outlines of autumn for clarinet, violin and violoncello (2001) ~15’ Part 5 (viola, cello, flute, video [piano]) – ~12–15’ Part 6 In the Flame of the Dream for seven musicians (2008–2012, création de la version intégrale / Uraufführung der vollständigen Fassung) – 12–15’ ~65–75’ sans entracte / ohne Pause

Production Philharmonie Luxembourg

Après le concert / Im Anschluss an das Konzert Salle de Musique de Chambre

United Instruments of Lucilin André Pons-Valdès, Tomoko Kiba, Sophie Deshayes, Olivier Sliepen, Page de droite / Rechte Seite: Guy Frisch performance Vadim Karassikov: In the Flame of the Dream for cello solo John Cage: Branches for percussion (any number of players) © Bärenreiter Verlag, Kassel using amplified plant materials (1976)

80 81 Mozarts letzte Worte Zu Vadim Karassikovs neuer Komposition «The Absent» Bernhard Günther

Es gibt, so erzählt Vadim Karassikov, die Geschichte einer europäischen Touristin in Japan, die einen normalerweise für die Öffentlichkeit nicht zugänglichen Medita- tionsraum in einem buddhistischen Kloster besuchen durfte. Sie empfand die Energie dieses leeren Raums mit einer so unerträglichen körperlichen Wucht, dass sie den Raum umgehend verlassen musste. Die starke Präsenz des leeren Bewusst- seins beraubte sie all dessen, mit dem sie sich normalerweise vor jeder Selbstwahr- nehmung schützte. Plötzlich blickte sie in ihren eigenen Geist, wogegen sie sich jahrzehntelang immer gewehrt hatte. Die gewohnte Welt der vielen wundervollen Dinge um sie herum, jegliche Form der Ablenkung – Familienalltag, Gespräche, Fernsehen, Radio, Telefon, Internet, Sport u.v.a. – erschien ihr auf einmal als eine starke Droge gegen das eigene Bewusstsein. Die meisten Menschen – so fasst es Vadim Karassikov zusammen – bedienen sich ständig solcher ‹Drogen›, um sich selbst nicht wahrzunehmen; Mönche in Zen-Klöstern hingegen versuchen nicht, vor diesem Problem davonzulaufen, sondern betrachten es für eine Weile sehr genau – bis es von selbst verschwindet.

Horror vacui, Furcht vor dem leeren Raum (in der Kunstgeschichte nebenbei bemerkt als Bezeichnung für einen vollkommen detailüberladenen Malstil gebräuchlich) muss man beim Hören von Vadim Karassikovs neuem Stück The Absent trotz der extremen Reduktion der klingenden Ereignisse nicht haben. Bei der «nahezu stillen Klang- und Rauminstallation» beginnt das subtile Spiel mit der Wahrnehmung bereits, wenn man in der Garderobe seinen Mantel abgibt und sich anschließend zu seinem Platz auf der von unterschiedlichen Leinwänden umgebenen Bühne des Grand Auditorium begibt, während Musiker des Ensemble intercontemporain im Publikums- und Backstage-Bereich minimalistisch in Szene gesetzt sind. Sollte man sich jedoch fragen, wie man am besten reagiert, wenn man sich plötzlich in einem Raum mit einer durchaus ungewohnten musikalischen Situation befindet, dann empfiehlt Vadim Karassikov lächelnd eine uralte indische Lebensweisheit: «Was immer sich vor dir abspielt, versuche nicht, es zu fassen und etwas damit anzustellen, sondern lass es kommen und lass es gehen.» Das ist übrigens für ihn das Wesentliche, was man vom Zen-Adepten John Cage heute noch lernen kann: «Mehr Energie, mehr Interesse und mehr Kraft entwickeln, um die Dinge einfach geschehen zu lassen. Den Willen, die Mittel zu verbessern, die einen der eigenen Natur näherbringen. Ansonsten hätte er nie Daisetsu Suzuki aufgesucht und nie das komponiert, was er komponiert hat, ganz besonders in seinen letzten Jahren.»

Deutlicher noch als Cage hat allerdings das Spätwerk von Mozart seine Spuren in The Absent hinterlassen – der Anfang des Streichquartetts KV 589 findet sich als kurzes Zitat an prominenter Stelle. Für Karassikov bündelt sich in diesen Takten das Gefühl totaler Verletzlichkeit, Vergänglichkeit und Schutzlosigkeit einerseits mit unendlicher Schönheit andererseits: «Der Beginn des Allegros ist der stärkste und brillanteste musikalische und künstlerische Ausdruck davon – das größte Glück und die größte Traurigkeit, die das Leben bereithält, beides zur gleichen Zeit. Man muss sich nicht wehren, es gibt nichts, gegen das man sich wehren müsste. Alles Page de droite / Rechte Seite: ist nur unglaubliche, unvergängliche Schönheit. Das ist das Wesentliche. Mozarts Vadim Karassikov letzte Worte. ‹Ich kann nichts mehr damit anfangen. Aber schau, wie schön es ist.›» (photo: Bernhard Günther)

82 83 The Antidote If we now have a look at the word «reality», the precise meaning of this word is «something which is always there, something which doesn’t come and doesn’t go.» About nothing, sleep, yoga, art as a game, life as a drug, Everything that is sometimes there and sometimes not is not «real» in this way. Cage, Mozart, and espressivo The very term presumes that it should always be there. Now look at your body Vadim Karassikov in conversation with Bernhard Günther and, let’s say, your mind: Were they always present for you? Of course not. For instance, when you are asleep, you have neither body nor mind for eight hours. OK, for a few hours within those eight hours, you have something like a mind, but a very strange form of it. You sometimes even have a body inside this [state of mind], but this is not the body you are used to. But there are also long periods within your sleeping time where you have absolutely nothing to identify yourself with. In medicine, this is called the phase of deep sleep. In Indian yoga it’s called the same, «susupti» in Sanskrit. For Western medicine, this deep sleep is What or who is The Absent? just one of the states of human consciousness. They say there are some processes in the brain that switch off nearly everything, and somehow, the person sleeping The Absent, and whether it is who or what – the double meaning is deliberate – is feels like nothing is there. This is a function of the brain, they say. your and mine and everyone else’s true name, as I perceive it, or it is rather the name of our mutual and single true nature. […] If you ask anyone «who are you, do you think?», normally people answer something like «I’m Max», «I’m Anna», Music like breathing whatever. This means that they have some unconscious identification with their body, which is called somehow «Max» or «Anna» or «Vadim». At the same time In India, they think totally differently. They say that in this state of deep sleep, they say «my hand», «my body», «my head», «my ear», which means – even if they where there is seemingly nothing, something still remains, because when you wake are unaware of it – that their true nature is somewhere else, because the object up, you are still Bernhard Günther and not Marino Formenti. You stay the same and the subject cannot coincide. If you perceive something as an object, you as a being, otherwise you could wake up as a bird or a frog. Even though there has subject should be definitely somewhere else. If you say «my body» it means that been quite a big gap, where there was nothing, your nature has not changed. That this body cannot be you. You perceive this body as your object. Even if you are means that your nature is certainly somewhere else, behind this mind and body. very tangibly, strongly tied to this body, somehow you can feel that you are not Because one cannot so easily grasp that nature which never comes and never goes, only this body, that it’s something you deal with, but not the only thing that you it seems to be the absent, it seems as though it is not there at all. In the period of are. […] deep sleep, there seems to be nothing.

The second thing is that of course one can immediately say: «No, the body is I would like to go from the philosophical level to the level of experiencing your music. Today OK, but what about personality?» «Anna» is not only the name of an object like we have been recording the cello parts that will form the video part of the concert. After the the body, it’s also the name of a person, a certain personality. And what is this recording, one of the technicians said to me that this kind of music makes you aware of personality actually? It is something which is almost ungraspable, which has to do the sounds you have ‹in your ear› when there is nothing. Is there a connection between the with the mind. And mind by itself is not such a durable and palpable thing which philosophical level of The Absent, of something or somebody not being present, and this one can touch and smell. It’s something which has to do actually only with waves, music which makes you perceive things in a different way, different from what you would as physicians would say. Of course the mind is nowadays very much detectable, normally expect from a concert? and scholars have spent time investigating what it is, and it certainly has a wave nature. So it’s somewhere in space, not only in the body. And this personality has You just said there is a connection. Before you asked the question, you gave the to do with this very fleeting, ungraspable mind. answer yourself.

If you look at the mind in a more simple way, like normal people do, you see that This is what one of the technicians said after having listened to this music. But is that there is quite a rich stream of different sorts of thoughts. They all overlap, they something that you want the audience to experience, perceiving a concert in a different way seem to be totally chaotic, unless you really try to order them, and even if you try, that makes them think about something being absent? there are still a few layers in this stream and it is very multi-dimensional. It’s not unified. And this personality is somehow what is dwelling inside this very rich, This is something reality wants to do. It is their own real nature which makes them multi-dimensional stream of thoughts. […] get to themselves by means of this project’s music. It’s not me, because me, just like them, I am only a tiny part of this impersonal field of consciousness, which seems The basic thought of this stream is «I am». What is that? It is also only one to be absent for a certain time. But when something short like this Karassikov thought out of all the rest, and this «I am», attached somehow subconsciously piece turns up – but there are many other moments –, it means that reality wants to the body, and this small link between the thought «I am» and an object like you back. It uses Karassikov only as a tool to draw you back to itself. Therefore, the body means that this is the very plain structure of personality. Afterwards this technician feels like he is hearing something that normally is not there. It is of course, on this basis, there is this huge construction of different relations of not in his ear, but in his mind. I would even say that it was not in his mind, but this «I am» with totally different fields of different objects. First of all, of course, in a field beyond his mind. The music already exists in this field beyond mind. the body, then all the surrounding objects which the body is embedded in, like other bodies and objects which are supposed to be inanimate.[…] Anna, Max, or This beam of sunlight falls on this paper, gives a part of itself, a part of its quality. whoever somehow identifies themselves with this huge amount of very different This way, they become one for a moment. This is exactly what happens with this The interview was recorded at Philharmonie Luxembourg thoughts. They think that this huge thing is what they are. But all of that is only music. It’s not done deliberately, I just cannot avoid it. It’s a function I can be in June 2012. in the mind. aware of but which is not about conscious intention. Like breathing.

84 85 Tourists rushing out of a Buddhist temple But you’ve chosen those situations very carefully. So, how do you establish the state of mind of the listener at the beginning of this project? On his or her way to the Grand Auditorium, Someone can come and say that this music does not touch him or her, someone even before he or she takes a seat, he or she has already listened to some of this very delicate else that he cannot bear it, and someone else again might react like an old woman music. in the audience one time in Edenkoben. She told me she felt somehow spaced out, that she had a strange experience of not being there. It depends on the state Of course it would be a joke to say that this is a sort of exercise, but this is a sort of mind of the listener. For the technician, the music was a means to open up the of situation where you really wish to have an experience of being concentrated resources of his own mind. It is not me that does it, but his own mind. The means on something which is really important, while finding yourself in the midst of could also be something else. If he entered a Buddhist temple in China or Tibet, something which is just day-to-day activity, which is not as important as this. it might have happened a hundred times as strongly as here. It always happens in And it has its own playful quality, which I wouldn’t like to banish from music places that have a strong link to an awareness of this reality. and art in general. In India, they say: look at a village woman – she is at the same time holding a fragile vessel with milk in her hands, grinding corn with her feet, For instance, it has been reported that there have been cases where normal looking after her child, and chatting with a neighbour. It’s supposed to show that tourists from Europe were allowed to enter the meditation hall, which is normally even though she is busy with lots of things, she can nevertheless take care of the forbidden, when they were visiting a monastery in Japan. Especially women, milk vessel. What I mean is this: even when people are taking off their coats, it is because they have a more fragile sensitivity. They entered and felt the energy of being suggested that they pay attention to this little important thing, because this this empty consciousness so strongly that they physically could not bear it and is what they came for, not the coats. If there was only flute-playing in this space, rushed out. There you can see how strong it can be. Sometimes it became milder it would be a totally different situation. I didn’t mean that. In our case, we really and they got to enjoy it. It depends on how mature the personal interest in this wanted to create the need to pay attention to something important while being subject is. in the midst of something less important. At one and the same time it is art and clearly a game. Do you see your music as a sort of meditation hall?

Yes and no simultaneously. In a way yes, because every kind of music requires «Any other activities are going on at the same time» (John Cage) concentration by the mind, except entertainment music. Let’s say every «ernste Musik» [serious music], every kind of music that is not supposed to be commercial In entertainment music, which you mentioned before as a kind of music where you don’t entertainment, that is not café or restaurant music – it can be from 1,000 years have to concentrate, this is typical: in an elevator you don’t pay attention to the music, while ago. You have to concentrate on this music, otherwise you cannot adequately in The Absent, you might have the feeling that you miss something. When you are in a perceive it, right? In this way it requires the mono-directed mind: concentration. place with background music, for example a restaurant, do you pay attention to it, or do you […]. In this sense, yes, it can be a meditation hall. The word «meditation» is try to cut it off from your perception? extremely imperfect and totally rejected by the masters of yoga, but everybody knows and uses it to refer to these things. Meditation means merely «thinking Normally I feel very much disturbed, to tell the truth. Therefore I simply avoid about something», which is not the same as in our case, where all you have is an places with that kind of music, unless I’m invited by really good friends. I try object and your more or less strong concentration on it. It happens every time to never visit restaurants, I have no lift in my house, and when I am in a taxi you go to a concert. It can be Liszt or Cage or whoever. If you want to listen to it or in Russian public transport, where they very often play music, usually I’m properly, you have to concentrate on it. And that is meditation, in a way. very disturbed. It is even worse than non-musical technical noise, because it does attract attention. It demands me a great effort to face it. But, well, it has its In your own music, do you address this need for concentration in a very special way? function. I know some surgeons, for instance, who cannot concentrate on work without background music. This is the problem of the mind that has become so Yes! Because what is important is that in this music you can feel and detect and weak that it can only deal with the problems suppressed in unconsciousness by perceive very special qualities. It’s often terribly difficult to understand where means of strong drugs like background music, background talking, background there is music and where there is no longer music. Sounds are not always present, reading, background activities of the body, background living. You see, it sounds they emerge very ambiguously and disappear in the same way. This music needs almost like black humour: for some people, all living activities, what is supposed a very, very high degree of concentration, otherwise almost everything will be to be their life, are nothing but a medicine, a tool against their mind. lost. That is an important aspect of its ungraspability, of where there is music and where there is not. Do you see your music as a strong drug?

In The Absent, there are two parts at the beginning where you seem to mix your music No, it is the antidote! The strong drug is life itself. When you see those huge into situations where one cannot fully concentrate. For example, there is a flute solo in the supermarkets with tempting, beautiful pictures, beautiful cloths, beautiful food, beginning which takes place in the wardrobe. Where people are hanging their coats, a flautist whatever, everything attracts your attention – those are drugs. This music is the plays very delicate sounds. When people enter the concert hall and find their orientation, antidote to it. Some people can be made sick by it, just like the woman in that find out what this concert is going to be like, something very delicate emerges. And there’s story about the Zen monastery in Japan. The energy of the emptiness was so the second part, where people walk by a long hallway and have a glimpse of a very delicate strong that it stripped her of all those tools of self-defence. She was forced to face musical event, which is there in the distance, and it is hard to grasp, especially as they will her own mind. She was only there, and that made her helpless. All her problems, have only a few seconds looking at it while they are passing on their way to the concert hall. suppressed for decades by all the wonderful objects around, her husband and So, in this project you are incorporating your music into situations where the audience will children that didn’t let her concentrate, they were medicine against her own not be fully concentrated. mind, and when she found out, she could not bear it. It happens every time when people start practising meditation. Most people give it up immediately, because Yes. the things they see are so heavy. Events that make you nervous or make you feel

86 87 bad get imprinted on your mind – that is no longer just philosophy, but what them almost unimportant, but in truth all of them are simply totally equal parts experience tells us. To suppress them, you need medicine. Most people use strong of something which is important by itself and for itself. It’s like a huge field of drugs, like TV, Internet, mobile phones, the gym, whatever can distract them. The light from which one can take different beams of light. One is very thick and long, other way is that of the Zen monks: they don’t try to run away from the problem, another one tiny, but both are of the same substance or nature. This is what one they let it come out and look at it. It can be unbearable, but after some seconds, it can learn from all this music, irrespective of whether it is Cage or this project, is no longer that unbearable, and after a couple of minutes, you find out that this and many other people can suggest these gates to this learning – or rather feeling, problem does not affect you so much, so it’s gone. Forever. because learning is something intellectual, whereas this is something that surpasses the intellect.

«How to Improve the World (You Will Only Make Matters Worse)» (John Cage) Mozart’s last words

What advice would you give to a listener to a performance of The Absent who finds himself At the beginning of the second part of The Absent, there is a quotation from a very famous or herself in a situation that he or she is absolutely not used to? Somebody who is used to Mozart string quartet (the first notes of KV 589), which brings me to the question: how do more distraction? Here, it is not easy to go away, because the audience is sitting on stage with listen to, for example, Mozart’s music? some musicians and it is very silent. Oh, that is a very special question. This is going to be a bundle of very strange The recommendation has existed for thousands of years, for example in Asia: answers of mine, but I will try. It has a very, very… people would say, «personal whatever appears in front of you, don’t try to grasp it and to do something with meaning» for me, this quartet and this quotation. But I want to put it another it; just let it appear and let it go. And in ancient Greece, too, there were many way: it has a special quality. Both for this project and, in general, for what I masters (I wouldn’t call them philosophers) who practised something like yoga would call my perception of music. As simply and briefly as possible: he wrote and tried to cultivate in themselves the quality of «Ataraxia», which means «being the quartet [in 1790] when he had a strong intuition that he was about to go. totally unaffected by the world.» You can also read it in John Cage, although he is He had those feelings, but not about all those terrible day-to-day problems, the not a Zen master, but someone who tried to enter this field. He attended classes money worries that went on for years, which seen from today are totally ridiculous given by Daisetz Teitaro Suzuki in New York, who was not a Zen master either, and unnatural because he was one of the most famous composers of the time, but was a popular writer about Zen. Cage wrote a phrase that goes like this: «How even though he was very young. People wanted him a lot, and he had a lot of to Improve the World (You Will Only Make Matters Worse)» [the title of his authority over musicians, even though he was only 30. But still he could barely Diary from the 1960s to the 1980s]. That means: Don’t interfere. If you do, you live on what he could earn as a composer and musician, and he was playing in an will make things worse. Of course this is a problematic phrase that doesn’t fit your entertainment atmosphere, not a serious one. day-to-day activity, because if you don’t interfere, things will go to ruin totally. But that advice is not for day-to-day activity, it is for things like this project, or for In this quartet – his second-last, not his last– the feeling of transitoriness of time is people who want to learn more about their own nature. The advice is perfect for so strong. The feeling of being transitory, that all events are so ungraspable, so … the project. It doesn’t matter in what state of mind or mood people are in when unreal, actually. That his life is now about to finish and everything is about to be they come to this project, the best advice for them is to just be here and let things ruined and fall apart, irrespective of his musical merits, authority, and talent, his happen, without moulding it into notions and terms. Just let things happen. incredible talent. I like many composers, but for me, nobody compares to Mozart. But irrespective of all that, he felt that life was passing by, everything becoming These notions of «letting things happen» as well as «silence» and «noise surrounding silence» ruined and out of his hands, and he could not find anything firm to hold to. or «noise surrounding music», they were all very important for John Cage. There is one All those feelings are very familiar to me. In this quartet, and especially in this question that I have been asking lots of people for this year’s rainy days catalogue: What can quotation, in its first movement, to my mind, there is the essence of this feeling of we learn from John Cage today? total vulnerability and total defencelessness in the face of this life that surrounds me. I feel absolutely that he felt the same way. One can say that this is totally To acquire more energy, more interest and more power for letting things happen. idiosyncratic, that it is simply my personal attitude, and I could accept that. But I This is what one can learn from John Cage today. It was actually his main interest, still feel he had the same feeling as I have. In this movement there is the strongest as far as I can judge. I have never been a big fan of John Cage, to be honest, but and most brilliant artistic expression of this. of course I appreciate his work and even more his willingness to really improve his own means to be closer to his own nature. He obviously had that wish, otherwise This very theme, from which I have taken only a few notes, is the utmost happiness he would never have visited Suzuki and composed what he composed, especially and the utmost sadness that this life may bring. Both opposites at the same time. in his last years. It is total defencelessness and being nothing in face of all this, and at the same time incredible beauty and happiness, a feeling of, even though there is this It’s a game. That may annoy someone, because I always avoid the feeling that defencelessness in the world of objects, not needing defence because there is there is personal merit, you know? On Cage’s part, or mine, or anybody’s. I would nothing to defend against. Life seemed to him like uninterrupted danger, because suggest that what seems to be personal is in fact impersonal. What seems to be it was like death for him. But in this music I feel that he had a sort of intuition, multitude is in truth unity. The multitude is just one imaginary state of the one and even if it was unconscious and he would not have formulated it, I can single reality, the means of entertaining this reality. To entertain itself, reality has hear it and detect it in this music: that there is no need to defend oneself from to split itself into huge numbers of sectors of perception and to carry out lots of anything. That everything is just beauty, incredible and eternal beauty. That is games of different kinds, with a terrible number of actors inside, and these actors how I perceive this music, and therefore I took this quotation. There are lots of are what we are used to perceiving as personalities. But all those personalities are incredibly beautiful subjects in Mozart’s music, but this is the essence. It is, so to only manifestations of one and the same thing. They are all equally important, say, his «last words», what he could say at the end. irrespective of who they are. Some of them seem to be very important, some of

88 89 Is it a moment of letting go à la Cage for Mozart? places, this is what our objects are, or thoughts in the mind (because every object is actually nothing but thought). This is the music within the mind! The paper can No, I don’t think so. There are many recollections by other people of similar become flat again, and then it will be switching off, so the mind is empty again. experiences, like Pushkin for example. He was interested in Mozart and wrote some incredible things about his situation, which he probably did not understand It’s the same with the air. When the weather is calm, we cannot perceive the air, or himself. There is one sentence of his: «Mozart, you are God, and you are unaware at least we don’t notice doing so. But when there is a huge tornado, the air is very of it.» And Pushkin was absolutely not religious. Mozart tried to say «Even though perceptible, because the wind takes this and that and our umbrellas go «pffffft», everything is gone, just look how beautiful it is. Even though it’s absolutely we can physically see that the air takes on a certain form. But this is one and the useless for me, I cannot take it, it doesn’t help me, but look how beautiful it is.» same air. So it is with music and the silence of the mind. For Cage it is something different. Just a different way. I would never compare them, actually. Cage wanted to get out of music, hence all those famous pieces Is your music meant to be espressivo? where there is no musical material. Mozart›s talent was so strong that he did not need 4’33’’, he needed to show it by music. He did not need silence, he needed Yes. What is espressivo? To express something means to make something be something like lightning, which is also silence, because, you know, in truth there present. To make something be present necessarily implies that it should have is no difference between sound and silence, and there is no difference between been absent before. If something is always there, you will not know what presence emptiness and the object. is because you identify presence or absence only due to its opposite. When something was not there, and now it appears, you say: «Ah, it wasn’t there before» – it was absent, now it is present. Disturbances of vacuum

It’s not just a philosophy, it’s science nowadays. For normal people it seems like a paradox. An object is an object, and emptiness is when nothing is there. But for scholars, all objects are nothing but a local disturbance of emptiness, of vacuum. They describe the whole universe as a huge agglomeration of local, complex disturbances of something which is not there. Vacuum has certain disturbances in its boundless field and these disturbances take the form of waves. Those waves, being in incredibly complex connections, are seen by us as objects. Including our bodies. This body is nothing but an extremely complex connection of waves of vacuum. So, it is emptiness itself.

You just said Mozart didn’t need silence. Do you need silence?

Yes – because silence is what I am. It’s myself.

John Cage said in a late interview: «When I hear what we call music, it seems to me that someone is talking.»He didn’t want to be talked to all the time, so he finally preferred noise and silence. He did that interview in a very noisy place with a lot of traffic, and he said that he preferred that kind of noise and silence because it doesn’t talk to you, while music is talking. Do you have the impression that your music is talking?

No, not talking. There is one expression of a very great Indian master, Ramana Maharshi: «Silence is nothing but uninterrupted speech.» I wouldn’t say that this Karassikov music is talking or language. It’s rather a manifestation of what silence is. In this sense, I said that before – for Mozart there was probably no difference between silence and the different forms that silence may take on. And it is the same here: this music is simply a form of silence. One can perceive it or one can render it as speech or talking, if one is willing. I’m not willing. So, for me there is no difference between sound and silence. By silence, I mean silence of mind. Because silence is nothing outside the mind. Everyone can see that: just go into a silent studio. First, it will be totally silent, but then you will hear your mind blabbering. The noise is in your head. First of all, one should really get rid of the noises inside one’s mind, and then there will be silence – and this silence is my, your, and absolutely everybody’s true nature.

There are no levels in it, it’s single. So, for me there is no difference between sound – whether in this project or in any other music, whoever composed it – and silence. In my view, it’s as if silence would be this smooth, flat sheet of paper here, and at certain moments this smooth, perfectly flat surface, certain parts of it, could somehow become curved and disturbed. And these, as it were, imperfect

90 91 «Living Room Music»

Samedi / Samstag / Saturday John Cage: 01.12.2012 20:00 Five Dances (arr. for string quartet by Eric Salzman, 1996–1997) Studio Lucilin (20a, rue de Strasbourg, L-2560 Luxembourg) N° 5: A Room (1943) – 2’

United Instruments of Lucilin Ryoanji for any solo from or combination of voice, flute, oboe, trombone, André Pons-Valdès, Tomoko Kiba violon double bass ad libitum with tape, and obbligato percussionist or any Danielle Hennicot alto 20 instruments (version pour flute et percussion, 1983–1985) – 10’ Christophe Beau violoncelle Pascal Meyer piano String Quartet in Four Parts (1949–1950) – 2’ Sophie Deshayes flûte IV. Quodlibet Marcel Lallemang clarinettes Olivier Sliepen saxophones Marcel Reuter: nouvelle œuvre composée sur place (création) / Guy Frisch percussion an Ort und Stelle komponiertes Werk (Uraufführung) – 3’ Claude Origer trombone Elisabeth Flunger cooking performance John Cage: Marcel Reuter performance (composition) One4 for solo percussion (1990) – 5’ Françoise Rivalland performance, coordination artistique Solo for sliding trombone (1957–1958) – 8’ John Cage: from the Concert for piano and orchestra for any solo or combination of Our Spring Will Come for solo prepared piano (1943) – 5’ piano, flute, clarinet, bassoon, trumpet, trombone, tuba, 3 violins, 2 violas, cello,and double bass, with optional conductor Two 3 for sho and five conch shells (two players) (1991) – 10’ Suite for Toy Piano (1948) – 7’ Eight Whiskus for solo violin (1985) – 6’ I – II – III – IV – V

Credo in US for percussion quartet (including piano and radio or phonograph) — (1942) – 12’ en parallèle / simultan: Living Room Music for vocalising percussion quartet (1940, extraits) – 6’ Textes de John Cage lus par Françoise Rivalland (en français) — Bureau: Pendant l’entracte / Während der Pause: John Cage: WGBH‑TV for composers and technicians (1971) Malcolm Goldstein: Gentle rain preceding mushrooms (in memoriam John Cage). Vocalise for violin and voice (1992) – 15’ Écran: Projections d’interviews et documentaires sur John Cage Cooking performance John Cage: Song Books for solo voice (1970): Solo for voice N° 46: Theater (irrelevant). Prepare something to eat En coopération avec United Instruments of Lucilin —

92 93 Credo in US around a complex rhythmic scheme – 4, 7, 2, 5; 4, 7, 2, 3, 5 – although this is This work was originally used as music for the eponymous choreographed piece not really audible. Originally, Cage intended A Room to be part 3 of She is Asleep. by Merce Cunningham and Jean Erdman, following the phraseology of the dance. Together with four other (prepared) piano pieces it was arranged for string quartet It is the first instance wherein Cage uses records or radios, and also incorporates by Eric Salzman in 1996–1997 and published by Peters under the title Five Dances. music of other composers (he suggests Dvořák, Beethoven, Sibelius, or Shosta- kovich). He described the work as a suite with a satirical character. Erdman recalls Ryoanji that for the first performance, a ‹tack-piano› was used (a piano with thumbtacks In 1983, Cage began a composition-in-progress called Ryoanji, named after the inserted into the felt of the hammers). The pianist mutes the strings at times or rock garden in Kyoto, Japan. This garden is a collection of 15 rocks, placed in plays the piano body (as a percussionist). a landscape of raked, white sand. In the summer of 1983, Cage started a series of drawings entitled Where R=Ryoanji, using (by drawing around) 15 different Eight Whiskus stones. Around the same time, the oboist James Ostryniec asked Cage to write The title of this work combines «Whistlin’ is did» by Chris Mann (source text a piece for him, which resulted in the first part in a series of pieces entitled for the vocal version composed in 1984) and the word «Haikus.» In the original Ryoanji. Between 1983 and 1985, Cage added four more: for voice, flute, double version for voice, Cage used eight mesostics written on the first three words of bass, and trombone. (In July 1992, during an interview with Joan Retallack, with Chris Mann’s text mentioned above. Cage used MESOLIST, a computer program cellist Michael Bach present, Cage made sketches for a cello part which he never written by Jim Rosenberg, to write these mesostics, which follow the Mink rule for completed.) These solos (in any combination or as solos) are always accompanied a pure (100%) result. This means that between two consecutive capitalized letters by a percussion part or a similar 20 member orchestral part. Each is a series of neither of the two letters appears. He assigned syllables of the text to the notes eight songs, with the exception of the part for voice, which has nine. A song is of the F-minor scale. After consulting with the violinist and composer Malcolm created on two pages, each of which contains two rectangular systems. In each Goldstein, Cage reworked the composition «such that the vowel and consonant rectangle, Cage traced parts of the perimeters of the given stones. These curves qualities of the poem are transformed into various bowing positions, gradations are to be played as glissandi within the given pitch ranges. In some places, of bowing pressure, and forms of articulation» (Peter Niklas Wilson, liner notes contours overlap, thus making materials impossible to play. In these cases, one for the CD Wergo WER 6636-2). or more tape recordings are used, with which the soloist plays a duet or trio. The percussion part is a single complex of two unspecified sounds, played in unison, Our Spring Will Come wood and metal. The metres for these materials are twelve, thirteen, fourteen, This music was used for the eponymous choreographed piece by Pearl Primus. In or fifteen. The twenty musicians of the orchestra independently choose a single it, Cage uses prepared as well as unprepared piano tones, giving the composition sound, which they then use for the entire performance. They should play in an unusual effect. The preparations include bamboo strips, screws (including hook), «Korean unison», their attacks being close, but not exactly together. These parts nuts, and bolts. This is a lively and rhythmically intense work, set in a kind of are a series of quarter notes (as in the percussion part), which (different for each rondo form. instrument) are to be played slightly before, slightly after, or more or less on the beat. The soloists represent the stones of the garden, the accompaniment the Tw o 3 raked sand. This is the solo sho part for the Cage work entitled One9. There are ten pieces of different and flexible lengths. All have flexible time-brackets for the sho part Quodlibet and fixed time-brackets for the conch shell part. The shells contain water and by The complete String Quartet in Four Parts consists of four movements: Quietly tipping them they might produce audible bubbles. The conch shell part contains flowing along – Slowly rocking – Nearly stationary – Quodlibet. The rhythmic structure ten time-brackets, one for each piece, with a number (referring to one of the is an unvarying 2 1/2, 1 1/2, 2, 3, 6, 5, 1/2, 1 1/2, for a total of 22 units of shells) and a superscript (giving the intended number of bubbles to be produced). 22 measures each. It is a work of great simplicity, reminiscent of Erik Satie and Any one of the three parts of One9, with or without Two 3, may be played with 108. in a way a further step toward Cage’s abandonment of self-expression. As in his Sonatas and Interludes, it deals with the nine permanent emotions of Indian Living Room Music philosophy, as well as the Indian notion of the seasons, i.e. creation, preservation, The first and last movements of this piece are to be played on household objects, destruction, and quiescence. In the first movement, the subject is Summer in such as magazines, a table, books, or the floor, or using household architectural France, in the second it is Fall in America. The third movement is about Winter, «objects,» such as window frames. The optional third movement is a melody and the fourth, about Spring, is a welcome and quite sprightly quodlibet. performed by one player on «any suitable instrument.» The text of the popular The work uses gamuts of sound, as do most of Cage’s compositions from this second movement, «The World is Round,» is by Gertrude Stein. period. The collection of sonorities here is relatively small and never transposed, fragmented, or arpeggiated. For more background information on the gamut Solo for voice N° 46 technique, see Cage’s Defense of Satie (cf. p. 29–33). The strings here are played The collection Song Books for solo voice (1970) contains 90 different Solos for voice without vibrato, and those to be used for tone production are specified. (N° 3–92). Any number of solos may be performed in any order and any super- impositions may be effected. Each solo belongs to one of the following categories: One4 1) Song. 2) Song using electronics. 3) Theatre. 4) Theatre using electronics. Each This score consists of six time brackets for the left hand and eight for the right, solo is relevant or irrelevant to the subject: «We connect Satie with Thoreau». Solo each containing a single sound. Thus, there are a total of fourteen sounds heard for voice N° 46 consists of the following instruction to the interpreter: «Prepare throughout the entire composition. Dynamics and choice of drums and cymbals something to eat.» (cf. p. 114 & 116) are free.

A Room Solo for Sliding Trombone A Room was composed in 1943 for piano or prepared piano. It is a short The complete Concert for piano and orchestra is to be performed, in whole or composition with a constant, flowing pulse, set in a minimalist style. It is built in part, in any duration, with any number of the above performers, as a solo,

94 95 chamber ensemble, symphony, concert for piano and orchestra, aria, etc. It was used as music for the choreographed piece by Merce Cunningham entitled Antic Meet, with stage decors and costume design by Robert Rauschenberg. Concert for Piano and Orchestra has no score, but rather consists of highly detailed parts. Any performance may include all of the instruments, but the work may also be performed as a solo, duet, trio, etc. Should this occur, the title should be changed to reflect the chosen instrumentation, i.e. Solo for Piano. The notation of each part uses a system wherein space is relative to time. The amount of time is determined by the musician and then altered during performance, by the conductor, whose role is to act as a chronometer on the podium whose arms simulate the movement of the hands of a clock. Notes are of three sizes, and may refer to duration or amplitude or both, interpreted by the performer. This work is a tour de force compilation of then contemporary compositional practices, with each of its solos involving as many playing techniques as possible. The part for pianist, for example, is an aggregate of 84 different kinds of notation, written on 63 pages, and composed using 84 different compositional techniques. The pianist may play the material in whole or in part, choosing any notations, elements, or parts, and playing them in any order. Cage’s composing means involved chance operations, as well as the use of the imperfections found in the paper upon which the music was written. This work may be performed in combination with Solo for Voice 1, Solo for Voice 2, Fontana Mix, Aria, Indeterminacy, Song Books, and/or other related indeterminate pieces such as Variations I & II.

Suite for Toy Piano This work was originally used as music for the choreographed piece A Diversion by Merce Cunningham. This suite is in five short, numbered movements, and obviously employs a very limited gamut of tones: the nine white keys from E below middle C to the F above. Those for movements I and V are limited to five tones: G to D. Only in movements III and IV do all nine tones appear. The rhythmic structure is 7–7–6–6–4. This suite is one of Cage’s most charming and whimsical compositions. It is humorous and somewhat ironic, giving exaggerated dynamics that can’t be fully realized on a toy piano, i.e. from sffz to ppp. (cf. p. 135)

WGBH-TV The score consists of three leaves and comprises only the correspondence between and among Cage, the television station WGBH-TV, and Eva Smerchek of the Caledonia Woman’s Club who asked Cage to donate a work for an auction to benefit retarded children (cf. the similar score of Cage’s Rozart Mix from 1965 which consists of the correspondence between Cage and Alvin Lucier concerning preparations for the performance). The first leave is a letter to Cage from Eva Smerchek, the second a fax leaf of Cage’s reply, and the third, written on a stamped envelope, contains instructions for the realization of a TV/film, written at the request of WGBH Television in Cambridge, Massachusetts. The actual sounds that can be heard are those produced by a composer while composing a piece. A film of John Cage performing this work is available from C.F. Peters.

Malcolm Goldstein: Gentle rain preceding mushrooms (in memoriam John Cage) The piece was written in Sheffield, Vermont, around Cage’s death on August 12th 1992. The day before John Cage’s death, Malcolm Goldstein wrote: «Death rattle of wings / dragonfly at my doorstep (Vermont Aug. 11th 1992)». The score, finished on August 19th 1992, only defines a few tones (c–a–g–e) and lets the interpreter decide upon the realisation, as «a sounding celebration» of the name Cage.

Page de droite / Rechte Seite: Marcel Reuter: New work John Cage, working at cf. John Cage: WBGH‑TV home (New York, 1989) The programme notes for John Cage’s compositions are based on the Photographer: Rene Block John Cage Trust’s database online at www.johncage.org. Courtesy of the John Cage Trust

96 97 «A Liquid Room for John Cage»

Jeudi / Donnerstag / Thursday 29.11.2012 20:00–23:00 Kurt Schwitters: Sonate in Urlauten (1932) (extraits / Auszüge) Grand Théâtre de Luxembourg, Arrière-scène Anton Webern: Drei kleine Stücke op. 11 für Violoncello und Klavier (1914) (1, rond-point Schuman, L-2525 Luxembourg) Arnold Schönberg: Suite op. 25 für Klavier: Gigue (1923) Johann Sebastian Bach: Suite Es‑Dur (mi bémol majeur) BWV 1010 Ictus für Violoncello solo: N° 6: Gigue (–1723) Tom De Cock percussion Jennifer Walshe: Historical Documents of the Irish Avant‑Garde Vol. 1: Dada François Deppe violoncelle for voice and DVD (~1921) Jean-Luc Fafchamps piano John Cage: Radio Music for 5 performers (1956) Tom Pauwels guitare Jean-Luc Plouvier piano «Construct 3 – more superimposition» Michael Schmid flûte Morton Feldman: Last Pieces for piano (1959) John Cage: Empty Words (on tape) (1978) Judith Vindevogel voix Turntable and voice Jennifer Walshe voix, ukulélé John Cage: Sonatas and Interludes for prepared piano (1948) Wilfried Van Dijck production (extraits / Auszüge) Alex Fostier son John Cage: The Wonderful Widow of Eighteen Springs Vanessa Court assistant son for voice and closed piano (1942) Tom Bruwier lumière John Cage: Sonatas and Interludes for prepared piano (1948) littlebit Köln – Lukas Becker, Angelika Maul, (extraits / Auszüge) Martin Schmitz, Stefan Schöneberger technique James Tenney: For Ann (rising) for tape (1969) John Cage: Sonatas and Interludes for prepared piano (1948) «Construct 1 – a superimposition» (extraits / Auszüge) Morton Feldman: Last Pieces for piano (1959) Larry Polansky: Songs and Toods for the Lou Harrison National Just Christian Wolff: Stones, on stones (Prose Collection, 1971) Intonation Resonator Guitar (2005). Song: Sweet Betsy from Pike Larry Polansky: Songs and Toods for the Lou Harrison National Just Henry Cowell: Advertisement for piano solo (1917) Intonation Resonator Guitar (2005). Tood: 85 Chords («The Historical Pierluigi Billone: Mani.Mono for spring drum (2007) (extrait / Auszug) Tuning Problem») (for jim tenney) Henry Cowell: Exultation for piano solo (1921) John Cage: 45’ for a Speaker (1954) (extrait / Auszug) Henry Cowell: Tides of Manaunaun for piano solo (1917) Henry Cowell: Anger Dance for piano solo (1914) Eva Reiter: Konter for double bass flute and tape (1988/2009) John Cage: Child of Tree. Cactus music including water and branches (1975) Alvin Lucier: Silver Street Car for the Orchestra for amplified triangle (1998) John Cage: Three Dances for two prepared pianos: N° 3 (1945) John Cage: Three Dances for two prepared pianos: N° 1 (1945) Jennifer Walshe: Carte Blanche Ukeoirn O’Connor: Three Songs for voice and ukulele John Cage: Imaginary Landscape N° 1 for two turntables, piano and cymbal Clinton McCallum: Dance up close to me II for Fender Rhodes and (1939) amplifier operator (2011) «Construct 4 – the last great superimposition» «Construct 2 – another superimposition» John Cage: Music for Marcel Duchamp for prepared piano (1947) Christian Wolff: You Blew It (Prose Collection, 1971) John Cage: A Flower for voice and closed piano (1950) Erik Satie: Sports et Divertissements (1914) (extraits / Auszüge) (partie piano / Klavierstimme) John Cage: Child of Tree. Cactus music including water and branches (1975) ~180’ sans entracte / ohne Pause Bar accessible à tout moment / Bar durchgehend geöffnet

En coopération avec Grand Théâtre de Luxembourg

98 99 Im fließenden Raum Ein kleiner Rückblick auf die Verflüssigung der Konzertsituation Bernhard Günther

Vor die Neue Musik haben die Götter den Umbau gesetzt. (Josef Häusler, Leiter der Donaueschinger Musiktage 1976–1991)

Die Konstellation, in der der «Liquid Room for John Cage» am 29. November 2012 über Monate hinweg seine fließenden Formen annahm – John Cage, Ictus, rainy days, Grand Theâtre de Luxembourg –, war so naheliegend, dass es Verschwendung wäre, sie nicht zu erwähnen: Ein Komponist, für den Raum, Bewegung, Simultaneität, Nichtlinearität, Überraschungen, Präzision und Vergnügen selbstverständlich zu Musik dazugehören. Ein Ensemble, das – frustriert von permanenten Umbaupausen – mit dem Format «Liquid Room» seit der Erstausgabe am 02.04.2009 in Brüssel daran arbeitet, die typischerweise holprigen Abläufe eines Konzerts mit zeitgenössischer Musik so fließend zu gestalten wie bei einem Jazz- oder Rockkonzert. Ein Festival, bei dem Alternativen zur klassisch-frontalen Hörsituation «Musiker auf der Bühne – Publikum auf Sitzreihen» ebenso selbstverständlich zum Programm gehören wie eine sportliche Auffassung von Dramaturgie. Ein Bühnenraum, der reichlich Platz und die notwendige technische Flexibilität bietet. Nicht zu vergessen: ein technisches Team (Grand Théâtre, Ictus, Littlebit und Philharmonie), das das alles ganz leicht aussehen lässt.

Die Kunst beim Pole Dance heißt, alles ganz leicht aussehen zu lassen. (Mallorca Zeitung, 2012)

Wie ein liebevoll zusammengestelltes Mixtape, das seine Adressaten für John Cage, dessen Klänge, Ideen, Umfeld und Folgen begeistern möchte – nur live, in 3D und manchmal simultan von mehreren Bühnen. Rund 40 Kompositionen stehen auf dem dreistündigen Programm am 29. November 2012, mal präzise, mal locker zueinander in Beziehung gesetzt. Den Grundstock bildet eine Auswahl von Werken, die Cage als junger Klangentdecker zwischen 27 und 38 Jahren schrieb, vom weltweit wohl ersten Stück mit Plattenspielern und ‹DJs› (Imaginary Landscape N° 1 von 1939) bis zu einigen der bemerkenswertesten Kompositionen für präpariertes Klavier. Dazu kommen (neben späteren Cage- Werken wie der berühmten Kaktus-Klangstudie Child of Tree von 1975) einige der furiosen Klavierstücke, die Cages Lehrer Henry Cowell während des Ersten Weltkriegs komponiert hatte, Johann Sebastian Bach, den Cage durch seinen ersten Kompositionslehrer Richard Buhlig entdeckt hatte, Arnold Schönberg, der Cage unter der Bedingung als Schüler akzeptiert hatte, dass dieser sein Leben ganz der Musik widmen werde, Cages Freunde Christian Wolff und Morton Feldman, die von Cage bewunderten Komponisten Anton Webern und Erik Satie,1 der von Cage alles andere als bewunderte Kurt Schwitters, James Tenney, der als Pianist selber Cages Sonatas and Interludes eingespielt hat, Larry Polansky, der sich als Zwan- Page de gauche / Linke Seite: zigjähriger für Cages Stücke der späten 1940er Jahre begeisterte, Pierluigi Billone, good luck der in Sachen Schlagzeug-Klangerfindung das von Cage erfolgreich besetzte Feld («Die Glücksformel») in den letzten Jahren komplett neu aufgerollt hat, und schließlich drei, die auch photo: étudiants du Lycée Technique des Arts et Métiers mit ihrer Verschmelzung von Komposition und Performance glatt als Cages Luxembourg-Limpertsberg Urenkel durchgehen könnten: Clint McCallum, Eva Reiter und Jennifer Walshe. (LTAM), voir p. 2 / siehe S. 2

100 101 Any other activities are going on at the same time. verständlichkeit.6 Im 19. Jahrhundert avancierte die Programmzusammenstellung (John Cage: Variations III, 1962/1963) zu einer Art Kunst, die – beispielsweise von Hans von Bülow, Chefdirigent der Berliner Philharmoniker von 1887 bis 1893 – strengen Regeln und Qualitäts- Dass eine musikalische Aufführung sich auf ganz unterschiedliche Weise in den vorstellungen unterworfen wurde.7 Seine Tabuisierung von «Quodlibet-Programmen» Raum stellen lässt, wurde zu Beginn des 21. Jahrhunderts vielerorts neu entdeckt – erstarrte im Lauf der Zeit vom Reformansatz zum konservativen Stereotyp allein bei den rainy days denke man an die Erfahrungen eines wandernden «Ouvertüre – Solokonzert – Pause – Symphonie». Ausgehend von den Rändern Festivalpublikums mit Manos Tsangaris 2006 in der Philharmonie oder mit Peter des Musikbetriebs wurden im 20. Jahrhundert solche Regeln und Standards immer Ablinger 2009 in der ganzen Stadt Luxemburg, an die komponierten und im öfter infrage gestellt. Zu den Motoren dieser Entwicklung gehörte nicht zuletzt Raum verteilten Programme des Klangforum Wien 2008 («Symposion») und 2011 John Cage – beispielsweise mit seiner vielzitierten Multimedia-Veranstaltung am («Oskar Serti»), an das Schwimmbadkonzert von 2008 oder an Olga Neuwirths Black Mountain College 1952, die später als das erste Happening der Musikge- Open-air-Collage von 2010, bezeichnenderweise inspiriert von dem anarchischen schichte bezeichnet wurde, später dann mit fröhlich-anarchischen Veranstaltungs- Simultankonzert, das der junge Joseph Haydn Mitte des 18. Jahrhunderts in formen wie Musicircus (1967) oder A House Full of Music (1982). Schon bei John Wien organisiert hatte.1 «Die Wahl von Konzertstück, Performance, Installation Cages erstem Auftritt in Europa am 17. Oktober 1954 bei den Donaueschinger oder Mischformen hiervon gehört […] ebenso zum Bereich kompositorischer Musiktagen wurden zwei seiner Werke simultan aufgeführt. Mal teilweise dem Entscheidung wie die Festlegung von Instrumentation oder zu vertonendem Text», Zufall überlassen wie bei Cage,8 mal präzise auskomponiert wie in Bernd Alois beschrieb Volker Straebel im Katalog der Donaueschinger Musiktage 2003 die Zimmermanns Musique pour les Soupers du Roi Ubu von 1966 oder Luciano Berios neue Freiheit2 – unter expliziter Berufung auf Cage. Mischbegriffe wie «Konzert- Sinfonia von 1968, mal als Schlussfolgerung aus der Entwicklung der Medien wie installation» (4.440 Google-Suchresultate Anfang November 2012) finden sich seit bei John Oswalds «Plunderphonics» oder Johannes Kreidlers «Musik mit Musik» – ungefähr dieser Zeit im kuratorischen Schatzkästlein des Musikveranstalters: «Der die Collage und Simultanschichtung ist längst zu einer unter vielen Möglichkeiten Begriff ‹Konzertinstallation› soll verdeutlichen, dass das Triptychon Musik – Raum – geworden, wie man unterschiedliche musikalische Darbietungseinheiten Publikum als Gesamtinszenierung – als Gesamtkunstwerk – zu verstehen ist».3 zueinander in Beziehung setzen kann.

Zur Selbstverständlichkeit wurde, dass nichts, The idea of this composition is nothing more than an invitation to a number of was die Kunst betrifft, mehr selbstverständlich ist… musicians, who perform simultaneously anything or in any way they desire. (Theodor W. Adorno: Ästhetische Theorie, 1969/1970) (John Cage: Musicircus, 1967)

Lose zusammengefügte Konzertsituationen für ein bewegliches Publikum wie Im Programm und Ablauf des heutigen Abends haben zahlreiche Gespräche mit die stundenlangen, lockeren Promenadenkonzerte in den Londoner Pleasure Tom Pauwels und Jean-Luc Plouvier, mit François Deppe und Michael Schmid Gardens, für die sich Leopold Mozart 1764 begeistert hatte,4 waren im Konzert- (sowie mit Thomas Schäfer, dem Leiter der Darmstädter Ferienkurse, der Jennifer und Opernbetrieb des 19. und 20. Jahrhunderts vor lauter Regeln nahezu in Walshe ins Spiel brachte, und dann wiederum mit dieser) Spuren hinterlassen, Vergessenheit geraten: keine Speisen und Getränke im Saal, keine Gespräche, ebenso die praktischen Erfahrungen aus den «Flüssigen Räumen», die zwischen kein ‹Szenenapplaus› mitten im Stück, kein Herumgehen, niemand verlässt dem Beschluss und der Realisierung des Luxemburger «Liquid Room» in Brüssel, den Saal. 1824 klagte Stendhal über die Erstarrung der Verhaltensregeln in der Hamburg, Darmstadt und Gent stattfanden. Die Anzahl der ‹finalen Versionen› italienischen Oper: «Was wird das skrupulöse Schweigen und die durchgängige und ‹ultimate songlists›, die im Lauf der letzten Monate in meiner Mailbox Aufmerksamkeit zur Folge haben? Dass weniger Leute Vergnügen finden.» 1910 landeten, korrespondiert in etwa mit der Dichte der Ereignisse am Abend selbst. setzte sich der Geiger und Komponist Karl Klingler in Berlin vehement für die Mit dem «Liquid Room for John Cage» erreicht die Veranstaltungsform «Liquid «Beifallsenthaltung zwischen den einzelnen Sätzen» ein. 1913 geht in Wien und Room» ihren nächsten Level und vorläufigen Höhepunkt. Herzlichen Dank an Paris als das Jahr der Skandalkonzerte in die Musikgeschichte ein. 1918 verboten alle Beteiligten und viel Vergnügen beim Zuhören! die Statuten von Arnold Schönbergs Verein für musikalische Privataufführungen in Wien jegliche Beifalls- und Missfallenskundgebung. Das letzte der großen 1 vgl. Katalog rainy days 2010, S. 64–71 Skandalkonzerte des 20. Jahrhunderts datiert Alex Ross auf den 19.01.1973,5 seither sind lärmende Störenfriede fragilen Konzertveranstaltungen mehrheitlich 2 bezogen auf ein Gemeinschaftsprojekt der Komponisten Peter Ablinger, Antoine Beuger, Rolf Julius und ferngeblieben. 2009 postete der Pianist Emanuel Ax in seinem Blog: «Ich hoffe, Georg Nussbaumer dass wir zu der Auffassung zurückkehren können, dass Applaus eine emotionale 3 Aus dem Programmheft des Berliner Solistenensembles Kaleidoskop zu seiner Konzertinstallation Reaktion auf die Musik sein sollte und keine geregelte gesellschaftliche Pflicht.» «Hardcore», 26.10.2007, online unter http://www.kaleidoskopmusik.de/kaleidoskop_p/pdf/hardcore.pdf Bei allem Respekt für das respektvolle, aufmerksame Zuhören im Konzertsaal – 4 vgl. z.B. den Text «Res Severa Verum Gaudium?» von Katrin Bicher im Katalog rainy days 2008, S. 23–29 eine gewisse Lockerung der Regeln scheint eingesetzt zu haben. 5 Die Aufführung von Steve Reichs Four Organs durch Boston Symphony unter Michael Tilson Thomas in der New Yorker Carnegie Hall, vgl. www.therestisnoise.com/2012/04/mavericks-notes.html und Why is it so difficult for so many people to listen? www.musicalamerica.com/mablogs/?p=4449 Why do they start talking when there is something to hear? 6 In den wöchentlichen Leipziger Gewandhauskonzerten wurde entsprechend der Satzung aus dem Jahr 1781 The situation should be made more normal, don’t you think? «vor der Pause eine Symphonie, Arie, ein Concert, und abwechselnd ein Duett, oder Instrumental-Quartett; Why don’t they keep their mouth shut and their ears open? nach der Pause eine Symphonie, Arie, ein Chor und eine Partie [Serenade] gegeben». Vgl. Anselm Gerhard: (John Cage im Vortrag «Communication», Darmstadt 1958) «Hunde werden nicht geduldet», Partituren 10/2007, online unter www.kultiversum.de/Musik-Partituren/ESSAY-Hunde-werden-nicht-geduldet.html

Dass Stücke in einer ganz bestimmten Reihenfolge und eines nach dem 7 vgl. z.B. Hans-Joachim Hinrichsen: Musikalische Interpretation / Hans von Bülow. – Stuttgart: Steiner, 1999 anderen erklingen müssen statt wild durcheinander oder gar etwa gleichzeitig, (Beihefte zum Archiv für Musikwissenschaft, 46) gehört ebenfalls zu den Konzert-Konventionen, die sich im 20. Jahrhundert ganz 8 zum Beispiel in den Zitatcollagen The Beatles 1962–1970 von 1990 und Mozart Mix von 1991, beide am allmählich aufzulösen begannen. Vom 18. Jahrhundert bis zu Beethovens Zeit 02.12.2012 zu hören bzw. selbst auszuprobieren, vgl. S. 132 & 160 waren bunt gemischte Programmfolgen von drei bis vier Stunden eine Selbst-

102 103 Pandora’s Music Box A Liquid Room for John Cage Tom Pauwels Au sujet des œuvres Jean-Luc Plouvier

Proud to present «Liquid Room» for the first time in Luxembourg! The principle: La plupart des œuvres de John Cage présentées à ce concert datent des années an auditorium cleared of its seating; an audience wandering about, lying down 1930 et 1940, avant son ‹grand tournant› de 1952, lorsqu’il place toute son œuvre or opting for small, portable, cardboard stools, moving between the bar and à venir sous le mot-clé «indétermination». Sans réduire son parcours artistique à the auditorium; an archipelago of four stages and the ever-present music, well des incidents biographiques, on peut noter qu’une crise spirituelle majeure s’ouvre amplified, subtly lit, switching from one stage to another. Listen in and listen out, pour lui en 1948, lorsqu’il divorce de sa femme Xenia et emménage avec Merce concentrating or letting the mind wander: the ideal place for experimentation. Cunnigham. Il va chercher, pour un temps, secours du côté de la psychanalyse, qui le déçoit rapidement (il faut souligner que l’Association Américaine de Customized for «good luck – rainy days 2012», Ictus dedicates this «Liquid Room» Psychanalyse rangeait l’homosexualité dans la catégorie des maladies mentales to John Cage: an evening focusing on Cage’s early, candid works for prepared jusqu’en… 1973). Cage se tourne alors vers le bouddhisme, en suivant les cours piano, while looking back to his main sources of inspiration (Satie, Schönberg, de Daisetz Suzuki à l’Université de Columbia. L’effet de choc de cette rencontre Cowell, and even Bach) and presenting more recent music that might not have aura presque autant d’importance que celle d’Arnold Schoenberg dans sa jeunesse. seen the light without the revolution of thought that Cage provoked (see works C’est à partir de là que l’anti-romantisme de Cage, hérité de Satie, est radicalisé of Wolff, Polansky, Billone, Reiter, McCallum and Walshe). To conclude with et réorienté vers une pensée de la suspension du vouloir, et la soumission Feldman: «Cage opened up the door to a vast world, willy-nilly. He opened systématique à la discipline du hasard. La composition du programme de «Liquid Pandora’s Music Box.» Room» a obéi à un protocole simple: beaucoup de Cage ‹d’avant la crise›, mais dans une forme qui souscrit à l’esprit aléatoire des années 1960, ‹d’après la crise›: suspension du temps, esprit contemplatif, superpositions de couches. Dans ce temps ouvert et pluriel, nous injectons des œuvres de répertoire que Cage a aimées ou qui l’ont formé, et toutes sortes d’œuvres plus contemporaines qui n’auraient pas été pensables sans lui.

La figure du Maître, d’abord, apparaîtra dans un jeu de miroirs entre deux gigues: celle de la Suite pour violoncelle BWV 1010 de Johann Sebastian Bach, en écho à la gigue explosive qui clôture la Suite opus 25 pour piano d’Arnold Schoenberg, 1923. On sait que L’Art de la Fugue avait foudroyé le jeune John Cage: «Il me semblait que je n’avais besoin d’aucune autre musique, seulement d’écouter cela», déclarera-t-il en 1984… avant d’ajouter que ce goût lui était définitivement passé, Bach lui apparaissant comme le musicien de l’Unité, «toutes choses s’ajustant parfaitement ensemble», ce que son esthétique tardive ne pouvait accepter. Son professeur Schoenberg, par contre – qui l’avait très peu encouragé – était resté jusqu’au bout l’objet d’un culte loyal: John Cage parlait de lui comme de la «munificence même», celui avait libéré la musique de la servitude du Thème pour l’ouvrir au monde en mutation perpétuelle de la variation continue.

À l’inverse de la conscience historique et tourmentée de Schoenberg, la figure insolente et ironique d’Erik Satie constitue l’autre grand pôle du panthéon cagien. On connaît les propos scandaleux de Cage à ce sujet: les micro-variations des phrasés répétitifs de Satie, qui désorientent la mémoire et gélifient le temps, l’ouvrant ainsi à l’accueil du silence et de l’écoute détachée, lui semblaient «de loin plus intéressants» que l’œuvre de Beethoven – des propos que bien des musi- ciens ne lui pardonneront jamais. Nous donnerons ici des extraits des Sports et Divertissements d’Erik Satie, écrits en 1914, un recueil ‹pour connaisseurs›, moins populaire que les Gnossiennes, mais particulièrement prisé par les musiciens contem- porains de Satie; Darius Milhaud y voyait l’essence de son art.

104 105 Impossible d’évoquer John Cage sans évoquer Dada. La mémoire de Duchamp, caractéristique des œuvres cagiennes des années 1940: un côté ‹montage› aux avec qui il avait joué aux échecs sans jamais oser lui parler de son travail, coutures apparentes, comme découpé à la hache. Ce qui n’empêche pas, dans le obsédera Cage toute sa vie. Il tenait en peu d’estime le surréalisme (dont l’avatar détail, un grand bouillonnement rythmique et de subtils jeux polyrythmiques, contemporain, disait-il, était le pop art) mais n’avait jamais cédé sur l’importance avec des superpositions de boucles inégales. Nous ne jouerons pas la seconde de Dada. Nous présenterons de larges extraits de la Sonate in Urlauten de Kurt danse, d’inspiration typiquement balinaise (à la manière de Lou Harrison), mais Schwitters, terminée en 1932. Schwitters, peintre et poète, est né à Hanovre en on retrouvera la même qualité d’inspiration dans une courte œuvre soliste de 1887. Il crée dans cette ville une dissidence du mouvement Dada, dont il trouve 1947, For Marcel Duchamp, écrite pour un film de Hans Richter. La préparation est le nom en découpant une affiche pour la Kommerzbank: Merz. Il se consacre très élémentaire (des bandelettes de caoutchouc), et on peut parler ici de piano spécialement à l’art du collage, qui intègre tous les déchets de la vie industrielle, ‹atténué› davantage que ‹préparé›. La structure mélodique est simple et répétitive, mais élargit peu à peu son horizon; tout devient Merz: des images Merzbild et accueille un nombre inhabituel de mesures de silence – anticipant par-là sur les et des maisons Merzbau, des pièces de théâtre et une série d’œuvres de poésie œuvres futures du compositeur. phonétique. La Sonate in Urlauten («sonate en sons originaires»), écrite en quatre mouvements avec de nombreuses références ironiques à la forme sonate classique, La plus célèbre, et incontestablement la plus réussie des œuvres pour piano est destinée à un acteur-musicien-lecteur. Dans une langue imaginaire, utilisée préparé, est le cycle de plus d’une heures Sonatas and Interludes de 1948, d’une pour ses seules propriétés sonores et rythmiques, Schwitters remet à son interprète invention et d’une luminosité de timbre rarement égalées. Sa réussite tient un matériel en or pour une déflagration d’énergie vocale. probablement à la parfaite balance entre les notes préparées, les notes à vide, les notes semi-préparées requises et détaillées dans la notice d’introduction. Cette Durant sa Carte Blanche, notre invitée Jennifer Walshe nous initiera par ailleurs préparation hybride crée une ‹modalité› étrange où le diatonique, le micro-ton et 1 1 «Dada in Ireland centered aux œuvres et hauts faits du dadaïsme irlandais, Irish Dada – dont il semblerait le bruit pur fusionnent en échelles imprévisibles et tintinnabulantes, qui couvrent around the activities of qu’elle soit seule à connaître l’existence. tout le spectre de ce que peut suggérer un piano en termes de matières: bois, Dermot O’Reilly, Kevin Leeson and Brian Sheridan. cristal, métal et feutre. La délicatesse mélodique de Cage y est à son maximum, et All three worked at the Pour clôturer le chapitre des maîtres, convoquons enfin la figure attachante évoque irrésistiblement certains andante de Mozart: allégresse et paix intérieure, Guinness brewery in d’Henry Cowell (1897–1965), l’un des plus prolifiques compositeurs de la ‹pre- joie tranquille du non-sens. Dublin – for this reason the Irish Dadaists are mière avant-garde›, le club des auto-proclamés ‹ultra-modernistes› qui réunissait usually referred to as Varèse, Seeger, Ruggles et quelques autres. Cowell a laissé près d’un millier Quelques œuvres de Cage ‹irréalisent› le piano, non pas en le préparant, mais tout the ‹Guinness Dadaists.› They were most active d’œuvres. Né en Californie sur une terre de migrants, passionné par les musiques simplement en demandant au pianiste de jouer sur le couvercle fermé du clavier, between 1920 and 1922, extra-européennes, Cowell fut le premier artiste à donner un cours de ‹musiques pédale enfoncée, comme un corps sonore à la fois sourd et résonant. C’est le cas during the period of the du monde› à la New School for Social Research de New York, dès la fin des années dans The Wonderful Widow of Eighteen Springs for voice and closed piano, 1942, Irish War of Independence. Led by O’Reilly, the 1920, et il intégrera dans ses œuvres des instruments perses, indiens, japonais. Ses inspiré par quelques phrases du Finnegan’s Wake de James Joyce. Il est demandé Guinness Dadaists put on œuvres pour piano ont fasciné toute une génération de musiciens curieux, dont à la chanteuse une voix simple et peu vibrante, «comme une chanteuse folk». La performances and created John Cage, pour les effets inattendus qu’il obtenait de l’instrument: clusters ou jeu mélodie vocale se limite à trois hauteurs. sculptures, wall hangings and sound poetry. The latter direct sur les cordes. Jean-Luc Fafchamps présentera un florilège de courtes pièces was composed using the caractéristiques ou ‹prophétiques›. L’une des plus étranges parmi toutes les œuvres cagiennes se pare aussi d’une rules of pronunciation of the Irish language and as such certaine importance historique, puisqu’il est permis d’y voir la première partition is extremely difficult for De John Cage lui-même, nous présenterons le rare mais savoureux Four Dances pour instruments acoustiques et sons électroniques. Il s’agit de Imaginary non-Irish speakers to read or de 1942 pour voix (sans parole), petite percussion et piano, où règne cet étrange Landscape N° 1, 1939, destinée au départ à la réalisation en studio radio (et non au perform.» http://en.wikipedia.org/wiki/ esprit d’idiotie hérité de Satie, qui semble prendre l’auditeur par la main pour concert). L’œuvre est destinée à un pianiste (étouffant les cordes d’une main, ou Dada#Ireland (02.11.2012) le ramener à quelque paradis d’enfance. Les objets musicaux (mauvais jazz, raclant les cordes basses à l’aide d’une mailloche de timbale), à un percussionniste faux gospel, danses d’indiens d’opérette), clôturés sur eux-mêmes, y tournent jouant d’une grande cymbale, et à deux platines. Celles-ci diffusent des sinusoïdes méticuleusement en rond dans la pure joie d’exister. L’œuvre fut créée en 1943 pures, qui ne sont rien d’autres que des ‹test-discs› publiés dans les années 1930 à l’occasion d’une chorégraphie de Hanya Holm, une héritière de la danse par les disques RCA Victor, et destinés à calibrer les installations audio (avec expressionniste allemande qui deviendra, après son installation à New York, l’une des fréquences fixes, 100 ou 1 000 Hz, ou des glissandos balayant tout le spectre des principales figures de la modern dance. Le ballet s’appelait What So Proudly audible). Les joueurs de platine obtiennent des effets en passant de 33 à 78 tours, We Hail. en soulevant l’aiguille, en modulant le son avec une pédale de volume.

L’invention du piano préparé, on le sait, eut partie liée avec le travail de Cage Parmi les œuvres de Cage d’après 1952 – où interviennent les procédures de pour le monde de la danse: c’est en méditant sa Bacchanale pour un ballet de hasard, donc, voire d’improvisation –, notre complice du jour Jennifer Walshe Sylvilla Fort, en 1940, que Cage eut l’idée de faire tenir au piano préparé le rôle a épinglé 45’ for a Speaker, de 1954, qui relève du registre de la ‹performance› d’un ensemble de percussions (la légende dit parfois que l’invention eut lieu davantage que de l’œuvre musicale proprement dite. Jennifer en choisira un sous un effet de contrainte, la scène qui accueillait le ballet étant trop petite extrait. C’est dans ce texte qu’on trouve le fameux proverbe-manifeste cagien: pour recevoir plusieurs musiciens). Il suffisait d’introduire des boulons, du bois, «I have nothing to say and I am saying it and that is poetry.» du caoutchouc entre les cordes (toujours d’une manière précisément notée, et «dans le respect des sonorités de l’instrument», comme l’écrit souvent Cage) Superposé aux petites pièces de Satie, on pourra également entendre le Child of pour obtenir des couleurs radicalement nouvelles. Les merveilleuses Three Dances Tree de 1975, qui fut composé suite à une tournée de John Cage à travers l’Arizona pour deux pianos préparés, de 1945, furent elles aussi chorégraphiées en 1947 par avec la Cunnigham Dance Company. Un des danseurs de la compagnie avait Merce Cunnigham dans Dromenon. Cage y applique sa technique des ‹proportions offert un cactus à Cage, qui s’essaya à une œuvre semi-improvisée pour cactus rythmiques›: l’œuvre est découpée a priori en séquences de durées asymétriques, amplifié, à réaliser en suivant des proportions rythmiques calibrées par un qui contraignent le développement rythmique en lui donnant cet aspect très chronomètre.

106 107 Radio Music (1956) est une partition calculée suivant des procédures de hasard, Pierluigi Billone (né en 1960) est un des plus célèbres compositeurs italiens où la partition indique des actions telles qu’allumer et éteindre la radio, changer d’aujourd’hui. Il a été l’élève de Salvatore Sciarrino et Helmut Lachenmann. de fréquence, contrôler le volume. Il faut rappeler que, si Cage évoque parfois le Mani.Mono pour spring drum (tambour à ressort) a été écrit en 2007. Voici ce silence comme une sorte de substance dont on peut jouir, au même titre qu’un qu’en écrit notre percussionniste Tom De Cock: beau son ou un beau bruit, il ne pousse jamais cette dévotion jusqu’à l’idéalisation «A distinctive feature of Billone’s music is the exceptional creative energy mystique: le silence n’est jamais pour Cage, en dernière analyse, que le bruit de able to multiply the sound source. From singular (one instrument) it becomes fond et la rumeur du monde. plural, when it meets with the player’s resonant body and his principal and vital instruments, without which he couldn’t live or communicate – that is, hands Du côté des amis de John Cage, il était impossible de faire l’impasse sur Morton and mouth. Is the sound within us, or outside us? Billone’s questions are about Feldman, le plus fidèle de ses compagnons, et le plus proche de Cage par son this borderline space, about the manifestation of a vibrating essence (Sound) that intérêt pour les arts plastiques, qui parfois semble même supérieur à son amour flows around, inside, outside, and throughout the bodies.» pour la musique. Nul n’a jamais pu analyser les captivantes harmonies feldmanien- nes; on sait que le compositeur se moquait du sérialisme, la pensée octaviante Clinton Mc Callum est né dans le Colorado en 1980. Il revendique sa filiation (où l’on disjoint les questions de l’harmonie et du registre) lui apparaissant avec «la face hippie de Stockhausen», les expériences Fluxus et les années 1970 comme un appauvrissement; il travaillait, disait-il, avec «les 88 notes du piano à en général, «la relation physique à l’instrument de musique», la musique «noise disposition», construisant ses accords soigneusement, un par un, en tentant à tout underground» et les films d’horreur. Ses œuvres, d’une manière ou d’une autre, prix d’échapper à l’expressivité 19e qu’il appelait «la Colle». Les Last Pieces de 1959 mettent toujours en situation l’étrangeté du jeu instrumental. Dance up close to me pour piano solo (et qui ne sont en aucune façon ses ‹dernières pièces›) seront un II for Fender Rhodes and amplifier operator, 2011, implique un pianiste jouant du parfait échantillon de l’art de ce grand harmoniste. piano électrique, et un ‹assistant› déplaçant l’ampli portable sur lequel est diffusé ce piano. Le compositeur en dit ceci: «I found out that Harold Rhodes originally Plus proche des expériences radicales de Fluxus, quelques réalisations de la Prose developed his electric piano for the US Army during World War II so that injured Collection de Christian Wolff (1971) seront égrenées au long du concert: autant de soldiers could play music while they laid in their hospital beds. I used this bit of petits textes courts, froids comme des modes d’emploi et intriguants comme des history as inspiration while recomposing this piece.» poèmes: «Make sounds with stones, draw sounds out of stones, using a number of sizes and kinds (and colors); for the most part discretely; sometimes in rapid Eva Reiter est née à Vienne en 1976. Elle est à la fois compositeur et interprète sequences.» sur flûte à bec et sur viole de gambe. Konter, écrit en 2009 pour flûte basse et électronique, explore des modes de jeu ultra-rapides à la flûte, et amplifiés de très Parmi les ‹successeurs de Cage› – ou les compositeurs dont l’écoute de Cage près par une dizaine de microphones. L’œuvre ouvre une interzone ambiguë où a bouleversé le rapport à la musique– il convient d’épingler en premier lieu fusionnent chuchotement, parole et musique. James Tenney (1934–2006), qui fut son élève après avoir été celui d’Edgar Varèse. Pionnier et inlassable chercheur de la computer music, Tenney fit les beaux jours du laboratoire Bell, fondé en 1925 dans le New Jersey par Bell Telephone. Nous présenterons une pièce pour bande de 1969, For Ann (Rising). L’œuvre se signale par une grande abondance de glissandos, qui tissent une matière proche des «boucles de Shepard» (illusions psychoacoustiques d’un glissando infini, en perpétuelle montée ou descente). L’accumulation produit finalement un effet de masse en mouvement. Le compositeur a reconnu avoir voulu produire une œuvre simple dans son impact, «à l’opposé du style de vie à NY dans les années 1960», qui brouille les frontières entre continu et discontinu, déterminé et indéterminé.

Né en 1954, Larry Polansky est professeur au Dartmouh College. Il revendique la filiation cagienne en assumant l’expression de «musique expérimentale», et le présupposé fondamental d’ignorer la frontière entre musique et non-musique. Songs and Toods, écrit en 2005, est un cycle dont nous présentons quelques extraits, parmi lesquels les 85 Chords. Les Songs sont des chansons américaines tradition- nelles, réécrites pour une guitare réajustée (un tempérament différent est utilisé dans chaque chanson). Les 85 Chords sont destinés à une guitare en «just intona- tion» (accordée suivant les harmoniques naturels); les harmonies, qui passent du simple au complexe puis du complexe au simple, ont été générées par ordinateur.

L’intérêt supérieur de Cage pour la poésie orale et non-déclamatoire, ainsi que toutes les questions liées à la vocalisation (héritée de sa passion pour Gertrude Stein, James Joyce et le futurisme italien) trouvera ici un écho dans les Three Songs de Ukeoirn O’Connor, établis et reconstitués par Jennifer Walshe pour voix et ukulele. Walshe/O’Connor explorent ici l’idée d’un ‹trésor des voyelles›, matrice de toutes les vocalisations possibles, qu’aucune langue n’utilise intégralement sans choix ni filtrage. Des qualités de voyelles issues du polonais, de l’estonien, du chinois, du japonais, fusionnent dans le chaudron de chansons de taverne de Dublin.

108 109 ARTISTS

162 163 Kompositionspreis (2004), den Ernst-Krenek-Preis der Stadt Wien (2006) und den Kompositionspreis der Ernst von Siemens Musikstiftung (2010). Pierluigi Billone war von 2006 bis 2008 Gastprofessor an der Kunstuniversität Graz. Seit Compositeurs, interprètes 2010 unterrichtet er wieder in Graz. Er wird regelmäßig zu Kompositionsseminaren und Gastvorlesungen in Europa & ensembles und den USA eingeladen. George Brecht Komposition (1926 USA) Index & Biographies • Comb Music (1959–1962) – 02.12.2012 • Drip Music (1959) – 02.12.2012 • Drip Music. Second Version (1959) – 02.12.2012 • Solo for violin, viola, cello or contrabass (1962) – 02.12.2012 George Brecht gehört zu den frühen und wichtigsten Akteuren des Fluxus. Er studierte 1946–1950 am Philadelphia College of Pharmacy and Science, arbeitete zunächst als Chemiker und Ingenieur und belegte Ende der 1950er Jahre Kurse an der New School of Social Research in New York, unter anderem bei John Cage. Schon vor der ‹offiziellen Gründung› von Fluxus nahm er an ersten fluxesken Aktionen teil. Anfang der 1960er Jahre organisierte er gemeinsam * Œuvres sélectionnées par le jury de Call for scores pour le «Toy Piano World Summit» (02.12.2012) mit Robert Watts das Yam Festival in New York. 1965 zog er aus den USA nach Villefranche-sur-Mer bei Nizza, wo er Juryauswahl der Werke des Call for scores für den «Toy Piano World Summit» (02.12.2012) bis 1968 gemeinsam mit Robert Filliou das Geschäft La cédille qui sourit unterhielt. 1966 gründeten Filliou und Brecht die Non-École de Villefranche. 1968/1969 unterrichtete Brecht am College of Art Leeds. 1970 zog er nach Düsseldorf, 1972 nach Köln. Sein Schaffen umfasst neben den Fluxus-«Partituren» auch Werke der Bildenden Kunst, Filme und Mauro Agliate composition (1968 I) Bücher. 2006 wurde Brecht der Berliner Kunstpreis – Jubiläumsstiftung 1848–1948 verliehen. • I saw Cage out of the cage! Little suite for 10 toy pianos* (2012, création / Uraufführung) – 02.12.2012 Né à Londres, Mauro Agliate vit à Turin. Il a commencé la musique en jouant avec des ensembles d’accordéons et Earle Brown composition (1926–2002 USA) de clavier du Piémont. Il a étudié la composition, le piano et l’orgue avec G. Perrone et F. Mariatti à Turin et a obtenu www.earle-brown.org en 2009 un prix de composition au Conservatorio Statale di Musica Giuseppe Verdi de Turin, dans les classes de • Folio (1952) – 02.12.2012 Guido Guida et Giorgio Colombo Taccani. En 1993, il a repris la direction musicale du Fisarmonis Orchestra avec Earle Brown was associated with the experimental composers John Cage, Morton Feldman, and Christian Wolff who, lesquels il a donné près de 300 concerts pendant 12 ans. Il est à présent compositeur et arrangeur du 1911 Lokomotif with Brown, came to be known as the New York School. Brown’s interest in a broad range of aesthetic expressions, Orchestra à Turin. Il a remporté de nombreux prix de composition, notamment au Concours Francisco Escudo (2009), ranging from the writings of James Joyce and the poetry of Gertrude Stein, Kenneth Patchen, and others to the l’International Music Prize for Excellence in Composition 2011 (National Academy of Music, Colorado) et au Concours work of the Abstract Expressionist painters – particularly Jackson Pollock and Alexander Calder – informed his de composition Carl von Ossietzky (2011). Il est l’auteur des musiques de scène de Cacao a Cuore (2006) et Senza own work. Earle Brown’s influence on the avant-garde community has been philosophical as well as tangible and Voce, senza terra, soli (2010) et des courts métrages Être marionnette (2009), Zawabs – Musicisti fra terre lontane practical. His conducting techniques and experiments with time notation, improvisation, and open-form compositional (2012) et The music lovers (2012). structure have become part of contemporary compositional usage. Among Brown’s most frequently performed and reinterpreted works is December 1952, the score of which is a stark, abstract series of floating rectangles – a musical Frank Agsteribbe direction (1968 B) 02.12.2012 equivalent to a Calder mobile. His early influential orchestral scores includeAvailable Forms 1 and Available Forms www.frankagsteribbe.be 2, and his musical friendships were legendary, from Bruno Maderna who conducted first performances of many Frank Agsteribbe is a Belgian conductor, harpsichordist and composer, searching for direct expression and colourful of Brown’s works to jazz musicians such as Zoot Sims and Gerry Mullligan. Brown received many commissions, music making. He has worked with leading ensembles such as Collegium Vocale, Concerto Köln, La Petite Bande residencies, and awards, including a Guggenheim award; an honorary doctorate from the Peabody Conservatory of and Huelgas Ensemble. As an opera conductor, his repertoire begins with the earliest baroque operas, stretching Music (1970) where he held the W. Alton Jones Chair of Music; and the John Cage Award from the Foundation for well into the 20th century. He has worked at the Vlaamse Opera (Antwerp-Gent), The Ruhrtriennale (Germany), Contemporary Performance Arts, among others. Among his many residencies were those at the California Institute Castleward Opera in Belfast, Teatro Sao Carlos Lisbon and Le Grand Théâtre Luxembourg. Frank cofounded the young of the Arts, Yale University, the Tanglewood and Aspen Music Festivals, the American Academy in Rome, and the and dynamic Flemish baroque orchestra, B’rock in 2005 and is currently principal conductor of the Luxembourg based Basel Conservatory of Music. On November 20, 2002, The Museum of Modern Art hosted an homage to one of the CantoLX. Frank Agsteribbe has written more than 80 compositions, of which over 40 have been recorded by the great American composers of the twentieth century: In Memoriam: A Concert of Selected Works by Earle Brown. The radio or are available on CD. Frank Agsteribbe is a professor at the Antwerp Conservatory, where he teaches music program included works, selected by Brown in conversation with his wife Susan shortly before his death, that span analysis, and conducts various ensembles. his career: Music for Violin, Cello and Piano (1952); Corroboree (1964); New Piece (1971); Centering (1973); Tracking Pierrot (1992); and Special Events (1998). Amsterdam Harp Ensemble (NL) 24.11.2012 The Amsterdam Harp Ensemble was founded 25 years ago. The core of the ensemble consists of six students of John Cage composition (1912–1992 USA) Prof. Erika Waardenburg. The formation differs per concert and, up to now, the maximum has been ten harps before www.johncage.org the performance of the full version of John Cage’s Postcard from Heaven at Philharmonie Luxembourg with 20 • 0’00” (4’33” N° 2). Solo to be performed in any way by anyone (1962) – 02.12.2012 harps. Concerts are given in main halls and for important events. For example, the ensemble has performed for the • 4’33” (1952) – 24.11.2012, 02.12.2012 Royal House, for Ministers, and at numerous congresses and festivals. All 20 harps and harpists are based in the • 27’10.544” for a percussionist (1956) – 02.12.2012 Netherlands and are students or alumni of Prof. Erika Waardenburg. • 45’ for a Speaker (1954) (extrait / Auszug) – 29.11.2012 • 59½ seconds for a string player (1953) – 02.12.2012 Johann Sebastian Bach composition (1685–1750 D) • 5 Mesostics from Sixty‑two Mesostics re Merce Cunningham (1971) – 02.12.2012 • Suite Es‑Dur (mi bémol majeur) BWV 1010 für Violoncello solo: N° 6: Gigue (–1723) – 29.11.2012 • A Dip in the Lake for performer(s), or listener(s), or record maker(s) (1978) – 02.12.2012 • A Flower (1950) (partie piano / Klavierstimme) – 29.11.2012 Ludwig van Beethoven Komposition (1770–1827 D) • Bird Cage. Twelve tapes, to be distributed by a single performer in a space where people are free to move and birds • Bagatellen op. 126 N° 3 & N° 4 für Klavier (1824) – 02.12.2012 to fly (1972) – 02.12.2012 • Duo für Viola und Violoncello Es‑Dur WoO 32 («Duett mit zwei obligaten Augengläsern») für Viola und Violoncello • Branches for percussion (any number of players) (1976) – 02.12.2012 (~1795–1798) – 02.12.2012 • But what about the noise of crumpling paper which he used to do in order to paint the series of «papiers froissés» or tearing up paper to make «papiers déchirés?» Arp was stimulated by water (sea, lake, and flowing waters like Katharina Bihler Stimme, Performance (1966 D) 02.12.2012 rivers), forests. for percussion ensemble (1985) – 02.12.2012 www.liquidpenguin.de • Child of Tree. Cactus music including water and branches (1975) – 29.11.2012 Katharina Bihler arbeitet als Schauspielerin, Sängerin und Regisseurin (Literaturprojekte, Revuen und Kinderstücke) • cC/omposed improvisation for snare drum alone (1987–1990) – 02.12.2012 und gibt auch Chansonabende. Sie studierte Gesang und Sprechen bei Wiltrud Baumgartner (München) und • Credo in US for percussion quartet (including piano and radio or phonograph) (1942) – 01.12.2012 bei Mike Rhodes (Trier). Auf ein Engagement am Schauspiel Trier (1993–1995) folgten verschiedene (Eigen-) • Daughters of the Lonesome Isle for solo prepared piano (1945) – 02.12.2012 Produktionen, u.a. mit theater duke’s oak (u.a. Kafka-Performance, Büchner-Projekt, Perec-Bühnen-Hörspiel). 1997 • Dream for piano (1948, version for piano and toy piano, arr. Margaret Leng Tan) – 02.12.2012 gründete sie zusammen mit Stefan Scheib das Liquid Penguin Ensemble für Musik-Hörspiele, Performances und • Eight Whiskus for solo violin (1985) – 01.12.2012 Klanginstallationen, in dem sie als Regisseurin, Autorin und Schauspielerin arbeitet. Seit 2000 entstehen Videoarbeiten • Empty Words (on tape) (1978) – 29.11.2012 für Performances sowie weiterhin Online-Projekte und zur musikalischen Interpretation. Katharina Bihler lebt in • Extended Lullaby (1992–1994, version for multiple toy pianos, arr. Margaret Leng Tan) – 02.12.2012 Saarbrücken. • Five Dances (arr. for string quartet by Eric Salzman, 1996–1997) – 01.12.2012 • Four Dances – 29.11.2012 Pierluigi Billone Komposition (1960 I, A) • Imaginary Landscape N° 1 for two turntables, piano and cymbal (1939) – 29.11.2012 • Mani.Mono for spring drum (2007) (extrait / Auszug) – 29.11.2012 • In the name of the holocaust for solo prepared piano (1942) – 02.12.2012 www.pierluigibillone.com • Lecture on the weather (1975) – 02.12.2012 Pierluigi Billone studierte bei Salvatore Sciarrino und Helmut Lachenmann. Seine Musik wurde u.a. vom Klangforum • Les Chants de Maldoror pulvérisés par l’assistance même (1971) – 02.12.2012 Wien, vom Ensemble Intercontemporain, vom Ensemble Modern, vom ensemble recherche, von Instant Donné, • Living Room Music for vocalising percussion quartet (1940, extraits) – 01.12.2012 vom Ensemble Contrechamps aufgeführt und ist bei Festivals wie den Donaueschinger Musiktagen, Wien Modern, • Mozart Mix (1991) – 02.12.2012 den Wittener Tagen für Neue Kammermusik, Ars Musica Bruxelles und dem Festival d’Automne à Paris zu hören. • Music for Amplified Toy Pianos (1960) – 02.12.2012 Zahlreiche Rundfunkübertragungen haben ihn auch über Europa hinaus bekannt gemacht. Eine enge Zusammenarbeit • Music for Marcel Duchamp for prepared piano (1947) – 29.11.2012 verbindet Pierluigi Billone mit dem Dirigenten Emilio Pomárico, den Schlagzeugern Christian Dierstein und Adam • One4 for solo percussion (1990) – 01.12.2012 Weisman, der Fagottistin Lorelei Dowling, der Bratschistin Barbara Maurer, dem Klarinettenduo Stump-Linshalm • Organ2 / ASLSP for solo organ (1987) – 02.12.2012 und den Sängern Frank Wörner und Alda Caiello, für die er Solostücke und Soloparts schrieb. Für seine Werke • Our Spring Will Come for solo prepared piano (1943) – 01.12.2012 erhielt er u.a. den Busoni-Kompositionspreis der Akademie der Künste Berlin (1996), den Wiener Internationalen • Perilous Night for prepared piano – 29.11.2012

164164 165