Baiba Skride Violon Gergana Gergova Violon Brett Dean Alto Amihai Grosz Alto Alban Gerhardt Violoncelle

2017 20:00 07.12.Salle de Musique de Chambre Jeudi / Donnerstag / Thursday Soirées de musique de chambre

Baiba Skride violon Gergana Gergova violon Brett Dean alto Amihai Grosz alto Alban Gerhardt violoncelle

résonances 19:15 Salle de Musique de Chambre Vortrag Tatjana Mehner: «Der Komponist als Interpret» (D) Wolfgang A. Mozart (1756–1791) Streichquintett N° 2 C-Dur (ut majeur) KV 515 (1787) Allegro Menuetto: Allegretto – Trio Andante Allegro 34’

Brett Dean (1961) Epitaphs for two violins, two violas and cello (2010) I Only I will know ...in memory of Dorothy Porter (Gently flowing, with intimate intensity)

II Walk a little way with me ...in memory of Lyndal Holt (Moderato scorrevole)

III Der Philosoph ...in memory of Jan Diesselhorst (Slow and spacious, misterioso) IV György meets the «Girl Photographer» ...in memory of Betty Freeman; hommage à György Ligeti (Fresh, energetic)

V Between the spaces in the sky ...in memory of Richard Hickox (Hushed and fragile) 20’

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Johannes Brahms (1833–1897) Streichquintett N° 2 G-Dur (sol majeur) op.111 (1890) Allegro non troppo, ma con brio Adagio Un poco Allegretto Vivace ma non troppo presto 30’ Quintettes à cordes, ou rencontres entre le quatuor à cordes et un alto additionnel Angèle Leroy

C’est à Mozart que l’on doit d’avoir donné ses lettres de noblesse à la musique pour quintette à cordes (avec un alto ajouté au tra- ditionnel quatuor). Avant lui, l’effectif n’avait été pratiqué que par quelques compositeurs que, pour la plupart, on connaît peu aujourd’hui, tels Sammartini, Holzbauer, Michael Haydn ou Jean-Chrétien Bach. Est-ce parce que le jeune prodige, dont on louait surtout le jeu de piano ou de violon, pratiquait également cet instrument volontiers mal-aimé, notamment lors de réunions amicales consacrées à la musique de chambre ?

Mal-aimé, c’est le cas de le dire ; les nombreuses blagues qui subsistent à propos des altistes dans le monde classique suffisent à le montrer sans doute aucun. Dans son fameux Traité d’instru- mentation et d’orchestration, Berlioz, touché par le son particulier de ce gros violon, avait ressenti le besoin d’une mise au point aux allures de défense : « De tous les instruments de l’orchestre, celui dont les excellentes qualités ont été le plus longtemps méconnues, c’est l’alto. Il est aussi agile que le violon, le son de ses cordes graves a un mordant particulier, ses notes aiguës brillent par leur accent tristement passionné, et son timbre en général, d’une mélancolie profonde, diffère de celui des autres instruments à archet. Il a été longtemps inoccupé cependant, ou appliqué à l’emploi obscur autant qu’inutile, le plus souvent, de doubler à l’octave supérieure la partie de basse. […] Son timbre attire et captive tellement l’attention qu’il n’est pas nécessaire d’en avoir dans les orchestres un nombre tout à fait égal à celui des seconds violons, et les qualités expressives de ce timbre sont si saillantes que, dans les très rares occasions où les anciens compositeurs le mirent en évidence, il n’a jamais manqué de répondre à leur attente. »

5 Effectivement, certains musiciens furent particulièrement sensibles à ces sonorités voilées, et eurent par exemple recours à un second alto pour leurs quintettes (certains choisirent au contraire un second violoncelle, comme Schubert dans son Quintette en do majeur) ou attribuèrent à l’instrument des parties plus importantes qu’à l’habitude dans leur musique d’orchestre. Souvent, mais pas toujours, l’intérêt accordé à l’alto par ceux-ci dans leurs œuvres fut lié à leur propre pratique : si Brahms n’en jouait pas, tout comme Berlioz – à qui l’on doit tout de même la « symphonie avec alto principal » Harold en Italie –, Mozart ou Dvoˇrák, dont les quintettes à cordes avec deux altos représentent des pierres angulaires du répertoire, entretenaient avec celui-ci un commerce intime dont ces œuvres permettent d’apprécier les fruits. C’est aussi le cas de l’Australien Brett Dean, né en 1961, qui fut notamment presque quinze ans durant altiste dans le très réputé Orchestre Philharmonique de Berlin, et à qui l’on doit l’un des (plutôt rares) concertos pour alto et orchestre.

Wolfgang A. Mozart, Quintette à cordes KV 515 Prenant la suite des modèles que l’on a déjà évoqués (car il était au fait de leurs compositions), Mozart, s’adonnant au genre du quintette à cordes, dépasse largement leur portée – tout au moins dans ses quatre derniers quintettes, le premier étant un essai de jeunesse et le deuxième une transcription de l’Octuor en ut mineur KV 388.

C’est en effet avec le Quintette en ut majeur KV 515 que l’écriture pour cinq cordes du compositeur trouve véritablement son langage. L’adjonction d’un alto lui permet un langage plus symphonique, ouvre la porte à un contrepoint plus flexible et permet aux instruments graves (alto et violoncelle) de se libérer à l’oc- casion des contraintes harmoniques pour chanter tout leur soûl.

Composé dans un court laps de temps en même temps que le quintette suivant, le KV 516 en sol mineur (les deux dernières symphonies de Mozart donneront également un exemple de deux œuvres en ut majeur et sol mineur pensées parallèlement), le Quintette KV 515 date de 1787 et prend place entre la création

6 Wolfgang Amadeus Mozart par le peintre de la cour Joseph Hickel, 1783 pragoise triomphale des Noces de Figaro et celle de Don Giovanni – et, en ce qui concerne la musique de chambre pour cordes, entre les six Quatuors « À Haydn » parus en 1785 et les Quatuors « Prussiens » de 1789/90. Souriant, épanoui (il appartient aux œuvres les plus longues du compositeur), il représente l’un des fleurons du genre, et constitua pour les compositeurs suivants un véritable exemple dans l’équilibre de ses textures, la finesse de son écriture et la richesse de son invention.

Les premières mesures de l’Allegro initial plongent l’auditeur dans le vif du sujet en lui donnant à apprécier le souffle d’un motif partagé entre violoncelle (élan de l’arpège montant) et violon 1 (terminaison trillée). Logiquement, ce thème tiendra une place importante dans ce – long, surtout si l’on fait les reprises – mouvement ; il est complété d’une mélodie légère aux deux violons (trille et notes répétées piquées), ainsi que d’une figure ondoyante de croches en fin d’exposition, éléments qui seront travaillés dans le développement. Après la réexposition, une courte coda sur le second groupe thématique amène à une fin pianissimo, comme sur la pointe des pieds. Menuetto, ensuite : un thème en arche tout simple, énoncé par les deux violons, forme le matériau quasi unique du menuet proprement dit, donnant par le jeu des reprises traditionnelles une impression de prolifération. Quant au Trio qui y est enchâssé, il présente un visage un peu inquiet, dû aux grands intervalles et aux balancements qui abondent dans ses mélodies. L’Andante est du plus pur Mozart, laissant librement couler le flot de ses idées, toujours renouvelé ; il élève le premier alto au rang de partenaire du premier violon, les deux instruments épanouissant leurs arabesques au fil d’un dialogue expressif rendu possible par le délicat soutien de leurs trois compagnons. Le finale adopte le mélange cher à Mozart entre forme rondo et forme sonate ; franc et joyeux, son thème de refrain gambade d’un épisode à l’autre sans hâte ni fièvre.

9 La photographe Betty Freeman, 1991 Brett Dean, Epitaphs Pour Brett Dean également, l’approfondissement des potentialités compositionnelles offertes par l’alto surnuméraire du quintette à cordes par rapport au quatuor habituel représenta l’une des motivations de l’écriture d’Epitaphs en 2010 : « J’ai vu dans cette commande [de l’Australian String Quartet, de La Jolla Music Society et du Santa Fe Chamber Music Festival] la chance d’explorer les sonorités plus amples et les possibilités en matière de texture de la formation « quatuor à cordes plus un » qui fascina tant Mozart, Schubert et Brahms avant moi – et qui leur inspira certaines pages parmi les plus belles et les plus profondes de leur musique de chambre. L’œuvre est tout particulièrement teintée par les changements de couleurs très particuliers qui résultent de la doublure de la section d’alto, avec les deux altos fonctionnant fréquemment comme le pendant de la traditionnelle paire de violons du quatuor à cordes. »

Tout en se réclamant des précédents illustres de l’histoire du genre, Brett Dean s’inscrit également dans une autre lignée, celle du « tombeau » en musique – on pense notamment, si l’on se concentre sur la musique de chambre uniquement, aux trios de Tchaïkovski, Rachmaninov et Chostakovitch ou aux Crisantemi de Puccini : « Écrire cette œuvre me permit également de rendre hommage à plusieurs personnes, à la fois amis et collègues, qui moururent durant un court laps de temps en 2008 et 2009. Malgré la sombre tonalité du sujet et du but de l’œuvre, cette suite de cinq pièces commémoratives doit être entendue autant comme une célébration des qualités, des caractéristiques et des réussites des personnes évoquées que comme une expression de la perte et de la contemplation ; d’une énergie de vie autant que d’une vie abrégée. »

La personnalité de chacun des dédicataires infuse ainsi le style et l’écriture du mouvement qui lui est consacré. En toute logique, le violoncelle solo prend la place d’honneur dans le troisième panneau de l’œuvre, adressé au collègue violoncelliste Jan Diesselhorst, membre de l’Orchestre Philharmonique de Berlin comme Dean. De même, le quatrième morceau fait montre d’une énergie rythmique qui rappelle celle de Ligeti, dont le souvenir est associé ici à celui de la photographe Betty Freeman (« Être une mouche sur le mur lorsque Betty photographia Gÿorgy Ligeti en 1993 à Los Angeles, entendre les conversations entre ces deux personnalités incroyables aurait été une expérience fascinante », confie Brett Dean). 11 Johannes Brahms, Quintette à cordes N° 2 op. 111 Après les sextuors à cordes dans les années 1860 et les quatuors dans les années 1870, la décennie quatre-vingt voit Brahms accoster aux rives des quintettes à cordes. Le genre a été provisoirement abordé en 1861/62, au moment de la composition de ce qui allait devenir, après une version pour deux pianos elle aussi publiée, le Quintette pour piano et cordes op. 34b ; mais, alors que le Brahms de trente ans avait choisi l’effectif schubertien de deux violons, un alto et deux violoncelles, le cinquantenaire, lui, pré- fère réunir deux violons, deux altos et un violoncelle, d’abord en 1882 (Quintette op. 88) puis en 1890 (Quintette op. 111). « Avec ceci, vous pouvez dire adieu à ma musique – car il est réellement temps de m’arrêter », confie Brahms à son éditeur Simrock en lui envoyant quelques corrections à propos du Quintette op. 111. À Eusebius Mandyczewski, il explique : « Voilà longtemps que je me tourmente avec toutes sortes de choses, une symphonie, de la musique de chambre et d’autres compositions, et rien ne m’est venu de tout cela. Par-dessus tout, j’étais habitué à ce que les choses m’apparaissent clairement. Je crois que cela a changé. J’arrête, tout simplement. Toute ma vie, j’ai été travailleur, maintenant je vais être paresseux. »

Brahms n’a que cinquante-sept ans, mais il se sent arrivé au bout de son chemin exigeant de compositeur : le Quintette op. 111 fait pourtant une toute autre impression, porté qu’il est d’un souffle vigoureux. S’enthousiasmant de son énergie bouillonnante, l’ancienne élève de Brahms, Elisabeth von Herzogenberg, répond au compositeur : « Celui qui a pu inventer tout cela devait véritablement être dans une heureuse disposition d’esprit ! C’est l’œuvre d’un homme de trente ans. »

La partition ne fut pas pour autant sans essuyer quelques critiques, notamment de la part de Joseph Joachim, qui trouvait l’écriture instrumentale parfois malaisée – tout particulièrement dans les premières mesures, où un violoncelle impétueux, presque straussien, s’élance au-dessus d’une pâte sonore faite de batteries jouées forte par les quatre autres instruments. Il reste indubitable- ment à cette exposition brillante quelque chose de l’esprit, si ce

12 Photo de Johannes Brahms par Maria Fellinger le 26 mars 1894 n’est de la lettre (comme l’affirmait le premier biographe de Brahms, Max Kalbeck), de cette cinquième symphonie un moment envisagée par Brahms.

L’émouvant Adagio suivant fait cette fois la part belle au premier alto pour un thème et variations très libre, qui n’est pas sans rap- peler dans une version plus légère celui – rendu très célèbre par le film Les Amants de Louis Malle en 1958 – du Sextuor op. 18, lui aussi en ré mineur. Un troisième mouvement valsant, tout irisé de mouvants contretemps, fait office de scherzo, un scherzo où certains ont entendu l’écho de la musique populaire viennoise qu’affectionnait Brahms (l’atmosphère du premier mouvement et de celui-ci ont d’ailleurs valu à l’œuvre le surnom de « Prater- Quintett », d’après le nom du parc viennois). Il mène à un exubérant finale alla zingarese, digne héritier, dans sa vitalité et son entrain, des feux d’artifices qui achevaient le Quatuor pour piano et cordes N° 1 en 1861 ou le Concerto pour violon et orchestre de 1879.

Musicologue, Angèle Leroy exerce le métier de rédactrice pour diverses institutions françaises et étrangères (salles de concert, maisons d’opéra, orchestres et festivals) avec lesquelles elle collabore régulièrement.

15 Vom Liebesduett zum Wiener Walzer Streichquintette von Mozart, Dean und Brahms Jürgen Ostmann

Streichquartette setzen sich stets aus zwei Violinen, Viola und Violoncello zusammen. Dagegen gibt es in der Gattung des Streichquintetts mindestens zwei geläufige Besetzungen: Man kann (außer der Geige) das Cello verdoppeln – so wie es Boccherini in der überwiegenden Mehrzahl seiner Quintette hielt, oder Schubert in seinem C-Dur-Quintett. Möglich ist aber auch die Erweite- rung der Quartettbesetzung durch eine zweite Bratsche – dafür entschieden sich Mozart, Beethoven und die meisten späteren Komponisten.

Bratsche und Cello als Ideengeber – Mozarts Streichquintett KV 515 Diese zweite Variante ist zwar nicht Mozarts Erfindung – er soll vielmehr zum ersten seiner sechs Streichquintette (KV 174 aus dem Jahr 1773) durch Werke von Michael Haydn und Giovanni Battista Sammartini angeregt worden sein. Doch Mozarts Quintette waren die ersten wahrhaft bedeutenden Beiträge zur Gattung und damit Vorbilder für alle nachfolgenden Komponisten. Während bei Quintetten vom Boccherini-Typ häufig das erste Cello eine privilegierte Behandlung genießt, stellte Mozart gerne die erste Viola besonders heraus. Kein Wunder, denn erstens spielte er selbst ausgezeichnet Bratsche, ja er zog sie beim häuslichen Musizieren der Geige sogar vor. Und zweitens hatte er stets eine Vorliebe für komplexe, ausgefeilte Mittelstimmen – durchaus im Gegensatz zum Geschmack der Zeit, die einen schlankeren, trockeneren Klang bevorzugte.

16 Wolfgang Amadeus Mozart. Silberstiftzeichnung aus dem Jahre 1789 von Dorothea Stock

Vier von Mozarts sechs Streichquintetten stammen aus seinen letzten Lebensjahren: KV 515 in C-Dur trug er am 19. April 1787 in sein eigenhändiges Werkverzeichnis ein, KV 516 in g-moll folgte im Mai des gleichen Jahres, KV 593 D-Dur im Dezember 1790 und KV 614 Es-Dur im April 1791. Über die Entstehungsanlässe der Quintette lässt sich nur spekulieren: Womöglich schrieb Mozart KV 515 und KV 516 ja nicht zuletzt, um mit Boccherini in einen künstlerischen Wettstreit zu treten. Dazu bemerkte der Mozart-Forscher Albert Einstein: «Am 21. Januar 1786 war

17 Boccherini preußischer Hofkomponist geworden, und Mozart pflegte dergleichen lukrative Ernennungen mit Aufmerksamkeit zu verfolgen.» Sollte Mozart das C-Dur-Quintett mit Blick auf den cellospielen- den preußischen König komponiert haben, dann wäre das eine Erklärung für die Rollenverteilung im Kopfsatz: Von Beginn an profiliert sich neben der ersten Violine das Cello als Ideengeber – zuerst mit einem in die Höhe strebenden Dur-Dreiklang, dem die erste Geige mit einer empfindsamen Arabeske antwortet. Im Verlauf des Werks wechseln die Rollen allerdings immer wieder: So ist das Andante als Dialog zwischen erster Geige und erster Bratsche gestaltet – es lässt an ein Liebesduett aus einer zeitge- nössischen Oper denken. Ob dieser langsame Satz nach Mozarts Willen an zweiter Stelle stehen sollte, oder ob dem anderen Bin- nensatz, einem Menuett mit ländlerartigem Trio-Mittelteil, dieser Platz gebührt, ist übrigens ungeklärt: Das Autograph und die noch zu Mozarts Lebzeiten (1789) erschienene Erstausgabe widersprechen sich in diesem Punkt. Den Abschluss bildet jeden- falls ein gewichtiges Sonatenrondo, in dem sich tänzerische und liedhafte Themen mit kunstvoller Kontrapunktik und harmoni- schen Finessen verbinden.

Erinnerung an Freunde und Weggefährten – Brett Deans Streichquintett «Epitaphs» Eigentlich war es kaum zu verstehen, dass in Brett Deans Werk- liste so lange ein Streichquintett fehlte. Denn der Australier ist ja nicht nur Komponist, sondern auch ein großartiger Bratscher, der als Solist und Kammermusiker konzertiert und 15 Jahre lang den Berliner Philharmonikern angehörte. Streichquartett plus Bratsche – das ergibt die von Mozart und Beethoven, Brahms und Bruckner erprobte Quintettbesetzung. Und dem doppelt begabten Dean eröffnete diese Kombination die Möglichkeit, eine Eigenkomposition gemeinsam mit einem perfekt eingespielten Ensemble selbst aufs Podium zu bringen. Zustande kam das fast schon überfällige Projekt Anfang 2010 durch einen Auftrag des Australian String Quartet und zweier amerikanischer Institutionen (La Jolla Music Society und Santa Fe Chamber Music Festival). Das Stück mit dem Titel «Epitaphs» wurde am 12. Juli des gleichen Jahres beim Cheltenham Festival in Großbritannien uraufgeführt.

18 Im April 1788 annoncierte Mozart in der Wiener Zeitung drei Streichquintette, «welche ich, schön und korrekt geschrieben, auf Subskripzion anbiete. Der Preis der Subskripzion ist 4 Duka- ten, zu 18 fl. Wienerkurent […] Ausländische Liebhaber ersuche ich, ihre Bestellungen zu frankiren.» In einem weiteren Inserat wurde im Juni die Frist bis Januar 1789 verlängert, weil «die Anzahl der Herren Subscribenten noch sehr geringe ist». Doch auch dieser Aufruf blieb ohne Erfolg, sodass 1789 zunächst nur das Streichquintett KV 515 im Druck erschien. Mozart wurde in seinen letzten Lebensjahren vom Publikum kaum noch wahrge- nommen und geriet zunehmend in Geldnöte – vielleicht weil seine Werke als zu anspruchsvoll galten.

Deans Kompositionen werden häufig durch Außermusikali- sches angeregt – beispielsweise durch literarische Werke, Gemälde, Ereignisse und Themen der Zeit oder bestimmte Per- sönlichkeiten. Der gedankliche Hintergrund seines Streichquin- tetts ergibt sich schon aus dem Titel: Als Epitaphe bezeichnet man Erinnerungsdenkmäler, auch Grabreden oder -inschriften. Dean widmet die fünf Sätze seiner «Epitaphs» Freunden und Weggefährten, die alle während des kurzen Zeitraums der Jahre 2008/09 verstarben. Trotz des betrüblichen Anlasses soll Deans Werk aber keineswegs nur Trauer und Verlust ausdrücken. Der Komponist versteht es zugleich als Hommage an die kraftvollen Persönlichkeiten der Widmungsträger und als Erinnerung an ihre Lebensleistungen.

Den ersten Satz «Only I will know» prägt der Gegensatz zwischen nachdenklichen Melodielinien der Geigen und des Cellos einer- seits und einer mechanisch pendelnden Flageolett-Begleitung der Bratschen andererseits. Dean widmete diese Eröffnung der australischen Dichterin Dorothy Porter (1954–2008) und stellt ihr einen Auszug aus ihrem Gedicht «The Bluebird of Death» voran: «Sniff the air. Test the weather. Smell the storm of burning feathers; smell the storm of our last and final flight together. The day we go; The place we go; Only I will know; Only I will know.»

Den zweiten Satz «Walk a little way with me» widmete Dean der australischen Anwältin, Hochschullehrerin und Autorin Lyndal Holt (1962–2008). Er beginnt mit hohen, wispernden Klängen, die bald von kraftvollen Sechzehntelfiguren abgelöst werden. Nach einer Steigerung bis zum dreifachen Forte endet das Stück

19 Brett Dean photo: Robert Piccolo leise in flirrender Höhe. «Der Krebs», schrieb Holt wenige Monate vor ihrem Tod im Newsletter ihres Krankenhauses, «zwingt uns dazu, das zu erkennen, was in unserem Leben wichtig ist. Für die meisten Menschen sind das ihre Beziehungen zu anderen. Und so bin ich allen dankbar, die bereit sind, meine Hand zu nehmen und ein kleines Stück Weg auf meiner Krebs-Reise mit mir zu gehen. Manchmal müssen sie mich halten, aber oft lachen wir gemeinsam.»

An den Cellisten Jan Diesselhorst (1954–2009), einen Kollegen bei den Berliner Philharmonikern, dachte Dean, als er den dritten Satz «Der Philosoph» komponierte. Den Satztitel erklärt ein Auszug aus Diesselhorsts Nachruf in den Potsdamer Neuesten Nachrichten: «Im Kreis der berühmten ‹12 Cellisten› trug er den ehrenvollen Spitznamen ‹Philosoph›: Ein umfassend gebildeter Humanist und Grappa- Connaisseur, der im Streicherzimmer der Philharmonie nie ohne anspruchs- volle Lektüre anzutreffen war.» Der Satz beginnt mit einer kadenzar- tigen Einleitung des Cellos, zu dessen melodischen Linien bald chromatisch absteigende Skalen der übrigen Streicher treten.

«György meets the ‹Girl Photographer›» ist der vierte Satz überschrie- ben; Dean widmete ihn der US-amerikanischen Kunstmäzenin und Photographin Betty Freeman (1921–2009). Sie hatte sich auf einer Visitenkarte, die sie dem Komponisten bei einem Treffen im Jahr 2000 überreichte, als «Girl Photographer» bezeichnet. Und bereits 1993 hatte Freeman in Los Angeles György Ligeti (1923–2006) porträtiert, dessen Kompositionsstil einen deutli- chen Einfluss auf die Schreibweise des vierten Satzes ausübte. Motorischer Drive und vertrackte Akzentverschiebungen prägen sein Klangbild.

Der Titel des abschließenden fünften Satzes ist Amanda Holdens Libretto zu Deans erster Oper Bliss entnommen. Die Stelle lautet: «Ecstasy touched me … I slid between the spaces in the sky / And smelt things living and dying in the valleys of the forest.» Die Urauffüh- rung der Oper hätte Richard Hickox (1948–2008), der Künstlerische Leiter des Opernhauses in Sydney, dirigiert, wäre er nicht zuvor

21 «Im Kompositionsauftrag zu ‹Epitaphs› erkannte ich die Gele- genheit, die in Struktur und Klang erweiterten Möglichkeiten der Formation ‹Streichquartett plus 1› zu erkunden, die vor mir schon Mozart, Schubert und Brahms faszinierte und zu einigen ihrer exquisitesten und tiefgründigsten Äußerungen auf dem Gebiet der Kammermusik führte. Das Werk wurde besonders durch die außergewöhnlichen Farbänderungen geprägt, die aus der Verdopplung der Mittelpartie erwachsen, mit dem Brat- schenpaar, das als Gegenspieler zum im Streichquartett üblichen Geigenpaar fungiert.»

Brett Dean

verstorben. In dem Hickox gewidmeten Quintettfinale stehen elegische Rahmenteile einem klanglich schroffen, von hektischem Tremolo bestimmten Mittelabschnitt gegenüber.

Melancholischer Gesang, lustige Csárdás-Rhythmen – Brahms’ Zweites Streichquintett «Wie lustig muss demjenigen zumute gewesen sein, der all das ausdachte, – man hat das Gefühl, als sollte man Ihnen etwa zum dreißigsten Geburtstage dabei gratulieren.» Diese Antwort gab Elisabeth von Herzogenberg ihrem Freund Johannes Brahms, nachdem er ihr wie gewohnt eine Partitur-Abschrift seines neuesten Werks geschickt hatte. Tatsächlich war Brahms, als er sein Zweites Streichquintett in G-Dur schrieb, aber nicht 30, sondern 57 Jahre alt, und er plante bereits, sich zur Ruhe zu setzen. So äußerte er sich gegenüber seinem Freund Eusebius Mandyczewski, und auch seinem Verleger Simrock schrieb er anlässlich der Korrekturen zum Quintett: «Sie können mit dem Zettel Abschied nehmen von meinen Noten – weil es überhaupt Zeit ist, aufzuhören.» Glücklicherweise machte Brahms seine Drohung nicht wahr: Die Begegnung mit dem Klarinettisten Richard Mühlfels gab ihm noch einmal einen Schaffensimpuls, der unter anderem eine Reihe von Kammermusikwerken mit Klarinette hervorbrachte.

Das zweite Streichquintett entstand 1890 in Brahms’ Feriendomizil im oberösterreichischen Kurort Bad Ischl. Am gleichen Ort hatte er acht Jahre zuvor bereits sein erstes Quintett op. 88 in F-Dur geschrieben. Im Frühjahr und Sommer 1890 erwog Brahms zunächst die Komposition einer fünften Symphonie, verwarf diese Idee dann aber. Das zweite Quintett ist jedoch mit seinem

22 Johannes Brahms 1882 ausgesprochen dichten Satz, seinen teils extremen Lagen, den Tremoli und Akkordgriffen so orchestral angelegt, dass man meinen könnte, Brahms habe darin Material aus der geplanten Symphonie verarbeitet. Das beginnt gleich mit dem ersten Satz: Das Violoncello stellt hier das Hauptthema vor, während die höheren Streicher in durchgehenden Sechzehnteln einen Klang- teppich weben. Der Geiger Joseph Joachim erklärte, man brauche für diese Stelle «drei Cellisten in einem», und auch Frau von Herzogenberg meinte, das Cello müsse «ganz unmäßig schrammen, um durchzudringen». Ein sanft wiegendes Duett der beiden Bratschen eröffnet später die zweite Themengruppe – sie lässt an einen sehr wienerischen Walzer denken.

An zweiter Stelle steht ein Adagio in d-moll – ein melancholischer Gesang, gefolgt von drei sehr freien Variationen und einer Wiederaufnahme des Themas. Der dritte Satz in g-moll, Un poco allegro überschrieben, hat die Form eines Scherzos. Rastlose

23 «Die Aufnahme war eine enthusiastische; das ausverkaufte Haus jubelte jedem der Sätze zu, und ich musste nolens volens meine Charakterstärke vor dem Schmelz Deines lieblichen Intermezzos die Waffen strecken lassen und wiederholte es. Anmut verpflichtet!»

Joseph Joachim an seinen Freund Brahms, nachdem er am 10. Dezember 1890 das Streichquintett op. 11 in Berlin vorgestellt hatte

Synkopen verleihen ihm eine eigenartige nervöse Spannung, und vor allem das G-Dur-Material, aus dem der Trioteil und die Coda schöpfen, lässt erneut Melodik und Rhythmus des Walzers anklingen. Das Finale ist ein Sonatenrondo mit einem tänzerischen ersten und einem melodischen zweiten Thema. In der Coda schlägt Brahms noch einmal sein geliebtes «ungarisches» Idiom an: Übermütige Csárdás-Rhythmen prägen das Ende des zweiten Streichquintetts.

Jürgen Ostmann studierte Musikwissenschaft und Orchester- musik (Violoncello). Er lebt als freier Musikjournalist und Dramaturg in Köln und arbeitet für Konzerthäuser, Rundfunkanstalten, Orchester, Plattenfirmen und Musikfestivals.

24 Interprètes Biographies

Baiba Skride violon Baiba Skride se produit aux côtés d’orchestres de renommée mondiale tels les Berliner Philharmoniker, le Gewandhaus- orchester Leipzig, le New York Philharmonic, le Boston Symphony Orchestra, le Royal Concertgebouw Orchestra, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, le London Symphony Orchestra et le NHK Symphony Orchestra. Parmi les chefs avec lesquels elle a notamment travaillé, citons Christoph Eschenbach, Ed Gardner, Susanna Mälkki, Andris Nelsons, Andrés Orozco-Estrada, Santtu-Matias Rouvali, Vasily Petrenko, Tugan Sokhiev et Jukka- Pekka Saraste. Elle est aussi invitée en tant que chambriste sur les scènes du monde entier. Membre du Skride Quartet (Lauma Skride, Harriet Krijgh et Lise Berthaud), elle a joué à l’Utrecht Chamber Music Festival, lors de la Schubertiade Schwarzenberg et au Concertgebouw Amsterdam. Ses autres partenaires sont Alban Gerhardt, Brett Dean, Gergana Gergova et Amihai Grosz. Baiba Skride a grandi au sein d’une famille de musiciens à Riga, où elle a commencé ses études musicales. Elle intègre la Hochschule für Musik und Theater de Rostock en 1995 et remporte en 2001 le Premier Prix du Concours Musical Interna- tional Reine Elisabeth de Belgique. Elle joue sur le Stradivarius «Yfrah Neaman», généreusement prêté par la famille Neaman par l’intermédiaire de la Beares International Violin Society.

26 Baiba Skride photo: Marco Borggreve Baiba Skride Violine Baiba Skride spielt mit Orchestern von Weltrang wie den Berliner Philharmonikern, Gewandhausorchester Leipzig, New York Philharmonic, Boston Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio France, London Symphony und NHK Symphony Orchestra. Zu den Dirigenten, mit denen Baiba Skride zusammenarbeitet, zählen Christoph Eschenbach, Ed Gardner, Susanna Mälkki, Andris Nelsons, Andrés Orozco-Estrada, Santtu-Matias Rouvali, Vasily Petrenko, Tugan Sokhiev und Jukka-Pekka Saraste. Baiba Skride ist auch als Kammermusikerin in den wichtigsten Spielstätten weltweit zu Gast. Mit dem Skride Quartet (Lauma Skride, Harriet Krijgh und Lise Berthaud) war sie beim Utrecht Chamber Music Festival, bei der Schubertiade Schwarzenberg und dem Concertgebouw Amsterdam zu Gast. Zu ihren Partnern zählen des Weiteren Alban Gerhardt, Brett Dean, Gergana Gergova und Amihai Grosz. Baiba Skride wuchs in einer Musikerfamilie in Riga auf, wo sie auch ihr Musikstudium begann. 1995 wechselte sie an die Hochschule für Musik und Theater Rostock. Im Jahr 2001 gewann sie den Ersten Preis des Queen Elisabeth Wettbewerbs. Sie spielt die Stradivari «Yfrah Neaman», eine großzügige Leihgabe der Familie Neaman auf Vermittlung der Beares International Violin Society.

Gergana Gergova violon Issue d’une famille de musiciens, la vie de Gergana Gergova a été façonnée par la musique dès sa plus tendre enfance. Premier prix du Concours international de violon Vladigeroff, elle a égale- ment été récompensée lors de concours de musique de chambre, parmi lesquels Franz Schubert und die Musik der Moderne et Joseph Joachim, qui lui ont ouvert les portes d’une carrière internationale. Elle s’est produite en soliste aux côtés du RSB Berlin, des Lucerne Festival Strings, des Duisburger Philharmo- niker, ainsi que de plusieurs orchestres en Bulgarie. Elle a fondé le Trio Imàge avec le pianiste Pavlin Nechev et le violoncelliste Thomas Kaufmann, ensemble qui a reçu le Folkwangpreis en 2008 et qui est depuis 2009 ambassadeur culturel du Goethe Institut. Gergana Gergova est invitée dans des festivals tels

28 Spannungen Heimbach, Moritzburg, Lockenhaus Kammermusik Fest, Schubertiade Schwarzenberg, Verbier, Chelsea Music Festival New York, West Cork Music Festival, Bahnhof Rolandseck, Hambacher Musikfest et les Herrenchiemsee Festspiele. Parmi ses autres partenaires de musique de chambre, on compte des artistes tels que Christian Tetzlaff, Daniel Hope, Akiko Suwanai, Guy Braunstein, Carolin Widmann, Jan Vogler, Cédric Tiberghien et Lars Vogt. À l’aise dans d’autres genres que le classique, elle a joué avec des légendes du jazz comme John Patitucci et Tom Harrell. En 2015, elle entreprend une tournée de deux semaines en quintette avec Brett Dean, Nils Mönkemeyer, Baiba Skride et Alban Gerhardt, qui l’emmène au Wigmore Hall, au Palais des Beau-Arts de Bruxelles et à la Philharmonie d’Essen. Au cours de la saison à venir, elle fera ses débuts au Festival de Lucerne, en parallèle de ses concerts avec le Trio Imàge et de ses enga- gements en tant que Konzertmeisterin. Elle a occupé ce poste à la Deutsche Oper am Rhein/Duisburger Philharmoniker, au Teatro Real Madrid, avec les Lucerne Festival Strings, à la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, au Münchner Rundfunk- orchester, au NDR Hannover et à la Chambre Philharmonique de Belgique. Elle a réalisé des enregistrements radio pour ABC Australie, SWR, WDR, ORF et DeutschlandRadio Kultur. En 2014, pour son premier enregistrement, le trio Imàge a gravé chez CAvi Music tous les trios avec piano de Mauricio Kagel, qui ont reçu le prix ECHO-Klassik du meilleur enregistrement en première mondiale et ont été nominés pour le Preis der Deutschen Schall- plattenkritik. La même année, le Duo pour violon et violoncelle de Hans Pfitzner avec le RSB Berlin dirigé par Sebastian Weigle, également nominé pour le Preis der Deutschen Schallplattenkritik, sort chez Hyperion. C’est aussi le cas du dernier disque du trio Imàge, consacré à la musique de chambre de Hans Sommer et paru en octobre 2015. Gergana Gergova a commencé sa formation de violon avec Blagorodna Taneva à Pleven (Bulgarie) et a ensuite étudié avec Mintcho Mintchev à la Folkwang Universität der Künste à Essen, où elle a obtenu son diplôme en 2004. Elle poursuit jusqu’en 2006 à l’Universität der Künste Graz avec Yair Kless. En 2009, elle achève avec mention son troisième cycle de musique de chambre avec Andreas Reiner à la Folkwang

29 Universität der Künste. De 2009 à 2011, elle prépare son master de musique de chambre à la Hochschule für Musik «Hanns Eisler» avec Eberhard Feltz. Elle a également été soutenue par Menahem Pressler, Yfrah Neaman, Anner Bylsma, Heinrich Schiff et Shmuel Ashkenasi. Grâce à un généreux prêt, Gergana Gergova joue sur un violon de Giovanni Battista Guadagnini, fait à Turin.

Gergana Gergova Violine Aus einer Musikerfamilie stammend prägte Musik schon seit frühester Kindheit Gergana Gergovas Leben. Der Erste Preis bei dem Internationalen Violinwettbewerb Vladigeroff sowie Preise bei verschiedenen Kammermusikwettbewerben wie Schubert und die Musik der Moderne und Joseph Joachim ermöglichen ihr eine internationale Karriere. Solistisch ist sie u. a. mit RSB Berlin, Festival Strings Luzern, den Duisburger Philharmonikern und verschiedenen Orchestern in Bulgarien aufgetreten. Zusammen mit dem Pianisten Pavlin Nechev und dem Cellisten Thomas Kaufmann bildet sie das Trio Imàge, was 2008 mit dem Folkwangpreis ausgezeichnet wurde und seit 2009 Kulturbot- schafter des Goethe-Instituts ist. Sie wird eingeladen zu Festivals wie Spannungen Heimbach, Moritzburg, Lockenhaus Kammermusik-Fest, Schubertiade, Verbier Festival, Chelsea Music Festival New York, West Cork Music Festival, Bahnhof Rolandseck, Hambacher Musikfest sowie den Herrenchiemsee Festspielen. Weitere Kammermusikpartner sind unter anderem Künstler wie Christian Tetzlaff, Daniel Hope, Akiko Suwanai, Guy Braunstein, Carolin Widmann, Jan Vogler, Cédric Tiberghien und Lars Vogt. Nicht ausschließlich in der Klassik zuhause, spielte sie auch schon zusammen mit Jazzlegenden wie John Patitucci und Tom Harrell. Im Juni 2015 unternahm sie zusammen mit Brett Dean und Nils Mönkemeyer sowie Baiba Skride und Alban Gerhardt eine zweiwöchige Quintett-Tournee, die sie u.a. in die Wigmore Hall, in den Palais des Beaux Arts Brüssel und die Essener Philharmonie führte. In dieser Saison gibt sie neben Konzerten mit Trio Imàge und Verpflichtungen als Konzertmeisterin ihr Debüt beim Luzern Festival. Als Konzertmeisterin arbeitete Gergana Gergova an der Deutschen Oper am Rhein/Duisburger

30 Gergana Gergova Philharmoniker, beim Teatro Real Madrid, mit den Festival Strings Lucerne, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, dem Münchner Rundfunkorchester, NDR Hannover und der Belgischen Kammerphilharmonie. Rundfunkaufnahmen machte sie u.a. für den ABC Australien, SWR, WDR, ORF sowie DeutschlandRadio Kultur. Für die Debüt CD ihres Trio Imàge, sämtliche Klaviertrios von Mauricio Kagel, erschienen bei CAvi Music, erhielt sie den ECHO-Klassik 2014 für die beste Weltersteinspielung und wurde zudem für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik nominiert. Im selben Jahr erschien bei dem englischen Label Hyperion Hans PfitznersDuo für Violine und Cello mit dem RSB Berlin unter Sebastian Weigle, welches auch für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik nominiert wurde. Die neue CD des Trio Imàge mit Kammermusik von Hans Sommer, die im Oktober 2015 erschienen ist, erhielt erneut eine Nominierung für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik. Sie began ihre geigerische Ausbildung bei Blagorodna Taneva in Pleven (Bulgarien) und studierte nachher bei Mintcho Mintchev an der Folkwang Universität der Künste in Essen, wo sie 2004 ihr künstlerisches Diplom ablegte. Bis 2006 studierte sie noch an der Universität der Künste Graz bei Yair Kless. 2009 schloss sie ihr Aufbaustudium Kammermusik bei Andreas Reiner an der Folkwang Universität der Künste mit Auszeichnung ab. Von 2009 bis 2011 absolvierte sie ihr Masterstudium Kammermusik an der Hochschule für Musik «Hanns Eisler» bei Eberhard Feltz. Weitere künstlerische Impulse erhielt sie von Menahem Pressler, Yfrah Neaman, Anner Bylsma, Heinrich Schiff und Shmuel Ashkenasi. Gergana Gergova spielt eine Violine von G.B. Guadagnini, Turin, dank einer groß- zügiger Leihgabe.

Brett Dean alto Brett Dean fait ses études à Brisbane, en Australie, avant de s’installer en Allemagne en 1984 – il fera partie des Berliner Philharmoniker durant quatorze ans. Il aborde la composition en 1988, en s’intéressant d’abord à des projets cinématographiques et radiophoniques expérimentaux, mais aussi comme interprète improvisateur. Sa réputation de compositeur grandit jusqu’à

32 devenir internationale grâce à des œuvres comme son concerto pour clarinette, Ariel’s Music (1995, prix de la Tribune internationale des compositeurs de l’UNESCO), ou Carlo (1997) pour cordes, échantillonneur et bande magnétique, d’après la musique de Carlo Gesualdo. En 2000, il regagne son pays natal pour s’investir dans la composition. Il partage son temps entre ses résidences de Melbourne et Berlin. Il est aujourd’hui l’un des compositeurs de sa génération les plus joués au monde. La plupart de ses œuvres s’inspirent de thèmes littéraires, politiques, environne- mentaux ou picturaux, telles celles suscitées par les tableaux de sa femme, Heather Betts. De nombreux chefs d’orchestre majeurs promeuvent sa musique de par le monde, de Sir Simon Rattle à Andris Nelsons, en passant par Marin Alsop, David Robertson et Simone Young. En 2009, Brett Dean obtient le Grawemeyer Award de composition pour son concerto pour violon The Lost Art of Letter Writing puis, en 2011, le prix Elise L. Stœger de la Chamber Music Society du Lincoln Center à New York. Son premier opéra, Bliss, est créé à Sydney en 2010 puis repris à Melbourne, Hambourg et au Festival international d’Édimbourg. Parmi ses dernières commandes figureThe Last Days of Socrates, œuvre chorale et orchestrale de grande ampleur destinée aux Berlin Rundfunkchor, au Melbourne Symphony Orchestra et au Los Angeles Philharmonic, créée en 2013. Au cours de la saison 2013/14, un nouveau concerto pour trompette, Dramatis Personæ, est créé par Håkan Hardenberger au Festival de Graffenegg, et donné avec l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, l’Orchestre Symphonique National du Danemark et le Birmingham Symphony Orchestra. Durant la même saison, Emanuel Ax crée une œuvre pour piano solo, commande com- mune du Los Angeles Philharmonic, du Carnegie Hall, de Cal Performances et de Chicago Symphony Presents. Brett Dean mène par ailleurs une carrière d’altiste très actif. Musicien de chambre engagé, il s’associe souvent à d’autres ensembles ou à divers musiciens d’orchestre pour interpréter ses œuvres de chambre et celles du répertoire. Entre autres projets récents ou à venir, notons ses collaborations avec le Quatuor Doric, le Britten Sinfonia, le Scharoun Ensemble et le Quatuor Orion. Sa carrière de chef d’orchestre prend également son essor parallèlement à

33 son travail de compositeur et d’interprète. Il a récemment dirigé, entre autres, le Los Angeles Philharmonic, l’Orchestre Royal du Concertgebouw d’Amsterdam, le Melbourne Symphony, le BBC Philharmonic Orchestra, l’Orchestre Symphonique de Göteborg et l’Orchestre de Chambre de Suède, dans le cadre de sa rési- dence depuis 2010/11. La musique de Brett Dean est enregistrée chez BIS et ABC Classics.

Brett Dean Viola Der australische Komponist und Bratschist Brett Dean siedelte 1984 nach seinem Studium in Brisbane nach Deutschland über, wo er 15 Jahre lang den Berliner Philharmonikern als ständiges Mitglied angehörte. Im Jahr 2000 kehrte Dean nach Australien zurück, um sich stärker dem Komponieren zu widmen. Heute erfreuen sich seine Werke großer Beliebtheit und werden regel- mäßig von Dirigenten wie Sir Simon Rattle, Markus Stenz, Daniel Harding, Andris Nelsons, David Robertson, Marin Alsop oder Simone Young interpretiert. Dean, der zu den international meistaufgeführten Komponisten seiner Generation gehört, lässt sich in seinen Werken oft von literarischen, politischen oder visuellen Impulsen anregen. Eine Reihe seiner Kompositionen etwa sind von Gemälden seiner Lebensgefährtin Heather Betts inspiriert. Brett Dean begann seine Tätigkeit als Komponist im Jahr 1988; zu seinen ersten Projekten zählten Radio- und Film- musiken sowie Improvisationsprojekte. Durch Werke wie Ariel‘s Music, ein vom International Rostrum of Composers der UNESCO ausgezeichnetes Klarinettenkonzert, das Klavierquintett Voices of Angels (1996) und Twelve Angry Men (1996) für die 12 Cellisten der Berliner Philharmoniker errang er internationale Anerkennung als Komponist. Für Winter Songs wurde er 2001 mit dem Paul Lowin Song Cycle Prize ausgezeichnet; 2002/03 wurde er Artist in Residence beim Melbourne Symphony Orchestra und Composer in Residence beim Cheltenham Festival. Deans bislang meist- gespieltes Werk ist Carlo für Streicher, Sampler und Tonband (bzw. Live-Chor): Das von der Musik Carlo Gesualdos inspirierte Stück hat bereits über 120 Aufführungen erlebt. Weitere Kompo- sitionsaufträge erhielt er u.a. von den Berlin Philharmonikern,

34 Brett Dean photo: Noosa Weekender Magazine dem Rundfunkchor Berlin, dem Concertgebouw Orchestra, dem Los Angeles Philharmonic, den BBC Proms, dem Lucerne Festival, dem Philharmonischen Orchester Stockholm, der Kölner Philharmonie, dem Gewandhausorchester Leipzig, der BBC Symphony sowie den Symphonieorchestern von Melbourne, Sydney und Birmingham. Das im Jahr 2007 von dem Solisten Frank Peter Zimmermann aus der Taufe gehobene Violinkonzert The Lost Art of Letter Writing wurde mit dem hochkarätigen Grawemeyer Award for Musical Composition 2009 ausgezeichnet. 2010 fand die Uraufführung von Deans erster Oper Bliss statt; der Premiere in Sydney schlossen sich Aufführungen in Melbourne und Edinburgh sowie die deutsche Erstaufführung in neuer Inszenierung in Hamburg an. Die symphonische Vorstudie zu diesem Bühnenwerk, Moments of Bliss, wurde bei den Australian Classical Music Awards 2005 als beste Komposition prämiert. Deans Werke liegen zu großen Teilen auf CD bei Labels wie ABC Classics und BIS vor. Seinem Schaffen waren Schwer- punkte bei zahlreichen internationalen Musikfestivals gewidmet. 2011 veranstaltete die Londoner Wigmore Hall einen «Brett Dean Day» und präsentierte die Königliche Philharmonie Stockholm ein zweiwöchiges Dean-Programm, 2013 war er Artist in Residence in Grafenegg. Seit der Spielzeit 2014/15 ist Dean Artist in Association beim BBC Symphony Orchestra. Dean ist weltweit als Solist, Kammermusiker und Dirigent tätig. Er trat als Solist mit den Berliner Philharmonikern auf und hat zahlreiche Werke namhafter Gegenwartskomponisten uraufgeführt. Zu den von ihm geleiteten Ensembles zählen Los Angeles Philharmonic, Royal Concertgebouw Orchestra, das Tonkünstler- Orchester Niederösterreich, das Niederländische und das Schwedische Kammerorchester, das Australian Chamber Orchestra, das Münchener Kammerorchester, das Scharoun Ensemble Berlin und die Birmingham Contemporary Music Group.

36 Amihai Grosz alto Né en 1979 à Jérusalem (Israël), Amihai Grosz est l’un des membres fondateurs du célèbre Jerusalem Quartet. Depuis la saison 2010/11, il se consacre à sa carrière de soliste et joue comme premier alto des Berliner Philharmoniker, un orchestre avec lequel il collabore depuis plusieurs années déjà, dans le cadre de différents projets. Il s’est produit en soliste au sein de célèbres orchestres internationaux comme le West-Eastern Divan Orchestra de Daniel Barenboim et le Jerusalem Symphony Orchestra. Les saisons à venir sont prévus des concerts à l’Opéra de Valence, au Concertgebouw Amsterdam, au Megaron d’Athènes et avec l’Israel Philharmonic Orchestra. Amihai Grosz a commencé le violon à l’âge de cinq ans avant de se tourner vers l’alto, à onze ans. Il a étudié à Jérusalem auprès de David Chen, puis de Tabea Zimmermann à Francfort et Berlin, ainsi qu’à Tel Aviv avec Haim Taub qui l’a particulièrement marqué. Très jeune, Amihai Grosz a reçu plusieurs prix et bourses et a été membre du Young Musicians Group du Jerusalem Music Center, un programme destiné aux jeunes musiciens particulièrement talentueux. Amihai Grosz collabore à des projets en soliste et en musique de chambre avec des artistes comme Yefim Bronfman, Emmanuel Pahud, Mitsuko Uchida, Oleg Maisenberg, Janine Jansen, Julian Rachlin et David Geringas. Il se produit dans des salles de concert et festivals dans le monde entier: le Jerusalem Chamber Music Festival, le Delft Festival, le Salon Festival et Verbier Festival, les BBC Proms, le Bahnhof Rolandseck Festival, l’Internationale Kammermusikfestival Utrecht, les Spectrum Concerts Berlin et le West Cork Chamber Music Festival. Amihai Grosz joue un alto Gaspar da Salo de 1570, spécialement mis à sa disposition par un collectioneur privé.

Amihai Grosz Viola Amihai Grosz, geboren 1979 in Jerusalem, ist Gründungsmitglied des renommierten Jerusalem Quartet. Seit der Saison 2010/11 widmet er sich seiner solistischen Karriere und spielt als Erster Bratscher bei den Berliner Philharmonikern, einem Orchester, mit dem er schon seit einigen Jahren im Rahmen unterschiedlicher

37 Projekte zusammenarbeitet. Bisher war er als Solist mit international renommierten Orchestern wie Daniel Barenboims West-Eastern Divan Orchestra zu hören oder auch dem Jerusalem Symphony Orchestra. Für die kommende Saison sind Konzerte an der Oper in Valencia, im Concertgebouw Amsterdam, im Megaron in Athen und mit dem Israel Philharmonic Orchestra geplant. Grosz erlernte im Alter von fünf Jahren zunächst die Violine, bevor er mit elf Jahren zur Viola wechselte. In Jerusalem erhielt er Unterricht bei David Chen, später bei Tabea Zimmermann in Frankfurt und Berlin sowie in Tel Aviv bei Haim Taub, der ihn in hohem Maße prägte. Schon früh erhielt Amihai Grosz verschie- dene Stipendien und Preise und war Mitglied der Young Musicians Group des Jerusalem Music Centers, einem Programm für besonders talentierte junge Musiker. Amihai Grosz arbeitet in solistischen und kammermusikalischen Projekten mit Künstlern wie Yefim Bronfman, Emmanuel Pahud, Mitsuko Uchida, Oleg Maisenberg, Janine Jansen, Julian Rachlin und David Geringas zusammen; er tritt in Konzerthäusern und auf Festivals auf der ganzen Welt auf, darunter beim Jerusalem Chamber Music Festival, Delft Festival, Salon Festival und Verbier Festival, bei den BBC Proms, im Bahnhof Rolandseck, beim Internationalen Kammer- musikfestival Utrecht, bei Spectrum Concerts Berlin und beim West Cork Kammermusikfestival. Amihai Grosz spielt eine Gaspar- da-Salo-Bratsche von 1570, die ihm von einer privaten Sammlung auf Lebenszeit als Leihgabe zur Verfügung gestellt wurde.

Alban Gerhardt violoncelle Salué comme un «magicien du chant et un maître de la virtuosité» (Der Tagesspiegel), Alban Gerhardt exerce depuis vingt-cinq ans dans le monde entier un impact hors du commun sur son public, grâce à sa grande musicalité, sa remarquable présence scénique et son insatiable curiosité artistique. Son talent à donner un nouvel éclairage sur des œuvres connues et sa soif de découvertes, de nouveaux répertoires des siècles passés comme d’aujourd’hui, n’a pas son pareil. Les points forts de la saison 2017/18 incluent des concerts avec le NDR Elbphilharmonie Orchester, le BBC Philharmonic dans le cadre des Proms, le Royal Philharmonic

38 Amihai Grosz photo: Marco Borggreve Alban Gerhardt photo: Kaupo Kikkas Orchestra, le National Symphony Washington, le RTÉ Dublin, et ses débuts aux côtés du New Jersey Symphony et de l’Orquesta Sinfónica de Madrid. Gerhardt donne par ailleurs des récitals au Konzerthaus de Berlin, au Wigmore Hall de Londres, ainsi qu’à Montréal et Vancouver. Une tournée européenne en formation quintette le mène à la Tonhalle Zürich, au Concertgebouw Amsterdam, tandis que sa première collaboration avec Sabine Meyer l’amène à participer à une tournée, en trio, à travers l’Allemagne. Très enthousiaste, Alban Gerhardt partage ses découvertes artistiques avec les spectateurs, au-delà des seules salles de concert. Il a ainsi mis en place des projets de sensibili- sation en Europe et aux États-Unis, qui lui permettent de proposer des concerts et des workshops dans des écoles et des hôpitaux, mais aussi, de façon innovante, dans l’espace public et au sein d’institutions pour jeunes délinquants. Son partenariat avec la Deutsche Bahn pour des concerts live sur les grands axes de circulation allemands témoigne de sa motivation à briser les habitudes d’écoute traditionnelles et les attentes en matière de musique classique. Début 2017, Gerhardt a créé #Musicians4- UnitedEurope (www.musicians4unitedeurope.com), un groupe de musiciens réputés dans le monde entier, soucieux de défendre une Europe unie et démocratique. Après avoir remporté très tôt plusieurs concours, Alban Gerhardt a commencé sa carrière internationale à partir du moment où il a fait ses débuts aux côtés des Berliner Philharmoniker et Semyon Bychkov en 1991. Depuis, il se produit avec les orchestres majeurs tels le Royal Concert- gebouw Amsterdam, le London Philharmonic, les orchestres de radio britanniques et allemands, le Tonhalle Orchester Zürich, le Gewandhausorchester Leipzig, le Royal Stockholm et l’Oslo Philharmonic, l’Orchestre National de France ou encore le Cleveland, le Philadelphia et le Chicago Symphony Orchestra. Il a travaillé avec des chefs comme Kurt Masur, Christoph von Dohnányi, Christian Thielemann, Christoph Eschenbach, Michael Tilson-Thomas, Esa-Pekka Salonen, Vladimir Jurowski, Kirill Petrenko et Andris Nelsons. Alban Gerhardt est par ailleurs passionné de musique de chambre. Citons, parmi ses partenaires réguliers, Steven Osborne, Cecile Licad, Baiba Skride et Brett Dean. Il collabore avec de nombreux compositeurs contemporains,

41 notamment Jörg Widmann, Unsuk Chin et Matthias Pintscher. À l’été 2018, il créera le nouveau concerto pour violoncelle de Brett Dean avec le Sydney Symphony Orchestra, dont il donnera la première allemande, à l’automne 2018, avec les Berliner Philharmoniker dirigés par Sakari Oramo. Ses enregistrements ont été multiplement récompensés. Il a remporté à trois reprises l’ECHO Klassik ainsi que l’International Classical Music Award et le MIDEM Classic Award. Sa captation du concerto pour violoncelle d’Unsuk Chin chez Deutsche Grammophon s’est vue décerner un BBC Music Magazine Award et a été nominée pour le Gramophone Award. Il a publié plusieurs disques chez Hyperion. Son dernier enregistrement, «Rostropovitch Bis» est sorti en janvier 2017. Le prochain sera consacré aux Suites pour violoncelle seul de Bach. Alban Gerhardt joue un violoncelle de Matteo Gofriller de 1710.

Alban Gerhardt Violoncelle Gelobt als «ein Kantabilitätszauberer und Meister virtuoser Rasanz» (Der Tagesspiegel) hat Alban Gerhardt seit 25 Jahren eine einzigartige Wirkung auf sein Publikum weltweit durch sein hohes Maß an Musikalität, seine überwältigende Bühnenpräsenz und seine nahezu unstillbare künstlerische Neugier. Seine Gabe, bekannte Werke in neuem Licht erscheinen zu lassen und sein Appetit, neues Repertoire aus den vergangenen Jahr- hunderten bis zu zeitgenössischen Werken zu entdecken, suchen ihresgleichen. Höhepunkte der Saison 2017/18 sind Konzerte mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester, BBC Philharmonic für einen weiteren Auftritt bei den Proms, Royal Philharmonic Orchestra, National Symphony Washington, RTÉ Dublin sowie seine Debüts beim New Jersey Symphony und dem Orquesta Sinfónica de Madrid. Gerhardt wird außerdem Rezitale im Konzerthaus Berlin, in der Londoner Wigmore Hall sowie in Montreal und in Vancouver geben. Eine europäische Quintett- Tournee führt ihn in die Tonhalle Zürich, das Amsterdamer Muziekgebouw und seine erste Zusammenarbeit mit Sabine Meyer führt ihn auf einer Trio-Tournee durch ganz Deutschland. Mit großer Leidenschaft teilt Alban Gerhardt seine künstlerischen

42 Entdeckungen mit Zuhörern weit über die traditionellen Konzert- säle hinaus. So unternahm er Outreach-Projekte in Europa und den USA mit Aufführungen und Workshops in Schulen und Krankenhäusern, aber auch wegweisende Auftritte im öffentli- chen Raum und Einrichtungen für jugendliche Straftäter. Seine Zusammenarbeit mit der Deutschen Bahn mit Liveauftritten auf den Hauptverkehrsstrecken in Deutschland beweist sein Enga- gement, traditionelle Hörgewohnheiten und Erwartungen an klassische Musik aufzubrechen. Anfang 2017 gründete Gerhardt #Musicians4UnitedEurope (www.musicians4unitedeurope. com), eine Gruppe von international renommierten Musikern, die sich für ein vereintes und demokratisches Europa einsetzt. Nach frühen Wettbewerbserfolgen begann die internationale Karriere Alban Gerhardts mit seinem Debüt bei den Berliner Philharmonikern unter Semyon Bychkov 1991. Seitdem hat er mit den führenden Klangkörpern weltweit musiziert, unter anderem mit dem Royal Concertgebouw, dem London Philharmonic, sämtlichen britischen und deutschen Rundfunkorchestern, Tonhalle Zürich, Leipzig Gewandhaus, Royal Stockholm und Oslo Philharmonic, Orchestre National de France sowie dem Cleveland, Philadelphia und Chicago Symphony Orchestra. Dabei arbeitete er mit Dirigenten wie Kurt Masur, Christoph von Dohnányi, Christian Thielemann, Christoph Eschenbach, Michael Tilson-Thomas, Esa-Pekka Salonen, Vladimir Jurowski, Kirill Petrenko und Andris Nelsons. Alban Gerhardt ist außerdem lei- denschaftlicher Kammermusiker, unter seinen regelmäßigen Partnern sind Steven Osborne, Cecile Licad, Baiba Skride und Brett Dean. Alban Gerhardt arbeitet mit vielen zeitgenössischen Komponisten zusammen, unter anderem mit Jörg Widmann, Unsuk Chin und Matthias Pintscher. Im Sommer 2018 wird er das neue Cellokonzert von Brett Dean mit dem Sydney Symphony Orchestra uraufführen und es im Herbst 2018 mit den Berliner Philharmonikern unter Sakari Oramo zur deutschen Erstaufführung bringen. Alban Gerhardts CD-Einspielungen sind mehrfach ausgezeichnet worden. So gewann er dreimal den ECHO Klassik sowie die ICMA und MIDEM Classic Awards. Seine Aufnahme von Unsuk Chins Cellokonzert bei der Deutschen Grammophon wurde mit dem BBC Music Magazine Award prämiert und für

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den Gramophone Award 2015 nominiert. Beim Label Hyperion Records hat er zahlreiche Aufnahmen veröffentlicht, seine neueste Aufnahme von Rostropovichs «Bis» erschien im Januar 2017. Sein nächstes CD-Projekt werden die Sechs Suiten für Violoncello solo von Bach sein. Alban Gerhardt spielt ein Cello von Matteo Gofriller aus dem Jahr 1710.

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