Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 1

Contenido

Directorio PORTADA Conmemorativa del 10° aniversario (1) ….……………….. 1

CONTENIDO - DIRECTORIO …..………………………..………..…..… 2

EDITORIAL ¡Diez años… de 10! (2) ………………………………….…….... 3

PLANETA BLUES The Black Roses (3) ……………………………..…….. 6

DELMARK RECORDS PRESENTA Ladies Sing The Blues

on Delmark Records (2 y 4) ………………………………….………..…..……..... 15

Cultura Blues. La Revista Electrónica BLUES A LA CARTA Diez canciones con Eric Clapton (2) ….... 24 ‘Escribiendo la historia del blues desde México’ + COVERS Lo que significa ser un clásico (5) …………….….…………. 30 www.culturablues.com CULTURA BLUES DE VISITA Recordando a John Mayall Número 120 – mayo de 2021 en Málaga (España) (5) ……………………………………………………….……….. 35

DE COLECCIÓN Muddy Waters: 100 original tracks (2) ……..…. 38 © Derechos Reservados ESPECIAL DE MEDIANOCHE Aniversario, deceso y Director general y editor: anécdotas (6) …………………………………………………………………………..….. 40 José Luis García Fernández LADO B Dinastías bluesistas (7) ……….….…………………………………… 43 Subdirector general: José Luis García Vázquez EN VIDEO The Jimi Hendrix Experience. Live at Monterey (2) ... 48

Diseño: DE BLIND RACCOON Tomislav Goluban: Express Aida Castillo Arroyo Connection (2) …………………………………………………………………………..... 49

Consejo Editorial: DE FRANK ROSZAK PROMOTIONS The Hitman Blues María Luisa Méndez Band / The Hungry Williams (2) …………………………...... …... 51 Mario Martínez Valdez Octavio Espinosa Cabrera BLA BLE BLI BLO BLUES Kingfish (8) …………………….……..... 53

LAS TECLAS DE ORO Conversando con Bruce Katz (9) ………. 58 Colaboradores en este número: 1. José Luis García Vázquez HUELLA AZUL José María Rearte (10) …………………….……….…... 61 2. José Luis García Fernández 3. Michael Limnios DIVÁN EL TERRIBLE El Blues; la Historia. 2ª. parte (8) ……… 65 4. Fonzeca 5. Jesús Martín Camacho RECOMENDACIONES Novedades mayo 2021 (2) …..………..… 71 6. Luis Eduardo Alcántara 7. Juan Carlos Oblea LA POESÍA TIENE SU NORMA Te has convertido como 8. Octavio Espinosa en mi amante (11) ……………………………………………………………………….. 72 9. Omar Ramírez O. 10. María Luisa Méndez COLABORACIONES ESPECIALES 11. Norma Yim Anton Fig: excelente baterista de sesión (12) ………………………………. 73

12. Carlos Rosete Titanic Blues o la canción de los emigrantes (13) …………………………. 77 13. Héctor Martínez González Mi blues (14) ……………………………………………………………………………..… 86 14. Hernán “Perikles” Campodonico 15. Philip Daniels Blues del encierro (15) …………………………………………………………………. 88 16. Elihú Quintero El Blues y la armónica (16) …………………………………………………..………. 91 17. Roberto López Los nuevos medios en el siglo XXI (17) ………………………………..………. 95 18. Yonathan Amador 19. Enia Espinosa González “enes” Cultura Blues, 10 años de registrar la historia (18) ………………………. 96

Ilustración original conmemorativa del 10° aniversario (19) …….…. 98 Todos y cada uno de los artículos, son responsabilidad de quienes los firman.

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Editorial

¡Diez años… de 10!

José Luis García Fernández

Es un gusto enorme compartir con ustedes esta edición especial del 10° aniversario de “Cultura Blues. La Revista Electrónica”, con la que llegamos a la publicación de 120 números ininterrumpidos. Un hecho determinante que dice mucho más que 1,000 palabras.

Dentro de un medio muy difícil desde su concepción, con el nacimiento y ocaso de la primera revista electrónica de blues en México: Palabra de Blues, hasta su transición sorteando cientos de obstáculos en el camino, pero siempre acompañado por el impulso, la creatividad, el buen gusto y el compromiso de todos y cada uno de los colaboradores. Todos unidos por una transparente finalidad, difundir el género musical del blues y sus derivados, desde diversos puntos de vista, en un marco esencial de inclusión, respeto, principios y valores.

En esta aventura editorial, hemos caminado reconociendo a la mayoría de los artífices y pioneros del género, con sus palabras, sus conceptos y principalmente con su música de raíz que sentó las bases de muchos estilos en la música contemporánea. El Blues Tradicional o Clásico y todos sus personajes, en efecto, han ocupado siempre un espacio importante en este proyecto.

Los géneros afines han sido también repasados en muchos artículos, en especial, los relacionados con el rock y el rock-blues, pero también con el boogie woogie, soul, funk, jazz, y country, entre otros. A veces, el límite entre estos géneros y el Blues es muy fino, y en otras, muy amplio. Sabemos bien de ese concepto, pero siempre contemplamos su importancia, sin confusión, ni en detrimento de lo que es el Blues Tradicional.

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Con la publicación de una importante cantidad de proyectos del Blues Nacional (Blues hecho en México), cumplimos cabalmente con uno de los objetivos fundamentales de la creación de este medio de difusión netamente independiente.

Dando a conocer en artículos, y/o entrevistas exclusivas a los diversos artistas mexicanos y extranjeros residente en el país, con su historia, su música, y sus planes; pero también promoviendo sus presentaciones, conciertos, participación en festivales: presenciales y virtuales a través de nuestros alcances, en la propia revista en su versión web, en la versión PDF, en el perfil de Facebook, en el canal de YouTube, y con la producción de cuatro discos recopilatorios con la participación de agrupaciones a nivel nacional. El apoyo y promoción de los encuentros y festivales también han sido incluidos en este ejercicio continuo de divulgación.

Como parte de los objetivos en este rubro, hemos puesto nuestro granito de arena en la realización de eventos propios, allá en los primeros años tuvimos la oportunidad de conformar durante dos años consecutivos un ciclo de conciertos: ‘Noches de Blues en los Alebrijes’, también hemos organizado diversas celebraciones en los fines de año y en aniversarios, contando con el talento nacional, de bandas de la Ciudad de México y área metropolitana, incluso en varias ocasiones provenientes de diferentes estados.

El Blues Internacional ha sido la fuente básica e inagotable de nuestras ediciones, principalmente del blues originario estadounidense, sin barreras, en toda su gama de estilos y regiones: Delta Blues, Chicago Blues, Texas Blues, Blues de la Costa Este, Blues de la Costa Oeste, Rock Blues (mucho de esto), Soul Blues, Country Blues, entre muchos otros. Hemos volteado a ver y a compartir proyectos de Blues Latinoamericano, Blues Europeo (no solo inglés), e incluso de otras latitudes como el Blues africano, de Japón, de Australia, de Nueva Zelanda, y más.

El Blues Contemporáneo ha ido ocupando cada vez más de nuestros espacios, con la creencia firme en que el desarrollo del género debe llevar a dar a conocer a los nuevos artistas, sin dejar de venerar a los tradicionales. Todo esto, a pesar de la eterna resistencia de muchos fans puristas. Esta idea de hecho, desde mi punto de vista, abre las fronteras del género y da la esperanza de que el Blues siga vivo y sano en el incierto futuro de la música universal.

Para reafirmar esta posición, nos hemos dado a la gran tarea de compartir los títulos y portadas de las recientes grabaciones, convirtiéndose en una interesante manera de obtener un amplio y novedoso catálogo de blues y sus géneros afines. En este extenso inventario, indudablemente, se encuentran un sinfín de opciones, para todos los gustos, incluso para aquellos que se resisten a lo nuevo. Ya que hay varios relanzamientos de discos de los clásicos. Todo esto para adquirir de manera tradicional o escuchar vía streaming.

Adicionalmente, compartimos mensualmente una lista de canciones con un resumen de esos nuevos discos, logrando así capturar una breve, pero muy importante fotografía de la escena actual.

Los números de la publicación ininterrumpida son impresionantes: 121 ediciones en 120 meses; 521 semanas; 3,652 días; 87,648 horas; 5´258,880 minutos. Con más de 666,000 visitas en la página web oficial; más de 8,600 seguidores en Facebook; más de 2,400 artículos; más de 8,400 páginas en la versión pdf; más de 4,000 grabaciones y videos recomendados. Todo esto y mucho más, realizado por el gran equipo editorial de más de 100 colaboradores. Va mi profundo y cordial reconocimiento a cada uno de ellos por esta labor, única e incomparable, con el fin de colocar en un lugar especial el blues en México.

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Equipo editorial 2021 Edgard Octavio Espinosa Cabrera, Enia Espinosa González, José Andrade Urbina, José Luis García Fernández, José Luis García Vázquez, Juan Carlos Oblea, Luis Eduardo Alcántara, María Luisa Méndez, Michael Limnios, Norma Yim, Omar Ramírez, Rafael Arriaga Zazueta, Roberto López.

Columnistas anteriores y colaboradores 2011-2021 Adrián Bosques, Aída Castillo, Alejandra Meza, Alejandra Moreno, Ángel Armenta López, Antonio Daniel Díaz Monroy, Antonio Martínez González, Aurelio Pacheco Sanabria, Betsy Brown, Carina Monserrat Marín, Carlos Black, Carlos Rosete, Cinthya Rocío García Vázquez, David Carrizales, Edgar Luna, Eduardo Méndez, Eduardo Serrano, Elbio Barilari, Elena González, Eleuterios, Elihú Quintero, Eugenia Malagón, Félix Fernando Franco Frías (QPD), Fernando Monroy, Fidelmar Muñoz, Fonzeca, Francisco Javier García, Francisco Medina, Frank Roszak, Frino, Gerardo Cortés Orozco, Gilberto A. Casillas, Guillermo Ibarra, Héctor Florentino, Héctor Martínez González, Horacio Flores, Iván Medina Castro, Izef G. Suárez, Javier Caneda, Javier Martín Pérez Páiz, Jesús Cornejo, Jesús Martín Camacho, Joao Quiroz, Jorge Carmona, Jorge González Vargas, Jorge Márquez Guido, José Alfredo Reyes Palacios, José Antonio Pantoja Gómez, José Cruz Camargo, José Ray Juárez Rivera, Juan Ávila, Juan Carlos Cortés, Juan Carlos Velázquez, Juan José Mendoza Gutiérrez, Julia A. Miller, Lautaro Tano Villanueva, Lenin Mejía López, Leonardo García, Luciano Hidalgo (QPD), Luis Alberto Hernández Armenta, Luis Monroy, Marco Antonio García Hernández, María del Refugio Vázquez, Mario Martínez Valdez, Martín León, Michael As, Miguel Ángel Galiote, Mónica Nava, Nancy Zamher, Nay Stanfield, Olga Pérez, Pablo Gómez Bañasco, Pedro Antonio Basilio, Philip Daniels, Raquel Esquivel, Raquel Hoyos Guzmán, Raúl Aznar, Raúl De la Rosa, Raúl Reyes Zúñiga, Raymundo Pérez, Ricardo Gutiérrez, Ricardo Peralta, Roberto Dueñas, Roberto Rivelino, Sandra Redmond, Sergio Muñoz Andrade, Valeria Vega, Verónica Murillo, Wendy Pardo, Xavier Quirarte, Yolanda López, Yonathan Amador.

¡Cultura Blues escribiendo y dejando huella en la historia del blues en México!

La edición especial con un amplio contenido, resalta por el apego a sus principios fundamentales: contar historias del blues clásico, del contemporáneo, del internacional y nacional; orientar hacia la veneración franca de la música tradicional, pero también introducir en las nuevas grabaciones. Todo ello con artículos, en esta ocasión, de artistas como: Crystal Thomas, Anne Harris, Skylar Rogers, Big Time Sarah, Karen Carroll, Blu Lu Barker, Bonnie Lee, Edith Wilson, Graná Louise, Dinah Washington, Shirley Johnson, Betty Roche, Zora Young, Mary Johnson, Wee Bea Booze, Baby Dee, Lynne Jordan, Katherine Davis, Demetria Taylor, Sharon Lewis, Sylvia Embry, Gloria Hardiman, Sister Elizabeth Eustis, Eric Clapton, John Mayall, Muddy Waters, Paul Oscher, Jimi Hendrix, Tomislav Goluban, The Hitman Blues Band, The Hungry Williams, Christone “Kingfish” Ingram, Bruce Katz, José María Rearte, Gerardo Cortés Orozco; además, algo acerca de los hijos de: Muddy Waters, Willie Dixon, Carey Bell, Buddy Guy, John Lee Hooker, Snooky Pryor, Eddie Taylor, Jimmy Rogers, Elmore James y Willie Big Eyes Smith.

El número se engalana con la extraordinaria participación de grandes amigos del proyecto: Carlos Rosete (Anton Fig); Héctor Martínez González (Titanic Blues); Hernán “Perikles” Campodonico (Mi blues); Philip Daniels (Blues del encierro); Elihú Quintero (El blues y la armónica); Roberto López (Los nuevos medios en el siglo XXI); Yonathan Amador (Cultura Blues, 10 años de registrar la historia); y Enia Espinosa “enes” (ilustración de la contraportada). Desde luego, como se acostumbra, hay poesía, listas musicales y videos, así como, recomendaciones discográficas.

¡Viva Cultura Blues en su 10° aniversario!

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Planeta Blues

The Black Roses

Michael Limnios

Entrevistas con Crystal Thomas –– Anne Harris –– Skylar Rogers

Crystal Thomas: La verdad de la música Usa su voz como una influencia positiva y estimulante. Le gusta animar a las personas para que sean mejores, amen mejor y vivan mejor. Es importante, es bluesera pura. Puede desmenuzar una nota y usarla como quiera. Después de todo, ella creció escuchando a Muddy, Jimmy Reed y Johnnie Taylor, pero también ha rapeado. La música potente está en su sangre. Cantaba antes de hablar. Lo hizo a todo pulmón en la iglesia, en las discotecas, cautivando a las multitudes en Hong Kong, Japón y Europa. Esta mujer canta con el tipo de emoción pura que te hace sentir feliz de estar vivo, incluso si la vida es difícil. Crystal es algo verdadero. Su nuevo álbum “Now Dig This” (2021) en Dialtone Records, es resultado de su unión con una banda de músicos súper estrella.

Mike. ¿Cómo ha influido la música blues y soul en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado? Crystal. La música blues y soul ha sido el plan para ayudarme a navegar a través de estos caminos accidentados y sinuosos de la vida. Hay cosas que experimento en mi vida actual que la escuela no me enseñó. Así es como la música me salva todos los días.

Mike. ¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo? Crystal. Mi sonido es potente, maravilloso y lleno de soul. Mi filosofía, "Si eres fiel a la música, la música será fiel a ti". Mi impulso creativo viene de adentro. La música de toda mi vida ha sido mi mejor amiga, a veces mi única amiga. Sin música sería una mujer totalmente diferente.

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Mike. ¿Con qué conocidos has tenido las experiencias más importantes? ¿Cuál fue el mejor consejo que alguien te ha dado? Crystal. Conocer al Sr. Yasufumi Higurashi y al Sr. Kochi de Japón fueron las experiencias más importantes. Ser abrazada e inspirada incluso con una barrera lingüística tan grande fue abrumador. Estoy muy agradecida por eso. El mejor consejo me sorprendió un par de veces, en dos ocasiones distintas. La primera vez me sentí bien al escucharlo, la segunda vez realmente se me quedó. Ese consejo fue, "Recuerda, solo sé Crystal Thomas", vino del Sr. Yasufumi Higurashi.

Mike. ¿Hay algún recuerdo de conciertos, jams, presentaciones y sesiones de estudio que te gustaría compartirnos? Crystal. Tengo varios recuerdos musicales increíbles, pero solo compartiré algunos. Tocar el trombón con el Sr. Johnnie Taylor, cantar en acústico con el Sr. Lucky Peterson, grabar y compartir historias universitarias con el Sr. Chuck Rainey, cantar con la Sra. Jewel Brown, tocar en el SXSW con The Eastside Kings y cada Festival de Eastside Kings, actuar en el más grande Festival de Blues… estando en Madrid, participo por primera vez en un Jumbotron y viajo de país en país con mis increíbles amigos, The Bloodest Saxophone.

Mike. ¿Qué es lo que más extrañas hoy del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro? Crystal. Extraño la pasión y las historias actuales. No hay ninguna convicción como en el pasado. Mi temor es que todo tu arduo trabajo se pierda en el tiempo.

Mike. ¿Qué significa ser una artista en un mundo de hombres como decía James Brown? ¿Cuál es el estatus de la mujer en la música? Crystal. Todavía se necesita paciencia y fuerza para ser una mujer en este mundo de hombres. Tengo la edad en la que estoy convencida de que algunas cosas simplemente nunca cambiarán. No importa cuánto tiempo marchemos y cuán duro luchemos. Las artistas debemos ser lo suficientemente consistentes como para lograrlo por nuestra propia cuenta, de ahí proviene el poder. Hay tantas artistas increíbles aquí. Somos reinas y estamos ocupando nuestro lugar en el trono.

Mike. ¿Qué diría que caracteriza la escena del blues de Louisiana en comparación con otras escenas y circuitos locales de Estados Unidos? Crystal. Creo que la escena del blues de Louisiana está muy por detrás de la mayoría de los lugares. Tu mejor blues se esconde en un pequeño agujero en las paredes del que la mayoría de la gente nunca ha oído hablar. De hecho, suelo ser coanfitriona de un jam de blues con el Sr. Jerry Beech, quien escribió "I’ll Play The Blues For You", versionada por Albert King.

Mike. ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música? Crystal. Algunas de las cosas más importantes que he aprendido, es que tengo la responsabilidad musical de no solo corresponder los sentimientos que recibí al crecer escuchando a los grandes, sino que también tengo que mantener vivo el blues. También aprendí a ser humilde y siempre aplicarme para ser mejor y hacerlo mejor.

Mike. ¿Cuál consideras que es el impacto del blues en las implicaciones raciales, de derechos civiles, espirituales, políticas y socioculturales? Crystal. El blues siempre ha sanado. Para la cultura afroestadounidense, la música ha sido la única constante sólida en nuestras vidas. Nos expresamos naturalmente en canciones a través de la música.

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Ya sea que busquemos la libertad o celebremos el amor y la vida, la música siempre ha tenido un gran impacto en nuestras vidas y ha jugado un papel fundamental en la capacidad de comunicarnos.

Crystal Thomas / Foto de Taki Nishino

***** Anne Harris: Los ecos de la fuente divina La violinista y cantautora con sede en Chicago, Anne Harris, ha estado elaborando su propio sonido durante más de una década, produciendo cinco discos de estudio independientes y tocando en innumerables conciertos en los Estados Unidos y en el extranjero. Sus colaboraciones, en vivo y en estudio, abarcan un grupo grande y diverso de artistas, en los que se incluyen: Otis Taylor, Shemekia Copland, Los Lobos, Living Color, Cracker, Guy Davis, Walter Trout, Anders Osborne, y en temporadas ocasionales con las leyendas hippies, Jefferson Starship. El sencillo de Anne "Over" (2021) fue escrito para ella y por Markus James, con quien comenzó a colaborar hace algunos años.

Mike. ¿Cómo ha influido la música y la cultura afroestadiunidense en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado? Anne. ¡Esta pregunta casi me hace escupir mi té de la risa! SOY afroestadounidense, una mujer negra, así que esta pregunta me dice: "¿Cómo te ha influido ser Tú el ser Tú?", a lo que no puedo dar una respuesta. Mi vida, mi identidad, mis experiencias son parte de quien soy, y no puedo ver esa historia desde otro punto de vista. No puedo disimularme.

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Nadie puede examinarse a sí mismo de esa manera. Mi experiencia de vivir mi vida como mujer negra, y trabajar en un campo que está predominantemente poblado por hombres blancos es todo lo que sé. Soy una minoría en todo el sentido de esa palabra. Uno de los muchos defectos del racismo es el de tener una perspectiva sesgada. Nace de que la blancura es el valor predeterminado, contra el cual se miden todas las demás perspectivas, lo que lleva a suposiciones y narrativas falsas. Esta lente ve la música y la cultura negras como algo separado y periférico de la cultura estadounidense (blanca) convencional, cuando de hecho TODAS las diversas culturas que componen el rico tejido de los Estados Unidos, se han polinizado a través del arte y a lo largo del tiempo para crear expresiones exclusivamente estadounidenses.

El impacto del arte y la cultura negra en Estados Unidos está vinculado específicamente a un panorama más amplio. No hay cultura estadounidense sin la influencia de los estadounidenses negros. Como nota al margen, ninguna persona negra le haría esta pregunta a otra persona negra o morena. Sería igualmente inimaginable que un entrevistador afroamericano le preguntara a una persona blanca: cómo la música y la cultura europeas han afectado su visión del mundo y los viajes que han realizado.

Las ricas contribuciones de la cultura y el arte negro han desempeñado un papel inconmensurable en la configuración no solo del arte estadounidense específicamente, sino de toda nuestra vida en un sentido más amplio. Nosotros, como estadounidenses, no podemos saber cómo sería la vida sin la influencia de la cultura negra. Está tejido de forma indeleble en la estructura de nuestras vidas.

Imagínese sin rock and roll. Sin pop. Sin música dance. Sin música country o gospel. La música y el arte de los africanos esclavizados extrajeron su fuerza vital de África, la cuna de la civilización, y hoy se abre camino a través de nuestro torrente sanguíneo mezclándose con todo lo que encuentra, dando forma para siempre a nuestra conciencia colectiva, así como a nuestra conciencia individual. Soy portadora de esas historias. "¿Que cómo ha influido la música y la cultura afroamericanas en (mis) puntos de vista del mundo y los viajes que he realizado?" Esta ES mi música y mi cultura, mi visión del mundo y los viajes que he realizado. Esta soy yo. Estas historias no solo están en mi sangre, son mi sangre y son inseparables de quien soy.

Mike. ¿De dónde viene tu impulso creativo? ¿Cuál esperas que sea el mensaje de tu música y canciones? Anne. Mi impulso creativo proviene de la Fuente. El origen de toda la creatividad es la Fuente. Creo que los humanos son solo otra expresión creativa de lo Divino. Y como tal, nuestra razón de ser es crear. Definiría vagamente "Lo Divino" como la fuerza infinitamente creativa que se expresa de manera ilimitada a través de todas las cosas y en todas las líneas de tiempo. Todo lo que es brota de la Divinidad. Todas las ideas brotan de este mar ilimitado de posibilidades.

Mi impulso por crear está codificado en mi ADN. Siento que es mi trabajo y mi deber como artista mantenerme abierto a los impulsos creativos y enfocar mi energía en cómo servir mejor a la musa con mi atención, práctica, diligencia, pasión, sentido del juego y conciencia del proceso y el Misterio. Mi música y las canciones que escribo tratan sobre cosas diferentes, por supuesto, pero creo que el mensaje general que transmito a través de mi trabajo es de esperanza, posibilidad, sanación y expansión.

Mike. ¿Cómo crees que has crecido como artista desde tus inicios y qué ha permanecido igual de tus influencias? Anne. Dios mío, siento que nací como artista y no hay un punto en mi línea de tiempo en el que sienta que "me convertí" en una. Entonces, cómo he crecido como artista es un reflejo directo de cómo he crecido como persona.

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Cuanto más envejezco, más experiencias acumulo, más fascinada me siento por la magia que parece ser la corriente subyacente en todo. Hay mucho dolor, lucha y tristeza en la vida, pero también está el milagro del perdón. El amor y el Misterio que me mantiene pegada a mi asiento queriendo saber qué va a pasar a continuación y preguntándome cómo mi presencia como artista puede ayudar a procesar algo de eso.

Específicamente, en lo que respecta a la música, crecí escuchando una banda sonora enormemente variada y ecléctica porque a mis padres les encanta todo tipo de música y mi papá tenía una gran colección de vinilos. Escuché de todo, desde jazz, funk, blues, country y gospel, hasta música clásica, folk, rock, pop, teatro musical y más. Como resultado, crecí sin un filtro en cierto sentido, sobre lo que encontré identificable en muchos géneros.

Me agradó lo que me gustó simplemente porque resonó en alguna parte. Esto es algo que he llevado conmigo toda mi vida; un gusto extremadamente diverso y ecléctico en la música y ver las líneas y las conexiones. Estoy muy agradecida por la libertad que me he brindado como música, porque puedo tomar fácilmente de muchos géneros y sonidos diferentes, y entrelazarlos con facilidad.

Mike. ¿Hay momentos memorables exclusivamente específicos con personas con las que hayas actuado en vivo o en el estudio? Anne. He tenido la increíble fortuna y el honor de actuar con muchos artistas increíbles e icónicos a lo largo de los años. Unos de los que destacaría sería a Los Lobos, simplemente porque me asombró no solo su impecable musicalidad, sino también su generosidad, su enorme corazón y su desenfrenado sentido de la diversión y el abandono. Ellos depositaron una gran cantidad de confianza y fe en mí cuando ni siquiera me conocían. Otro fue trabajando con Bobby Rush. Hice una pequeña grabación y una breve gira con Bobby hace unos años y sentí lo mismo. Me contó algunas historias increíbles y fue muy generoso con su confianza en lo que estaba haciendo, y tenía el doble de energía que una persona de la mitad de su edad. También tuve el gran honor de tocar con Living Color, Jefferson Starship y Buddy Guy, y todas fueron experiencias alucinantes.

Mike. ¿Qué consideras que caracteriza la escena del blues de Chicago en comparación con otras escenas y circuitos locales de Estados Unidos? Anne. Chicago tiene su propio sabor del Blues, y un lugar tan distinto en la historia de la música Blues. Es una parte vibrante de la historia de la ciudad y ha producido algunos de los artistas más destacados del mundo. La música y los artistas que vienen de Chicago también han influido en algunas de las bandas de rock y pop más exitosas como, The Rolling Stones y U2. Me siento tan bendecida de que este fuera mi hogar cuando comencé mi viaje hacia el Blues, porque hay tantos grandes aquí en un solo lugar. Era como vivir en el campus de una de las mejores escuelas de blues del planeta.

Mike. ¿Qué te impactó del sonido del violín? ¿Cómo quieres que afecte al público? ¿Cuáles son los secretos del instrumento? Anne. No recuerdo un momento en el que no tocara el violín. Mi mamá me dice que comencé a rogar por uno a la edad de 3 años cuando me llevó a ver la versión cinematográfica de "Fiddler on the Roof". Pero no comencé las lecciones hasta los 8 años. Recibí una formación clásica y estudié el método Suzuki. Siento que hay algo en el instrumento que se conecta al corazón. Algunos dicen que el violín es el instrumento más cercano a la voz humana. Siempre me ha encantado la forma en que me hace sentir el sonido. Y espero transmitir ese sentimiento cuando estoy tocando. Quiero acariciar el corazón de la gente.

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En lo que respecta a los secretos, probablemente el más importante es que el violín tradicional o fiddle y el violín son el mismo instrumento. La diferencia en los apodos es realmente una diferencia estilística. En términos generales, el violín está asociado con la música clásica, mientras que el fiddle está asociado con la música folclórica y de raíces.

Otro gran secreto es el rol crítico del fiddle en la música temprana de bandas de cuerdas negras que dio origen a la música blues. Había muchos más músicos negros de fiddle y banjo, que guitarristas durante el siglo XIX. El fiddle de los esclavos se documentó ya en la década de 1690, y los esclavos tocaban para los blancos en los bailes de las plantaciones, así como para las reuniones de sus compañeros esclavos. La música de bandas de cuerdas negras prosperó en partes a lo largo del río Mississippi, y en la década de 1840, Nueva Orleans era conocida como el centro negro de la música de fiddle. Los esclavos de la región a menudo eran enviados allí para aprender el instrumento y regresaban como artistas entrenados a sus plantaciones.

Mike. ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que ha aprendido de tu experiencia en los caminos de la música? Anne. Algunas de las lecciones más importantes que he aprendido de la música: Sigue a tu corazón. Confía en tus instintos. Encuentra las cosas de ti que te hacen sentir incómodo, las formas en que te sientes diferente a los demás y apóyate en esas cosas. Tu poder para impactar a las personas está intrínsecamente vinculado a tu capacidad para asumir riesgos. Se honesto. Se actual. Diviértete.

Anne Harris / Foto de Aigars Lapsa

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Mike. ¿Cuál es el impacto de la música en los derechos civiles, derechos humanos, implicaciones políticas y socioculturales? Anne. La música siempre ha sido una fuerza impulsora detrás de cada momento social importante. Todas las revoluciones tienen una banda sonora, y esto se debe a que la música tiene la capacidad única de alterarnos físicamente a través de la vibración. Cuando todos los grupos de personas vibran juntos en el sonido, se crea una resonancia y una conexión poderosas, y aparece un portal para el cambio a medida que la conciencia se expande.

*****

Skylar Rogers: (Soul) Fuego (Blues) Respiro Skylar nació y creció en algunos de los barrios más difíciles de Chicago. Aprendió a temprana edad que la música unía a las personas. El sonido "Soul Rockin’ Blues"de Skylar se puede atribuir a los artistas que más la influenciaron: Tina Turner, Koko Taylor, Billy Joel, Whitney Houston, B.B. King y Michael Jackson. Ella acredita que escuchar a estos y otros como AC/DC y varios artistas de Motown la influenciaron y la moldearon para convertirla en la cantante fuerte, apasionada y enérgica que es hoy. Su nuevo álbum, "Firebreather" (2021), presenta diez canciones nuevas que reflejan su vida al crecer en algunos de los vecindarios más espinosos de Chicago y la influencia de la música que fluye a través de la región, desde St. Louis a Memphis, pasando por Nashville y de regreso a la “Ciudad de los Vientos”.

Mike. ¿Cómo ha influido la música Blues, Soul y Rock en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado? Skylar. Tiendo a sentir las vibraciones de la música, como ondas sonoras físicas. Me ayuda a entender que sí, el mundo apesta en este momento, pero estos géneros en particular nos han enseñado bien que aunque los tiempos sean malos, lo superaremos y se avecinan días más brillantes. He lidiado con algunos de mis momentos más oscuros con la ayuda de la música. Es mi terapia. Realmente creo que la música sobrevive a lo peor y celebra lo mejor.

Mike. ¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo? Skylar. ¡Me tomó un poco de tiempo de experimentación encontrar mi sonido! Lo describiría tan complejo como la vida misma. Es un sonido que nunca retrocede, sin miedo. ‘Hard Headed Woman’ es un ejemplo de esto: sabe que le va a costar todo, pero se niega a dar marcha atrás. Todas mis canciones reflejan algo personal. No puedes cantar ninguna forma de blues, si no has tenido blues. Incluso en proyectos futuros, seguiré basándome en experiencias personales, incluso si son en tercera persona.

Mike. ¿Hay algún recuerdo de conciertos, jams, presentaciones y sesiones de estudio que te gustaría compartir? Skylar. Uno de mis momentos favoritos con mis hermanos (Blue Diamonds) fue el espectáculo final antes del cierre, en Springfield, IL. Realmente descubrí quién era ese día. Puede ver la diferencia en las imágenes de programas anteriores y mirar las imágenes del programa de Springfield. En otra ocasión, fue cuando estaba en recuperación porque había tenido una cirugía mayor. Les dije a los muchachos que sabía que tenían otras obligaciones, así que les dije que si se querían ir, no los culparía. Todos y cada uno de ellos dijeron que se quedarían conmigo sin importar nada. Mis ojos se pusieron llorosos como cuando se corta cebolla. Nos convertimos en algo más que una banda... éramos una familia.

Mike. ¿Qué es lo que más extrañas hoy del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro? Skylar. Echo de menos la originalidad. Suena duro, pero cuando estaba en el IBC en Memphis, escuché a Bobby Rush decir: 'Ya no hay nada nuevo. Todo se ha hecho antes'. Hay tanta verdad en eso. Simplemente estamos construyendo sobre las bases que los pioneros cimentaron para nosotros.

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Claro, podemos reorganizar estilos, combinar géneros, agregar diferentes sonidos, etc., pero nunca seremos capaces de reinventar la rueda. Una esperanza que tengo para el futuro es que nuestros estilos combinados de blues se vuelvan más aceptables. Las líneas del género están tan borrosas en este punto, que no puedes escuchar una canción y decir "eso no es blues". Sé que habrá puristas por ahí que nos mirarán con desdén, pero si todos tocáramos lo mismo, ¿qué tan aburrido sería?

Mike. ¿Qué consideras que caracteriza la escena del blues de Chicago en comparación con otras escenas y circuitos locales de Estados Unidos? Skylar. La escena del blues de Chicago se trata de mantenerlo simple y en entornos más íntimos, una de las excepciones es el House Of Blues, por supuesto. Hay algo en esa armónica y guitarra amplificadas justo en tu cara, y en la interacción con la audiencia por la que eran conocidos los primeros artistas de blues de Chicago. ¡Es una fiesta y todos fueron invitados!

Mike. ¿Qué significa ser una artista en un mundo de hombres como decía James Brown? ¿Cuál es el estatus de la mujer en la música? Skylar. Mi madre estuvo en una industria dominada por hombres. Trabajé en industrias dominadas por hombres durante años: militar, camionero, conductor de autobús municipal, incluso seguridad. Hay un equilibrio muy delicado entre estar con los chicos y mantener tu identidad como mujer. Vi a mi mamá hacerlo y lo aprendí de ella. Las mujeres en la música han tenido que mantener ese mismo equilibrio, y ahora más que nunca es mucho más difícil: básicamente tenemos que volar para llegar a donde un hombre puede caminar. ¡Me enorgullece decir que nosotras, las mujeres, nos estamos defendiendo y definitivamente somos una fuerza para tomar en cuenta!

Mike. ¿Cuál es el impacto del Blues en las implicaciones políticas y socioculturales, feministas, de derechos humanos y civiles? Skylar. Vaya, esa es una pregunta profunda y un poco pesada. El blues nos ha dado una comprensión del pasado, que podemos usar para unirnos en el presente. Realmente necesitamos escuchar las voces del pasado y escuchar con atención. Le dio al hombre negro una forma de expresar sus luchas que de otra manera no tendría la oportunidad de hablar con tanta libertad. El Blues nos ha demostrado que las damas han pagado sus cuotas y se han ganado el derecho de estar al lado de los muchachos. Lo han hecho desde los tiempos de Ma Rainey, Bessie Smith y Gladys Bentley. Ahora tenemos a Samantha Fish, Annika Chambers, Shemekia Copeland y, bueno ... y a la pequeña yo.

Desafortunadamente, existe una tensión oculta entre los artistas de blues blancos y negros. Iba a tocar un día con una banda en Beale, y me dijeron que era mejor que me supiera algunos estándares negros. Me alejé, enojada. ¿Cuál diablos era la diferencia entre una banda negra y una banda blanca? ¿POR QUÉ hacían una diferencia? Estaba escuchando un programa en Bluesville, y el locutor clasificó al artista que acababa de tocar como "uno de los mejores músicos de blues blanco". Disgustada, le cambié al programa. Siempre habrá un debate sobre para quién es el blues, quién tiene derecho a tocarlo y quién no. ¿Mi opinión? ¡EL BLUES ES PARA TODOS! Joven, viejo, blanco, negro, con lunares. Reconoce de dónde viene la música y toca eso con respeto.

Mike. ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido en los caminos de la música? Skylar. ¡He aprendido que esto NO es para los débiles de corazón! O estás dentro o tienes que salir. Además, pase lo que pase, TIENES que ser fiel a quien eres. No puedes tener miedo de hacer lo que realmente quieres. Lo haces, y a la gente le gusta o no. Si no lo haces, bueno ... simplemente no era para ellos. También he aprendido a no tomarme las cosas personalmente. No hay tiempo para hacerlo. Tu procesas, decides si te hace mejor, genial.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 13

Si no, que te salga por la otra oreja. Esta es tu pequeña empresa y TÚ eres el DIRECTOR. Tomarás malas decisiones, después de todo, eres humano. Pero aprendes, y lo mantienes en movimiento, y por último, NUNCA te sientas cómodo. SIEMPRE. Siempre busque algo más alto.

Mike. Hagamos un viaje con una máquina del tiempo, ¿adónde y por qué querrías ir durante todo un día? Skylar. ¿Solo un día? Déjame sentarme y aprender de Tina Turner en 1990. Ella era la personificación del vencedor. Me encantaría escucharla hablar sobre cómo decidió hacer algo que nadie esperaría que hiciera: convertirse en la Reina del Rock and Roll. Me encantaría saber cuál fue su proceso de pensamiento, si inmediatamente camina en su verdad, ¿o la intimida? ¡¡¡¡¡Muchas preguntas!!!!! Si alguna vez ves esto, Reina Tina, ¡déjame hurgar tu cerebro por un día!

Skylar Rogers / Foto de Kay Marie

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Delmark Records presenta

Ladies Sing The Blues on Delmark Records

José Luis García Fernández

Capítulo 11. Ladies Sing The Blues on Delmark Records: 22 álbumes que debes conocer El pasado 15 de marzo, la página oficial de Delmark Records publicó dentro del apartado de las noticias el estupendo texto, “Celebrando el Mes de la Historia de la Mujer con el catálogo histórico de cantantes femeninas de Delmark”, que además, de contener información básica de 22 álbumes esenciales, nos invita a escucharlos y disfrutarlos, y por qué no, ha adquirirlos a fin de que ocupen un lugar muy especial dentro de nuestra discoteca particular. A continuación el texto traducido amablemente por Fonzeca, con algunas breves notas y comentarios personales.

“Delmark Records, una empresa propiedad de una mujer, es el sello discográfico independiente de jazz y blues en funcionamiento continuo más antiguo de los Estados Unidos: con ¡67 años! (en este 2021 serán 68). A lo largo de su historia, Delmark ha lanzado discos de muchos de los artistas históricos de blues y jazz. Estamos comprometidos con este legado. Mientras continuamos creando nuevos lanzamientos, también mantenemos y revitalizamos el increíble catálogo de Delmark”, comenta la ingeniera de sonido y músico: Julia A. Miller, presidenta y directora ejecutiva de Delmark Records desde 2018.

Various Artists – Wild About That Thing/Ladies Sing the Blues (Delmark 50th Anniversary) - DX 913 (2003) Las cantantes de blues llevan grabando desde la década de 1920. El álbum, Wild About That Thing presenta lo mejor del blues clásico y moderno. El último medio siglo de jazz y blues, desde la perspectiva de Chicago de Delmark Records, es más divertido, más desconocido, más valiente e íntimo que la música que suelen ofrecer las grandes compañías.

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La garantía de Delmark es jazz y blues genuinos, tocados sin concesiones. Junto con la canción principal de Katharine Davis (que da el título al disco), el lanzamiento también incluye canciones de Big Time Sarah, Karen Carroll, Blu Lu Barker, Bonnie Lee, Edith Wilson, Graná Louise, Dinah Washington, Shirley Johnson, Betty Roche, Zora Young y Mary Johnson. Considerándolo todo, una gran introducción a las mujeres de Delmark.

Esta hermosa recopilación reúne 13 grandes temas, de los que destaco, sin duda: Long Tall Daddy, Wild About That Thing, Got the Blues ‘Bout My Baby, Not for the Love of You, y Brain Damage.

Edith Wilson – He May Be Your Man… But He Comes To See Me Sometimes! - DD 637 (1993) A los quince años, Edith Wilson se convirtió en la tercera mujer negra en hacer discos fonográficos, y desde entonces pasó muchos años largos y productivos en el campo del entretenimiento. Si bien generalmente se la clasifica entre las cantantes de blues de vodevil (según sus primeras grabaciones), este no es un resumen de su carrera, que ha incluido el éxito en el escenario, la pantalla, la radio y la televisión, además de las grabaciones por las que ella es mejor recordada por los coleccionistas de jazz. Una vocalista versátil, Edith cantó con The Thousand Pounds of Harmony, conformada por Louis Armstrong, Fats Waller y ella misma, así como también en varios musicales de Broadway.

Una estupenda muestra de su calidad vocal en 12 piezas, Edith Wilson acompañada espléndidamente por el pianista Little Brother Montgomery y la banda The State Street Swingers, brillan con luz propia en: Mistreatin’ Blues, Hey! Hey! Boogie, Twiddlin’, y en Put a Little Love in Everything You Do.

Blu Lu Barker/Wee Bea Booze/Baby Dee – Don’t You Feel My Leg - DE 684 (1996) Subtitulado como Apollo's Lady Blues Singers, este disco Don't You Feel My Leg, tiene nueve temas de Blu Lu Barker (tres de ellos no publicados previamente), cinco de Wee Bea Booze y cuatro de Baby Dee.

Tres diferentes estilos de magníficas vocalistas, transitando por el blues, el jazz y el rhythm & blues, que ampliamente se disfrutan durante los 50 minutos de esta grabación de antología. Se destacan de la colección de 18 temas a Blu Lu Barker con: Don’t You Feel My Leg y Buy Me Some Juice; Wee Bea Booze con: Easy Riding Blues y I’m Gonna Put You Down; y Baby Dee: con I Want To See My Daddy y Baby Dee Blues.

Various Artists – Women of Blue Chicago - DD 690 (1996) Blue Chicago es el nombre de uno de los mejores clubes de blues de Chicago. Ha estado mostrando durante muchos años el arte del blues de clase mundial de Chicago. Uno de los aspectos distintivos del club es que las cantantes forman parte de las actuaciones casi todas las noches. Este CD, Women of Blue Chicago, presenta a las mejores mujeres del blues de Chicago, incluidas: Bonnie Lee, Karen Carroll, Shirley Johnson, Lynne Jordan, Big Time Sarah y Katherine Davis. Todas estas mujeres han estado relacionadas con el Blue Chicago a lo largo de los años, así como con Delmark.

Otra encantadora antología de 11 temas de 6 brillantes exponentes del género, en las que se destacan: Bonnie Lee con Baby, What You Want Me To Do; Shirley Johnson con As The Years Go Passing By; Bonnie Lee con Walking Blues; Karen Carrol con Goin´ Down Slow; Lynne Jordan con If I Can’t Sell It; y la exquisita Katherine Davis con Wild About That Thing.

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Bonnie Lee – Sweetheart of the Blues - DC 676 (1995) Muchos grandes artistas de blues han venido del área de Texas pero, posiblemente, ninguno tan adorable como la Sra. Bonnie Lee. Con una carrera que ha abarcado más de cincuenta años, Lee agita la mezcla de sofisticación del jazz, el sentimiento de blues profundamente arraigado y el encanto sureño para crear un estilo que es completamente suyo. Sweetheart of the Blues puede verse como una celebración de la amistad. Bonnie Lee ha esparcido su cálida sensibilidad por Chicago haciendo conexiones duraderas que se pueden escuchar aquí. Estos lazos son uno de los aspectos más destacados del álbum. Es una congregación de compañeros perpetuados por la música.

Una adorable voz que se escucha plena con interpretaciones de alta calidad. Es este álbum de Bonnie Lee “La Novia del Blues” con 13 canciones, por cierto con Billy Branch en la armónica en algunos temas. Se destacan las pistas: Baby, What You Want Me To Do, I Love You Baby, That’s Allright, Got the Blues ‘Bout My Baby, y Change Your Mind.

Demetria Taylor – Bad Girl - DE 814 (2011) Con Billy Branch, Eddie Shaw, Big Time Sarah, Eddie Taylor Jr., Shun Kikuta, Roosevelt Purifoy, Greg McDaniel y Pookie Styx. Bad Girl es el CD debut de la cantante de blues Demetria Taylor, hija del legendario Eddie Taylor. Mejor recordado por su trabajo como guitarrista rítmico de Jimmy Reed, Eddie Taylor también grabó siendo director de VJ y tuvo un pequeño éxito con la canción "Bad Boy" en 1955. Demetria vuelve a recrear la canción aquí como un tributo a su difunto padre. Pero Demetria no solo está bajo la influencia de papá. Con solo 38 años de edad, Demetria ganó el concurso ‘B.L.U.E.S. on Halsted Blues Diva Contest’ en 2010, ya había actuado tres veces en el Festival de Blues de Chicago (hasta ese 2011), y participó en dos CD de Eddie Taylor. Bad Girl son doce canciones, que incluyen "I'm A Woman/Hoochie Coochie Woman", "All Your Love", "Goin' Back To Mississippi", "When You Leave", "Big Boss Man" y un entusiasta dueto con Big Time Sarah en "Wang Dang Doodle".

Una colección de 12 poderosos hits con todo el sabor del Chicago Blues. Demetria Taylor, a quien he tenido la oportunidad de verla en vivo en la Ciudad de México en dos-tres ocasiones, le hace honor acertadamente a temas como: I’m a Woman/Hoochie Coochie Woman, Voodoo Woman, Bad Girl, Goin’ Back to Mississippi, Cherry Red Wine, y Trying to Make a Living.

Zora Young – Learned My Lesson - DE 748 (2000) Learned My Lesson es la celebración del romance de toda la vida de Zora Young con el blues. Este es el primer álbum de Zora en un sello estadounidense establecido, lo cual es sorprendente ya que es una de las cantantes de blues más creativas de Chicago. Zora nació en West Point, Mississippi y se crió en Chicago, donde creció cantando música gospel en una iglesia del lado sur. Después de años en el “circuito chittlin” de R&B, se pasó al blues y desde entonces ha compartido escenario con B.B. y Albert King, ha tocado muchas veces en el Festival de Blues de Chicago y realiza giras por Europa con regularidad. La voz de Zora va desde un susurro melancólico hasta un grito de rock 'n' roll, que te tendrá de su lado con una sola escucha. Con este álbum, finalmente ha llegado para reclamar el lugar que le corresponde como una potencia del blues contemporáneo.

A Zora Young tuve la oportunidad de verla cantar en el 2006 junto a otras dos damas del blues: Peaches Staton y Shirley Jones, acompañadas por Dave Specter: guitarra; John Katkee: piano; Marty Binder: batería; y Harlan Terson: bajo. En el marco del X Festival de Blues en México, realizado en el Teatro de la Ciudad. En este disco de 14 temas se destacan las interpretaciones a: Pity Party, Learned My Lesson, Brain Damage, y Johnny B.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 17

Big Time Sarah – A Million of You - DE 750 (2001) Big Time Sarah construyó una sólida reputación en todo el mundo con giras regulares en los Estados Unidos y en el extranjero. Sarah comenzó a participar a finales de los 60 con Louis y Dave Myers, Buddy Guy, Junior Wells y Magic Slim. A Million Of You incluye cinco canciones nuevas en las que Sarah colaboró con el compositor, William Bolden y con el arreglista y guitarrista, Rico McFarland. Aunque es más que capaz de exprimir la última gota de soul a fuego lento, la mayor parte de su música se trata de diversión a lo grande y Sarah lo obtiene con entusiasmo.

Big Time Sarah visitó la Ciudad de México por allá a finales del 2001, para presentarse en una noche de blues, dentro de un gran programa que incluía además a Melvin Taylor y a Magic Slim & The Teardrops. En este impresionante disco de 13 piezas sobresalen: Train I Ride, Fanny Mae, The Sky is Crying, Trying To Make a Living, Blue Guitar, y Don’t Make Me Pay.

Sharon Lewis & Texas Fire – The Real Deal - DE 816 (2011) Sharon Lewis hizo su debut en Delmark en 2007 como vocalista invitada especial de Dave Specter en “Live in Chicago (Delmark 794, DVD 1794). Es Sharon Lewis quien brinda los momentos más emocionantes de este disco. Sus potentes pulmones inyectan una fuerte vibración góspel en sus originales 'In Too Deep' y la sugestiva balada 'Angel'”. –Blues Revue. Nacida en Fort Worth, Texas, la primera experiencia musical de Sharon fue como miembro de un coro de góspel. Se mudó a Chicago de forma permanente en 1975 y se convirtió en pieza activa en la escena del blues de Chicago a principios de los 90, en 2005 Sharon formó su propia banda, Texas Fire. The Real Deal presenta nuevas canciones originales de Sharon Lewis y algunas versiones que a menudo interpreta en sus shows en vivo como “Crazy Love” de Van Morrison y “Ain't No Sunshine” de Bill Withers. El tono general de este disco es una celebración como lo son sus shows. No está dispuesta a permitir que la negatividad comprometa su actitud, sus pensamientos o su alma. Eso es más evidente que cuando habla de las controversias que han surgido sobre quién (si es que alguien), debería heredar la corona de la ‘Reina del Blues’, Koko Taylor. “No soy 'Reina' de nada”, confiesa. "Soy genuino negocio".

Sharon Lewis estuvo presente junto con las divas del blues: Peaches Staten y Katherine Davis en el XI Festival de Blues en México que se verificó en la Ciudad de Puebla en el año de 2007. El disco debut en Delmark con 13 canciones y teniendo como invitados a Billy Branch y Dave Specter, presenta varias melodías notables como: Mother Blues, Please Mr. Jailer, Mojo Kings, You Can’t Take My Life, y Ain't No Sunshine.

Sharon Lewis & Texas Fire - Grown Ass Woman - DE 849 (2016) Sharon Lewis lanzó otro extraordinario álbum en Delmark; Grown Ass Woman el cual presentó 12 nuevas canciones originales con apariciones especiales de Sugar Blue y Joanna Connor. En una reseña de su primer álbum de Delmark, Rosalind Cummings-Yeates escribió: "The Real Deal (Delmark 816) calificó como uno de los mejores álbumes de blues del año" - Illinois Entertainer, diciembre de 2011. El nuevo álbum comienza con "Can’t Do It Like We Do” un tributo al sonido y la escena actua del Chicago Blues. “Hell Yeah!” es una fiesta total, hay mucho soul como en "They're Lying" y en "Call Home". "Freedom" es una canción oportuna que señala que "¡la libertad no puede ser libertad hasta que la libertad signifique libertad para todos!".

Sharon Lewis regresó a la Ciudad de México en el 2008, para actuar en los conciertos de celebración del cuarto aniversario del bar de blues ‘Ruta 61’, fue acompañada por la banda de casa: Vieja Estación. En este disco de 14 tracks, se dejan escuchar temas relevantes como: Can’t Do It Like We Do, Chicago Woman, Grown Ass Woman, Home Free Blues, y High Road.

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Shirley Johnson - Blues Attack - DE 798 (2009) “Creció en la iglesia, pero evidentemente nació para cantar blues, Shirley Johnson canta como una hija espiritual de Koko Taylor, flexionando su voz ronca en baladas y canciones de amor aceleradas, golpeando grava cuando alcanza una nota más alta o aumenta el volumen". –Ted Drozdowski, PULSE, de una reseña del primer CD de Delmark de Shirley, Killer Diller (Delmark 757). Shirley está de vuelta con esa misma mezcla de buen rock blues tradicional de Chicago, R&B ardiente y soul emergente. Casi todas las 14 canciones de Blues Attack son nuevas composiciones originales de varios músicos en el CD, junto con dos grandes versiones de los clásicos “Unchain My Heart” y “634- 5789”.

Shirley Johnson con The Gospel Supremes, inauguró la novena edición del Festival de Blues en México, realizado en el Teatro Metropolitan en el año de 1998. En este disco de un poco más de una hora de duración con 14 temas, se distinguen las siguientes piezas: You’re Reckless, Just Like That, Unchain My Heart, Selfish Kind of Gal, y Let It Rain.

Graná Louise – Getting Kinda Rough! - DE 812 (2011) La vocalista reconocida internacionalmente Graná Louise, ha deleitado a innumerables fanáticos de la música en todo el mundo con sus destacadas actuaciones de blues. Su voz profunda y rica transmite el tipo de blues crudo que hace que te hormiguee la columna vertebral y te duela el corazón en sus actuaciones en los clubes de blues más populares de Chicago, incluidos Blue Chicago, Buddy Guy's Legends, B.L.U.E.S. y The Kingston Mines; ha aparecido repetidamente en el Festival de Blues de Chicago, cantando blues y góspel. Graná ha sacudido la casa en el aclamado Teatro Apollo de Nueva York y en festivales desde Detroit hasta México, Reykjavik, la riviera francesa, Italia, Austria, Suiza, Letonia, Alemania, Brasil y más allá. Getting Kinda Rough! combina grabaciones de estudio y en vivo, nuevas canciones originales y versiones que ella personalizó y las hizo suyas.

En su visita a México en el 2006, tuve la oportunidad de ver su espectacular actuación en una pequeña plaza en el centro histórico de la Ciudad de México (Plaza La Aguilita), previo a sus exitosas presentaciones en el bar de blues, Ruta 61. En este disco de 12 temas brillan: Stagger Lee, Lead Foot Mama, Learning How to Chea ton You, y Gonna Get ‘Cha.

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Big Time Sarah and the BTS Express – Blues In The Year One-D-One - DE 692 (1996) Este álbum comienza donde terminó su CD debut en Delmark, Lay It On'Em Girls (Delmark 659): es otro ejemplo de lo que oirías si estuvieras en la barra del bar disfrutando de una de las actuaciones de Sarah con su muy acoplada banda y su sólido sonido en su propio terreno. La mayor parte de la música se grabó en vivo como sucedió en el estudio, y la mayor parte en la primera toma, ya que Sarah y su ‘BTS Express’ recorren sin problemas su set list de sonido acelerado, funky y blues contemporáneo.

Big Time Sarah, grabó varios discos como solista, en vivo, y con el pianista Sunnyland Slim, entre otras celebridades del mundo del blues. En este buen disco de 13 canciones, en particular, destaco: Hound Dog, Woke Up This Morning, Long Tall Daddy, You Don’ Love Me Baby, Steal Away, Little Red Rooster, y I Don’t Want No Man.

Big Time Sarah And The BTS Express – Lay It On ‘Em Girls - DD 659 (1992) Durante dos décadas, Sarah había sido un pilar de los clubes de blues del lado norte. En 1989 Sarah formó BTS (por 'Big Time Sarah') Express, una poderosa banda joven que fusionó elementos de soul, funk y jazz con blues. “Los hombres obtienen mejores oportunidades que las mujeres. Tienen una mejor posibilidad de sacar un disco y consiguen más trabajos... Es hora de mostrarle a un hombre nuestro talento para el espectáculo, nuestro coraje y lo que podemos hacer”, nos recuerda Sarah. "Nosotras también estamos ahí para que nos conozcan". Adelante, ¡déjate caer Sarah, a lo grande!

Sarah Streeter, más conocida como Big Time Sarah, nació el 31 de enero de 1953 en Coldwater, Mississippi, y falleció el 13 de enero de 2015 en un hogar de ancianos del área de Chicago a consecuencia de problemas cardíacos. En este su nostálgico disco debut en Delmark con 11 canciones, inició su gran legado con temas destacadísimos como: I Make Love, Hoochie Coochie Woman, Why My Man Won’t Treat Me Right, Thrill is Gone, Blues All Alone, y I Just Want A Little Bit.

Shirley Johnson - Killer Diller - DE 757 (2002) Disco con participación de Robert Ward, John Primer, Johnny B. Moore, y Maurice John Vaughn. Shirley Johnson es una vocalista destacada. Durante muchos años ha sido una embajadora capaz, aquí y en el extranjero, representando tanto las tradiciones del blues como del góspel. Shirley tiene una voz fuerte y apasionada que puede producir una mezcla de blues de Chicago con una convicción poco común e infundir una balada lenta con el poder tranquilizador de su propia experiencia personal. Shirley Johnson es una cantante de blues completamente moderna con un gran talento, corazón y clase. Killer Diller representó el CD debut estadounidense de Shirley.

Shirley Johnson inició con el pie derecho su incursión en las grabaciones de blues. Sin duda, esto puede apreciarse en todo el álbum debut de 14 tracks, pero se reitera enormemente en especial en los temas: Killer Diller, The Blues is All I’Ve Got, For You My Love, It Hurts Me Too, y Missed The Best Chance.

Zora Young - The French Connection – DE 802 (2009) La historia de amor entre Europa y el blues comenzó a principios de los 50 con la llegada de Big Bill Broonzy, quien actuó en Limoges, Francia, de donde provienen la mayoría de los músicos de este álbum y donde fue grabado. Zora actuó por primera vez en Europa en 1981 y siguió con más de 20 giras por Francia, convirtiéndola en la poseedora del récord de blueswoman de Chicago.

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Inspirado por la grabación de Zora y Bobby Dirninger de "Two Trains Running" en su anterior álbum de Delmark, Tore Up From the Floor Up, el productor Chris Dussuchaud sugirió un álbum mitad eléctrico/mitad acústico. The French Connection contiene 14 impresionantes interpretaciones de Zora no solo del blues de Chicago, sino también del góspel, el jazz, el blues profundo de Mississippi y la música country a su manera muy especial.

Zora Young pisó escenarios mexicanos nuevamente en el 2012, apareciendo en el elenco del 5° Festival de Jazz y Blues en Zacatecas, realizado en el Museo de Arte Abstracto “Manuel Felguérez”. La afamada cantante, para esa ocasión, fue acompañada por el grupo mexicano: La Dalia Negra. En este disco publicado tres años antes de esa presentación en México, se muestran algunas de sus mejores y más candentes interpretaciones: Better Be Ready, I’m in Love with You, Honey Bee, Mistery Train, I´m Movin’ On, y Rock Me Baby.

Zora Young – Tore Up From The Floor Up - DE 784 (2006) Tore Up From The Floor Up presenta cinco composiciones originales, algunos covers seleccionados y una entrevista. El guitarrista, Pete Allen proporciona la mayor parte de la dirección musical, mientras que los Chicago Horns brindan apoyo en "Til The Fat Lady Sings" y "Ace Of Spades".

"¡Nos los vamos a llevar hasta Louisiana!", prometieron las cantantes Peaches Staten, Shirley Johnson y Zora Young, acompañadas por la banda del guitarrista, Dave Specter y, acto seguido, inundaron el Teatro de la Ciudad (de la Ciudad de México en el 2012), con “I've got my mojo working”. En este disco de 13 tracks, es oportuno apreciar: Go Ahead And Take Him, Slowly, Tore Up From The Floor Up, y Two Trains Running.

Karen Carroll – Had My Fun - DE 680 (1995) Las primeras cuatro canciones (de 10) de Had My Fun te transportarán al centro de la primera fila para que puedas experimentar una actuación real de Karen Carroll en un club. Karen es una artista tan natural que es fácil dejarse atrapar por su programa y nunca darse cuenta, conscientemente, de que también es una de las mejores cantantes de blues. Aunque su estilo podría clasificarse como "blues shouter", los aficionados apreciarán las muchas complejidades del blues de Karen. Ella usó el mismo micrófono de mano que utilizaba en el Blue Chicago esa noche mágica del 28 de julio. La mayoría de las grabaciones se realizaron en una sola toma, sin sobregrabaciones, en todo el álbum. ¡Así que acomódate y diviértete!

Karen Carroll, cantante, compositora, músico, nativa de Chicago, comenzó a cantar en la iglesia a la edad de 6 años. El maestro Robert Allen le enseñó teoría del canto y Nate Griffin fue su entrenador vocal. Karen trabajó con Lonnie Brooks, Albert King y The Freeman Bros al principio de su carrera. Habrá aquí manera de comprobar su gran calidad, por ejemplo en: Vicksburg Blues, Down Home Blues, Help Me, Spoonful, y Confessin’ The Blues.

Karen Carroll – Talk To The Hand - DE 707 (1997) Los mejores músicos trascienden estilos y técnicas. Entregan sus corazones y almas, conectándose a un nivel primario e individual con todos y cada uno de los oyentes. Karen Carroll es una de esas artistas y una de las artistas más universales que han aparecido en escena desde Nina Simone. Dentro de una línea, de hecho, casi una palabra en una canción, puede depositar el valor de Howlin' Wolf acariciado por el descaro de Sarah Vaughan. Talk to the Hand presenta seis originales de Karen Carroll con un estilo de blues, fuertemente influenciado por el góspel. Karen Carroll ha trabajado con muchos músicos de blues, varios de ellos de Chicago, como: Carey y Lurrie Bell, Rudy Rotta, Otis Grand, Angela Brown, Billy Branch, Melvin Taylor, Eddy Clearwater, Lonnie Brooks, y Sugar Blue.

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De este extraordinario disco de 13 tracks, escuchemos algo producto de su gran experiencia en los tracks: Ain’t It Nice, Can’t Fight The Blues, Do I Move You, Sweet Home Chicago, y en How Blue Can You Get.

John & Sylvia Embry - Troubles - DE 832 (2013) La reina Sylvia Embry es mejor conocida como la vocalista y bajista de Lefty Dizz and the Shock Treatment, de finales de los 70. El grupo fue inmensamente popular y tocó algo de la mejor (y más salvaje) música de blues en Chicago. Eran la banda de la casa de los ‘Blue Mondays’ en el Checkerboard y tocaban regularmente en el Kingston Mines. Parecía como si Sylvia estuviera lista para convertirse en la mujer al frente del blues de Chicago cuando comenzó a liderar su propia banda y a grabar para tres sellos diferentes en solo unos pocos años. “John Embry fue uno de los mejores guitarristas de blues de la ciudad, pero poco conocido”, dijo Sylvia. Estuvieron casados por un tiempo pero cuando grabaron este disco se habían divorciado. Grabado el 19 de enero de 1979 por el diminuto sello, Razor, el álbum original llevaba mucho tiempo sin ser editado. Esta nueva reedición de CD contiene 17 tracks, incluyendo material no publicado anteriormente. Esto es algo de lo mejor del Blues de Chicago.

Sylvia Embry fue una de las artistas que no pudieron presentarse por la inesperada cancelación del 4° Festival de Blues en México, a efectuarse en el Auditorio Nacional, en aquel lejano año de 1982. Aquí, algo de su gran talento en: Wonder Why, Goin’ to New York, Gonna Find My Baby, Blues This Morning, y I Love The Woman.

Steve Freund & Gloria Hardiman – Set Me Free - DE 837 (2014) Nacido y criado en Brooklyn, el guitarrista de blues, Steve Freund, renació en Chicago cuando se mudó en 1976. La lista de personas con las que ha tocado se lee como una leyenda del blues de ‘Who's Who de Chicago’, incluidos Sunnyland Slim, Luther Allison, Lonnie Brooks, Otis Rush, Koko Taylor, Johnny Littlejohn y Big Walter Horton.

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Este álbum publicado originalmente en el sello Razor en 1983 fue el debut de Steve como líder. Set Me Free (con 14 tracks), lo unió a la vocalista: Gloria Hardiman, cuyo talento la llevó a ser considerada una de las voces de blues más ricas y poderosa de la escena de Chicago en ese momento... una voz que te robará el alma y te llevará al cielo.

La cantante de blues y góspel, Gloria Hardiman, era hija de un predicador nacida en Yazoo City, Mississippi. Cuando tenía seis años, su familia se mudó a Chicago, donde desarrolló su música dentro de la iglesia, inspirada por artistas, como Mahalia Jackson. Hardiman llevó más tarde su gran voz a los clubes de blues y escenarios de Chicago, Atlanta, Kansas City, las Carolinas, Canadá y Europa. Aquí una muestra de su capacidad en los tracks: That’s All Right, The Way You Love Me, Well I Done Got Over It, y New Orleans Hop Scop Blues.

Sister Elizabeth Eustis – Walk With Me - DD 737 (2000) Este álbum resucita la sesión de grabación definitiva de 1962, de un pilar histórico de la comunidad del canto del góspel de Nueva Orleans, de la hermana Elizabeth Eustis. Solo cuatro de las trece canciones de esta sesión se lanzaron originalmente; los otros nueve, que incluyen algunos de los momentos más brillantes de la sesión, se publican aquí por primera vez. Conmemoran así a una vocalista clásica del góspel de Nueva Orleans, una venerable cantante de la Iglesia Bautista.

Escuchar este disco es una extraordinaria oportunidad para gozar de lo mejor del góspel, la muestra de esto se puede confirmar en las pistas: The Last Mile of the Way, Joshua Fit the Battle of Jericho, He Knows My Heart, Walk With Me, y en Lord, Lord, Lord, You Certainly Been Good To Me.

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Blues a la Carta

Diez canciones con Eric Clapton

José Luis García Fernández

Eric Clapton nació en Surrey, Inglaterra, un 30 de marzo de 1945. Recientemente, ha celebrado su cumpleaños número 76. Eric ha mantenido una trayectoria musical envidiable e increíble. A la fecha, es el único artista en haber sido incluido en el ‘Salón de la Fama del Rock and Roll’ tres veces: una con The Yardbirds (1992), otra como miembro de Cream (1993); y una más como solista (2000). También fue incluido en el ‘Salón de la Fama del Blues’ (2015), ha ganado 18 premios Grammy y ha ocupado un lugar en todas las listas de los mejores guitarristas del mundo.

Todos conocemos sus habilidades con la guitarra y de su participación en bandas como: The Yardbirds, John Mayall & The Bluesbreakers, Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos, antes de elegir su larga y exitosa carrera como solista. Hoy a manera de homenaje, en esta edición especial de aniversario, he escogido el tema de una breve historia de 10 canciones en las que ha participado brillantemente.

Ramblin’ On My Mind (Robert Johnson)

Es una canción de blues grabada el 23 de noviembre de 1936 por el legendario y mítico músico del blues del Delta, Robert Johnson. Grabó dos tomas, que se utilizaron para diferentes ediciones de los discos de 78 rpm emitidos por las compañías discográficas Vocalion y ARC. La canción utilizó la melodía popularizada por Walter Davis en su exitoso disco "M & O Blues". Johnson compuso, en realidad, dos canciones con esta melodía, "Ramblin 'on My Mind" y "When You Got a Good Friend", con diferentes enfoques musicales y distintas afinaciones de guitarra.

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La canción fue grabada para el álbum: “Blues Breakers: John Mayall with Eric Clapton” (1966). Resultó ser una pieza histórica, ya que fue la primera grabación cantada en solitario por Eric. Alrededor de esta historia el propio Clapton menciona en su autobiografía: “Blues Breakers: John Mayall with Eric Clapton fue el disco clave que me dio a conocer de verdad al público. Se hizo en un momento en que sentía que había encontrado mi sitio dentro de un grupo que me permitía estar en un segundo plano y al mismo tiempo desarrollar mis habilidades conduciendo la banda en la dirección que yo consideraba adecuada”.

Y continúa en su comentario… “Entre las canciones incluidas estaban ‘Parchman Farm’, una pieza de Mose Allison en la que John hacía un solo de armónica; el tema de Ray Charles ‘What’d I Said’, con un solo de batería de Hughie Flint; y ‘Ramblin’ on My Mind’, de Robert Johnson, tema que canté yo mismo debido a la insistente petición de John aun sabiendo de que se trataba de un error, puesto que la mayoría de los tipos que quería imitar eran mayores y tenían voces profundas, y yo me sentía muy incómodo cantando con mi agudo gimoteo”. Más tarde, Clapton grabó otras versiones que aparecen en los álbumes: “Just One Night” (1980), “Crossroads 2: Live in the Seventies” (1996), “Sessions for Robert J” (2004) y “Live from Madison Square Garden” (2009).

Sunshine Of Your Love (Jack Bruce/Pete Brown/Eric Clapton)

Es una canción con elementos de hard rock, psicodelia y pop, de las piezas más conocidas y populares de Cream. Su bajista y vocalista, Jack Bruce, la basó en un característico riff de bajo que desarrolló después de asistir a un concierto de Jimi Hendrix. Eric Clapton y el letrista Pete Brown contribuyeron más tarde a la canción y el baterista Ginger Baker tocó un ritmo muy especial en la grabación, que fue incluida en el segundo álbum más vendido de esa mítica banda, “Disraeli Gears”, en noviembre de 1967. El sonido de la guitarra de Eric Clapton en ésta canción fue logrado con una Gibson SG de 1964 y su amplificador de marca Marshall.

La canción se convirtió en el primer sencillo estadounidense de Cream y con el que obtuvieron mayores resultados siendo uno de los temas más populares de 1968. Cream interpretó "Sunshine of Your Love" con regularidad en conciertos y se han publicado varias grabaciones en vivo, incluso en el álbum y video del reencuentro de la banda, realizado en el Royal Albert Hall de Londres en mayo de 2005. Clapton por supuesto, la incluye en el set list de casi todas sus presentaciones con su banda habitual.

Crossroads (Robert Johnson)

"Cross Road Blues" (también conocida como "Crossroads"), es una canción de blues escrita y grabada por Robert Johnson en 1936. Johnson la interpretó como una pieza solista con su guitarra slide acústica en el estilo Deltal blues. La canción se ha convertido en parte de la leyenda de Robert Johnson, al referirse al lugar donde supuestamente vendió su alma al Diablo a cambio de su talento musical, aunque la letra no contiene ninguna referencia concreta.

La canción se convirtió en parte del repertorio de Cream cuando Clapton comenzó a tocar con Jack Bruce y Ginger Baker en julio de 1966. Su versión presenta un riff de guitarra preponderante con un acompañamiento instrumental y solos optimistas y contundentes. Clapton previamente había grabado, "Ramblin 'on My Mind" con Mayall y "From Four Until Late" en el primer álbum de Cream, usando arreglos que seguían más de cerca las canciones originales de Johnson. Sin embargo, imaginó Crossroads más como una canción de rock: “En 'Crossroads' había un riff muy definido. Johnson también lo estaba tocando a todo volumen con el slide. Simplemente lo utilicé en una o dos cuerdas y lo adorné. De todas las canciones, para mí fue la más fácil de ver como una pieza de rock and roll”.

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While My Guitar Gentle Weeps (George Harrison)

Se dice que George Harrison estaba leyendo el Yi Jing, libro chino de los cambios, y decició aplicar los principios del azar a su composición. En la casa de sus padres en Lancashire sacó una novela del librero con la intención de escribir una canción basada en las primeras palabras que leyera. Las palabras fueron: gently weeps (llora dulcemente), y George empezó a escribir. Comenzaron a grabar la canción en julio de 1968, pero parecía que los otros Beatles no mostraban mucho interés en la canción. En septiembre su amigo Eric Clapton tocó la guitarra principal, mientras él hacía lo propio con la guitarra rítmica.

Al respecto Eric comenta en su autobiografía: “Un día a principios de septiembre, George me llevó en coche a los Abbey Road Studios, donde estaba grabando. Cuando llegamos, me dijo que iban a grabar una de sus canciones y me pidió que tocra la guitarra con ellos en ese tema. La propuesta me dejó un tanto desconcertado, y me pareció gracioso que me pidiera algo así porque era el guitarrista de The Beatles y siempre había hecho un muy buen trabajo en todos sus álbumes”.

Y concluye su comentario… “También me sentí bastante halagado: a muy pocos se les invita a grabar con The Beatles. Ni siquiera llevaba mi guitarra, así que tomé prestada la suya… Grabamos el tema While My Guitar Gentle Weeps. Hicimos sólo una toma y me pareció que había quedado fantástica. John y Paul no mostraron gran entusiasmo, pero supe que George estaba contento porque se puso a escucharla una y otra vez en la sala de control. Me sentí como si me hubieran admitido en su santasanctórum”. (Sanctasanctórum. Parte más reservada y secreta de un lugar a la que solo tienen acceso algunas personas que gozan de determinados privilegios). “Un par de semanas más tarde… George me dejó los acetatos del disco doble donde iba a aparecer la canción. Se trataba del White Album, la secuela largamente esperada del Seargent Pepper”.

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Badge (Eric Clapton/George Harrison)

El tema era originalmente una pista sin título. Durante la producción del álbum de Cream Goodbye (1969), se utilizó la partitura original para producir las notas y la lista de canciones. George Harrison recordó alguna vez la historia así: “Ayudé a Eric a escribir "Badge". Cada uno de los miembros de Cream, tenían que aportar una canción para el álbum de despedida de la banda y Eric no tenía la suya escrita. Estábamos trabajando uno frente al otro, yo estaba escribiendo la letra y llegamos a la parte intermedia, así que escribí 'Bridge'. Eric lo leyó al revés y se echó a reír: "¿Qué es Badge?" preguntó. Después de eso, Ringo Starr entró algo tomado a la sala y nos proporcionó esa línea sobre los cisnes que viven en el parque”.

En los créditos de la pieza aparecen, Eric Clapton: guitarra principal y voz; Jack Bruce: bajo; Ginger Baker: batería; Felix Pappalardi: piano y melotrón; “L'Angelo Misterioso” (George Harrison): guitarra rítmica. Cream la grabó poco antes de sus espectáculos finales: dos actuaciones con entradas agotadas en el Royal Albert Hall de Inglaterra. Fue una de las tres grabaciones de estudio de ese su último álbum; el resto estaba lleno de piezas en vivo. Cream se había disuelto en el momento en que se lanzó. Clapton ya estaba trabajando con su nuevo grupo, Blind Faith.

Layla (Eric Clapton/Jim Gordon)

Los ensayos para el álbum, Layla and other assorted love songs, publicado en diciembre de 1970, comenzaron en la casa de Eric en Surrey, con un equipo de músicos que había estado presente en las sesiones del asombroso álbum: All Things Must Pass de George Harrison en Abbey Road en Londres. Fue una jugada curiosa del destino, ya que la influencia más grande en este proyecto musical fue Patty Boyd, la esposa de George, de quien se enamoró perdidamente.

Esta relación, aun no correspondida, inspiró una música maravillosa que pronto grabó, pero también tuvo un lado amargo: al mismo tiempo lo empujó de lleno a una adicción a la heroína y al alcohol que tardó muchos años en curar definitivamente. Las canciones que scribió y las versiones que eligió grabar en el álbum, eran mensajes subliminales a Patty. Sin duda, Layla, una de las canciones más conocidas de Eric, es una plegaria con lágrimas en los ojos a una chica (¿Patty?), para que correspodiera a su amor.

La canción transcurre con intensidad arrolladora, ayudada por el trabajo guitarrístico de Duane Allman en el slide, antes de disolverse con el lamento del piano de Bobby Whitlock que se entrelaza con el llanto de las guitarras de Eric y Duane. El tema fue un éxito como sencillo en 1972. Casi dos años después de que este álbum se lanzara.

Eric comentaba al respecto… “No tenía idea de lo que Layla sería. Era únicamente una cancioncita. Cuando uno va acercándose al final es cuando empieza a crecer el entusiasmo y uno sabe que hay algo poderoso. Quizá era algo más o menos cuando la estaba grabando, pero al empezar a agregarle cosas y mezclarla se volvió grandiosa y entonces supe que había logrado algo importante. Lo que quiero decir es que cuando la inicié, no la sentía nada especial para mí… Siempre me ha dejado frío cuando la toco”.

Continúa diciendo: “Esa combinación de acordes y letras está basada en una canción de Albert King del álbum: Born Under A Bad Sign. Se trata del blues lento, As The Tears Go By, tomamos el verso y lo hicimos más rápido: There is nothing I can do/If you leave me hear to cry”. (Nada puedo hacer/Si me dejas aquí llorando).

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Cocaine (JJ Cale)

Es una canción escrita y grabada en 1976 por John Weldon Cale, más conocido como JJ Cale, quien fue un músico y compositor estadounidense y uno de los fundadores del sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, rockabilly, country y jazz. La canción fue popularizada por Eric Clapton después de que su versión fuera lanzada en el álbum de 1977: Slowhand. Glyn Johns produjo la grabación de Clapton, "Cocaine" fue una de varias de las canciones de Cale, grabadas por Clapton, como: "After Midnight" y "Travelin' Light". El tema ha sido considerado como uno de los éxitos más populares de Clapton.

Eric la ha definido como una canción antidrogas: “No sirve de nada escribir una canción deliberada contra las drogas y esperar que tenga éxito. Porque, en lo general la gente se molestará por eso. Así que lo mejor que se puede hacer es ofrecer algo que parezca ambiguo. Si la asimilas o lo miras con un poquito de reflexión, simplemente suena como una canción sobre la cocaína. Pero en realidad, es bastante inteligente contra la cocaína”.

Debido a ese mensaje ambiguo, Clapton no ha interpretado la canción en muchos de sus conciertos; pero sí, a lo largo de los años, ha agregado la letra: ‘that dirty cocaine’ (esa cocaína sucia), en sus conciertos para subrayar el mensaje antidrogas de la canción.

Tears In Heaven (Eric Clapton/Will Jennings)

En 1991, tras la muerte de su hijo, Conor, Eric Clapton se reunió con el compositor, Will Jennings, para escribir la canción como un homenaje a Conor, quien falleció a los cuatro años, al caer 49 pisos desde un edificio de apartamentos de la ciudad de Nueva York. Horriblemente afectado por la muerte de su hijo, Clapton se recluyó durante varios meses antes de volver a trabajar en la banda sonora de la película, Rush. Eric, como decía antes, reclutó a Jennings para que lo ayudara a terminar la canción de la banda sonora. La balada es una de las más famosas canciones de Clapton.

Más tarde ese mismo año, Eric lanzó ‘Unplugged’, su actuación grabada para la serie de MTV del mismo nombre. Su versión acústica de "Tears in Heaven" incluida en el set le valió más atención y elogios a la canción. En 1993, Clapton ganó seis premios Grammy, incluyendo: Grabación y Canción del Año por "Tears in Heaven" y Álbum del Año por “Unplugged”.

Eric Clapton - Tears In Heaven (Official Video) https://youtu.be/JxPj3GAYYZ0

My Father’s Eyes (Eric Clapton)

Es una canción escrita por Eric Clapton en Antigua, una de las dos islas principales que conforman la nación caribeña de Antigua y Barbuda; lugar en el que actualmente se encuentra el “Crossroads Centre”, centro de rehabilitación de abuso de sustancias para adicciones a las drogas y el alcohol, fundado con el apoyo de Eric en 1998.

La canción fue publicada en el álbum de estudio Pilgrim (1998). Fue el primer sencillo de dicho álbum, canción con la que ganó un Grammy en la categoría de mejor interpretación vocal pop masculina. Fue incluida en la lista de canciones interpretada durante las giras: ‘Reptile World Tour’ en 2001 y ‘50 Years Further On Up the Road’ en 2013.

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“My Father's Eyes” está inspirada en el hecho de que Eric Clapton nunca conoció a su padre, en su autobiografía, Clapton escribió: "En ella traté de describir el paralelismo entre mirar a los ojos de mi hijo y a los ojos del padre al que nunca conocí, a través de la cadena de nuestra sangre". Particularmente, lo revelo, es una de mis canciones favoritas, no de blues de Eric Clapton.

Eric Clapton – My Father’s Eyes (Official Video) https://youtu.be/C7vjwaUlBTs

Riding With The King (John Hiatt)

Eric Clapton y B.B. King, se presentaron por primera vez juntos en Nueva York en 1967. Más de 30 años después, en 1999, los dos viejos amigos unieron fuerzas para crear una colección de nuevas grabaciones de estudio, con clásicos del blues y canciones contemporáneas.

El álbum resultante: Riding With The King, que fue publicado en junio del 2000 y vendió más de 2 millones de copias. También obtuvo el Premio Grammy en ese mismo año 2000 en la categoría de “Mejor Álbum de Blues Tradicional”. Para celebrar el vigésimo aniversario de ese lanzamiento, este CD fue ampliado y remasterizado por Bob Ludwig, para su publicación que ocurrió el 26 de junio de 2020.

“Riding with the King”, tema original de rock-blues, es interpretado a dos voces, de Clapton & King, con estupendos arreglos de los teclados y desde luego con el lucimiento discreto de los dos estilos guitarrísticos. Blackie y Lucille en acción, sin ser una mejor que otra.

B.B. King con Eric Clapton – Riding With The King (Official Video) https://youtu.be/sJK78Y3zoQk

Para concluir este artículo, digno de celebración de aniversario, los invito a tomarse unos pocos minutos para constatar auditivamente, el motivo de la selección de estas 10 canciones destacadas, en donde, el gran Eric Clapton ha participado en diferentes facetas musicales a lo largo de su amplia trayectoria.

10 con Clapton: la historia https://open.spotify.com/playlist/0Sy6CSTZGROu9i0OaeKtRx?si=nKTpJm9FT72PNz1vq-JuUg

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+ Covers Lo que significa ser un clásico Jesús Martín Camacho - Pablo Gómez Bañasco

Agradecemos fervorosamente a Antonio M. Sánchez, responsable de Comunicación del Teatro Cervantes de Málaga, las facilidades dadas para que Cultura Blues. La Revista Electrónica haya ingresado al concierto.

John Mayall, gira 80 aniversario. Teatro Cervantes, Málaga (España), 5/III/2014 Son las cinco de la tarde. A Pablo la sonrisa le sale a gritos por los ojos cuando le anuncio que esa misma noche va a ver a John Mayall. Pablo es un joven estudiante apasionado por el blues y obsesionado con los Bluesbreakers y su versión del Ramblin´on my mind; la toca sin parar con su guitarra. Joven, guitarrista, enamorado del blues: Pablo es una rara auis (N. del Editor: persona poco común en el sur de España), en toda España. El año que nació, John Mayall homenajeaba uno de sus primeros éxitos, ‘Chicago Line’, titulando así su trigésimo tercer disco; el año que nací yo, el mismo día que John Mayall pero 44 años más tarde, ya llevaba más de veinte discos. La diferencia de edad entre Mayall, Pablo y yo se nota; la semejanza en los gustos, también.

En el ambigú del Teatro Cervantes, John Mayall en persona -espalda recta, manos enlazadas en su cintura, sonrisa inmaculada- monta guardia solo tras una mesa donde él mismo vende su último lp. Antes de empezar el concierto él es el encargado de recoger el tinglado, preparándose para pasar de soldado raso degradado a ventas, a teniente coronel al frente de la banda. Nos dirigimos al tenderete: saluda cortésmente, da la mano, pregunta con educación si no tengo un billete más pequeño para darme el cambio y me firma el cd; eso sí, mantiene las distancias y no se presta al juego de foto con el fan como si fuera colega suyo de toda la vida. Es un profesional, pero marca las distancias. La diferencia de edad y la profesionalidad se notan.

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Hora y media más tarde Pablo y yo salimos del teatro. Tardamos en empezar a hablar.

Pablo: ¡He visto a John Mayall!

Jesús: ¿Cómo te sientes?

Pablo: Creo que no podré responder a esa pregunta hasta dentro de varios días… no sé si podré responderla nunca.

J: Entonces disfruta del ensoñamiento.

P: Sí, puedo decir que la distancia que ha mostrado con nosotros a la hora de vender y firmar discos lamentablemente ha sido semejante a la del concierto.

J: Sí, da la sensación de que aunque lo primero que dijera al subir a los escenarios fuese invitar al público a dejar sus asientos y a colocarse en el espacio que hay entre la primera fila y el escenario, sus comentarios sonaban más a oficio que a deseo real.

P: De hecho, quizá lo que menos me haya gustado del concierto hayan sido los espacios entre canción y canción, dejando huecos en blanco, cambiando los settings de su teclado y alargando un silencio incómodo en el teatro sin sitio para la magia de la improvisación. Pero esto no es nuevo, ha sido siempre así.

J: Hay que tener en cuenta que son más de 60 años dando conciertos, casi una vida. Cientos de giras, miles de directos. No en todos se puede tener una conexión especial, aunque sí en todos da el máximo de profesionalidad. La última vez que vi a Mayall fue precisamente en otra gira de aniversario: hace diez años en el Festival de Bluescazorla. Se le podía notar más fuerte, más enérgico, con más conexión con el público si quieres, pero el savoir faire y el respeto a los que habíamos comprado la entrada era el mismo que hoy. Creo que eso tampoco ha cambiado en toda su carrera.

P: Tantos años, tantos discos, tantísimos temas propios y extraños, tantísimo vaivén en los registros... ¿cómo es posible solo elegir una docena de canciones para un concierto? Cada uno elegiríamos diez distintos por lo menos.

J: Venga, dilo, estás deseándolo: has echado en falta...

P: …más Bluesbreakers.

J: No, has echado en falta Ramblin’ on my mind….

P: Y tanto, aunque llegan a tocarla y estaría ahora en el hospital con un infarto o en el cielo con un orgasmo por toda la eternidad.

J: Jajaja… el recorrido ha sido más que acertado. Ha habido Bluesbreakers, de hecho el ochenta por ciento del setlist estaba formado por temas de sus primeros discos: Chicago line, Oh pretty woman, So many roads, Walking on sunset, Checkin' up on my babe, Room to move.

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P: Hay que reconocer además que en la elección de los doce temas poco ha habido de casual. Piensa únicamente en que ha comenzado homenajeando a sus favoritos: Sonny Boy Williamson II, con Checkin on my baby para la armónica y Early in the morning, de Louis Jordan, para el teclado.

J: Y entre una y otra, una de sus favoritas, Oh, Pretty Woman.

P: Efectivamente, ¿no habrá querido enlazar así a maestros y alumno?

J: En este caso, sólo había un maestro en el escenario, aunque con una clara devoción por sus influencias, de ahí el That's all right, de Jimmy Rodgers, y un auto reconocimiento a sus éxitos, como el Room to move.

P: Y Chicago Line. Puff, la veníamos escuchando en el coche en su versión del 64 y no sonaba…

J: ...con tanta fuerza como hace un par de horas, ¿eh?

P: Exactamente. Y no es por la magia de escucharla en directo, no: John Mayall está en muy buena forma.

J: Absolutamente. Hemos de reconocer que con el teclado no ha sudado mucho, menos aún con la guitarra, que al menos es bien hermosa.

P: ¿Para qué hacerlo él con el olfato que tiene para rodearse de guitarristas excelentes?

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J: No tiraremos del tópico de la oportunidad y el sofá que le dio al imberbe Eric Clapton, ni de Peter Green o Mick Taylor, por nombrar únicamente a guitarristas.

P: No, no hace falta. Tenemos un último ejemplo en Rocky Athas, el guitarrista que le sigue desde hace al menos cinco años.

J: Ha llevado todo el peso del ritmo del concierto. No han sido únicamente los solos; mejor dicho, casi lo de menos han sido los solos. Athas demuestra su maestría en cada parte de cada canción. ¿Has notado cómo lo miraba Mayall? Parecía decirle "yo soy la estrella, pero tú estás al mando".

P: O al contrario.

J: ¡Exactamente!

P: Admiración. No hay otra palabra. Impresionante que esa palabra la pongamos en el cuerpo de un clásico hacia su guitarrista acompañante, aunque éste sea un auténtico fuera de serie como Athas, recuerda que empezó de chaval tocando por los institutos tejanos con otro genio, Stevie Ray Vaughan, ¡palabras mayores!

J: Gran parte de la historia del blues ha sido eso, el espaldarazo que dan los bluesmen veteranos a los más jóvenes y la ayuda de los más jóvenes a los clásicos en horas bajas. Por más que se reconozca, nunca se le dará la suficiente importancia al papel de Mayall en la introducción y desarrollo del blues en Europa.

P: Volvamos al concierto: la actuación de Athas contrastaba un poco con la del bajista Greg Rzab y el batería Jay Davenport: correctos, muy bien, pero gélidos ante el público, incluso ante su instrumento, sobre todo Rzab; parecía en otro lugar hasta que le llegó su solo, donde, al igual que con Jay Davenport en el suyo, salió su buen hacer; pero únicamente ahí. No uses el término buen hacer en vano. Deberíamos dejar esa expresión para la armónica de Mayall.

J: Temí lo peor cuando casi se queda sin fuelle al principio de Chicago Line ¿le fallarán los pulmones? No, estaba claro que una golondrina no hizo verano. Aún tiemblo con el único tema del bis, pedido además por gran parte del aforo.

P: ¿Suena así Room to move en su grabación original? ¿La misma fuerza en el soplo? ¿La misma rabia en el aire? ¿La misma rivalidad entre los balbuceos bucales y los agudos metálicos? ¿Suena así en el aparato de música?

J: No sabría decírtelo, como mínimo estuvo a la altura (y no es poco); en todo caso, la emoción que me arremetió fue la misma. La energía de la armónica iba directamente del instrumento al interior de cada uno de nosotros, como si no hubiera espacio entre ella y el público.

P: Es que la acústica del teatro ha sido inmejorable y el sonido ha sido llevado espectacularmente.

J: Ha sido una única canción en el bis, pero ha valido por unas cuantas más. De hecho, sin exagerar, habría pagado la entrada sólo para oír esa versión de Room to move y aun así, me habría ido extasiado.

P: Sí, John Mayall sonaba a John Mayall en voz, guitarra, teclados y armónica. Eso ya es un lujo.

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J: John Mayall, Pablo... has visto a la leyenda, a un señor mayor, educado, también a un joven con energía a raudales, con fuerza arrolladora, a un músico experimentado, con seguridad, acostumbrado a todo tipo de escenarios, a un apasionado con ganas de mostrar lo mejor de sí, a un veterano con control de la situación, a un muchacho tímido que sale de gira por primera vez. En apenas hora y media has visto toda la gama de contrastes que puede dar una pasión por la música que dura ya ochenta años.

P: Realmente ahora sé lo que significa ser un clásico.

Fotos / Jesús Martín Camacho

* Artículo originalmente publicado en el número 35 de abril 2014.

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Cultura Blues de visita

Recordando a John Mayall en Málaga (España) Jesús Martín Camacho

El legendario músico británico, John Mayall, durante la gira de su 80° aniversario se presentó en el Teatro Cervantes de Málaga (España), el 5 de marzo de 2014. Este es un breve reporte gráfico original realizado por Jesús Martín Camacho, nuestro colaborador internacional en esas fechas.

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De Colección

Muddy Waters: 100 original tracks José Luis García Fernández

Indudablemente, los tres discos favoritos de Muddy Waters “Padre del Chicago Blues”, dentro de mi colección particular son: The Chess Box (1990), una extraordinaria compilación de primera categoría; Fathers and Sons (2001), un estupendo cd con temas adicionales; y Electric Mud (1996), controvertido material que marcó un gran cambio en el estilo clásico de la leyenda del blues.

No obstante, que estos tres discos, bueno en realidad cinco ya que The Chess Box son tres; cuentan con la mayoría de los temas más importantes de McKinley Morganield (nombre verdadero de Muddy); cuya figura y sonido fueron de alguna manera, una de las máximas inspiraciones para la escena del blues británico; cuando encontré disponible en la tienda de Itunes esta colección de 100 temas por tan sólo unos $50.00, la adquirí, sumándola a la biblioteca particular y más tarde a la selección de grabaciones de mi Ipod.

De esta manera, uno de los íconos del blues tradicional, con su música tan conocida y reconocida, me ha acompañado por muchas horas en distintos pasajes de la vida. Caminando, en el auto, en el transporte colectivo, en el autobús, el avión, etc.

La colección de 100 pistas originales y ‘digitalmente remasterizadas’ se trata de ensayos, temas en vivo, tomas alternas, bonus tracks, o de canciones publicadas, a veces, con distintas denominaciones. En fin, a pesar de no tener un sonido tan aceptable en algunas piezas, constituye un apetitoso banquete musical de 5 horas y 8 minutos, de lo que llamaría indiscutiblemente… buen blues.

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1. I'm Your Hootchie Koochie Man (Live) 51. You're Gonna Need My Help I Said 2. Got My Mojo Working (Live) 52. Just a Dream (On My Mind) 3. Got My Mojo Working - Part 2 (Live) 53. This Pain 4. Muddy Jumps One 54. Honey Bee 5. I Can't Be Satisfied 55. She Moves Me 6. Forty Days and Forty Nights 56. Trouble No More 7. Burying Ground 57. Hard Day Blues 8. Country Blues 58. Still a Fool 9. Early Morning Blues 59. Country Boy 10. Come to Me Baby 60. Nine Below Zero (Live) 11. I Be's Troubled 61. Double Trouble 12. Streamline Woman 62. They Call Me Muddy Waters 13. Walking Blues 63. All Night Long 14. Gypsy Woman 64. Blow Wind Blow 15. Sittin' Here and Drinkin' (Whiskey Blues) 65. Mad Love (I Want You to Love Me) 16. Joe Turner Blues 66. Stuff You Gotta Watch 17. Boom, Boom (Live) 67. Blow Wind Boy (Live) 18. Southbound Train 68. I Feel So Good 19. Last Time I Fool Around With You 69. I Got to Find My Baby 20. Tell Me Baby 70. Mudcat (Instrumental Live) 21. I Be Bound to Write to You 71. Sad, Sad Day 22. When I Get to Thinking 72. My Fault 23. Pearly May Blues 73. I Want to Be Loved 24. Ramblin' Kid Blues 74. Young Fashioned Way 25. Mean Disposition 75. C.c. Woman (Live) 26. Howling Wolf 76. What Is That She Got (Live) 27. Loving Man 77. Standing Around Crying 28. Canary Bird 78. Gone to Main Street 29. I Feel Like Going Home 79. Soon Forgotten (Live) 30. Take a Walk With Me 80. Little Geneva 31. Train Fare Home Blues 81. Ooh Wee 32. Down South Blues 82. Mopper's Blues 33. Kind Hearted Woman 83. You Got Take Sick and Die Some of These Days 34. Stand Here Tremblin' 84. Louisiana Blues 35. Lonesome Day 85. Flood 36. Too Young to Know 86. Strange Woman (Live) 37. Burr Clover Blues 87. Long Distance Call 38. Hey Hey 88. My Life Is Ruined 39. I Wanna Put a Tiger in Your Tank (Live) 89. Stormy Monday Blues (Live) 40. Rollin' and Tumblin Pt. 1 90. Turn the Lamp Down Low (Baby please Don't Go) 41. Appealing Blues (Hello Little Girl) 91. She's So Pretty 42. You Can't Make the Grade 92. You Gonna Miss Me When I'm Gone 43. Rollin' and Tumblin' Pt. 2 93. I Just Make Love to Me (I Just Want to Make Love to You) 44. I Feel So Good (Live) 94. Country Blues (No. 2) 45. Rollin' Stone 95. Where's My Woman Been 46. I'm a Natural Born Lover 96. Sad Letter Blues 47. Who's Gonna Be Your Sweet Man 97. Goodbye Newport Blues (Live) 48. Good Lookin' Woman 98. Rosalie 49. Evans Shuffle 99. Iodine in My Coffee 50. Mean Red Spider 100. I Don't Know Why

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Especial de Medianoche

Aniversario, deceso y anécdotas

Luis Eduardo Alcántara

Cultura Blues llega a diez años, más madura que nunca. Es una década completa llena de logros, aprendizaje y trascendencia. Se ha convertido en la revista electrónica referente para lo que ocurre en el escenario del blues en nuestro país, y es un mosaico muy completo del panorama del blues en otras latitudes del planeta, sin dejar de lado el marco histórico y también su devenir a lo largo del tiempo. Felicidades para todos los que tenemos el enorme gusto de participar en ella, y por supuesto, al director general, José Luis García Fernández, por su labor ininterrumpida y su empeño, en otorgarle un sello propio a este proyecto cada vez más redondo, cada vez más completo en visión y en perspectivas.

¡Enhorabuena!

Se apagó una emocionante armónica

Hace unos días falleció Paul Oscher, mejor conocido en el mundo del blues por tocar la armónica en la banda de Muddy Waters, desde finales de los sesenta hasta los primeros años de la década siguiente. Llamaba la atención por ser de raza blanca, en un anticipo de lo que después ratificaría, Jerry Portnoy, de las mismas condiciones y también en el grupo del ‘Aguas Lodosas’. No era la primera vez que un grupo de blues asumía esta característica multirracial. Poco antes, la Paul Butterfield Blues Band alcanzaba celebridad por promover mezclas parecidas, con representantes como: Jerome Arnold y Sam Lay, acompañando la fiebre de Elvin Bishop, Mike Bloomfield y el líder del grupo, Paul Butterfield.

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Tenemos otro buen ejemplo "colaboracionista" de aquellos años, pero más cargado hacia el rock y el soul, con Booker T. & the M.G.'s. En este grupo tanto blancos como afroestadounidenses compartían el mismo canal artístico: Booker T. Jones, Al Jackson y Steve Potts, junto a Donald "Duck" Dunn, Steve Cropper y Lewie Steinberg.

Volviendo al primer punto, Paul Oscher comenzó a tocar la armónica a la edad de 12 años, con una marcada influencia de gente como: Little Walter, Sony Boy Williamson No. 2 y Junior Wells. Estuvo presente en la banda de Muddy Waters desde 1967 hasta 1972. Como ya cité, fue el primer músico caucásico en este grupo. Vivió en la casa de Muddy en el South Side de Chicago y también compartió el sótano con el pianista, Otis Spann. Tan solo contaba con 17 años cuando se lanzó a la aventura del blues en compañía de semejantes titanes.

Muddy Waters - Blow Wind Blow https://youtu.be/AymbANzfcow

Con el paso de los años también dominaría el piano, la guitarra eléctrica y la técnica del slide, muy parecida a la de McKinley Morganfield. Se animó a cantar y también a componer, con lo cual su carrera se diversificaría enormemente. Sus discos en solitario dan cuenta de esa versatilidad que fue una característica propia, durante mucho tiempo.

Para Scott Dirks, autor de la biografía de Little Walter, "Blues With A Feeling", Paul Oscher -quien nació en Brooklyn, en 1950- tocaba blues de la vieja escuela sin sonar retro, tampoco se afanaba en copiar a nadie.

Su estilo es una síntesis profunda: "No solo canaliza el sonido de la guitarra de Muddy Waters y el piano de Otis Spann, también maneja tonos profundos y sentimentales muy cercanos a Big Walter Horton y es un excelente compositor en la tradición del blues clásico. Paul Oscher es único en su clase".

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Un buen ejemplo de la armónica llegadora de Oscher lo encontramos en el afamado disco "Live at Mr. Kelly", grabado durante dos conciertos en junio de 1971 en uno de los mejores clubes de Chicago. Constituye una especie de "jugo de hits en vivo" para la marca Chess, con una banda cuyo sonido ya era supremo: Muddy Waters - voz, guitarra; Joe "Denim" armónica en tres piezas; Paul Oscher - armónica en el resto del álbum; Pinetop Perkins – piano; Sam Lawhorn y Pee Wee Madison – guitarras; Calvin Jones – bajo; y Willie Smith - batería.

Paul Oscher - Woodsongs https://youtu.be/l-5KoP4o4Xc

Paul Oscher abandonó este mundo el pasado 18 de abril, dejando tras de sí una legión de fieles admiradores que tomaron la armónica inspirados en su fuerte personalidad y estilo. Queda para la historia el momento de su contacto con el ‘Aguas Lodosas’. Como muchos jóvenes de su edad, Oscher visitaba los clubes nocturnos de Chicago para escuchar en vivo a los bluesistas que entonces gozaban de enorme popularidad, como: Jimmy Reed, John Lee Hooker, Lightnin’ Hopkins, Bobby Bland y T-Bone Walker.

En alguna ocasión, Muddy se presentó en el teatro Apolo, y Oscher logró llegar hasta los camerinos. Como todavía no empezaba la función, se acomodó en una escalera y empezó a tocar su armónica con gran ímpetu. Muddy lo escuchó casualmente y comenzaron a platicar. Horas después, cuando el show terminó, acompañó a la banda al hotel Theresa, y continuaron las pláticas y las notas que salían del pequeño instrumento. Entonces Waters anotó su número telefónico y después... lo que vino después, ya es historia.

Paul Oscher - Dirty Dealin' Mama https://youtu.be/mUEzme-vqH8

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Lado B Dinastías bluesistas

Juan Carlos Oblea

Muchos músicos destacaron en el mundo del Blues, estrellas que al paso del tiempo se convirtieron en unas leyendas consolidadas. Como ocurre en esta y otras carreras, los músicos de Blues inculcaron en sus hijos el gusto por la suya, sin embargo, solo unos cuantos músicos pertenecientes a familias con tradición bluesista lograron un relativo éxito sin alcanzar la gloria que consiguieron sus padres, a pesar de haberles heredado su talento.

Hijos de músicos como: Muddy Waters, Willie Dixon, Carey Bell, Buddy Guy, John Lee Hooker, Snooky Pryor, Eddie Taylor, Jimmy Rogers, Elmore James y Willie Big Eyes Smith; son solo unos cuantos ejemplos de músicos que continuaron con la tradición bluesista de sus padres, algunos muy destacados que actualmente continúan en la escena musical y otros que se quedaron tan solo en el intento.

Mud Morganfield Larry Williams es el verdadero nombre del músico mejor conocido como, Mud Morganfield, hijo mayor de Muddy Waters quien declara haber interpretado por primera vez una canción de su padre hasta que tuvo 21 años en una reunión familiar cuando Muddy ya había fallecido. Al principio de su carrera utilizó el nombre de Muddy Waters Jr, sin embargo, más adelante optó por deslindarse parcialmente de la sombra de su padre dejando solo el “Mud” en su honor.

Larry maneja un tono barítono y un fraseo vocal muy similar al de su padre. Comenzó su carrera cantando en clubes de Chicago y en el año de 2015 lanzó un álbum titulado “For Pops (A Tribute To Muddy Waters)”, en homenaje a su padre junto al armonicista, Kim Wilson. Se mantiene hasta el día de hoy en actividad.

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Big Bill Morganfield Seis años le tomó a Big Bill Morganfield aprender por sí mismo a tocar la guitarra, misma que adquirió mucho tiempo después de la muerte de su padre Muddy Waters, y con la que dice haber aprendido los viejos blueses de los años 30 y 50. Su primer álbum titulado “Rising Son” se lanzó en el año de 1999 con éxito y en el año 2000 los premios W.C. Handy (Blues Foundation), lo reconocieron como el mejor artista nuevo de Blues.

Bob Margolin, músico y alumno de Muddy Waters se refirió a Big Bill: “…Big Bill Morganfield, revela y celebra su viaje y progreso como artista de blues. Encuentro que Bill todavía honra a su padre con su profundo Chicago Blues. También cuenta sus propias historias con canciones originales, una amplia variedad de estilos y una ardiente guitarra slide. El canto de Bill ha dado un emocionante salto adelante tanto en potencia como en matices. Es conmovedor escuchar a Bill cumplir...".

En 2009, Big Bill fundó su propia compañía discográfica, Black Shuck Records. La compañía y él siguen vigentes.

Joseph Mojo Morganfield Muy recientemente, el 10 de diciembre de 2020, falleció el hijo menor de Muddy Waters, Joseph Mojo Morganfield, quien comenzó su carrera al lado de su padre viajando y actuando con él. Muddy y el guitarrista de su banda, Bob Margolin, fueron quienes le enseñaron los secretos de la guitarra.

Desafortunadamente, no pudo lanzar el álbum que se encontraba grabando para el sello Delmark Recodrs con su banda “The Mannish Boyz”, conformada por Joseph, Paul Handover, Chris Alexander, Mike Flynn y el ultimo guitarrista de su padre, Rick Kreher, cuyo lanzamiento estaba programado para este 2021.

En una entrevista de 2019 con American Blues Scene, Morganfield dijo: “Mis hermanos y yo estamos tratando de mantener vivo el legado de mi padre. Big Bill y Mud Morganfield mantienen viva su herencia. No queremos que su legado muera. Estamos haciendo nuestra parte". También agregó: “Ser hijo de Muddy no significa nada. Estoy tratando de afinar mi oficio y trabajar en mi voz. Tomo lecciones de canto y ensayo con mi banda. Sé que no va a suceder de la noche a la mañana".

Freddie Dixon Freddie Dixon, creció entre la realeza del Blues de Chicago. Su casa era el punto de reunión de las grandes estrellas del Blues, en donde se empapó del género durante su adolescencia y su juventud. Comenzó tocando el piano, después, la batería y la flauta, para finalmente encontrar el instrumento que le apasionó, tanto como lo hizo a su padre, el bajo.

En una ocasión que Willie Dixon se encontraba de gira con su banda, Freddie tomo un bajo y comenzó a tocarlo. Cuando Willie regresó de la gira lo encontró con el bajo y según platica le comentó: “no toques ese bajo, los niños no saben de dónde viene el blues. No conocen nuestra cultura. Y si no conoce su cultura, no conoce su herencia. Simplemente cree cualquier cosa”.

Una vez que Freddie dominó el instrumento entró en el All Stars de su padre en 1972. “Yo era el chico de la banda cuando entré”, dijo Freddie, quien posteriormente se unió a Billy Branch y a Lurrie Bell para formar Sons of Blues a finales de los 70. Actualmente sigue en la banda que formó su padre: The Original Chicago Blues All Stars.

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Los hermanos Bell Bell es un apellido de respeto en el medio bluesista, el gran patriarca, Carey, tuvo diez hijos, de los cuales cuatro de ellos se involucraron en el Blues: Tayson tocando el bajo, James la batería, Steve la armónica y el hijo que más destacó y que acompañó a su padre durante muchos años, Lurrie quien opto por la guitarra y quien por su cuenta formaría, Sons of Blues, junto a Freddie Dixon y Billy Branch.

Después de diversos tropiezos en su vida personal, Lurry retomó el curso de su carrera y actualmente sigue en actividad tocando en los clubes de Chicago, así como en los grandes festivales del Blues en el mundo.

Carlise y Greg Guy Carlise y Greg Guy, son hijos de la leyenda viva del Blues: Buddy Guy. Greg, a comparación de la mayoría de los músicos de Blues no fue influenciado en sus inicios ni por su padre, ni por los músicos clásicos de Blues, sino curiosamente por Prince, un músico pop. Es conocido que su padre es dueño del club Legend´s en la ciudad de Chicago, en donde debutó como músico de Blues en 2009, pues anteriormente, solo tuvo diversos intentos de tocar en el mismo escenario junto a su padre toda vez que le costaba trabajo armarse de valor para hacerlo.

Actualmente tiene presentaciones en los clubes de Blues de Chicago junto a The Robert Fetzer Band. Por su parte Carlise Guy heredó la pasión por el Blues influenciada por su padre y por su tío Phil, a quien amaba profundamente, al grado de que hoy en día fusiona su pasión por la música con la lucha contra el cáncer de próstata, enfermedad que causó la muerte de Phil Guy.

John Lee Hooker Jr. En una entrevista para “Guitars Exchange” le preguntaron a John Lee Hokeer Jr: “una vez dijiste que estabas 'bautizado en el blues'; ¿Cuál es tu primer recuerdo musical de ti y tu padre?”. A lo que contestó: “Cuando tenía ocho años... me senté en su regazo en Detroit en la estación de radio y me dejaron cantar. Ese fue mi primer encuentro con ese género de música”.

Su abuelo: William More, fue un conocido cantante y guitarrista del blues del Delta, y fue uno de los pioneros en la técnica de apagar las cuerdas de la guitarra para conseguir ese sonido particular que tan buenos resultados daría al blues de su época. Blind Lemon Jefferson, Charlie Patton y Blind Blake, fueron sus compañeros y amigos. Su padre: John Lee Hooker, desarrolló un estilo personal que ha sido imitado hasta la saciedad y fue un ícono de los grupos británicos y americanos que descubrieron el blues en los 60.

John Lee Hooker Jr. ha viajado por el mundo alternando con músicos como: B. B. King, Taj Mahal, Lenny Karavitz, ZZ Top (con quien su padre tuvo una disputa legal), Buddy Guy, y Etta James. Posteriormente se convirtió en reverendo y en la actualidad toca góspel manteniendo el sonido Blues.

Richard “Rip Lee” Pryor El Blues está en el ADN, un ejemplo de ello es el caso de Richard “Rip Lee” Pryor, su padre, Snooky Pryor fue un pionero en la amplificación de la armónica en el Blues, incluso, antes que el legendario Little Walter, sin embargo, su carrera tuvo diversos intervalos de ausencia, no obstante para Rip su padre era su ídolo, siendo el propio Rip quien le convenció de retomar su carrera haciendo giras en dúo y logrando grabar un par de discos juntos. Actualmente “Rip Lee” Pryor sigue tocando la música de su padre con el estilo que lo caracterizó, pues como el mismo lo ha dicho “Para mí, es solo seguir la tradición”.

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Los Taylor La familia formada por el matrimonio entre Eddie y Vera Taylor, tuvieron en sus hijos Eddie y Demetria a dos grandes exponentes en la escena del Blues de Chicago, junto a Larry su medio hermano. Herederos del talento de familia también soportado por sus tíos, Eddie “Guitar” Burns y Jimmy Burns, los hermanos Taylor destacaron por méritos propios en los clubes de Chicago, y en los festivales más famosos de Blues en el mundo. Desafortunadamente, Eddie Taylor Jr. falleció en el año de 2019, mientras que su hermana la cantante Demetria y su medio hermano el baterista Larry, siguen vigentes en la escena musical.

Jimmy D. Lane Jimmy D. Lane, fue influenciado primeramente por su padre, el guitarrista y cantante Jimmy Rogers. Los amigos de su padre a quienes llegó a conocer y admirar, incluían a Howlin’ Wolf, Albert King, Willie Mabon, Little Walter y Muddy Waters. D. Lane comenzó a tocar la guitarra de su padre a la edad de ocho años, pero se alejó de la música y pasó un tiempo en el Ejército de los Estados Unidos. En 1983, de regreso en casa, volvió a tomar la guitarra y comenzó a perfeccionar sus habilidades, mientras mantenía un trabajo diario en la industria de la construcción. En 1987 se unió a la banda de su padre, tocando la guitarra solista, trabajando al mismo tiempo con su propio grupo, The Hurricanes, que luego cambió su nombre a Blue Train Running. A principios de los 90, Lane llevó a su grupo a Europa, tocando en la televisión del Reino Unido. También grabó con la banda de su padre, demostrando estar tan cómodo como acompañante y como líder.

Aunque se inclina fuertemente hacia el rock contemporáneo, el amor de Lane por el blues brilla a través de su trabajo. Los músicos con los que ha trabajado y en ocasiones grabado reflejan esta herencia musical dual: su padre, Eric Clapton, David 'Honeyboy' Edwards, Lowell Fulson, Mick Jagger, B.B. King, Sam Lay, Taj Mahal, Van Morrison, Jimmie Lee Robinson, Double Trouble y Hubert Sumlin.

Elmore James Jr. Ernest Johnson es el verdadero nombre de un músico que, convencido en una reunión por el bluesman Willie Dixon se introdujo en el medio bluesista bajo el nombre de su padre, el rey del slide guitar, Elmore James, quien falleciera en el año de 1963. Después de haber dejado la música por un lapso de tiempo, Elmore James Jr. volvió a la escena musical motivado por una serie de grabaciones suyas de los años 50 y 60 que fueron lanzadas en Gran Bretaña en 1999 en la recopilación llamada: Genuine Mississippi Blues. En el año 2000 comienza giras por Estados Unidos y ha grabado tres álbumes. En 2012 rinde homenaje a su padre tocando la guitarra slide y cantando como él, a través del disco: Old School Lover.

Kenny “Beedy Eyes” Smith Kenny Smith creció en la misma casa donde vivió Muddy Waters en Chicago. Durante su infancia, Kenny estuvo rodeado de Muddy y sus amigos, incluido su propio padre, Willie "Big Eyes" Smith. Estos lo ayudaron a ser un gran baterista y más adelante le pidieron que los acompañara en los escenarios más grandes y respetados del mundo. Willie "Big Eyes" Smith, tocó la batería para la banda de Muddy Waters a principios de la década de 1960 y luego nuevamente, desde 1968 hasta 1980, y apareció en todos los álbumes ganadores del Grammy de Muddy. Kenny ha realizado miles de presentaciones en vivo. Es uno de los bateristas de blues vivos más conocidos de la actualidad, aprendió el 99% de lo que sabe sobre la batería de su padre y también se inspiró en los bateristas aclamados: Odie Payne, Fred Below, Earl Phillips, Ted Harvey, Louie Bellson, SP Leary, Francis Clay, Sam Lay, Art Blakey, Sonny Payne, Clifton James, y muchos otros que abrieron el camino. Con esas experiencias, Kenny ha revitalizado y creado nuevas interpretaciones de los legendarios bateristas de blues y bateristas modernos mientras recrea la batería de blues, con nuevos estilos innovadores y tradicionales.

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Dinastías bluesistas Varias grandes leyendas del Blues han dejado de existir, quedan muy pocos músicos de aquella generación que brillaron en la época dorada; sin embargo, el Blues como género musical ha mantenido encendida una llama, por un lado gracias al gusto que hoy en día tienen los músicos jóvenes por los ritmos vintage por llamarles de una manera, tales como el jazz, el soul, el swing o el blues, y por otro, gracias a aquellos hijos de los músicos originarios que contribuyeron a la creación y difusión del Blues que pese al tiempo se conserva intacto.

Mud Morganfield, Big Bill Morganfield, Mojo Morganfield, Freddie Dixon, Lurrie Bell, Carlise Guy, Greg Guy, John Lee Hooker Jr., Richard “Rip Lee” Pryor, Eddie Taylor Jr., Demetria Taylor, Jimmy D. Lane, Elmore James Jr., y Kenny “Beedy Eyes” Smith.

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En Video The Jimi Hendrix Experience. Live at Monterey

José Luis García Fernández

The Jimi Hendrix Experience. Live at Monterey (2017) Este material es un notable documento visual y auditivo que reconfirma lo que la audiencia de Monterey presenció el 18 de junio de 1967: el talento desenfrenado de Hendrix y su capacidad para el espectáculo que no tenía paralelo en la historia de la música rock. El set de canciones que The Jimi Hendrix Experience interpretó en Monterey fue presentado por Brian Jones, el guitarrista de The Rolling Stones, cuya presencia en el festival equivalía a una especie de bendición de un reconocido dios del rock.

Lista de pistas: 1. American Landing Part 1; 2. Intro con Brian Jones; 3. Killing Floor; 4. Foxey Lady; 5. Like A Rolling Stone; 6. Rock Me Baby; 7. Hey Joe; 8. The Wind Cries Mary; 9. Purple Haze; 10. Wild Thing; 11. American Landing Part 2. Bonus: 1. A Second Look; 2. Live From Chelsford, England February 25, 1967: Like A Rolling Stone; 3. Stone Free; 4. Music, Love & Flowers; 5. Gallery.

Brian, sabía muy bien a quién estaba presentando, ya que Hendrix se había mudado a Londres menos de nueve meses antes y había alcanzado el estatus de ídolo en el Reino Unido en muy poco tiempo. Sin embargo, la conquista de su tierra natal se lograría casi instantáneamente en Monterrey. El documental en video, ofrece todas las imágenes de la película existente de esa actuación de época presentada en su secuencia original. La banda sonora del blu-ray presenta nuevas mezclas de sonido envolvente 5.1 y estéreo 2.0. ¡Sensacional!

The Jimi Hendrix Experience - Hey Joe https://youtu.be/fe82eYRjiBU

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De Blind Raccoon

Tomislav Goluban: Express Connection

José Luis García Fernández

Tomislav Goluban - Express Connection (abril 2021)

El alumno del blues tradicional de Europa del Este (Croacia), Tomislav Goluban, alias ‘Little Pigeon’, regresa con su duodécimo álbum, Express Connection, continuando con su misión de demostrar que la música es verdaderamente un idioma internacional y como sugiere el título es un vehículo para conectar rápidamente a todas las personas.

Las 10 pistas: 9 originales y 1 cover, pueden considerarse la secuela de su álbum anterior, "Memphis Light", ya que una vez más reunió a un equipo de almas con ideas afines para grabar en los estudios Ardent en Memphis TN. Aunque las dos sesiones de grabación tuvieron lugar con un año de diferencia, la continuidad del sonido y la sustancia permanece, debido al trabajo experto de Mike Wilson en Ardent y Jeff Bakos en el famoso Bakos Amp Works en Atlanta.

La forma magistral de tocar la armónica de Goluban, lo coloca en el centro musical de un fuerte sonido de conjunto creado por la fina sección rítmica de David Green a la batería, Bill Ruffino al bajo, con el tecladista Rick Steff y la guitarra estelar de Mark Johnson, además con el coproductor Jeff Jensen. Se agregó una sección de metales con el saxofón de Kirk Smothers y trompeta de Mark Franklin, a tres de las pistas para crear un auténtico sonido Memphis.

La cereza del pastel es la cantante y compositora del sur de California, Kelly Zirbes, que no solo aprovecha sus diestros talentos vocales, sino también sus habilidades líricas en la colección de material nuevo y una versión muy bien seleccionada.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 49

Lista de temas: 1. Express Connection; 2. Used To Be Someone; 3. Babe On The Run; 4. Pale Blue Eyes (Lou Reed); 5. Shoestring Blues; 6. Extra Boom; 7. Seeds in the Bag; 8. Bite Me Like A Snake; 9. No Future in Your Past; 10. Beast Walk.

El álbum inicia con el primero de tres instrumentales que muestran todo el talento que Goluban tiene en la armónica. Express Connection, la pista principal, se llama acertadamente, ya que registra más de 140 bpm, todo un ejercicio para el baterista David Green y para el propio Tomi. La banda completa con los metales entra en juego para el blues satírico, con el tema de la mala suerte, Used To Be Someone, con un ritmo inspirado en el tema ‘Born in Chicago’ de Paul Butterfield. Una pieza movidita, Babe On The Run, se siente como una pieza salida de una actualización del íconico álbum, Electric Mud.

Mark Johnson ofrece una fina y solitaria guitarra slide para su versión de Pale Blue Eyes, un tema profundo del catálogo de la banda Velvet Underground de Lou Reed, a la que Goluban y compañía tratan como una triste balada country, similar al estilo de Willie Nelson. La cantante, Kelly Zirbes, comenta sobre su colaboración con Goluban, en la alegre tonada, Shoestring Blues: “Trabajar con Tomislav fue un placer, estoy encantada de que haya confiado en mí para darle una voz diferente a su música”. 'The Chicago shuffle', Extra Boom, rinde un grato homenaje al ídolo de Chess Records, Little Walter, en el segundo tema instrumental del álbum.

Kelly Zirbes se une nuevamente para interpretar a dueto, Seeds In The Bag, un tímido ritmo sobre una rumba de estilo Louisiana, emulando el piano del Professor Longhair, casi nada. El ingenio poco convencional de Goluban está al frente y al centro del divagante country blues, Bite Me Like A Snake, donde se une Joseph Franher, dejándonos la duda de exactamente a qué tipo de chica le están cantando.

Los fuertes sonidos de los metales ayudan a impulsar la súplica por la paz y la redención en No Future in Your Past, que pide justicia social. El álbum se cierra con el tercer instrumental, Beast Walk, que muestra más del rango dinámico de Goluban en la armónica que le ha valido comparaciones, nada más y nada menos que con el legendario, Sonny Terry. Express Connection es otro buen ejemplo de cómo Tomislav Goluban, toca y canta la música que ama con una fuerte pasión y un destello de humor.

https://open.spotify.com/album/0TiD0mtpEHzgwJBm4btGqp?si=72a5pp3GRYyrIKAxAO8olg

Página | 50 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Número 120 | mayo 2021

De Frank Roszak Promotions

The Hitman Blues Band / The Hungry Williams

José Luis García Fernández

The Hitman Blues Band: Not My Circus, Not My Monkey (marzo 2021) Este álbum es el nuevo lanzamiento del grupo de blues moderno y alternativo con sede en Nueva York, The Hitman Blues Band. Contiene voces seductoras, solos apasionados y una sección rítmica que muestra un intenso y poderoso groove, a los que se le adicionan letras cautivadoras, con temas que van desde lo alegre a lo trágico.

Son 50 minutos de buena música con 11 temas, 8 originales y 3 versiones: 1. Not My Circus; 2. Buy That Man A Drink; 3. Nobody’s Fault But Mine (Blind Willie Johnson); 4. John The Revelator (Blind Willie Johnson); 5. No Place Like Home; 6. The Times They Are A-Changin’ (Bob Dylan); 7. You Can’t Say No; 8. Walk With You; 9. You Don’t Understand; 10. Everybody But Me; 11. Go Down Fighting.

Los músicos de la banda e invitados en la grabación son: Russell “Hitman” Alexander: guitarra, voz y coros; Kevin Bents: teclados; Mike Porter: bajo y coros; Guy LaFountaine: batería; Mikey Vitale: sax alto; John Kelly: sax tenor; Eric Altarac: trompeta; Nick Clifford: sax bar´tono; Mike Katzman: solo de órgano (4); Joanna Alexander y Nancy Hampton: coros; Adam Minkoff: órgano (5); Bob Stander: aplausos y tambourine.

Musicalmente, es un placer escuchar el álbum, tiene destellos del Chicago Blues, mezclado con R&B, funk, boogie y soul; logrando una mezcla sonora fascinante, principalmente muy bien ejecutada y cuidada en todos sus ángulos. Esto se muestra desde el inicio con la alegre tonada Not My Circus, Not My Monkey. A esto le sigue la irónica, Buy That Man A Drink, ya que resulta estar muy lejos de ser un acto de caridad.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 51

Luego viene una reelaboración completa de la canción Nobody's Fault But Mine de Blind Willie Johnson, que incluye letra nueva que se mantiene fieles al espíritu del original. Sigue una nueva versión muy propia de la banda a otro tema de Blind Willie, John The Revelator, imaginando que otros dioses pasan y revelan sus propios escenarios del fin de los tiempos. No Place Like Home ofrece una reflexión sombría, pero se trata de una bonita balada, de las mejores canciones del disco, escrita y cantada magistralmente por Russell Alexander, donde además toda la banda brilla.

Enseguida una versión de Times They Are A-Changin’, clásica de Dylan, en una interpretación como nunca antes se había escuchado. El buen ritmo logrado en You Can’t Say No, es seguido por el tono alegre de Walk With You, que antecede a establecer el intento de explicar un amor abrumador en You Don’t Understand. El sonido del álbum retrocede a la influencia de finales de la década de 1950, Everybody But Me, una versión cómica de la soledad hipster. La melodía final es el himno de todo artista para que siga adelante sin importar lo que suceda alrededor, Go Down Fighting. Con un disco como Not My Circus, Not My Monkey, se puede asegurar que The Hitman Blues Band ha alcanzado un nivel importante en su carrarera y que esta, su más reciente grabación, constituye una fina muestra del blues contemporáneo, en este incierto año 2021.

Not My Circus, Not My Monkey https://open.spotify.com/album/4sxpRCLubqoPZpXYtbDl4k?si=Vjm21211Q2epoWjOX4KFvQ

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The Hungry Williams: Brand New Thing (2019) La banda The Hungry Williams tocan habitualmente música que pone una sonrisa en el rostro y un resorte en los pies: Jump blues y R&B swing con un toque de Nueva Orleans. Como sabemos, Nuevo Orleans siempre fue única entre las ciudades estadounidenses. El lugar donde el río Mississippi se encuentra con el Golfo de México fue también donde franceses, españoles y africanos se encontraron con ingleses. Es un lugar donde convergieron culturas y civilizaciones. El jazz nació allí, y en la década de 1950, también fue la fuente de una corriente distintiva de R&B, un afluente que alimentaba la corriente creciente del Rock & Roll, pero con un ritmo excepcionalmente constante que rodaba con la bochornosa insistencia del gran río, en una calurosa noche de Louisiana.

The Hungry Williams, originarios de Milwaukee, tomaron su nombre de uno de los bateristas de Nueva Orleans de finales de la década de 1950. Charles "Hungry" Williams, quien marcó el ritmo detrás de una serie de apreciadas grabaciones que surgieron del estudio de Cosimo Matassa en el Barrio Francés. Se distinguió por agregar un cencerro a su set, haciendo que los ritmos de percusión recordaran al hoodoo caribeño. La cantante principal, Kelli González; el legendario baterista, John Carr; Mike Sieger en el bajo; Joe Vent en la guitarra y Jack Stewart en los teclados; forman parte de la agrupación base que presenta este material discográfico de excelencia: Brand New Thing; además de los invitados: Troy Leisemann: sax tenor; Julia Bustle: sax barítono; y Bob Jennings: sax barítono.

El álbum contiene quince muy agradables, nostálgicos y rítmicos temas: 1. Brand New Thing; 2. Everybody Loves Me (Why Don’t You?); 3. Hook Line and Sinker; 4. Where’s My Baby?; 5. Whole Lotta Shakin’ Goin’ On; 6. Baby Don’t Do It; 7. Go On Fool; 8. For You My Love; 9. Wild Wild Young Men; 10. Stick a Pin in the Voodoo Doll; 11. No More Heartaches; 12. It’s Raining Outside; 13. Whip It On Me; 14. When I Meet My Boy; 15. Get Your Hat.

Brand New Thing https://open.spotify.com/album/3x0LX1WJ7RYmp90UZqHbDC?si=Hj6wGctNRw-jkAbJAGaLDg

Página | 52 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Número 120 | mayo 2021

Bla Ble Bli Blo Blues Kingfish

Octavio Espinosa Cabrera

“Kingfish es la próxima explosión del Blues” Buddy Guy

Christone “Kingfish” Ingram ¡apenas rebasa los 20 años y desde adolescente ha tomado el mundo del blues como un tornado! Este joven crecido en Clarksdale, Mississippi toca una moderna, pero autentica versión del blues del Delta, su sonido crudo y primigenio en sus espectáculos levanta al escucha y lo hace prestar atención.

Cuando era un pequeñito en Clarksdale, cerca de la encrucijada de las autopistas 61 y 49, se plantó frente a su familia con una guitarra al cuello y predicaría como los ministros que había escuchado en su iglesia y cantar como los bluesistas que escuchaba en su calle, ya no toca como un peque de cuatro años, pero se presenta con la dignidad de un hombre maduro; su abuela decía: “¡Ya estuvo aquí antes!”.

Christone mismo dice: “A veces me siento así, porque las cosas que pienso no son propias de un joven normal. Veo las cosas de manera diferente a la de los demás muchachos, lo que, definitivamente, me encaminó hacia el blues, ya no se ven muchos jóvenes que tengan el sentimiento del blues”.

Geoffrey Himes (Wasshington Post, Rolling Stone y otras publicaciones) afirma que el signo de que Kingfish es un alma vieja es que insiste en tocar lo viejo, tanto estilos acústicos de blues, así como un buen amplificado blues contemporáneo. “Todos somos modernos” insiste Kingfish “Pero, queremos mantener las raíces vivas”.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 53

Fue su maestro, el bluesista Bill “Howl N’ Madd” Perry, del Museo del Blues del Delta de Clarksdale, quien le puso su apodo. La parte “King” rememora a Albert, Freddie y B. B.; y la parte “Fish” se debe a Muddy. Concluye Christone: “mucha gente tiene problemas con mi nombre, así que simplemente me llaman ‘Kingfish’”.

Kingfish coescribió ocho de las doce canciones con el productor Tom Hambridge, Tom escribió las otras cuatro y toca las percusiones y batería en once de las doce pistas, los acompaña el cantante y guitarrista, Rob McNelley; en el bajo está Tommy MacDonald; y Marty Sammon en las teclas, pero, independientemente de la extraordinaria calidad de todo el disco, algunos personajes, grandes entre los grandes, aparecen en varias pistas como invitados de Christone: Buddy Guy, Keb Mo’ y Billy Branch. ¡Maravilloso!

Kingfish - Christone “Kingfish” Ingram Compañía: Alligator Records. Productor: Tom Hambridge. Estudios: Ocean Way Studios, Nashville, Tennessee. Ingeniero: Zach Allen. Fotografías: Rory Doyle.

Outside of This Town (Tom Hambridge/Christone Ingram). El álbum abre con esta melodía con un tono pesado y vigoroso, el primer solo es controlado, y la voz se escucha firme, se nota que ha estudiado a sus maestros. El segundo solo es el remate perfecto a la canción.

I’m leaving this town tomorrow. I got many places to see and Many places to go. I’m tired of doing the same thing all day.

La rutina, agobia las ganas de vivir y alejarse de lo que aburre es motivo suficiente para buscar estímulos fuera de lo vivido infinitas veces, aunque, al final es grato estar de regreso en casa.

Fresh Out (Tom Hambridge/Richard Fleming). Invitados: Buddy Guy: guitarra y voz. Keb Mo’: guitarra. Buddy Guy aparece abriendo la segunda canción en un blues al estilo Chicago, posteriormente, el viejo maestro y el joven se alternan para hacer los dos solos con fraseos que se complementan, Kingfish con notas emotivas y briosas mientras Buddy un poco más fresco contesta, no hay que olvidar que Kingfish y Buddy han realizado giras juntos, lo que ha ayudado a Christone a forjar su nombre en el mundo del Blues. Ya no queda nada…

No coffee for my breakfast. No bed on the row. I ain’t got a drop of milk. For the corn flakes in my bowl. I’m fresh out, baby, I’m all fresh out. I ain’t got loving since the day, ooh girl, you went away.

Mi favorita: It Ain’t Right (Tom Hambridge/Christone Ingram). Intro vigoroso que marca la cadencia y modo de toda la canción, muy rítmica, debido a que el soporte detrás de la guitarra solamente lo representan la batería y el bajo. Riffs muy mesurados precisos sin sobrecargar el oído. Equilibrio total. La voz muy madura y segura para un joven veinteañero conduce claramente la historia contada. No está bien, no, no. de la forma en que me has tratado, deberías avergonzarte.

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I gave you all you wanted. I treated you like a queen. Way to get your way. You get down on me. It ain’t right. There is no way to act. You should be ashamed for you treated me like that.

Been Here Before. (Tom Hambridge/Christone Ingram). Kingfish gira hacia una de las manifestaciones que, según su dicho, le permiten preservar las raíces del Blues, en acústico, cadencia lenta que crea un ambiente de intimidad y nostalgia; el solo, cobijado por el piano, hace que uno se sienta libre de presiones o ansiedades. En esta canción el personaje principal es su abuela y su afirmación de que Christone se encuentra en este mundo nuevamente para continuar con su tarea: tocar el Blues con una madurez y maestría que no son comunes a su edad.

Somedays I fell different… Somedays I wake up gratefull, Somedays I dont know I can still hear grandma’ saying: Child you’ve been here before.

If You Love Me (Christone Ingram/Jontavius Willis). Invitados: Billy Branch: armónica; Keb Mo’: guitarra. Billy Branch, desde el inicio, marca con su armónica la ruta en esta rola, fondeando puntualmente; Keb Mo’ apoya continuamente haciendo más dúctil la canción que fluye hasta el final. De los solos, qué decir, magistrales, imperdibles.

If You love me Say that you do

Love Ain’t My Favorite Word (Tom Hambridge/Christone Ingram). Un blues clásico, acompasado, deleitoso; la introducción y el solo van con un toque dramático y desesperado; Kingfish canta un texto al que él mismo contesta con su guitarra, Marty Sammon acompaña impecable con un Hammond B3, el solo da cuenta de la desolación y rabia de un corazón roto.

Love ain´t my favorite word. She said she never leave me. She said it to my face. I woke up one morning. An she was tshree states away.

Listen (Tom Hambridge/Christone Ingram). Invitado: Keb Mo’: guitarra acústica y voz. Canción en modo optimista, envuelta en guitarras con reverb que acentúa la suavidad de los riffs de respuesta y los solos. Kingfish y Keb Mo’ se alternan en la voz con naturalidad en un ‘call and response’ bien estructurado. El marco de la melodía refuerza la idea de serenidad.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 55

Feel the warm breeze blowing through the tall trees. Sounds that are around me, the sky is for love start. I just want to start and stare, so much tender love and care… Just listen to your heart.

Before I’m Old (Tom Hambridge/Richard Flemming). Invitado: Keb Mo’: guitarra. Kingfish regresa a lo eléctrico, el bajo en primer plano en la introducción, marcando una cadencia firme que impulsa a balancearse o a caminar con un paso seguro o viril, el Hammond marcando los cuartos, solo apasionado y extraordinario de un Kingfish muy maduro en su técnica, lleva las notas a su intensidad y tiempo exactos. Un homenaje a las influencias y sus raíces de Kingfish aquilatando las tareas que debe completar antes de ser viejo.

I was born in the edge of the century. Growed way down in Mississippi. When I heard the Robert Johnson call.

Believe These Blues (Tom Hambridge/Richard Flemming). Invitado: Keb Mo’: guitarra. Un blues lento con un toque optimista, para balancearse suavemente. La guitarra y la voz de Kingfish lideran toda la canción presentado solos increíbles, pausados y bellos. Keb Mo’ se incorpora imperceptiblemente hasta lograr una amalgama de sonidos serenos y gentiles, para concluir puntualmente. No se puede predecir el futuro del blues, pero, es eterno.

It’s lonely time’s ticking When I see bad things happen And lonely peoples have to cry To good folks everyday. When I see the love that’s leaving Children going hungry Singing last goodbye With nothing on their place I believe these Blues I believe these Blues I never gonna die Will never go away

Trouble (Tom Hambridge/Christone Ingram). Kingfish se pone tropical, con un beat de rumba, marcado con toda precisión por Tom Hambridge desde la batería; el piano de Marty Samon agrega un tono muy fresco a la canción, los solos, no me cansare de decirlo ¡maravillosos! Esto nos pasa por…

I woke up this morning In a bed that wasn’t mine A lady beside me that wasn’t my wife I dope my head on my hand Trying to make up the story The best way I can I’m in trouble and there’s no doubt. I’m in trouble ain’t no way that I can get out.

Hard Times (Tom Hambridge/Richard Flemming). Invitado: Keb Mo’: guitarra. Dos talentos, dos guitarras, y nada más, son suficientes para lograr una canción grandiosa, en acústico, donde Keb Mo’ quien, además de marcar la línea principal de la canción, nos regala un exquisito solo de guitarra resonador. Los tiempos difíciles no son tan malos cuando tienes el amor de las mejores personas del mundo.

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Talking to my neighbors. Listening to my Friends. Everybody’s home. Winter gonna end. Hard times, I’m talking about hard times. If it was’nt for my woman. I believe I lose my mind.

That’s Fine By Me (Tom Hambridge/Christone Ingram). Blues lento, las pausas son eficientemente aprovechadas por Christone para colocar ornamentos entre verso y verso que muestran la influencia de B. B. King; solo de piano grandioso en las manos de Sammon. Aceptar serenamente que las cosas terminan es un acto de sabiduría.

You say you wanna go. An find a brand new home. Honestly baby. I don’t think that’s wrong. If you wanna leave. Baby please, that’s fine by me.

El remate de “That’s Fine By Me” es doloroso marca el final del grandioso CD, debut de un artista extraordinario que seguramente veremos madurar y sorprendernos cada día con su voz y su guitarra. Es importante destacar la participación de Tom Hambridge, quien se metió en todo, y hay que decirlo, con éxito, componiendo, produciendo o tocando la batería lo que, aunado al talento de Kingfish dio a luz un álbum extraordinario digno de cualquier colección de discos de blues que necesite actualizarse.

¡Nos vemos en la próxima! ¡Usen cubrebocas!

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 57

Las Teclas de Oro

Conversando con Bruce Katz Omar Ramírez O.

Conversando con el pianista y organista Bruce Katz

Bruce Katz es uno de los tecladistas de blues contemporáneo más destacado en la actualidad, con una prolífica carrera de varias décadas tanto en la docencia (ha sido profesor de la prestigiosa Berklee College of Music en Boston), como músico activo especializado en piano y el Hammond B3 y grabando discos, como sideman y como solista. Hace unos días, tuvo la bondad de aceptar una entrevista que comparto con ustedes.

ORO. Muchas gracias Bruce por aceptar esta entrevista. Quisiera comenzar preguntándote por tus incios, tus primeros pasos acercándote a la música.

BK. Empecé a tocar el piano clásico cuando tenía 5 años. Siempre estuve atraído a él y empecé a descifrar las canciones en él… así que gracias a mis padres que me metieron a clases. Cuando tenía 10 años escuché blues por primera vez ¡Y traté de averiguar cómo tocarlo! Empecé a escuchar los antiguos estilos de Dixieland y comencé a descifrarlo también. Aunque a la par de mis estudios en el blues, seguí tocando piano clásico también.

ORO. Eres un músico muy completo, que te has especializado tanto en el órgano Hammond, como en el piano. Cuéntanos un poco sobre cómo abordas cada uno de estos Instrumentos y sobre las adorables diferencias que existen entre ambos.

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BK. El piano y el Hammond son instrumentos muy, muy diferentes. Ambos tienen teclas pero ahí es donde las similitudes se acaban. En el piano yo pienso más en armonías y acordes, y el toque físico de las teclas para crear sonidos dinámicos. El Hammond tiene un poderoso sonido que puede cambiar drásticamente una canción ¡Con tan solo una sola nota! También para crear dinámicas y expresiones en el Hammond, uso el pedal de expresión todo el tiempo para hacer que el B3 “respire”.

ORO. En lo personal, yo empecé a conocer y admirar tu trabajo al lado de Ronnie Earl, hay un disco en vivo en Europa de 1997, donde me impresiona tu buen gusto para acompañar tan bien los extensos solos de Ronnie. Cuéntanos tu experiencia trabajando al lado de estos guitarristas tan protagónicos.

BK. Ronnie y yo congeniábamos muy bien. Pienso que nos alimentábamos de la energía del otro de forma muy natural. Ambos estábamos interesados en el Deep Blues y también en esa línea donde el blues se encuentra con el jazz. Él era un guitarrista tan contundente, que yo sólo trataba de apoyar con lo que él hacía. Tuve mucha suerte de tocar con Per Hanson en la batería y Rod Carey en el bajo, quienes eran la sección rítmica perfecta para Ronnie.

ORO. Entiendo que también te has dedicado a la docencia, nos quieres platicar un poco sobre tu experiencia dando clases y sobre la importancia que aún tiene estudiar el blues en pleno 2021.

BK. Efectivamente, estuve dando clases por 14 años en Berklee College of Music en Boston, y todavía sigo dando clases particulares presenciales y online. También hago clínicas y clases para maestrías. Cuando enseño teoría y armonía, siempre trato de enseñarlo de tal modo que el estudiante pueda aplicarlo en la música real y para lo que él (o ella) pueda estar tocando en ese momento. Es importante entender la teoría, ¡Pero quiero que el estudiante sea capaz de USARLA! Yo pienso que el blues siempre permanecerá e incluso en este 2021, muchas personas se siguen sintiendo atraídas por esta música.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 59

ORO. Cuéntanos un poco sobre tu carrera solista.

BK. He sacado 9 álbumes con mi grupo “Bruce Katz Band” y un álbum (2019) como solista, un disco de solo piano llamado “Solo Ride”. Son casi todos temas originales, con una fuerte herencia de los viejos blues, ¡Pero que pueden ir en más de una dirección! Suelo viajar y hacer algunas giras, estoy esperando poder hacerlo de nuevo tan pronto como la pandemia se acabe. Sólo he tocado en México una vez, en el ‘Puerto Escondido Blues Festival’, espero regresar uno día de estos.

ORO. Recientemente te escuchamos en la última producción de Hurricane Ruth -felicidades por tu trabajo-, ¿Con qué otros artistas has estado grabando últimamente?

BK. He grabado con el guitarrista, Sean Chambers en un álbum que será lanzado más tarde este año. Y también grabé en un excelente álbum con el armonicista y cantante inglés, Giles Robson, que se llama “Don’t Give Up On the Blues”. En 2018 grabé un álbum de blues acústico con, Joe Lous Walker y Giles llamado “Journeys to the Heart of the Blues”. Y a lo largo de los años he grabado con artistas como: John Hammond, Delbert McClinton, y Little Milton, entre otros.

ORO. Por último, hablemos de Gear. Entiendo que lo mejor siempre será tener en el escenario un Hammond B3 con su Leslie 122, y un piano acústico de cola. Cuando no tienes esas opciones, ¿qué marcas y opciones digitales y portátiles prefieres para sustituir un órgano y un piano?

BK. Sí, lo mejor por mucho, es un piano real y Hammond con un Leslie. Sobre instrumentos digitales procuro usar pianos Roland porque me parecen más realistas, pero he escuchado que hay nuevos teclados hechos con teclas de madera ¡Que voy a tener que revisar! Sobre el Hammond, he estado usando un teclado de órgano Hammond modelo SK2. Si lo operas a través de un Leslie real suena muy realista. Si no hay un Leslie disponible he estado usando un simulador de Leslie Ventilator II, que es bastante bueno. PERO…a pesar de que la tecnología ha mejorado y mejorado, el piano real y un auténtico Hammond nunca podrán ser reemplazados.

ORO. Te agradezco mucho te hayas tomado el tiempo de platicar con nosotros Bruce, se te admira. Ojalá te veamos en México pronto.

BK. Eso espero, muchas gracias a ti.

Bruce Katz Band at Big Bugg's Island Blues Bash https://youtu.be/SFDWgBzzOGk

Bruce Katz Band - Get Your Groove https://youtu.be/kqIQa_B_-Vw

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Huella Azul José María Rearte

María Luisa Méndez

Entrevista con José María Rearte

Bluesman argentino, residente de Trelew, ciudad ubicada al noreste de la Patagonia (región geográfica, histórica y cultural ubicada en el extremo sur del cono sur de América). Guitarrista, cantante y compositor excepcional, recientemente participó junto con su banda: JR y La Hora del Blues, en la primera edición del festival “Obregón Sonora Blues Fest”, teniendo una exitosa intervención.

CB. ¿Quién es para ti José María Rearte? JM. Les diría que Jose Maria Rearte es... el hombre detrás del personaje que lidera “JR y La Hora del Blues”, nacido en la ciudad de Trelew Chubut, Argentina. Soy una persona simple que cumple distintos roles: esposo, padre de familia, el vecino que lleva una vida sencilla, basada en el respeto, el trabajo, y relaciones familiares. Como tantos otros hombres de blues vinculado a la religión (La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días), con el cometido de dejar una huella por esta vida que no siempre es fácil, y que tiene como banda de sonido el blues.

CB. ¿Desde cuándo y por qué tu introducción en el blues? JM. Mi encuentro con el blues es justo entre la infancia y la adolescencia, primero escuchando la música que mi hermano mayor (Marcelo Rearte) tocaba y escuchaba. Al principio fueron músicos blancos: Eric Clapton, Johnny Winter y Stevie Ray Vaughan. Cuando vi el film ‘Crossroads’ y escuchá a Ry Cooder, me marcó a fuego, esos fueron mis comienzos. Después investigué hasta llegar a las raíces, escuchando, tocando e intercambiando información con otros músicos en la ciudad. Desde entonces no he parado. Actualmente, sigo aprendiendo y dándolo a conocer.

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CB. ¿Qué significa para ti el blues? JM. El blues para mi es el lenguaje que me permite comunicar y conectar con los demás, es mi antídoto anti depresión, es mi consuelo en los momentos duros, mi lugar de pertenencia, es una luz en la oscuridad, es la vida que vivo a cada momento, todo está relacionado. A través de mi guitarra puedo llegar a contar historias, me interesa que el público participe, que forme parte del show, tratando de no solo tocar música, sino corazones al ritmo del blues.

CB. ¿Cuáles consideras son tus principales ídolos en el blues? JM. Bueno es una lista interminable. Pero les podría decir que me apasionan: Charley Patton, Son House, Bukka White, Mississippi Fred Macdowel, Lightnin’ Hopkins, Furry Lewis, Blind Willie Johnson, Hound Dog Taylor, Muddy Waters, Robert Johnson, John Lee Hooker, Buddy Guy, Otis Rush, Albert Collins, Howlin’ Wolf, Skip James, Blind Willie McTell, Tommy Johnson, Fito de la Parra con Canned Heat, Blind Boy Fuller, Elmore James, Jimmie Vaughan, Stevie Ray Vaughan, Rory Gallagher, Little Charlie and the Nightcats, Jimmy Reed, Johnny Winter, Robben Ford, Eric Clapton, Robert Cray. Así como también de mi país: Pappo, Claudio Gabis, Daniel Raffo, Alambre González, La Mississippi, Avalancha, Las Blacanblus, Memphis la Blusera, Vox Dei, La Petrolera Boogie Band, Yaria Brothers, Dulces 16, Marcos Lenn. Son muchos, pero Óscar Alemán es un referente en mi manera de tocar.

CB. ¿Podrías comentarnos brevemente tu trayectoria musical, desde tus inicios hasta este 2021? JM. Con respecto a mi trayectoria musical, solo sé que empieza a muy temprana edad. Cuando recibí mi guitarra, regalo de mi madre, y desde allí en distintos proyectos siempre he estado identificado con el blues, participando en distintas bandas como: Palo de Rosa, La Pelada Boogie Band, La Sinforosa, Blues Deluxe o JR y La Hora del Blues; participando en tocadas en el circuito local. En 2018 recibo en la ciudad de Trelew, el premio Tressa, un reconocimiento a la trayectoria junto a: Cesar Castillo y Peto Ruiz.

También, he participado en festivales en forma presencial, ‘Internacional Blues Music Day’ en Bariloche Argentina 2017; así como en forma virtual, Festival Internacional de Pergamino (Argentina), en el prestigioso ciclo ‘Latinoamérica y el Blues’ (Paraguay), ‘Blues por una Causa’ (Nepal), ‘Festival internacional de Blues de Posadas’ (Argentina). Recientemente, he tenido el honor de participar en el ‘Festival internacional Obregón Sonora Blues Fest’ (México). Toco cada dia en casa y cada fin de semana en algún rincón de la Patagonia, hasta la fecha.

CB. ¿Cómo observas la escena del blues en Argentina y en Latinoamérica? JM. La escena actual de blues en Argentina está dispersa por distintos lados. Hay muchas bandas emergentes en distintas regiones del país. Considero que la pandemia, ha afectado en gran manera el que las bandas puedan tocar en vivo. Por otro lado, hemos logrado tener comunicación virtual, lo que nos ha permitido llegar a un nuevo público. También, existe desde hace años la escuela del blues en Buenos Aires, creada por Gabriel Gratzer, autor del libro, ‘Bien al sur: historia del blues en la Argentina’ en conjunto con Martin Sassone. En mi opinión, creo que hoy hay mucho material dando vuelta e información para dar a conocer el blues.

Hay una fuerte tradición de músicos latinos vinculados al blues, y México ha sido crucial, desde Javier Bátiz, Adolfo ‘Fito’ de la Parra (Canned Heat), Carlos Santana, Guillermo Briseño, Ramon ‘Bozzo’ Ochoa (Peace & Love - Repechaje), Jorge Garcia Ledesma, Obregón Blues Band, Hola Soy Lola; entre tantos otros, hasta estos días. Llevando el blues por todos lados. Creo que es una música viva que sigue creciendo. Cada país de Latinoamérica tiene sus exponentes de blues, he tenido el honor de conocer a muchos en el Festival Obregón Sonora.

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Acá en Argentina, desde Óscar Alemán, Blackie, Fernando Goin, Manal, Pappo, Miguel Botafogo, Daniel Raffo, Pajarito Zagury, Alambre González, Rafael Nasta, hasta la fecha todavía seguimos escuchando esos ritmos, en cada rincón hay alguien con su instrumento tocando blues.

CB. ¿Cómo defines tu estilo musical? ¿En qué consiste tu repertorio? JM. Mi estilo musical es como un guiso cocinado a fuego lento, con distintos ingredientes mezclando blues, soul, jazz, country, boogie, swing, y rockabilly; tocados con mis guitarras: modelo Telecaster ‘Alma’ para tocar slide; ‘Candela’ Thinline Telecaster o la acústica ‘Luisiana’; agregando aquellas cosas que me gustaría escuchar. Mi repertorio consiste en contar la historia del blues en Argentina, para lo cual hago versiones de clásicos de blues local y temas propios contando historias en español como: La Hora del Blues, Ajuste de Cuentas, El Gallo Cantor, La Ruta 40 del Blues, o 12 de Noviembre (en 1968 se realizó el primer show de Manal).

CB. ¿Cuáles consideras tus 5 canciones favoritas? JM. Mis 5 canciones favoritas podrían ser: Feelin’ Bad Blues (Ry Cooder); Avellaneda Blues (Manal); On The Road Again (Canned Heat); Slide Blues (Pappo); y Tupelo (John Lee Hooker).

CB. ¿Quién conforma tu banda: JR y La Hora del Blues? JM. JR y La Hora del Blues es una banda que incluye a distintos miembros, ya que la banda de acompañamiento la voy armando con base en quien esté disponible cuando surge el show. Pero, por lo general, están en la armónica: Fabio "Chiky" Aravena; en la batería: Luis"Bater Bater" Bogarin; y Luis Vargas en el bajo, por decir una formación.

CB. ¿Cuáles son tus proyectos a corto y mediano plazo? JM. Mis proyectos actualmente están enfocados en grabar algún material. Hacer en la medida de las posibilidades algunos shows, si es posible presenciales, sino virtuales. Además, tengo pensado continuar un ciclo de entrevistas de grandes artistas que ya inicié con Adolfo ‘Fito’ de la Parra (nacido en México, legendario baterista de Canned Heat y John Lee Hooker), la idea es conversar con quienes han sido una gran influencia para mi.

CB. ¿Nos puedes compartir algún video de tus recientes participaciones en festivales? JM. Sí claro siempre es un placer…

JR y La Hora del Blues - La Hora del Blues https://youtu.be/B7-BNCf4ggM

JR y La Hora del Blues - La Ruta 40 del Blues https://youtu.be/FvjN8o79Ezg

JR y La Hora del Blues – El Amor Llegó a Su Fin https://youtu.be/Y0IXih2fFVU

CB: ¿En dónde podemos seguirte en redes sociales para conocer de tus actividades? JM. Pueden seguir mi material suscribiéndose al canal de YouTube: Joma Rearte; en Facebook en la página: JR y La Hora del Blues; o en Instagram: jrylahoradelblues.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 63

CB. ¿Algún mensaje a los seguidores de Cultura Blues en este su 10° aniversario? JM. A los lectores de Cultura Blues les dejo la invitación de leer y compartir este y los números anteriores, es algo enormemente significativo el tener esta revista a nuestro alcance para poder conectar vínculos fuertes con el arte, desde ya, agradezco infinitamente el hecho de que pueda ser parte de esta celebración en su 10° aniversario, me siento honrado por ello, y por la oportunidad de dar a conocer mi trabajo.

https://youtu.be/nTGMsKeDA2A

CB. ¿Algo más que agregar? JM. Solo tengo palabras de agradecimiento por esta invitación, espero que sigamos en comunicación, disfrutando de más historias de colegas, cruzando fronteras, manteniendo viva la llama del blues. Les mando un cordial saludo desde la Patagonia, afectuosamente: JR y La Hora del Blues.

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Diván el Terrible El Blues; la Historia. Segunda parte

Octavio Espinosa Cabrera

¡Diez años diez de Cultura Blues! ¡mayo mes de aniversario! ¡festejemos!

Es una respetable edad para una publicación, aunque, no se comparan con los ¡26 años! de Tiempo de Blues, programa dirigido por Gerardo Cortés Orozco, desde Monterrey, Nuevo León; con gusto continuamos con la interesantísima entrevista que iniciamos en el pasado mes de abril. Vamos pues.

Octavio. No hay necesidad de que tengamos raíces afronorteamericanas, francamente yo no puedo hablar de los campos de algodón, pero si tengo experiencias ubicadas en el metro, con los policías, los burócratas, la gente amable de la Ciudad de México, contar sobre los temas universales, el amor o el desamor y, sí puedo dar cuenta de otras formas de discriminación, económicas, académicas, sociales, culturales, siempre y cuando no pierda de vista el faro que es el Delta del Mississippi; el formato de la música es, a mí me parece muy simple tres acordes y doce compases, las combinatorias posibles dependen de ti. Gerardo. Tienes toda la razón, en el tema. Por ejemplo, cuando fuimos invitados al festival de Blues de Ecuador en aquel entonces nos llamábamos La Legión del Blues que es igual a Legión Musical o La Sociedad del Jazz, tocábamos mucha música instrumental, no teníamos cantante y teníamos una dotación instrumental de dos guitarras y batería. Nos presentamos en el Pozos Blues 2010, toda nuestra música era instrumental y con toda la formación académica que tengo, siempre me ha gustado experimentar con estructuras de Blues, de hecho, tenía blues de diez compases, de ocho compases y sonaba interesante con la dotación instrumental, que no la inventé, R. L. Burnside trabajaba este tipo de cosas, o Houndog Taylor y sus HouseRockers en los sesentas.

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 65

Yo, nada más, utilicé esos elementos, entonces, cuando nos invitan a Ecuador, dije, ¡excelente! Ya estaba aprobado, pero, dije, ¡A caray! voy a ir a un país de habla hispana a tocar Blues y no llevo cantante ¿Qué voy a decir?, entonces, compuse un tema, componía muy pocas letras en aquel entonces. Te hablo por allá del 2010, 2011 y se me ocurrió componer el “Blues de Monterrey”, que habla de la historia de mi tierra, palabras más palabras menos, decía: “Tierra de hombres y mujeres valerosos de verdad en la montaña su belleza, en el asfalto su riqueza encontrarás”. En aquel entonces estábamos viviendo una crisis de seguridad muy fuerte, en el centro del país y en otras entidades; de repente veías hondureños, panameños, peruanos, belgas, africanos, ya parecía Nueva York, ideé esa letra por lo que estaba pensando.

La gente viene a Monterrey, siempre se ha dicho que es la capital industrial que mantiene buena parte del país, por los ingresos por los impuestos, la gente siempre ha venido a Monterrey, es una ciudad de montañas, entonces la gente venía por su belleza y porque aquí hay dinero para todo. Aquí no tiene el que no trabaja, entonces yo creé esa letra por necesidad y es una letra con estructura de Blues, la adapté a una estructura de doce compases y fue lo que tocamos, porque dije, aunque sea una canción y una letra que hable de mi Monterrey y ahí está, esa temática que te digo, no siempre escribes por una situación que te evoca, escribes por necesidad de escribir algo que tengas que decirle a tu público de Blues.

Octavio. Claro, pero el formato, el sentimiento sigue siendo Blues Gerardo. ¡Sí! ¡Eso no cambia! Lo metes en la línea de Blues y no cambia. El tema es muy variable, por eso la estación del metro Balderas o la estación Cuauhtémoc de aquí te da para hablar de un sinfín de cosas o del tipo de La Revolución de Emiliano Zapata por ejemplo, “Nasty Sex” y generas una música verdaderamente especial. Lo importante del Blues es el sentimiento que tú le imprimas al momento de tocar, ya sea pieza tuya o una interpretación.

Ahorita estamos haciendo un arreglo y estamos incluyendo un salterio; para esta presentación en el Obregón Sonora Blues Fest, el salterista no pudo estar con nosotros, el salterio es un instrumento oriental muy antiguo y nosotros lo estamos adaptando al Blues de doce compases, a lo mejor más adelante hay oportunidad de que escuchen a este muchacho en el salterio, es un instrumento que la gente más identifica con la música tradicional mexicana. De todo se trata en esto, la música es para divertirse, es para proyectarse y para compartirle a las personas este gusto, este amor que tenemos por la música de Blues.

Octavio. Ese es el punto, como te manifiestes, como te comuniques depende de tus habilidades y talentos, el Blues debe estar siempre presente. ¿A qué atribuyes que el Blues sea prácticamente universal? Gerardo. Pues, prácticamente a que es uno de los géneros musicales más reales que existen. Tengo la fortuna de tocar muchos otros géneros y la gente que lo toca y la que recibe la información tienen otro sentir diferente, es más real la gente que escucha Blues, que Jazz, clásica. Porque, por ejemplo la gente que escucha clásica, de repente se da muchos aires el hecho de escuchar un preludio, los hace ver así como “yo soy el mil millones aquí y nadie más”, la gente de la música de rock es un poquito cerrada para escucharlo, se fanatiza y piensan que su grupo favorito es el mejor del mundo y nadie más le puede hacer eco al grupo que él está profesando o al grupo de moda, eso también se transmite a través de los músicos. Los músicos de Blues son más reales, porque el músico de Blues toca con cualquiera, se adapta a tocar con cualquiera, no tiene que ser alguien que le caiga bien o alguien que sea de tu color de piel favorito. Los músicos de Blues tocamos con quien sea y no andamos con miramientos y eso lo transmitimos a la gente, esa naturalidad ha llegado a muchos rincones del mundo.

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Esto seguirá viéndose como en el Obregón Sonora Blues Fest; tanta gente que nos agregamos y hemos estado conociendo a otras personas con las que no teníamos anteriormente el contacto, entonces, es ahí donde te puedes dar cuenta de que si se expandió, fue precisamente por esa forma tan honesta de los que hacemos Blues, pero, también de la gente que recibe la música de Blues.

Octavio. En tu actividad como difusor del Blues ¿sientes que has modificado hábitos e ideas en tu público? Gerardo. En el caso de la difusión creo que sí, porque yo he tratado, y nunca me he cansado de hacerlo, tanto en conferencias y mi programa de radio, de que conozcan la historia, primeramente, me tomé el tiempo de hacerlo, para poder platicar y poder verlo y poder cambiar de costumbres.

Me ha tocado gente que está aferrada con la música de rock y hasta a mí me fascina, tengo años disfrutando, pero cuando les muestro los grupos de Blues, al principio se muestran renuentes porque lo sientes así, como que muy extraño y con el tiempo ellos mismo dicen: “oye hace tiempo ya escuché a ese musico de Blues que hace años me mostraste, la verdad es que conseguí otros discos” me ha tocado con muchas personas. Como tengo mucho tiempo en esto y nunca me canso; cuando conozco a una persona que me pregunta que qué hago, le digo: “pues me dedico a enseñar” ¿qué enseñas?

Nada más me tocan la palabra Blues y, ya sabes, a mí no me paras, te puedo hablar durante horas y días completos de la historia, me acuerdo de algo, si quieres historias de aquí de nuestro Monterrey, cómo llegó la música de Blues y cómo se hizo, porque todo lo viví y todo lo he leído. Me agarro platicando, nunca me canso de recomendarle algo a una persona, siempre le digo; “la música es de oportunidades, date la oportunidad de conocerla”, puede ser un músico excelente quien estás disfrutando ahorita.

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En su época la gente estaba entusiasmada con Slash en los años noventa, en los años ochenta estaban empecinados con Van Hallen, incluso con el mismo Jimi Hendrix. A mí me fascina la música de todos ellos, pero, tienen mucha diferencia, otra esencia para ejecutar. Su música es genial y es fabulosa; pero, no se puede comparar y no es el concepto, compararlos con Blind Blake, con el mismo Phil Wiggins. Podemos buscar muchos ejemplos y siento que a través de esos comentarios mucha gente ha modificado su forma musical, su forma de seguirse alimentando, pero, siempre les digo “tu música no la dejes”.

Parece extraño pero de pronto te topas con gente de música de metal, de música de black metal, de speed metal y todo eso, me ha tocado algo así como que la conversión religiosa, los ves acá drogadicto y malandrón y les enseñas el Blues y al rato ya andan predicando. Por eso te digo no me canso de platicarles. No hacer que saquen su música de tajo y hasta sacan música de los Ángeles Azules, tropical y norteña y todo, no, y le dices “Tú sigue con lo tuyo y ya cuando lo escuches ya puedes decir si te gusta o no te gusta”.

Todas las estructuras musicales tienen los mismos acordes, I grado, IV grado y V grado en algunos casos II, V, VII al I, son las armonías más básicas o tienen un círculo armónico y ahí puedes hacer una balada, una cumbia, pasodoble, vals, cha cha cha, mambo, preludio, muchas cosas. De ahí fue de donde fueron nutriéndose todo lo que tiene que ver con la música del siglo XX, porque todo va derivando de eso, diametralmente opuesta queda la música clásica, que traía otras estructuras, pero, sigue teniendo lo fundamental de un Blues, los acordes de primer grado, cuarto grado y quinto grado; teniendo eso tienes la base de un Blues. Lo demás o son extensiones, o son agregados de la música que tú estés haciendo. Quien diga que el Blues no existe en un tema de Mozart está realmente equivocado.

Octavio. Ahora, con tu actividad ¿tu auditorio ha crecido en calidad o ha crecido en cantidad? Gerardo. Creo que las dos cosas, van de la mano porque, en cantidad, sí hemos crecido. Te encuentras con gente que te dice: “jamás había escuchado Blues, te escuché a ti y ahí me voy a seguir” y con el tiempo sigues teniendo ese mismo ejemplo. La calidad también porque a través de nuestros programas van aprendiendo, tengo una forma, que desarrolló un radioescucha que se llama Víctor Esquivel, él me hablaba y decía: “Gerardo, mándale un saludo a mi familiar que está en Querétaro, se apellida Párraga, porque le mando el programa en casete”.

Desde la ocasión que me llamó fueron cerca de quinientos casetes de mi programa que él grabó y se los envió en aquel entonces a su familiar vía correo. Fueron bastantes cosas y yo creo que la calidad va por ese lado, porque a la gente le interesa, aún tengo contacto con él, por cierto que me platicó, creo que es su primo, a pesar de la modernidad que tenemos hoy en día, reproduce los casetes donde vienen los programas de nosotros, por ahí va la calidad. Por cierto, voy a preguntarles, ahí hablaba de músicos importantes y de algunos conciertos que hice, para subirlos a la red, a veces hasta nosotros mismos tocábamos.

Octavio. A eso me refiero, es un acervo y una constancia histórica. Gerardo. Sí, por eso digo que ha crecido mi público en cantidad y calidad, que le llegue la información a él y se junten otras personas. Tengo la anécdota de una persona de aquí de Nuevo León es muy conocido porque él es cómico, él está por acá por el lado de Los Herreras, cuando, en una ocasión, nos visita en la estación, yo hablo y me pregunta “Tú eres Gerardo ¿verdad?” y dije y ¿este de qué me conoce? Y me dijo “Es que nosotros te escuchamos allá en el rancho, allá no hay nada, estamos allá por Los Herrera, ahí entre los chivitos, nos juntamos unas personas para echar un mezcalito y escuchar música de Blues, vieras que bonito se oye, porque, como es campo, el fresco, el cielo despejado”, entonces te das cuenta de que vas creciendo.

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Otra anécdota es de allá de los años noventa, cuando hacer una llamada telefónica era muy cara, había una pareja que nos hablaba desde Colotlán, Jalisco, que se subían a una lomita para escuchar mi programa, pues, cuando tenían la oportunidad, me llamaban, “Te mando un saludo, escucho tu programa desde siempre”. Nos llamaban una vez al año, “es un gusto escucharte cada sábado”. Eso me llenaba de mucha satisfacción, porque él se tomaba la molestia de irse con la novia a escuchar tu programa, cualquier otro andaría en otros quehaceres. Otro señor, también de Colotlán, Jalisco, me hablaba, he tenido muchas experiencias de ese tipo y ves que sí has crecido en cantidad y no se diga ahora con las redes sociales, hay muchas personas que prefieren no llamar o contactarse contigo, pero ahí los tienes, fieles seguidores.

Octavio. Ahora, para nuestros lectores, ¿qué es lo que te gustaría que supieran de ti y de tu programa? Para que se contacten contigo y tu programa, que se vuelvan auditorio. Gerardo. Mi motivación sería que siempre cuento la historia, trato de hacerlo de una forma muy natural para que la gente me pueda entender, tengo ventaja comparado con muchos compañeros y he escuchado programas de otras personas, por ejemplo, hace algunos años tuve aquí a unos muchachos que tenían un programa de Blues y me los recomendaron, “mira, escucha a estos muchachos” se llamaba “La Ostra Azul” dije: “Ah, déjame los escucho” es bueno que estas personas tengan programas y cada vez que salían al aire, eran chicos del Tec, decían “¡Yeah!,¡El maestro, Stevie Ray Vaughan!, ¡Ah el maestro Johnny Winter!”, ¡Uh!, ¡Wow!” y así como le hacen los gringos ¿verdad?, es que los gringos cuando entran al aire: “Oooh!, the great! the Blues guitar!” y así se la pasan.

Pero bueno nosotros tenemos otra idiosincrasia, y cuando a mi me dan el Q, que esa es la palabra técnica en radio, yo comienzo: “un día como hoy, daba a la luz del mundo este genial guitarrista dedicado al género del Delta Blues y sus principales influencias, serían gentes tan importantes como Charlie Patton…” y te vas en esa historia, no es lo mismo que “oh yeah”, por ejemplo se utilizan mucho las composiciones de palabras: “¡Oh que Bluesesazo!” “¡Ay qué maestrazo! No amigo, eres es un locutor de radio profesional y tienes que ser práctico y didáctico y con una formación, como si fueras una persona que está narrando algo, y tú lo estás narrando en la persona que tú quieras, si quieres en primera persona o si quieres en segunda persona.

Pero que tú le puedas dar santo y seña de la referencia, para que las personas digan “mira, tal persona nació en tal parte, creció e hizo esto y lo otro para que saquen entre líneas la información que les va a servir, porque no todo se les queda. Siempre hay el que dice: “Oiga, ¿Cuándo dijo que había nacido fulanito de tal?”, nos hablaba gente así por teléfono y, bueno, esa es parte del entendimiento y la comprensión que tenemos los seres humanos.

Yo, al público de Cultura Blues, lo único que les puedo decir, es que, si nos favorecen con su asistencia todos los sábados a las 19:00 horas a través del 102.1 FM o a través del www.rtvnl.tv, van a encontrar siempre una historia bien detallada de cada uno de los músicos que uno les presenta. Mostrándoles alternativas muy distintas a mis demás compañeros que existen en muchas otras partes, porque me dedico e invierto tiempo suficiente, llevo toda una vida dedicada a esto y mi trabajo es por vocación, por convicción y por amor a la música de Blues, si eso les favorece para que nos apoyen todos los sábados escuchando nuestra música van a ser bienvenidos aquí en el programa: Tiempo de Blues.

Octavio. Ahora de tu banda ¿qué quieres que se sepa? Gerardo. Pues que estamos trabajando, que a pesar de la pandemia, no se sientan así un poquito como encrispados. Le puse La Sociedad del Jazz, resulta que utilizaba tres nombres para los grupos que había conformado, y eran los mismos músicos.

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Entonces, cuando tocábamos jazz éramos, La Sociedad Secreta del Jazz y cuando tocábamos Blues éramos La Legión del Blues. Cuando tocábamos rock éramos el grupo Cosmos y éramos los mismos músicos. Me aventaba siempre el choro con la gente de “Por falta de presupuesto somos los mismos músicos pero, ahora vamos a tocar este género”.

Ya mejor lo dejé en La Sociedad del Jazz, que fue así como que el que más llamó la atención de la gente y lo mismo podemos tocar blues, rock, jazz, y que no se vayan con esa idea de que ¡Ah son La Sociedad del Jazz, entonces no tocan Blues!” “No, sí tocamos Blues, y mambo, y danzón, y todas de esas cosas, pero, improvisamos en los puentes que existen. Entonces para que la gente se interese en nuestra propuesta, que nos sigan a través de las redes sociales, a través de los espacios que se están habilitando. Aunque vean La Sociedad del Jazz, nosotros tocamos blues y que el heredero del blues es la música de jazz.

Mis queridos lectores hasta aquí la entrevista con un importante comunicador y promotor del blues, Gerardo Cortés Orozco de Monterrey, Nuevo León, México. Fue una agradable entrevista; prometo continuar con esta búsqueda de ideas y acciones de personajes que han entregado sus esfuerzos a la promoción y difusión del blues.

¡Muchas gracias, Gerardo!

¡Usen cubre bocas! The blue line was my blues And the red line was my mind.

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Recomendaciones Novedades mayo 2021

José Luis García Fernández

En esta edición tenemos las portadas de 16 recomendaciones de cd’s, principalmente publicados en fechas recientes. El objetivo es abrir las opciones para escuchar nuevas propuestas de músicos tradicionales y contemporáneos, e incluso de artistas que incursionan en el mundo de las grabaciones.

Lista musical del mes: https://open.spotify.com/playlist/0j9OSUh6ApiM1la6Ubv1oe?si=b44bdbdb1aef49e6

Misty Blues Alabama Slim Wildcat O’Halloran Band Miss Emily

John D’Amato Chris Cain Caroline Dahl Dr. Bekken Trio

AJ Fullerton Jimmy Burns JB & The Hüggeli Pat O’ Bryan and Friends

Kai Strauss Elizabeth King Peter Frampton Band Eric Johanson

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La Poesía tiene su Norma

Te has convertido como en mi amante

Norma Yim

Te has convertido como en mi amante... Que sin ese creador que nos une mes a mes, que da forma y estilo a la publicación. Cuando me vi, ya estaba sumergida en ti, No existiría la soñadora, arrebatada, sincera que en tu espacio, en tu mundo. incomoda y otras veces es seductora. No sé cómo explicarlo, ni cómo me adentre en ti. Simplemente me introduje, se llegó la oportunidad Atrapa sueños eróticos y conflicto de los pervertidos que y la aproveché. me leen. Es por eso que sin ustedes, sin aquellos, sin el lector, sin el oyente y sin la irreverente. Cada melodía que das conmigo al publicar, cada nota No tendría la revista Cultura Blues, algo indecente y que de mi voz sale a tu compás. descarado que publicar. Cada suspiro que le sacamos a la gente, a tí al escucharte y a mí al leerme. Pero con todo mi amor. Beberte, comerte, suspirarte y hasta contigo varias veces haber llorado. Es un sueño Y en cada declaración de mis letras, ¡tú… ahí estás! que en cada ejemplar de la revista terminamos Apoyándome con cada uno de mis textos, nos extasiados y más enamorados tú y yo, mi amante el mezclamos para hacer al lector suspirar. Blues, que en cada poesía conmigo tomado de la mano vas. Eres de esos amantes, que los pruebas, O quizá enfadar, depende de lo que no quieren escuchar. y no los quieres dejar. Bailamos juntos, brindamos juntos, amamos juntos. Me adentras a tus deseos para mi voz sensual sacar, Atentamente: La poeta irreverente de México, mi tan preciado Blues. con todo mi amor.

https://www.culturablues.com/category/la-poesia/

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Colaboración Especial

Anton Fig: excelente baterista de sesión Carlos Rosete Sánchez

Hola, amigos lectores de ‘Cultura Blues. La Revista Electrónica’, en este mes de mayo del 2021 festejando el décimo aniversario de la revista. ¡Sean bienvenidos!

Por este motivo, felicito muy afectuosamente a todo el equipo de trabajo, que hace posible su publicación mes con mes, dirigida por nuestro apreciable amigo, José Luis García Fernández. A pesar de la pandemia del coronavirus y de todas las vicisitudes que se han presentado a lo largo de estos 10 años, les deseamos que se prolonguen muchos años más. Invito a todo el equipo a seguir renovando esfuerzos, para continuar trabajando, con entusiasmo y profesionalismo como hasta la fecha. Reitero mis más sinceras y entusiastas felicitaciones.

En esta ocasión, estimados amigos lectores, les voy a expresar, mi opinión respecto al excelente baterista… Anton Fig.

Anton Fig: excelente baterista de sesión independiente Representa una fuente de inspiración, y de aprendizaje por su excepcional técnica al tocar la batería. Por su creatividad y alegría que contagia, y que transmite tanto a la banda, como al público, deleitándolo, al sostener una sólida base con sus “grooves”.

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Anton Fig con la CBS Orchestra- solo de batería https://youtu.be/2qb-P_6bBYo

Anton Fig - Take Me To The River https://youtu.be/9tOxZO5Soyw

Además de mantener el tiempo y sus “fills” llenos de exactitud y creatividad, enriquecidos por su alta técnica aprendida, que despierta mi admiración por su desempeño en el escenario y su maravillosa e increíble trayectoria musical. Considero que es el “corazón de la banda” de Joe Bonamassa, con quién lleva tocando más de 13 años a la fecha. Anton debutó oficialmente en el 2009, participando en el concierto de Joe Bonamassa en el Royal Albert Hall de Londres, Inglaterra; donde se contó con un invitado especial: Eric Clapton.

Joe Bonamassa con Eric Clapton - Further On Up The Road https://youtu.be/3kOl0Ac2k2U

Desafortunadamente, durante la grabación del disco, ‘Royal Tea’ de Joe Bonamassa, programada para junio del 2019, Anton se rompió el pie derecho en tres partes. Y Joe dijo al respecto: “Retraso la grabación del disco, porque Anton es una parte muy importante en el sonido de la banda, aunque faltan dos canciones para terminarlo, no quiero que nadie lo supla”. No importándole los costos en el apartado de la Sala “A” de grabación más costosa del mundo: Abbey Road. Respetó y apoyó al trabajo de Anton, un músico que es considerado como un “freelance” o músico de sesión, y de los mejores bateristas del mundo, como también lo es, Steve Gadd.

Lo vi tocar en vivo el 26 de mayo de 2018, acompañando con su batería, justamente a Joe Bonamassa y su banda en el Teatro Majestic, de San Antonio Texas. Una presentación emotiva e inolvidable para mí, por la calidad de músicos en el escenario; y además, por haber contado con la compañía de mi familia en el concierto.

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Es momento de preguntar ¿Quién es Anton Fig? Para los que no lo conocen, Anton Fig es una baterista de sesión, que actualmente (mayo 2021), tiene cumplidos 68 años. Nació en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, el 8 de Agosto de 1952. En sus genes corre la influencia del ritmo africano y se puede apreciar en su disco como solista titulado “Figments” del 2015.

Anton empezó desde los 4 años a tocar la batería. De joven tocó con diferentes bandas, en su ciudad natal, entre ellas la banda llamada “Hammak”. Se fué a estudiar a Boston, al Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, de la cual se graduó con honores en 1975. En 1976 se mudó a Nueva York, en dónde empezó su impresionante y maravillosa carrera musical, como músico de sesión. Tocó en 1978 y 1979 en un par de álbumes de Kiss, y en algunos conciertos de la banda, reemplazando a Peter Criss.

En 1986, debutó con la llamada “The World's Most Dangerous Band” en el programa de la NBC, “Late Show with David Letterman”. En 1993, el programa de Letterman se trasladó a la CBS, al igual que la banda, a la que se le agregaron una sección de metales, llegando a ser conocidos como la “CBS Orchestra”. Esta banda también formó parte de la base de conciertos del Salón de la Fama del Rock and Roll, tocando con las más altas personalidades de la música.

Como baterista independiente ha tocado en vivo con Paul Simon, Booker T y los MG`s, The Thomson Twins en Live Aid y junto a Jim Keltner en la celebración del concierto del 30 aniversario de Bob Dylan; entre muchos otros. En 1996, lanzó un video “In the Groove”, y un libro instructivo de batería titulado: “Late Night Drumming”. En 2009, como decía arriba, se unió a la banda de Joe Bonamassa.

Drum Kit Anton Fig utiliza una batería Yamaha con bombo de 22”, tarola de firma Anton Fig de 14“, toms de 10”, 12”, 14” y 16” y HH de 14” K Custum Dark, Zyldjian K Custom 20” Light y 16” A-Custom, también de la serie Constantinopla Crash de 20” y platillo de Efectos “China” de 20” Zyldjian. Anton Fig - Stratus https://youtu.be/BaKDWG1cmec

Joe Bonamassa - Angel of Mercy https://youtu.be/EllLR8wbFwU

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Discografía esencial

1978 Ace Frehley Ace Frehley 1993 Cyndi Lauper Hat Full of Stars 1979 Garland Jeffreys American Boy and Girl 1994 Al Kooper Rekooperation 1979 Kiss Dynasty 1997 Ace Frehley 12 Picks 1980 Kiss Unmasked 2000 Joe Satriani Engines of Creation 1980 Spider Spider 2002 Warrem Zevon My Ride’s Here 1980 Peter Frampton Rise Up 2002 Anton Fig Figments 1980 Joan Armatrading Me Myself and I 2005 Al Kooper Black Coffee 1981 Spider Between the Lines 2006 Josh Grobin Awake 1982 Shanghai Shanghai 2007 Joe Bonamassa Sloe Gin 1983 Cyndi Lauper She’s So Unusual 2008 Al Kooper White Chocolate 1985 Rosanne Cash Rhythm and Romance 2009 Ace Frehley Anomaly 1985 Mick Jagger She’s the Boss 2009 Joe Bonamassa The Ballad of John Henry 1985 Bob Dylan Empire Burlesque 2010 Joe Bonamassa Black Rock 1986 Bod Dylan Knocked Out Loaded 2011 Joe Bonamassa Dustbowl 1986 Joe Cocker Cocker 2011 Beth Hart/Joe Don’t Explain 1986 Cyndi Lauper True Colors Bonamassa 1987 Ace Frehley Frehley’s Comet 2012 Beht Hart Bang Bang Boom Boom 1987 Patty Smyth Never Enough 2012 Joe Bonamassa Driving Towards Daylight 1987 Jennifer Rush Heart Over Mind 2013 Beth Hart/Joe See Saw 1988 Ace Frehley Live + 1 Bonamassa 1989 Ace Frehley Trouble Walking 2014 Joe Bonamassa Different Shades of Blue 1989 Billy Squier Hear & Now 2015 Anton Fig Figments Rerelease 1989 Paul Shaffer Coast to Coast 2016 Joe Bonamassa Blues of Desperation 1990 Andy LaVerne Standard Eyes 2017 Beth Hart/Joe Black Coffee 1990 Andy LaVerne Severe Clear Bonamassa 1992 Madonna Erótica 2018 Joe Bonamassa Redeption 1993 Paul Shaffer The World’s Most Dangerous 2019 Ace Frehley Spaceman Party 2020 Joe Bonamassa Royal Tea

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Colaboración Especial

Titanic Blues o la canción de los emigrantes Héctor Martínez González

El 20 de diciembre de 1910, mis bisabuelos Ángel Sordo y Rosaura Torre, embarcaban en Santander en el vapor alemán, Fürst Bismarck, que cubría la ruta de Hamburgo a Veracruz, haciendo escala en los puertos de Le Havre, Plymouth, Santander, La Coruña y La Habana. Eran dos de los muchos emigrantes que partieron desde Asturias y otras provincias de España rumbo a México, Cuba, Venezuela o Argentina con la intención de probar fortuna y de la pobreza sistémica que azotaba el medio rural español. Atraídos por los cantos de sirena de paisanos que habían cruzado el charco previamente y hablaban de fortunas amasadas, de ranchos y mansiones, de sirvientes, mucamas y jardineros… Pero la realidad era que muy pocos alcanzaban la prosperidad y muchos volvían a sus lugares de origen tan pobres como habían zarpado: los llamaban indianos de la maleta al agua. Mis bisabuelos fueron de los que regresaron con pocos pesos en la bolsa, apenas para construir una modesta casa en una aldea llamada El Ganciosu, en el Valle Oscuru asturiano. En octubre de 1923, tras trece años regentando una cantina en el Distrito Federal, seis viajes transoceánicos y el miedo a las secuelas de la Revolución Mexicana, terminaba la aventura indiana al desembarcar del vapor correo, Antonio López en Barcelona, tras haber hecho escala en Ellis Island, Nueva York.

Encuentro fascinante que estos ancestros míos, nacidos entre vacas y pastos, cruzasen tantas veces el Atlántico, llenos de temores, seguramente, pero con la convicción de que al otro lado del ancho mar, les esperaba una gran recompensa. No se entendería, si no, cómo eran capaces de arriesgarse en unos viajes tan inciertos como peligrosos, especialmente, cuando eran tan habituales las noticias de incidentes de barcos similares a los que ellos utilizaban, como el vapor Valbanera, que se hundió en 1919 antes de llegar a La Habana falleciendo sus 488 tripulantes, o el vapor Príncipe de Asturias, en el que murieron 457 personas frente a las costas de Brasil cuando hacían la ruta Barcelona-Buenos Aires.

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Menos de dos años después del viaje de Ángel y Rosaura, un barco completamente nuevo, enorme y con la garantía de ser insumergible, partía el 10 de abril de 1912 desde Southampton con destino Nueva York. Su nombre era el RMS Titanic y en este viaje inaugural iban a bordo 2,223 personas. Los pasajeros eran un total de 1,316, siendo el resto tripulantes. Aunque era un barco de lujo, con billetes que rondaban los 100,000 dólares en valor actual, más de la mitad del pasaje, 706 personas, eran usuarias de la tercera clase, es decir, viajeros con pocos recursos, muchos de ellos migrantes que buscaban su oportunidad en América, tal como habían hecho mis bisabuelos.

De todos es conocida la historia que sucedió durante este viaje: el choque con el iceberg, el hundimiento, la orquesta tocando… el número total de fallecidos fue de 1,512. Tamaña tragedia, junto a que algunos de los fallecidos eran personalidades importantes, provocó una conmoción sin igual en el público. Los periódicos se llenaron con los nombres de los fallecidos y las historias que contaban los supervivientes. Era la noticia del siglo y estaba en boca de todo el mundo. Se sucedían las vigilias, los homenajes y los tributos a los fallecidos, surgiendo muchos artistas que, o bien desinteresadamente, querían contribuir con su arte a la memoria de las víctimas, o con más seguridad, querían aprovechar el tirón mediático para publicar algunas canciones con la esperanza de unas buenas ventas y unos pingües beneficios.

En su artículo de 1922 titulado ‘Negro Spiritual from the Far South’, A. E. Perkins cuenta que si el Titanic se hundió el domingo 14 de abril de 1912, al domingo siguiente ya pudo ver en un tren a un predicador ciego cantando una balada sobre el hundimiento titulada: Didn’t that ship go down? Uno de los que supo sacar rédito a esta catástrofe fue el rey del vaudeville, primer bluesman famoso y la estrella negra mejor pagada hasta su muerte a los 23 años en 1917, Butler May, alias String Beans. En el año 1914, String Beans hacía un espectáculo en el que afirmaba haber estado a bordo del barco la noche que se hundió, y haber sobrevivido gracias a su movimiento de caderas marca Elgin, una metáfora sexual en referencia al movimiento de las agujas de los relojes de esta marca comercial.

I was on dat great Titanic De night dat she went down Ev’ybody wondered Why I didn’t drown – I had dem Elgin movements in my hips, Twenty years’ guarantee

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Y en las mismas fechas, aseguraba Newman White en su libro ‘American Negro Folk-Songs’, que había escuchado en 1915 una canción llamada It Was Sad When That Great Ship Went Down cantada por negros en el estado de Alabama, en las calles de la ciudad de Hackelburg. Esta canción tendría un gran éxito y sería versionada en múltiples ocasiones, a veces, con el título de The Great Titanic. El matrimonio formado por William y Versey Smith grabaría en agosto de 1927 una versión de esta balada con el título [Wasn’t It Sad] When That Great Ship Went Down:

[Wasn’t It Sad] When That Great Ship Went Down, de William and Versey Smith (1927)

It was sad when that great ship went down It was sad when that great ship went down Sad when that great ship went down Sad when that great ship went down The cold ocean floor will now be your home The cold ocean floor will now be your home Sad when that great ship went down Sad when that great ship went down

It was sad when that great ship went down It was sad when that great ship went down Sad when that great ship went down Sad when that great ship went down The cold ocean floor will now be your home The cold ocean floor will now be your home Sad when that great ship went down It was sad when that great ship went down

Como vemos, habían transcurrido más de quince años desde el suceso, pero en la memoria de la gente, seguía vigente. Y seguiría presente muchos años después, cuando Pink Anderson grabase una versión de esta canción en 1950. Y es que, el hundimiento del Titanic, en un tiempo en el que la gente no vivía atada a una agenda o un reloj, sirvió como hito histórico. Un acontecimiento que permitía situar en el pasado los hechos vitales de cada persona ¿dónde estabas el día que se hundió el Titanic? Algo similar decía haber escuchado en 1915 o 1916, J. L. Pitts, según recogió nuevamente Newman White en su libro, a unos negros trabajando en el centro de Alabama, pero con más guasa: ¿Qué estabas cantando cuando se hundió el Titanic? Pues iba sentado en una mula, cantando Alabama Bound.

O, what were you singing, when the Titanic went down? O, what were you singing, when the Titanic went down? Sitting on a mule's back, singing 'Alabama Bound'

El motivo de la pervivencia de la historia del Titanic no era tanto la desgracia humana que había supuesto, pues la Gran Guerra que tuvo lugar entre 1914 y 1918 había supuesto la mayor tragedia de la humanidad hasta ese momento, como el hecho de encontrarnos ante un suceso que la gente con gran religiosidad entendía como un castigo divino ante una demostración de soberbia por parte del ser humano al construir un barco insumergible. Esta nueva torre de Babel tuvo su merecido y se convirtió en uno de los temas recurrentes en los sermones de las iglesias y en las canciones de los guitarristas evangelistas, como Blind Willie Johnson, quien en 1929 grabaría su particular sermón, en el que lejos de sentir lástima de los que viajaban en el barco, lo entendía como un castigo ante el que la gente solo podía rezar:

God Moves On The Water, de Blind Willie Johnson (1929)

Ah, Lord, ah, Lord. Year of nineteen hundred and twelve, April the fourteenth day Great Titanic struck an iceberg, people had to run and pray God moves, moves, God moves, ah, and the people had to run and pray

The guards who had been a-watching, asleep 'cause they were tired When they heard the great excitement, then a gunshot was fired God moves, moves, God moves, ah, and the people had to run and pray

Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 79

Captain Smith gave orders, women and children first Many of the lifeboats piled right up, many were liable to crush God moves on, God moves, God moves, ah, and the people had to run and pray

So many had to leave their happy home, all that they possess Lord Jesus, will you hear us now, help us in our distress God moves, God moves, God moves, ah, people had to run and pray

Women had to leave their loving ones, see 'bout their safety When they heard the liner was doomed, hearts did almost break God moves, God moves, God moves, ah, and the people had to run and pray

A.G. Smith, mighty man, built a boat that he couldn't understand Named it a name of God in a tin, without a “c", Lord, he pulled it in God moves, ah, God moves, God moves, ah, and the people had to run and pray

John y Alan Lomax grabarían en 1933 a un tal Washington Lightnin’ en la granja penitenciaria de Darrington cantando esta canción junto a un grupo de negros convictos. Es curioso cómo en la ficha de la Librería del Congreso donde se guardan los originales del proyecto de la WPA que permitió el trabajo de campo de los Lomax, se haya añadido a mano la nota (Titanic). Muchos años más tarde, en 1960, encontramos que, de nuevo, Alan Lomax grababa a Bessie Jones junto a los Georgia Sea Island Singers haciendo una versión de la canción de Blind Willie Johnson en el particular estilo espiritual de las islas de Georgia. Y en 1965 sería el guitarrista texano Mance Lipscomb, ya en su vejez, y gracias al revival del blues por parte de los jóvenes blancos de California y Reino Unido, quien grabaría una nueva versión del tema de Johnson, acompañado por su slide, introduciendo un verso no presente en la canción original que hace referencia a la separación entre clases que se dio en el barco. El comportamiento de los millonarios, no solo en el Titanic, sino en todo este tipo de viajes transoceánicos, relegando a las clases bajas a las bodegas oscuras e insalubres, añadido a las historias que corrían, de ricachones que intentaron aprovechar su posición social para salvar su pellejo en el Titanic, indignaron a las clases humildes y los músicos de blues no pudieron abstraerse de ello. Lipscomb sentenciaría en tan solo dos líneas: Jacob Astor era un millonario que tenía dinero de sobra, pero cuando se estaba hundiendo el Titanic, no le sirvió para pagar su pasaje. Siendo este pasaje el que le hubiera llevado al cielo si hubiese sido buena persona.

God Moves On The Water, de Mance Lipscomb (1965)

[…] Jacob Astor was a millionaire had plenty money to spare But when the Titanic was sinking Lord he could not pay his fare God move, God move, God move, Whoa the people had to run and pray

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Si volvemos a años más próximos al suceso del hundimiento del Titanic, tenemos que la primera canción de blues grabada sobre el tema lo fue en diciembre de 1925, a cargo de Ma Rainey. La canción se titula Titanic Man Blues y el barco no es más que una excusa para meterse con su hombre, al que acusa de pasarlo bien y beber vinos caros pero de haberse hundido como el Titanic y haberla dejado a ella en ridículo. Vemos pues, que en esta canción, el suceso de 1912 no es más que el recuerdo de algo lujoso que se fue a pique siendo el hazmerreir del mundo entero:

Titanic Man Blues, de Ma Rainey (1925)

Gonna tell you 'bout that man o' mine It's your last time Titanic, fare thee well Now you've always had a good time Drinkin' your high-priced wine But it's the last time, Titanic, fare thee well

Rig you up like a ship at sea But you sunk an' made a fool of me

It's the last time Titanic, fare thee well It's a hard an' a bitter pill But I got somebody else that will It's the last time Titanic, fare thee well

Now, I won't worry when you are gone Another Brown has got your water on It's the last time Titanic, fare thee well Now I'm leavin' you, there's no doubt Yes, yo' mamma's goin' to put you out It's the last time Titanic, fare thee well

Al año siguiente, Virginia Liston grabaría otra canción titulada Titanic Blues. Parece clara la influencia del tema de Ma Rainey, pues alguna frase del estribillo, como It was the last time Titanic fare thee well, se repite en esta segunda canción. La temática es distinta, pues Liston sí que está narrando los momentos angustiosos del hundimiento, pero parece que los productores de esta canción aprovecharon el éxito de la de Ma Rainey para revivir este tema siempre tan presente en el imaginario común.

Titanic Blues, de Virginia Liston (1926)

Attention why I want sing this song about that Titanic went down It was the last time Titanic fare thee well When that Titanic cast all alone, the Captain he hollered all aboard It was the last time Titanic fare thee well

Shouts was heard came a shout everybody wondered what that noise was all about They cried fare thee Titanic fare thee well Soon after midnight fell they found the Titanic had broke in half They cried fare thee Titanic fare thee well

When Mr. Smith reached the deck He ordered the lifeboats down They cried fare thee Tiatanic fare you well Then from the deck they heard When the captain said women and children all first They cried fare thee Titanic fare you well

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It was out in the middle of the sea, nothing but water and Icebeg could be seen They cried fare thee Titanic fare you well When Mr Astor kissed his wife goodbye didn't know that he kissed his wife to die He cried fare thee Miss Astor baby fare you well

En 1927, un músico callejero de Nueva Orleans llamado Richard ‘Rabbit’ Brown, grabó una de las canciones sobre el Titanic más completas en cuanto a la información que daba sobre el naufragio. Su The Sinking Of The Titanic contenía todos los elementos que todos tenemos en mente cuando pensamos en el suceso: la partida feliz del puerto de South Hamilton, el choque con el iceberg, la llamada desesperada del capitán Smith pidiendo auxilio, la respuesta del Carpathia, el barco que rescató a los supervivientes del naufragio, la ocupación de los botes salvavidas y la orquesta tocando mientras el barco se iba irremediablemente al fondo del mar. Richard ‘Rabbit’ nos narra la catástrofe como si fuese una película, con un peculiar estilo vocal de cuentacuentos callejero, y sin recurrir a mensajes moralizantes o utilizando el Titanic como metáfora o símbolo. Simplemente, nos cuenta la historia del primer y último viaje del transatlántico.

The Sinking Of The Titanic, de Richard ‘Rabbit’ Brown (1927)

It was on the tenth of April, on a sunny afternoon The Titanic left South Hamilton, each one was happy as bride and groom No one thought of danger or what their fate may be Until a gruesome iceberg caused fifteen hundred to perish in the sea

It was early Monday morning, just about the break of day Captain Smith called for help from The Carpathia, and it was many miles away Everyone was calm and solemn, asked each other what the trouble may be Not thinking that death was lurking, way out upon that Northern Sea

The Carpathia received the wireless "S.O.S. In distress. Come at once, We are sinking. Make no delay and do your best Get your lifeboats all in readiness, 'cause we're going down very fast We have saved the women and the Children, and try and hold out to the last"

You know, at last they called all the Passengers, told them to hurry to the deck Then they realized that the mighty Titanic was an awful fatal wreck They lowered the lifeboats, one by one, Taking women, children from the start The poor men, They were left to care for Themselves, but they sure played a hero's part

You know, they stood out on that Sinkin' deck, and they was all in great despair You know, accidents may happen most Any time, and we know not when and where The music played as they went down, on that dark blue sea And you could hear the sound, That familiar hymn, singin' "Nearer My God To Thee"

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They say, "Nearer my God to Thee Nearer my God to Thee Nearer my God to Thee Nearer to Thee So, like a wanderer As the sun goes down Darkness be over me" Just then the Titanic went down

Cantaba Richard ‘Rabbit’ que la canción que se escuchaba en el barco cuando este se hundía era el himno religioso Nearer My God To Thee, algo que no es una licencia del músico, sino que la cultura popular acepta que fue esta la última canción que la orquesta interpretó antes de hundirse junto al barco. ‘Hi’ Henry Brown grabaría un blues en 1932 que volvería a poner a la orquesta interpretando el himno religioso, mientras el capitán Smith prometía a los niños que el cuidaría de ellos, dando como resultado esta extraña canción, en la que no queda claro si el mensaje es de crítica hacia la hipocresía del capitán y de la orquesta tocando o realmente era una mera narración de los hechos.

Titanic Blues, de ‘Hi’ Henry Brown (1932)

It was early one mornin', just about four o'clock It was early one mornin', just about four o'clock When the old Titanic 'gan to reel and rock

Captain Smith took his glasses, and walked out to the front, Captain Smith took his glasses, and walked out to the front, And he spied the iceberg a-comin', good lord, had to bump.

Some was drinkin', some was plavin' cards, Some was drinkin', some was plavin' cards, Some was in the corner, prayin' to their God.

Little children cried, "Mama, Mama, what shall we do?" Little children cried, "Mama, Mama, what shall we do?" Captain Smith said, "Children, I'll take care of you."

Titanic sinkin', in the deep blue sea, Titanic sinkin', in the deep blue sea, And the band all playin' Nearer My God To Thee'.

Para concluir, veremos un par de referencias al hundimiento del Titanic, en una clave muy diferente, asociada en ambos casos al mundo del boxeo. La primera de ellas es la canción que grabó Bill Gaither en 1938 bajo el pseudónimo de Leroy’s Buddy para conmemorar la histórica pelea de Joe Louis contra Max Schmeling, que se había publicitado como un enfrentamiento en Alemania y Estados Unidos, entre la raza aria y una raza inferior. El combate duró un solo asalto, en el que Joe Louis tuvo tiempo de romperle dos costillas y noquear al teutón con su derecha, tan potente como la coz de una mula texana, decían.

Joe Louis era un ídolo para el pueblo afroamericano y todos se mostraron orgullosos ante la revancha que Louis se había tomado sobre Schemling. En esta canción, Gaither decía que el alemán se hundió, como lo había hecho el Titanic, ante un derechazo del Bombardero de Detroit:

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Champ Joe Louis (King Of The Gloves), de Leroy’s Buddy (1938)

[…] I came all the way from Chicago To see Joe Louis and Max Schmeling fight. Schmeling went down like the Titanic When Joe gave him just one hard right […]

La otra canción relacionada con el boxeo es The Titanic (Titanic, Fare Thee Well), grabada por Leadbelly por Alan Lomax en 1948. Por el título podríamos estar pensando que estamos ante una nueva versión de aquella que grabara el matrimonio Smith en 1927, sin embargo, estamos ante una historia mucho más compleja y rica. La canción recoge un episodio de racismo sucedido en torno al Titanic. En el momento de embarcar, Jack Johnson, el primer campeón negro de los pesos pesados intentó subir al barco pero el capitán Smith se lo impidió diciendo que el barco no transportaba carbón. La canción transcurre en los términos habituales (los botes salvavidas, la orquesta tocando el Nearer My God to Thee) y concluye con Johnson impactado al recibir la noticia del hundimiento en un giro de la historia en el que el racismo salvó al Gigante de Galveston. Toda la historia que Leadbelly cuenta sobre Johnson es una gran mentira. Si bien es cierto que Jack Johnson era una de las personas más ricas y famosas de los Estados Unidos, lo que no le evitó sufrir el racismo de las clases altas de su país, el encuentro entre el capitán Smith y Johnson nunca se produjo ni la providencia salvó al boxeador, pues está acreditado que cuando se produjo el hundimiento del Titanic, el boxeador estaba en Nueva York.

The Titanic (Titanic, Fare Thee Well), de Leadbelly (1948)

Captain Smith, when he got his load, Mighta heared him holl’in’, “All aboa’d!” Cryin’, “Fare thee, Titanic, fare thee well.”

Jack Johnson wanted to ge on boa’d; Captain Smith hollered, “I ain’ haulin’ no coal.” Cryin’, “Fare thee, Titanic, fare thee well.”

It was midnight on the sea, Band playin’, “Nearer My God to Thee.” Cryin’, “Fare thee, Titanic, fare thee well.”

Had them lifeboats aroun’, Savin’ the women, lettin’ the men go down. Cryin’, “Fare thee, Titanic, fare thee well.”

When the women got out on land, Cryin’, “Lawd, have mercy on my man.” Cryin’, “Fare thee, Titanic, fare thee well.”

Jack Johnson heard the mighty shock, Mighta seen the black rascal doin’ the Eagle Rock. Cryin’, “Fare thee, Titanic, fare thee well.”

Black man oughta shout for joy, Never lost a girl or either a boy. Cryin’, “Fare thee, Titanic, fare thee well.”

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La historia de Leadbelly hay que tomarla como un intento de llamar la atención sobre el desprecio que los blancos mostraban por los negros, independientemente de su cultura, profesión o riqueza. Aunque la historia de Jack Johnson es falsa, sí que hubo un incidente con unas connotaciones similares que pudiera haber servido de inspiración a Leadbelly.

Se trata de la historia de Joseph LaRoche, un ingeniero francés de origen haitiano. LaRoche había comprado pasajes de primera para él, su mujer embarazada y sus dos hijas en el SS France con el objeto de regresar a Haití. Se dice que no le dejaron embarcar en dicho barco por ser negro, aunque la realidad es que fue la estricta política en cuanto a cómo debían viajar los infantes en el transatlántico lo que motivó que cambiasen sus billetes por otros de segunda clase en el Titanic. De esta manera, LaRoche era, junto a sus hijas mulatas, el único negro a bordo del Titanic. Cuando sobrevino la tragedia, LaRoche llevó a su mujer y a sus hijas a la cubierta y las consiguió subir a un bote salvavidas, no encontrando sitio para él.

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Colaboración Especial

Mi blues Hernán “Perikles” Campodonico

No podría precisar qué edad tenía entonces, pero era muy chico. Quizás, unos 11 o 12 años, no más. Tenía por costumbre dormirme escuchando una pequeña y vieja radio colocada en la cabecera de mi cama, apagar la luz y transportarme con la música, sin importar el género aunque ya por entonces el rock era mi gran pasión. Y en una de esas noches el locutor anunció un especial de algo llamado “Blues rural”.

Entonces, comenzó a sonar una seguidilla de canciones con guitarras acústicas, harmónicas y voces ásperas que me dejó sin aliento. Nunca había escuchado algo así, me sentí fascinado y comprendí, de ahí en más, lo que ya por entonces venía sospechando: La música sería, definitivamente, el norte de mi vida.

Ya por entonces, siendo aún muy pequeño, tenía contactos indirectos con el Blues, básicamente a través de bandas de rock que incluían alguno que otro en su repertorio. Así, canciones como “Yer Blues”, de los Beatles, o el increíble “Avellaneda Blues”, de la banda argentina Manal, estaban entre mis favoritas.

Sin embargo, desconocía por completo que el Blues era un género por sí mismo, independiente del Rock, independiente del Jazz, otro género que me atraía poderosamente desde niño.

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A partir de esa noche, comencé a buscar, preguntar, intentar escuchar, lo cual era algo muy difícil porque en la Argentina de los años 70 conseguir discos de Blues no era tarea sencilla, más para un niño, y ni hablar de los medios de comunicación, claro, para los cuales no era un género musical prioritario capaz de generar grandes números de audiencia. Bueno, tampoco lo es ahora, obviamente…

En ese peregrinar entre estaciones de radio, revistas, opiniones, tiendas de discos y lo que sea buscando Blues, un día di con un nombre: John Mayall. Así que juntando las moneditas que sobraban del mandado que hacía a diario para mi madre logré comprar por mis propios fueros mi primer disco de Blues.

Compré nada más ni nada menos que “Blues from Laurell Canyon”, en el cual la guitarra del futuro Rolling Stone, Mick Taylor, terminó de convencerme que la música era el camino, la guitarra el medio de transporte y el Blues el destino. Poco tiempo después me puse manos a la obra. Tomé la vieja guitarra que mi madre solía tocar de chica y estaba abandonada en el interior de un armario y me puse a estudiar. Llegaron, además, nuevos discos a mi colección, no sólo de Blues, claro, también de Rock, Jazz y otros estilos.

Tuve la suerte que desde muy temprano en la vida supe que hacer con ella de ahí en más. Desde entonces, dediqué todos mis esfuerzos a transitar este camino tan difícil, pero a la vez tan bello que es la música. Realicé mi carrera artística por los rumbos habituales: mis primeras bandas de rock con amigos, las manos sudando y el corazón latiendo a mil revoluciones al pisar un escenario por primera vez, aunque allí abajo sólo se encontraban nuestros amigos, horas interminables de estudio, mis primeros alumnos de guitarra, mi primer demo, mi primer disco, mis primeros pasos como músico profesional.

Y todos estos elementos que hoy dan forma a mi manera de ver y entender la vida se los debo, en una medida muy importante, a aquella radio desvencijada en la cabecera de mi cama y a aquel programador al que se le ocurrió, una noche cualquiera, pasar un especial de “Blues rural”.

Y desde hace mucho tiempo, entendí que mi blues no es el de los campos de algodón; mi blues es el de los cafés de Buenos Aires y el largo deambular nocturno con mis amigos, con mi gente; mi blues es la lengua que mi patria grande y mis padres me heredaron, aquella de Sábato, de Ibarbuengoytia, de Cortázar, de Paco Taibo; mi blues es también el de mi colonia en Iztapalapa, los sonidos de mi calle, la trompetita del vendedor de pan, el grito de gas y de agua de cada mañana, los pasos de Timy, mi perro, que ya no están pero aún retumban en mi casa; Liliana, la mujer que amo, mis amigos de siempre, de aquí y de allá, mis compañeros de ruta, mis alumnos de música en Faro de Oriente, de los que tanto aprendo día a día.

Mi blues es una mezcla divina de recuerdos y vivencias, familia, sonidos, olores, querencias, fútbol, política, cafés, barrio. Así es como lo vivo, así es como lo entiendo y así es como intento interpretarlo cada minuto de mi vida.

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Colaboración Especial

Blues del encierro Philip Daniels

El encierro de 2020/2021 ha sido un gran desafío, pero también ha sido una oportunidad para la solidaridad y la empatía, no solamente para mantener todo en espera hasta que de nuevo sea seguro volver a empezar. Aquí, en México y en América Latina, tuvimos la suerte de tener el Obregón Sonora Blues Fest organizado por Sergio Muñoz que reunió a bandas de varias partes del mundo, un gran éxito y que lo sigue siendo: su comunidad de músicos sigue floreciendo.

Este es nuestro 2021 y también es el contexto del décimo aniversario de Cultura Blues. Me sentí honrado cuando José Luis me invitó a escribir un artículo para el ejemplar de aniversario. La única cosa era, como es de esperar, que no estaba seguro sobre qué escribiría. ¿Debería seguir hablando de mis obsesiones favoritas? No lo creo. Esta es una ocasión alegre, mucho mejor sería no entrar en controversias.

Alguien me preguntó recientemente: ¿cómo se puede saber si es blues o jazz? No estaba nada satisfecho con mi respuesta y dudo mucho que pueda mejorarla lo suficiente como para publicarla aquí. Otra posibilidad era algo sobre cantantes que acababa de descubrir, por ejemplo, la versión de Lucinda Williams de la canción ‘Hard Times Killing Floor Blues’ de Skip James, pero un artículo así merece mucha más investigación. (De todas formas, es una gran versión, así que aquí está el enlace: https://youtu.be/qk4meeZBFt0).

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Entonces me pegó como rayo, para un décimo aniversario, lo que queremos es algo genial, y por qué no combinarlo con una de las mejores noticias que he tenido recientemente: dos de mis amigos más antiguos y queridos han tenido un éxito totalmente inesperado en YouTube con su versión de la canción de Robert Johnson, Walking Blues. Cuando comencé este artículo, habían tenido más de 500,000 visitas; ahora están en más de 650,000.

Liz y Egly - Walking Blues (Robert Johnson) https://youtu.be/eFwm6vKSey0

Liz y Egly son marido y mujer, un equipo de músicos que conozco desde hace años y años. Felizmente, he estado en bandas con ambos. Como me dijo Liz, pensaron que animaría a sus amigos durante la pandemia hacer una versión diaria de ‘Canciones del Encierro’, algunas de sus canciones favoritas y publicarlas en YouTube. Como los videos eran para sus amigos y no para el consumo público, tienen un grado de intimidad que un video de la industria musical comercializada nunca podría tener. Esto incluye el chiste de Egly y sus diferentes y a menudo particularmente extraños ‘sombreros’ para cada canción: el sombrero que usa para Walking Blues puede considerarse inusualmente ‘normal’.

Algo así como la mitad de las canciones que eligieron eran canciones de blues. Ambos están profundamente interesados en la música blues. Liz es la baterista y Egly el guitarrista de Stand In Blues Band, un grupo de Lincoln que, creo, ya tiene alrededor de 10 años desde sus informales inicios. (‘Stand in’ significa reemplazar: originalmente eran una banda ad hoc que reemplazaría a cualquier banda que cancelara en el último momento en los pubs de Lincoln, Inglaterra y las áreas circundantes).

Cuando escuchen a las actuaciones que he vinculado a continuación y que espero que disfruten enormemente, se darán cuenta de que Liz es una cantante absolutamente magnífica y una gran intérprete de canciones. Nótense particularmente sus sutiles gestos, movimientos y miradas; nada es casual, todos son elementos esenciales que contextualizan la canción, muchos de ellos, sospecho, tienen sus raíces en su trabajo teatral. Cuando estábamos juntos en una banda en Londres, ella se concentraba en cantar, al igual que yo me enfocaba exclusivamente en la guitarra. Hoy en día, también toca no solo la guitarra y la batería y una variedad loca de lo que podríamos llamar ‘percusión doméstica’, sino el sintetizador más pequeño que puedas encontrar: el Stylophone Retro Pocket Synth.

Liz y Egly - Black Cat Bone (Traditional) https://youtu.be/MgtvImkI4fs

Conozco a Egly desde la infancia, cuando las guitarras eran juguetes de plástico rojo y tenían cuerdas de nylon, lo que significa que nos conocemos por unos 60 años. Más tarde, cuando éramos adolescentes y él tenía una guitarra buena, una preciosa Watkins Rapier roja, generosamente me la prestó para mi primer concierto frente a un auditorio. Estaba él en mi primera banda, Clugston, cuyo bajista era su hermano mayor Charly, aunque todos habíamos improvisado juntos antes de que la banda se hiciera ‘oficial’. En ese momento, me acaba de recordar él, tocaba yo tanto el piano como la guitarra.

Fue un raro placer tener una reunión de la banda 50 años después, cuando visitaron México a fines de 2019, una ocasión en la que tuvimos tres bateristas diferentes: Liz, mi hijo (también llamado Charly), y su novia Daniela, ex baterista de la banda mexicana de metal femenina, Herenwen (https://www.metal- archives.com/bands/Herenwen/62226).

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Egly no solo es guitarrista y cantante, sino que también es laudero y hace todas las hermosas guitarras que tocan. Su sitio web está aquí: https://www.lucasguitars.co.uk/. Como se ha señalado, el contraste con la ‘percusión doméstica’ es bastante dramático. De todos modos, volviendo a la sesión que nos trajo aquí, su grabación de Walking Blues. Egly notó por primera vez que algo estaba sucediendo cuando el número de visitas llegó a 12,000 y después de decir ‘¡Oye! ¡Eso es increíble! ¡Eso es genial!’.

La pregunta en boca de todos era ‘¿Pero cómo sucedió eso?’ Puede ser que una vez que llegue a los 10,000, haya un efecto de bola de nieve y, a medida que más y más personas recomienden su video de YouTube, los números comiencen a aumentar dramáticamente, o quizás, si alguien con una gran audiencia lo recomienda, eso también tendrá un efecto significativo. Una de las cosas que todos hemos notado es la cantidad de reproducciones que ha recibido la canción en lugares inesperados como ¡Rusia y Ucrania!

Claramente, en primer lugar, el producto tiene que ser realmente bueno. La calidad profesional de la grabación también es sorprendente. Egly me dijo: ‘El problema con el sonido de los teléfonos y las cámaras es que tienen mucha compresión, lo que generalmente hace que no suena muy bien y, además, cuando la cámara está en el lugar correcto para el video, a menudo no es un buen lugar para grabar el sonido. Nuestra configuración es... un par de micrófonos de condensador para el sonido conectados a una grabadora Zoom H4N’.

Liz y Egly - It Hurts Me Too (Elmore James) https://youtu.be/n2tMnY0r7zQ

Creo que las fortalezas de la interpretación son muchas, la más obvia es la interpretación de Liz, y no solo el hecho que su voz es sobresaliente y muy exactamente controlada, sino también la energía que canaliza en sus gestos y la presentación de la canción. Como se mencionó anteriormente, la intimidad del video, después de haber sido filmado en el comedor de su casa para el beneficio de amigos cercanos lo hace completamente especial y definitivamente en ningún sentido es un producto de la industria de la música.

Pero su diversión y sus bromas hacen que la canción sea mucho más que simplemente música: es un verdadero placer verla. Obviamente, una interpretación como esta solo es posible cuando se construye sobre los cimientos más sólidos y la guitarra de Egly, tanto en el acompañamiento como en su solo de slide, proporciona precisamente eso. Su versión de Walking Blues es una excelente y comprometida interpretación de dos excelentes músicos que se conocen profundamente. Además de su versión súper exitosa de Walking Blues, también puede disfrutar de sus interpretaciones de estas otras canciones de blues tradicionales y blues góspel…

Cakewalk into Town (Taj Mahal) - https://youtu.be/gLe_aife6VY Change is Gonna Come (Otis Redding) - https://youtu.be/3kJde4a0H48 Help Me (Sonny Boy Williamson) - https://youtu.be/KA_a79GWa5c I Want My Crown (Traditional) - https://youtu.be/1woHBBKEf7Q Motherless Children (Blind Willie Johnson) - https://youtu.be/YXoAgq1HEmI Nobody’s Fault but Mine (Blind Willie Johnson) - https://youtu.be/mYtmQJlx9-s Tell Me Mama (Little Walter Jacobs) - https://youtu.be/HBBGI-PRro0

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Colaboración Especial

El Blues y la armónica Elihú Quintero (Foto: Rafael Arriaga)

La armónica es un instrumento con un sonido muy peculiar que nos atrae inmediatamente por su timbre distintivo. Actualmente hay varios tipos de armónicas, pero sin lugar a dudas el tipo de armónica más conocido es la armónica diatónica, es además, el tipo de armónica más vendido y el más versátil de todos los tipos de armónica. El Blues ha jugado un papel importante y decisivo en el desarrollo y la ejecución de la armónica diatónica y en su popularidad, y este artículo está dedicado a esta relación tan importante entre la armónica y el Blues.

Breve historia de la armónica Los orígenes de la armónica se remontan a China con un instrumento llamado Sheng inventado en el año 3,000 AC. Sin embargo los orígenes de la armónica como la conocemos hoy en día no se conocen con exactitud, ya que no están del todo documentados y no se sabe si pudo haber tenido alguna influencia de los instrumentos orientales de lengüeta libre.

Sólo se sabe o se ha aceptado la versión de que la armónica diatónica tal como se conoce hoy día se inventó en Europa alrededor del año 1825 por un tal Josep Richter (otras fuentes dicen que fue en 1840), pero en realidad, no hay documentación que sustente esto. Su diseño ha permanecido prácticamente sin cambios desde su invención, siendo su nombre correcto el de: armónica diatónica de 10 agujeros de afinación Richter.

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Al principio las armónicas fueron hechas a mano por fabricantes de relojes principalmente en Alemania en el siglo XIX. Uno de estos relojeros era un tal Matthias Hohner, alguien que tenía más vocación para los negocios que para hacer armónicas. Estableció su compañía en 1857 en Trossingen, Alemania, y el rumbo de la armónica cambió radicalmente gracias a él al ser el primero en fabricarlas en forma masiva de manera automatizada. Compró a sus competidores y en 1862 comenzó a exportar armónicas a los Estados Unidos, que pronto se convirtió en su mercado más grande.

La armónica y el blues, primeros contactos Matthias Hohner introdujo la armónica en los Estados Unidos del siglo XIX, lo que realmente inició la historia moderna de la armónica. La armónica era barata y fácil de transportar, perfecta para un país en movimiento, como Estados Unidos en ese entonces. A principios del siglo XX, los músicos negros sureños encontraron al diablo en la armónica. El instrumento barato y portátil fue fabricado por alemanes para su uso en valses y marchas tradicionales europeos, pero cuando llegó a los vecindarios del sur de Estados Unidos, los músicos negros comenzaron a desarrollar una forma totalmente nueva de tocar.

El blues En los Estados Unidos, la armónica se hizo muy popular como instrumento de Blues. En la década de 1930 y principios de la de 1940, un hombre llamado John Lee "Sonny Boy" Williamson se hizo muy conocido. Después de la Segunda Guerra Mundial, Chicago se convirtió en un importante centro del Blues, con grandes intérpretes como: Rice Miller (Sonny Boy Williamsom II) y Little Walter.

Armónica de blues rural de antes de la guerra Durante la década de 1920, varios músicos de armónica grabaron discos que dan una imagen de los primeros estilos de armónica de blues. Los músicos rurales del sur, tanto blancos como negros, habían desarrollado habilidades altamente sofisticadas en la armónica y estilos que, aunque individuales, compartían muchas características de técnica, estilo y repertorio. Los armonicistas rurales a menudo grababan sin acompañamiento mientras tocaban imitaciones de trenes y persecuciones de zorros (fox chase).

El estilo de chicago antes de la guerra Antes de aproximadamente 1947, se escucharon dos enfoques muy diferentes del blues: 1. El blues sofisticado con influencias del jazz que utiliza saxofones, trompetas y otros instrumentos urbanos reflejó el papel de Chicago como imán para los músicos de jazz a partir de principios de la década de 1920. 2. Al mismo tiempo, los sureños rurales trajeron consigo el country blues, pero cuando se trasladaron a la ciudad, comenzó a cambiar.

Las guitarras, armónicas y mandolinas podrían seguir siendo los instrumentos destacados, pero las letras comenzaron a reflejar preocupaciones urbanas. La sensación de la música también cambió, con el country blues relajado y majestuoso acelerándose y volviéndose más rítmicamente activo.

La post guerra La Segunda Guerra Mundial había significado una migración masiva con periódicos como el Chicago Defender y el Pittsburgh Courier, incluso publicitando a los negros para hacer la migración hacia el norte hacia una vida mejor a través de la Illinois Central y la autopista 61. Los negros reemplazaron a los trabajadores blancos en Detroit, Chicago y Nueva York que se habían ido a luchar en las guerras.

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El Blues también llegó al norte, pero los estilos acústicos de tocar con los dedos solistas de los primeros músicos del blues se ahogaron en el ruido de la ciudad. Muddy Waters modernizó el country blues, haciendo que el sonido fuera más grande, más fuerte y caliente que cualquier otra cosa que hubiera existido antes.

El auge de la armónica de blues amplificada Little Walter seguramente no fue el primero que tocó una armónica con micrófono amplificado, pero su uso sin precedentes de la distorsión electrónica intencional a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 tuvo implicaciones mucho más allá de su propio instrumento, llevando a la armónica hacia otras posibilidades sonoras. Mucha gente considera a Little Walter como el mejor intérprete de armónica de blues. Murió en 1968, un día triste en la historia de la armónica.

A principios de la década de 1950, las guitarras eléctricas y las armónicas amplificadas eran la regla en las bandas de blues de Chicago, respaldadas por la batería, el bajo y el piano. La armónica amplificada comienza a asumir un nuevo papel, ya que Little Walter adapta los estilos de saxofón de jazz y rhythm & blues a la armónica de Blues e integra el swing a la perfección en el Blues. Chicago se convirtió en un centro para el Blues eléctrico a principios de la década de 1950. Había conjuntos, ya no el único guitarrista de Blues. El blues de Chicago fue influenciado en gran medida por el estilo de blues de Mississippi, porque muchos artistas habían emigrado de Mississippi.

El legado de los músicos negros Desde que la armónica llegó a manos de los músicos negros del sur de Estados Unidos, la forma de tocar la armónica cambió para siempre convirtiéndose en la definición de lo que sería cómo tocar este maravilloso instrumento hasta nuestros días. Desde entonces han surgido grandes armonicistas de Blues cada uno con su estilo propio, siempre evolucionando y aportando algo nuevo.

En este enlace encontrarás a los más destacados armonicistas de Blues: https://www.last.fm/tag/harmonica+blues/artists

Blowing Blues Full Albums A History of Blues Harmonica 1926-2002: https://www.harmonica.com/blowing-blues/?fbclid=IwAR1Kw4I- 11Wt06f5ZyUETCeEXxwqKEZm9JimM6hGcMEk9ldRXwEJ-d9ZAkw

Técnicas en la armónica Sin duda la armónica tuvo su mayor desarrollo en el Blues. Se desarrollaron técnicas de ejecución que marcaron la forma de tocar la armónica y que le dieron ese sello característico al Blues en la armónica. Técnicas como el wah, trino, double stops, articulaciones, bends, diferentes tipos de vibratos, acordes, bloqueo de lengua, slap de lengua, aleteo, tongue switch, son las técnicas que dieron identidad al sonido del Blues.

La forma de tocar la armónica siguió evolucionando tanto en el Blues como en otros géneros. Una técnica que dio otro giro a la armónica es el overbend, desarrollada por Howard Levy en los 70. Si bien esta técnica no fue pensada para el Blues, sino para el Jazz, en la armónica la empezaron a utilizar armonicistas contemporáneos del Blues, tales como: Jason Ricci o Adam Gussow, lo cual vino a refrescar el Blues en la armónica.

Aprende a tocar la armónica Hoy en día hay bastantes opciones en Internet para aprender a tocar este instrumento de manera autodidacta.

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La gran mayoría está en inglés, sin embargo desde el año pasado he incursionado en la enseñanza de la armónica con material en nuestro idioma a través de tutoriales hechos de manera secuencial para aprender desde cero disponibles en mi canal de YouTube: https://www.youtube.com/user/elihuquintero

Sin embargo siempre será mejor contar con alguien que nos vaya guiando en la enseñanza de la armónica, por lo que también doy cursos de armónica. Más información en mi página web: http://bluebeard.blue/

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Colaboración Especial

Los nuevos medios en el siglo XXI Roberto López

Hace muchos años, antes de terminar el siglo pasado, empezamos a ver cómo los medios de comunicación se adaptaban a nuevas circunstancias y emprendían caminos alternativos en la búsqueda de un público ávido de consumir nuevos productos dentro de los medios.

La radio, la televisión, las revistas y los periódicos vieron llegar a la computadora y nunca imaginaron que este aparato tendría el alcance de ofrecer todos los contenidos en un solo clic.

Ahora tenemos videos en internet que compiten con la televisión; estaciones de radio por internet y podcast que compiten con la radio en la lucha por tener audiencias. Las revistas electrónicas también son parte de un mundo nuevo y de una variedad de temas que nos permiten conseguir el contenido adecuado, a aquellos que desean saber a cerca de temas como medicina, tecnología, deportes y música, por mencionar algunos.

Si bien hemos conocido revistas musicales durante mucho tiempo, una especializada en un género musical tan legendario como lo es el Blues, suena a un proyecto difícil y más si hablamos de que existe mucha gente que ahora lee poco o casi nada.

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Hace una década nace el proyecto de Cultura Blues, que significa la continuidad a un trabajo antes hecho, para una comunidad naciente; pero cuando emprende su nuevo camino no solo mejora su contenido de fondo, sino también adquiere un nuevo valor y quizás ahora se convierte en un medio electrónico especializado en el género.

Desde mi opinión necesitamos más proyectos como este, para que en el mundo sepan que México cuenta con gente que sabe, y quiere seguir escribiendo más acerca de la música y en especial del Blues. Una felicitación enorme a todos los que conforman esta Revista electrónica y que sean los primeros 10 de muchos años más.

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Colaboración Especial

Cultura Blues, 10 años de registrar la historia Yonathan Amador

Hace poco hablaba con el bluesista y rockero argentino Yulian Taylor sobre el blues, sus fronteras y sus intérpretes alrededor del mundo, y coincidimos en que sin importar el sitio, el idioma o los intérpretes el blues es un género universal, en el que las fronteras se disipan: es un lenguaje único que hermana comunidades, países.

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Esa universalidad del género es la que se ha reflejado en las páginas virtuales de la revista Cultura Blues durante los últimos 10 años; un proyecto del que tuve y tengo la dicha de ser parte, un proyecto al que fui invitado por mi querido José Luis García Fernández y al que le tengo especial aprecio porque surgió poco después del programa ‘Síncopa Blues. Jazz y Blues de México’, por lo que me ha tocado ser testigo de su surgimiento, crecimiento, y posicionamiento.

Conocí a José Luis García Fernández en las cabinas de Código DF, en la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. Era finales del 2009, tanto el programa de la AMBLUES ─que él había propuesto para la estación por internet─ como Síncopa Blues, habían conseguido un espacio de transmisión. Desde ese momento me quedó claro el compromiso que José Luis había adoptado en la difusión y promoción del blues mexicano. Él ya era parte de la escena, así que su amor por el género no estaba a discusión.

A manera de contexto, por allá a finales de la década de los 70, José Luis formó parte del grupo, Super Lazy Blues Band, sin embargo, diversas circunstancias lo alejaron de los escenarios y de los instrumentos, pero no del amor al blues y al rock. A mediados de la primera década del Siglo XXI el destino le tenía preparado un regreso a ese lugar que había dejado más de 30 años antes. Se incorporó a la AMBLUES en donde desarrolló la revista Palabra de Blues, incluso, al cabo de un año de publicaciones se editaron los textos de esos 12 meses en una antología.

Cultura Blues nace, hace diez años, con una idea muy clara, y ya con el bagaje José Luis traía tras su paso por Palabra de Blues, la revista de la AMBLUES: incentivar la difusión del blues mexicano y ya no solo en territorio mexicano, sino allende nuestras fronteras. Para ello, José Luis logró juntar diversos perfiles de colaboradores, músicos, periodistas, escritores, fotógrafos, poetas. El resultado es una revista variopinta, cuya presencia se ha extendido a países de Europa, América Latina, así como a ciudades de Estados Unidos.

Otro de los grandes logros de José Luis García Fernández y el equipo de Cultura Blues, como ya lo he escrito en este mismo espacio, es la creación de las primeras antologías discográficas de blues mexicano, que hasta el momento suman cuatro, en las que música de bluesistas de todo el país ha logrado difusión bajo un modelo de colaboración económica en el que las bandas costeaban parte de la antología y recibían discos para su venta y distribución. Los temas y las interpretaciones de los grupos que participaron quedarán plasmados ahí para la aún no contada historia del blues mexicano.

En un país como México en donde existe poco apoyo e incluso un desdén ─principalmente en los años de la llamada 4T─ por proyectos culturales, mantener una revista cultural requiere de dedicación y sobre todo de desembolsar dinero propio, este es otro de los puntos con los que ha cargado José Luis y el equipo cercano de Cultura Blues: costear la revista y mantenerla 10 años. Si bien es cierto que durante uno o dos años ─bien a bien no recuerdo la temporalidad─ Cultura Blues fue beneficiada con apoyos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, FONCA; la mayor parte de estos 10 años los bolsillos de José Luis han servido para mantener la revista. Esfuerzo que se debe reconocer.

Musicalmente poco ha cambiado la escena bluesera mexicana en estos 10 años. Me encantaría poder decir lo contrario, pero lo que debemos reconocer es que existen proyectos de difusión, divulgación y promoción del blues mexicano, algo que hace 10 años no había y a través de los cuales podemos ir contando la historia del género en nuestro país.

¡Larga vida a Cultura Blues! Número 120 | mayo 2021 CULTURA BLUES. LA REVISTA ELECTRÓNICA Página | 97

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