Productive contradictions: Chopin from Sonata to Waltz

A Romantic who hated Romanticism, a quintessentially 19th-century composer whose heart lay in the 18th with Bach and Mozart, Chopin was an intriguing bundle of unbelievably productive contradictions. As may be heard here, they produced music of quite astonishing range and originality. The , with which Ingrid Fliter begins, is unique. A barcarolle is not a form as such, but rather an atmospheric character piece derived from a boat song, in this case a Venetian one, evoking the bygone age of singing gondoliers. Chopin was strongly opposed to programme music, but his combination of this title with the audible push-off of the opening suggests that the imagery is entirely deliberate. The tone, build, sensuality and rapture of the proceedings thereafter suggest, further, that the water-borne passengers are probably lovers. Certainly Chopin was never more overtly Romantic than in this marvel of manipulated emotion and musical craftsmanship. His use of pianistic means to create vocal effects is miraculous, and his asymmetrical use of a standard ABA form, not least in its highly condensed recapitulation, is an unsurpassed example of his ability to render form itself an integral part of the expression. Chopin’s 51 mazurkas constitute one of the greatest bodies of music in the repertoire. The extraordinary richness and freshness of the harmony, the kaleidoscopic modulations, the combined ‘simplicity’ and complexity of the polyphony, the hugely sophisticated counterpoint, the structural use of canon (how dared Artur Schnabel dub Chopin ‘the right-handed genius’?!), the exploitation of small repeated figures to create an illusion of symphonic breadth within the confines of so-called ‘miniatures’, and the unending originality of invention are unsurpassed by any composer. They remain, as ever, entrancing and demanding, delightful and formidable, seductive and intimidating. The Op.59 set was composed in 1845 for ‘a learned musician’ – and it shows. The ubiquity of the ‘Minute’ Waltz (which no true musician would dream of playing in a minute) should blind no one to its enduring quality, charm and elegance, its exquisite craftsmanship, its supreme (hence understated) sophistication. This little jewel of 1847, one of the last three Chopin wrote, gives us the composer at his most neo-Mozartian. The remaining two may be heard in tracks 12 and 13. The great B minor Sonata dates from 1844, when Chopin’s reverence for Bach was at its height. Nothing by Chopin is more riddled with polyphonic devices. In overall design, the B minor follows the Second Sonata, with the scherzo (again highly polyphonic) coming second. The slow movement is a more or less straightforward ABA pattern, but one in which the disproportionate length of the middle section practically dwarfs its flanking sections, and the finale is one of Chopin’s biggest and most stirring conceptions. In his entire output there is nothing more confident or more steadfastly affirmative than this thrilling,

4 driving sonata-rondo. The Op.18 Waltz (1832) is the first of only eight whose publication Chopin sanctioned. Perhaps no piece more exhilaratingly demonstrates his Mozartian ability to pander to the fashions of his time without ever compromising his artistic integrity. Like Mozart, he knew how to write light music that was not trivial. In addition to the pianistic brilliance here, he keeps the ear engaged and guessing, dishing out no fewer than seven different ideas to savour. The Ballade No.4 in F minor (1843) is one of Chopin’s greatest achievements, and formally unique. Appearing at first to be a series of variations on an inward-looking theme, unfurled near the beginning, it builds to a climax through the pursuit of altogether different material (though not as ‘altogether different’ as would at first appear). Few works in any medium so deftly combine a sense of the inevitable with such freshness and unpredictability. Here too, characteristically, he combines some of his most profound and thought-out music with the trappings of a style renowned for its sensual frivolity – the waltz, whose stereotyped accompaniment plays an important role in his music as a whole. Irony and paradox are essential elements of Chopin’s style. Chopin was not a happy composer. But despite his gift for creating a seductive atmosphere of veiled melancholy (then a fashionable commodity), he was never depressing. And his veiled melancholy went beyond fashion, arising from his inner self. In addition to his genius, it was the genuineness of his emotion that spoke to people, and still does. When we hear him, we recognise his experience, as we respond to the beauty and grace of his expression. It is surely this, not anything objectively describable, that has made his C sharp minor Waltz so perennially popular. And in all respects but popularity, the elegant and graceful A flat Waltz which closes Op.64 is certainly its equal. © JEREMY SIEPMANN, 2008

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Ingrid Fliter

Argentinian pianist Ingrid Fliter, the 2006 Gilmore Artist, has been noted for her uncanny musicality, natural sensitivity and elegance in performances throughout the world since her career was launched at the age of 16 at the Teatro Colón in her native . The Gilmore Artist Award is made to an exceptional pianist who, regardless of age or nationality, possesses broad and profound musicianship and charisma and who desires and can sustain a career as a major international concert artist: Ms Fliter is its fifth recipient. Ingrid Fliter began her piano studies in with Elizabeth Westerkamp. In 1992, at the suggestion of , she moved to Europe where she continued her studies with Vitaly Margulis at the Hochschule für Musik in Freiburg and subsequently with Carlo Bruno in Rome and at the Academy ‘Incontri col Maestro’ in Imola under the leadership of Franco Scala and Boris Petrushansky. Already the winner of several Argentine competitions, she went on to win prizes at the Cantù International Competition and the Ferruccio Busoni Competition in Italy, and in 2000 she was awarded the silver medal at the Frédéric Chopin Competition in Warsaw. Since winning the Gilmore Award, Ms Fliter has been increasingly in demand as a soloist with orchestra and in recital. Recent highlights have included her debut at the Hollywood Bowl (with the Los Angeles Philharmonic), an appearance with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen and Paavo Järvi at the New York Lincoln Center’s Mostly Mozart Festival, and recital performances in San Francisco, Chicago, and at New York’s Carnegie Hall and London’s Wigmore Hall. Future seasons in North America will bring Ms Fliter’s orchestral debuts with the San Francisco, St Louis, Cincinnati, Washington National, Dallas and Toronto symphony orchestras. In Europe she is due to appear with the Rotterdam Philharmonic, Royal Liverpool Philharmonic, and Gulbenkian orchestras, and on tour in Spain with the Vienna Chamber Orchestra. She will give recitals in Vancouver, London, Japan, Barcelona and Lisbon. In September 2007 Ms Fliter was added to the roster of BBC New Generation Artists for a period of two years. As a New Generation Artist she will appear with many of the BBC’s orchestras and will participate in some of the UK’s most prominent festivals, including the City of London Festival as well as the BBC Proms.

7 Produktive Widersprüche: Chopin von der Sonate bis zum Walzer

Frédéric Chopin war ein Romantiker, der die Romantik hasste, ein Komponist aus den Tiefen des 19. Jahrhunderts, dessen Herz aber dem 18. Jahrhundert mit seinem Bach und seinem Mozart gehörte – kurzum ein faszinierendes Bündel ebenso unglaublicher wie produktiver Widersprüche, aus denen, wie hier zu hören ist, Musik von bemerkenswerter Spannweite und Originalität entstand. Die Barcarolle, mit der Ingrid Fliter beginnt, ist in seinem Schaffen einzigartig. Eigentlich handelt es sich bei der Barkarole nicht um eine Form, sondern vielmehr um ein stimmungsvolles Charakterstück, dem ein venezianisches Schifferlied zugrunde liegt, das also die vergangene Zeit singender Gondolieri beschwört. Chopin war ein entschiedener Gegner der Programmusik; der Titel in Verbindung mit dem hörbaren Abstoßen am Anfang lässt jedoch vermuten, dass er die Bilder ganz bewusst gewählt hat. Tonfall, Aufbau, Sinnlichkeit und der entzückte Fortgang der Dinge nähren im weiteren Verlauf des Stückes überdies die Vermutung, dass es sich bei den auf dem Wasser dahingleitenden Passagieren um ein Liebespaar handelt. Chopin dürfte nie romantischer gewesen sein als in diesem Wunder an kunstvoll gestalteter Emotion und musikalischem Können. Der Einsatz pianistischer Mittel zur Beschwörung vokaler Effekte ist außergewöhnlich, und die asymmetrische Ausführung der üblichen ABA-Form ist, nicht zuletzt in der äußerst dichten Reprise, ein unübertreffliches Beispiel für seine Fähigkeit, Formen selbst als integralen Teil des Ausdrucks zu verwenden. Chopins 51 Mazurkas bilden einen der größten musikalischen Komplexe des Repertoires. Die außerordentliche Fülle und Frische der Harmonik, die kaleidoskopischen Modulationen, die Verbindung von „Einfachheit“ und polyphoner Komplexität, die äußerst raffinierte Kontrapunktik, der strukturelle Gebrauch kanonischer Bildungen (wie konnte es Artur Schnabel nur wagen, Chopin ein „Genie der rechten Hand“ zu nennen?), die Arbeit mit kleinen Wiederholungsfiguren, dank derer in den Grenzen sogenannter „Miniaturen“ der Eindruck einer sinfonischen Breite entsteht, und schließlich die unendliche Originalität der Erfindung – all das hat kein anderer Komponist übertroffen. Diese Mazurkas sind einfach bezaubernd und herausfordernd, vergnüglich und erschreckend, verführerisch und einschüchternd. Die Sammlung op. 59 wurde 1845 für einen „gebildeten Musiker“ komponiert – und das merkt man. Die Allgegenwart des „Minutenwalzers“, den kein wirklicher Musiker je in einer Minute zu spielen wagte, sollte niemanden darüber hinwegtäuschen, wie charmant und elegant, wie kunstvoll und exquisit dieses unvergängliche Stück mit seiner großen (und doch verborgenen) Spitzfindigkeit ist. Das kleine Juwel aus dem Jahre 1847 ist einer der letzten drei Walzer, die Chopin geschrieben hat. Darin zeigt sich der Komponist in ganz besonderer Weise als „neuer Mozart“. (Die beiden nachfolgenden Walzer sind auf Tracks 12 und 13 zu hören.)

8 Die große Sonate h-moll entstand 1844, als Chopins Bach-Verehrung ihren Höhepunkt erreicht hatte. In keinem Werk hat Chopin mit mehr kontrapunktischen Mitteln gearbeitet. Die Gesamtanlage des Werkes folgt der zweiten Sonate, wobei das wiederum sehr polyphone Scherzo an zweiter Stelle steht. Der langsame Satz gehorcht einem relativ einfachen ABA-Schema, dessen Mittelteil allerdings unverhältnismäßig lang ist und daher die äußeren Abschnitte praktisch verkümmern lässt. Das Finale ist schließlich eine der größten und aufregendsten Erfindungen Chopins überhaupt. In seinem gesamten Schaffen gibt es nichts, das selbstbewusster oder zuversichtlicher wäre als dieses spannungsvolle, vorwärtsdrängende Sonatenrondo. Der Walzer op. 18 aus dem Jahre 1832 ist nur eines von acht entsprechenden Stücken, die mit Chopins Genehmigung veröffentlicht wurden. Vielleicht zeigt sich in keinem anderen seiner Werke deutlicher die mozartische Fähigkeit, ohne Kompromisse mit der eigenen künstlerischen Integrität den Geschmack der Zeit zu befriedigen. Wie Mozart, so verstand sich auch Chopin auf eine leichte und doch nicht triviale Musik. Von der pianistischen Brillanz des Stückes ganz abgesehen, fesselt er die Aufmerksamkeit des Hörers, indem er ihn mit nicht weniger als sieben verschiedenen Ideen überrascht. Die Ballade Nr. 4 f-moll (1843) gehört zu Chopins größten Leistungen und ist in formaler Hinsicht einzigartig. Zunächst scheint es sich dabei um eine Reihe von Variationen über das nachdenkliche Thema zu handeln, das kurz nach dem Beginn der Musik exponiert wird. Dann steigert sich die Musik zu einer Klimax, während sie sich mit völlig anders geartetem Material befasst (das freilich nicht so „völlig anders geartet“ ist, wie es zunächst scheint). Es gibt wenige Musikstücke, gleich für welche Besetzung, in denen sich der Eindruck der Zwangsläufigkeit mit einer vergleichbaren Frische und Unvorhersehbarkeit verbindet. Auch hier treffen bezeichnenderweise einige der tiefsten und durchdachtesten Momente mit dem Pomp eines für seine sinnliche Frivolität bekannten Stils zusammen – im Walzer, dessen stereotype Begleitung in Chopins Musik insgesamt eine wichtige Rolle spielt. Widersprüchlichkeit und Ironie sind für diesen Künstler wesentliche Elemente. Chopin war kein glücklicher Komponist. Nie aber war er deprimierend, obwohl er in der Lage war, die verführerische Stimmung verschleierter Melancholie zu schaffen (ein Modeartikel der Zeit). Und seine verschleierte Melancholie ging über die Mode hinaus, indem sie aus seinem innersten Selbst hervorkam. Neben dem Genie war es die echte Emotion, die zu den Menschen sprach und noch immer spricht. Hören wir ihn, so entdecken wir seine Erfahrungen, während uns die Schönheit und Grazie seines Ausdrucks anspricht. Dieses objektiv nicht näher zu beschreibende Phänomen dürfte es sein, dem auch der cis-moll-Walzer seine große, zeitlose Beliebtheit verdankt. Dieselben Merkmale sind auch in dem eleganten, graziösen Walzer As-dur zu hören, mit dem das Opus 64 beschlossen wird – abgesehen davon, dass er nicht ganz so populär ist. JEREMY SIEPMANN

9 Ingrid Fliter

Die argentinische Pianistin Ingrid Fliter, „Gilmore-Künstlerin“ des Jahres 2006, wurde durch ihre unheimliche Musikalität, natürliche Sensibilität und spielerische Eleganz in der ganzen Welt bekannt, seit sie mit 16 Jahren im Teatro Colón ihrer Heimatstadt Buenos Aires ihre Laufbahn begann. Der Gilmore Artist Award wird außergewöhnlichen Pianisten verliehen, die – ungeachtet ihres Alters oder ihrer Nationalität – eine überragende Musikalität und persönliche Ausstrahlung besitzen und eine internationale Musikerkarriere anstreben bzw. aufrechterhalten wollen. Ingrid Fliter ist die fünfte, die mit dieser Auszeichnung bedacht wurde. Ihren ersten Klavierunterricht erhielt die Künstlerin bei Elizabeth Westerkamp in Argentinien. 1992 kam sie auf Anregung von Martha Argerich nach Europa, wo sie ihre Studien bei Vitalj Margulis an der Hochschule für Musik in Freiburg/Br. und dann bei Carlo Bruno in Rom sowie bei Franco Scala und Boris Petrushansky an der Akademie „Incontri col Maestro“ von Imola fortsetzte. Nachdem sie bereits etliche argentinische Wettbewerbe für sich entschieden hatte, siegte sie jetzt beim Internationalen Klavierwettbewerb Cantù sowie im italienischen Ferruccio-Busoni-Wettbewerb. Im Jahre 2000 wurde sie mit der Silbermedaille des Warschauer Chopin-Wettbewerbs ausgezeichnet. Seit dem Erhalt des Gilmore Award ist Ingrid Fliter zunehmend als Solistin bei Orchesterkonzerten und Recitals gefragt. Zu den jüngsten Höhepunkten gehören ihr Debüt in der Hollywood Bowl (mit dem Los Angeles Philharmonic), ein Auftritt mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter Paavo Järvi beim Mostly Mozart Festival im New Yorker Lincoln Center sowie Soloprogramme in San Francisco, Chicago, in der New Yorker Carnegie Hall und der Londoner Wigmore Hall. In Nordamerika erwarten Ingrid Fliter demnächst die Debüts bei den Sinfonieorchestern von San Francisco, St. Louis, Cincinnati, Dallas und Toronto, sowie dem National Symphony Orchestra in Washington D.C. In Europa wird sie mit den Rotterdamer Philharmonikern, dem Royal Liverpool Philharmonic Orchestra und dem Gulbenkian-Orchester sowie (im Rahmen einer Spanien-Tournee) mit dem Wiener Kammerorchester auftreten. Recitals stehen in Vancouver, London, Japan, Barcelona und Lissabon auf dem Programm. Im September 2007 wurde Ingrid Fliter für die Dauer von zwei Jahren in die Liste der BBC New Generation Artists aufgenommen. Als „Künstlerin der jungen Generation“ wird sie mit vielen Orchestern der BBC konzertieren und an einigen der herausragendsten britischen Musikfesten teilnehmen. Dazu gehören unter anderem das City of London Festival und die BBC Proms. Übersetzungen: Eckhardt van den Hoogen

10 Contradictions productives : Chopin, de la sonate à la valse

Romantique détestant le romantisme, compositeur foncièrement du XIXe siècle mais dont le cœur baignait en plein XVIIIe avec Bach et Mozart, Chopin était un intriguant faisceau de contradictions incroyablement productives. Ainsi que l’on pourra ici même en juger, il en résultait une musique d’une dimension et d’une originalité pour le moins stupéfiantes. La Barcarolle, par laquelle Ingrid Fliter ouvre son récital, est une œuvre unique. La barcarolle n’est pas une forme en soi mais plutôt un climat, pièce de caractère dérivée d’un chant de batelier – en l’occurrence vénitien, évocation des chants de gondoliers du temps jadis. Chopin était puissamment opposé à la musique à programme, mais l’association du titre et de cette sensation très audible de mouvement suggère que l’image est pleinement délibérée. La sonorité, le style, la sensualité et le caractère extatique de la conduite de la pièce suggèrent par ailleurs que les passagers voguant ainsi sur l’onde sont probablement des amoureux. Sans doute Chopin ne fut-il jamais plus ouvertement romantique que dans cette merveille d’émotion canalisée et de maîtrise musicale. Le recours à des moyens pianistiques pour créer des effets vocaux se révèle miraculeux, l’usage asymétrique qu’il y fait d’une forme ABA standard, notamment dans sa réexposition extrêmement condensée, apparaissant tel un exemple insurpassé de son habileté à rendre la forme elle-même partie intégrante de l’expression. Les 51 mazurkas de Chopin sont l’un des corpus musicaux les plus considérables du répertoire. La richesse et la fraîcheur extraordinaires de l’harmonie, les modulations kaléidoscopiques, ce mélange de « simplicité » et de complexité de la polyphonie, le contrepoint d’une colossale sophistication, le recours structurel au canon (comment Artur Schnabel a-t-il pu surnommer Chopin « le génie de la main droite » ?!), l’exploitation de petites figures répétées pour créer l’illusion d’une ampleur symphonique au sein même des limites de ce qu’il est convenu d’appeler des « miniatures », également l’originalité infinie de l’invention sont demeurés insurpassés chez quelque compositeur que ce soit. Tout cela demeure enchanteur et exigeant, délicieux et formidable, séduisant et intimidant. Le cahier op.59 fut composé en 1845 pour « un musicien cultivé » – et cela se ressent. L’omniprésence de la Valse « Minute » (surnom anglais de celle que nous appelons la « Valse du petit chien » et qu’aucun vrai musicien ne rêverait de jouer en une minute) ne doit pas induire en erreur quant à son inaltérable qualité, son charme et son élégance, sa maîtrise formelle et sa suprême (en définitive sous-estimée) complexité. Ce petit joyau de 1847 – l’une des trois dernières Valses composées par Chopin – nous fait entendre le compositeur sous son jour le plus néo-mozartien. On pourra entendre les deux autres en plages 12 et 13.

11 La grande Sonate en si mineur date de 1844, époque à laquelle l’admiration de Chopin pour Bach était à son paroxysme. Aucune autre œuvre de Chopin n’est à ce point nourrie de procédés polyphoniques. Sur le plan de la forme générale, la Sonate en si mineur suit le plan de la Deuxième Sonate, le Scherzo (de nouveau extrêmement polyphonique) s’intercalant en deuxième position. Le mouvement lent est de structure plus ou moins ABA, schéma dans lequel, néanmoins, la longueur disproportionnée de la section centrale semble rapetisser celles qui l’entourent, cependant que le finale est l’un des plus considérables de Chopin et l’une de ses créations les plus mouvementées. Il n’y a dans son œuvre tout entière rien de plus résolu ou de plus vigoureusement affirmé que ce rondo de sonate saisissant et irrésistible. La Valse op.18 (1832) est la première de huit seulement dont Chopin accepta la publication. Aucune œuvre plus enivrante ne démontre peut-être sa capacité toute mozartienne à se prêter aux modes de son temps sans jamais compromettre son intégrité artistique. À l’instar de Mozart, il savait écrire une musique qui soit légère sans être triviale. Outre l’éclat pianistique qu’il confère à cette pièce, il garde l’oreille aux aguets, joueuse, offrant pas moins de sept idées différentes à savourer. Unique quant à sa forme, la Ballade no4 en fa mineur (1843) demeure l’une des plus grandes réussites de Chopin. Se présentant de prime abord telle une série de variations sur un thème en apparence intériorisé, déployé vers le début de la pièce, elle s’élève jusqu’à un sommet d’intensité élaboré à travers la poursuite d’un matériau sensiblement différent (bien que pas « complètement différent », comme on pourrait d’emblée le croire). Peu d’œuvres, tous genres confondus, associent avec autant d’adresse une telle sensation d’inéluctable et une telle fraîcheur, une telle imprévisibilité. Ici aussi, et de façon caractéristique, il mêle ce que sa musique peut avoir de plus profond et de plus pensé et les atours d’un style réputé pour sa sensuelle frivolité – la valse, dont l’accompagnement stéréotypé joue un rôle important dans sa musique en général. Ironie et paradoxe sont les éléments essentiels du style de Chopin. Chopin n’était pas un compositeur heureux. Mais en dépit de sa capacité à créer une séduisante atmosphère de mélancolie voilée (denrée alors à la mode), jamais il n’apparaissait déprimant. Et sa mélancolie voilée allait bien au-delà de la mode, trouvant sa source au cœur même de son être. En plus de son génie, c’était l’authenticité de son émotion qui parlait aux gens, et qui continue de le faire. Il suffit de l’écouter pour participer à sa propre expérience, tout comme nous répondons à la beauté et à la grâce de son expression. C’est sans doute cela – rien d’objectivement descriptible – qui vaut à sa Valse en ut dièse mineur cette indéfectible popularité. À tous égards, si ce n’est en termes de célébrité, l’élégante et gracieuse Valse en la bémol qui referme l’Opus 64 l’égale assurément. JEREMY SIEPMANN Traduction : Michel Roubinet

12 Ingrid Fliter

La pianiste Argentine Ingrid Fliter, « Gilmore Artist » 2006, s’est fait remarquer dans le monde entier pour sa musicalité exceptionnelle, sa sensibilité naturelle et son élégance d’interprète depuis qu’elle a commencé sa carrière à l’âge de seize ans au Teatro Colón de sa ville natale de Buenos Aires. Le Gilmore Artist Award est décerné à un pianiste exceptionnel qui, quels que soient son âge ou sa nationalité, possède une musicalité ample et profonde, du charisme, et qui peut et veut faire une carrière de grand concertiste international : Ingrid Fliter en est le cinquième lauréat. Ingrid Fliter commence ses études de piano en Argentine avec Elizabeth Westerkamp. En 1992, sur les conseils de Martha Argerich, elle s’établit en Europe où elle poursuit ses études avec Vitalj Margulis à la Hochschule für Musik de Fribourg et ensuite avec Carlo Bruno à Rome et à l’Académie « Incontri col maestro » à Imola, sous la férule de Franco Scala et de Boris Petrushansky. Après avoir été lauréate de plusieurs concours en Argentine, elle remporte des prix au Concours international de Cantù et au Concours Ferruccio Busoni en Italie, et en 2000 elle se voit décerner la médaille d’argent au Concours Frédéric Chopin à Varsovie. Depuis qu’elle a remporté le Gilmore Award, Ingrid Fliter est de plus en plus sollicitée comme soliste avec orchestre et en récital. Récemment, les temps forts de sa carrière ont été ses débuts au Hollywood Bowl (avec le Los Angeles Philharmonic Orchestra), une apparition avec la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême et Paavo Järvi au Mostly Mozart Festival du Lincoln Center de New York, et des récitals à San Francisco, à Chicago, au Carnegie Hall de New York et au Wigmore Hall de Londres. Les prochaines saisons en Amérique du Nord verront les débuts d’Ingrid Fliter avec les orchestres symphoniques de San Francisco, de St Louis, de Cincinnati, de Dallas et de Toronto, ainsi qu’avec le National Symphony Orchestra de Washington. En Europe, elle doit se produire avec le Philharmonique de Rotterdam, le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra et l’Orchestre Gulbenkian, et en tournée en Espagne avec l’Orchestre de chambre de Vienne. Elle donnera des récitals à Vancouver, à Londres, au Japon, à Barcelone et à Lisbonne. En septembre 2007, elle deviendra membre des « artistes de la nouvelle génération » de la BBC pour une période de deux ans. À ce titre, elle jouera avec bon nombre des orchestres de la BBC et participera à certains des festivals les plus importants au Royaume-Uni, dont le City of London Festival et les BBC Proms. Traduction : Dennis Collins

13 Recorded: 16.V.2007, *18–20.X.2007, Potton Hall, Suffolk Producer: John Fraser Recording engineer: Arne Akselberg Editor: Julia Thomas, *Simon Kiln Monitored using B&W loudspeakers Design: Georgina Curtis for WLP Ltd. Photography: Gary Houlder 2008 Warner Classics, Warner Music UK Ltd. A Warner Music Group Company. 2008 Warner Classics, Warner Music UK Ltd. A Warner Music Group Company. www.warnerclassics.com

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