NOCHES EN LOS JARDINES DEL REAL ALCÁZAR - 2011 DOSSIER DE GRUPOS

Música Antigua | Medievo [Tres Culturas], Renacimiento, Barroco) Música Clásica | Clasicismo, Romanticismo, Nacionalismos,… Otras Músicas | Jazz, Músicas del Mundo,…

Grupos participantes por orden alfabético

ACCADEMIA DEL PIACERE PÁG. 4

AMAYA DOMÍNGUEZ PÁG. 6

ANA ARNAZ + JESÚS SÁNCHEZ PÁG. 8

ANA CISNEROS JAZZ TRÍO PÁG. 10

ANNA Mª FRIMAN + MICHAEL FORM + ARIEL ABRAMOVICH PÁG. 11

AQUITANIA PÁG. 13

ARIANNA SAVALL + PETTER U. JOHANSEN PÁG. 15

ARTEFACTVM PÁG. 17

AXABEBA PÁG. 19

BOB SEELEY + LLUÍS COLOMA PÁG. 21

CAFÉ COHIBA PÁG. 23

CAPILLA DEL REAL DE LAS PALMAS PÁG. 24

CÉSAR CARAZO + JUAN CARLOS DE MULDER PÁG. 25

CHRONOS PÁG. 26

CLAUDIA YEPES + DUNCAN GIFFORD PÁG. 27

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CUARTETO TOLDRÁ PÁG. 28

DIRK VANHUYSE + SASHA CRISAN PÁG. 30

EDUARDO PANIAGUA PÁG. 31

ENRIQUE SOTO “SORDERA” + SALVADOR GUTIÉRREZ PÁG. 33

ENSEMBLE ANDALUSÍ DE TETUÁN PÁG. 34

FAHMI ALQHAI + RODNEY PRADA PÁG. 36

FÉLIX SLIM + MINGO BALAGUER PÁG. 37

FRANCISCO OROZCO + ÁLVARO GARRIDO PÁG. 38

HILARY FIELDING + SASHA CRISAN PÁG. 39

JUAN CARLOS CHORNET + DANIELA IOLKICHEVA PÁG. 40

JUAN ESCALERA + ALFONSO RUBIO PÁG. 42

Mª ESTHER GUZMÁN + LUIS ORDEN PÁG. 43

MATTHIEU SAGLIO PÁG. 44

MÓNICA PUSTILNIK + ARIEL ABRAMOVICH PÁG. 45

MORE HISPANO PÁG. 46

POEMA HARMONICO PÁG. 47

PRAÇA ONZE PÁG. 48

QUIQUE BONAL + VICKY LUNA PÁG. 49

RAMI ALQHAI + JOSETXU OBREGÓN + ENRIQUE SOLINÍS PÁG. 50

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RAÚL CANTIZANO + ALICIA ACUÑA + NIÑO DE ELCHE PÁG. 52

RENAUD GARCÍA-FONS PÁG. 53

SAMAI ARABESQUE PÁG. 55

SAMARCANDA PÁG. 57

SHEELA NA GIG PÁG. 58

SONO REALE PÁG. 59

TERCIA REALIDAD PÁG. 61

TERCIA REALIDAD XIII PÁG. 62

TITO ALCEDO PÁG. 63

TOTEM ENSEMBLE PÁG. 64

YAMAHA STRING DUO PÁG. 66

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ACCADEMIA DEL PIACERE

Fahmi Alqhai viola da gamba | Rami Alqhai viola da gamba

Tras sorprender al mercado discográfico con la arrebatada visión del Seicento italiano mostrada en su primer disco -Le Lacrime di Eros-, la Accademia del Piacere de los hermanos Alqhai nos sacude de nuevo con su versión del repertorio por antonomasia del violagambista virtuoso: la música francesa del Barroco tardío.

Fahmi Alqhai se acompaña de un lujoso y flexible equipo de continuo (con su hermano Rami al frente) para exhibirnos un instrumento en plenitud de sus facultades sonoras, expresivas y técnicas, que en nada parece sospechar que ese su momento de máxima gloria era al tiempo su canto del cisne. Entre la delicada cantabilidad en Marais y el virtuosismo extremo en Forqueray, donde exprime a fondo los casi infinitos recursos de la viola, Fahmi Alqhai despliega el abanico de colores de un instrumento ya sin complejos, que cambia de máscara a voluntad para desvelarnos el carácter de los personajes retratados por el iracundo Antoine o los exóticos ambientes maraisianos.

Programa Les violes du ciel et de l'enfer (Música francesa del Barroco tardío)

MARIN MARAIS (1656-1728) Marche Tartare La Arabesque La Reveuse Marche Persane “La Savigny” Sarabande La Tourbillon

ANTOINE FORQUERAY (1671-1745) La Rameau La Montigni La Léon, Sarabande Jupiter

Músicos

Fahmi Alqhai Sevilla, 1976. Es reconocido como uno de los mejores intérpretes de viola da gamba del momento actual. A pesar de su juventud es requerido por las formaciones camerísticas más importantes del panorama nacional e internacional de música antigua. Hoy en día es colaborador habitual de Hesperion XXI (Jordi Savall) e Il Suonar Parlante (Vittorio Ghielmi), con quién ofrece regularmente conciertos en toda Europa, Japón, EEUU y Latinoamérica. Ha realizado numerosas grabaciones para sellos discográficos (Alia Vox, Glossa, Winter&Winter, etc.), televisiones y radios en todo el mundo. En 1998 comienza su carrera de solista especializándose en el repertorio alemán para la viola, sus versiones de las sonatas de Johann sebastian Bach han tenido en todas sus actuaciones una inmejorable crítica tanto por el público como por la crítica especializada. Es fundador y director del grupo Accademia del Piacere y fundador junto a su hermano, Rami Alqhai, del sello Alqhai&Alqhai. Además de la música antigua ha colaborado como solista en espectáculos de flamenco y también realiza incursiones en el campo de la música contemporánea y el Jazz. Desde 2009 es director artístico del FeMAS.

Rami Alqhai Khoury Sevilla, 1980. Solista de viola da gamba. Realiza una gran labor de difusión musical y de la viola da gamba como docente en cursos de perfeccionamiento. A la edad de 11 años hizo su primer concierto de rock. Está empeñado en hacer que la Música Antigua tenga una difusión acorde a su importancia e historia y siempre ha pensado que la viola da gamba fue un instrumento espectacular, por ello realiza una gran trabajo de interpretación solística, además de buscar en repertorios actuales y técnicas más complejas de las que hoy en día se mantienen. La viola da gamba debe ser un instrumento actual y no una mera recomposición. Especialista en Barroco Europeo y Renacimiento Español. Ha colaborado con las formaciones más prestigiosas nacionales y extranjeras y ha actuado en numerosas salas de conciertos, teatros, y auditorios de primer nivel. Es miembro de Accademia del Piacere. Después de haber formado su criterio y técnica durante muchos años de profesión ha creado junto a Fahmi Alqhai el sello discográfico ALQHAI & ALQHAI, el cual se ha convertido en muy poco tiempo en un sello discográfico de referencia (www.alqhai.com) Como solista grabará en 2011 las sonatas de Bach para viola da gamba y clave.

Notas 1 al programa: Dos violas para el Reay sol, por Pablo J. Vayón

Cuando en 1661 asume de forma efectiva el poder, Luis XIV no ha olvidado los sucesos de la Fronda que amargaron su niñez. Está por ello obsesionado con el orden y desea por encima de todo controlar a la levantisca aristocracia del reino. Tras la firma del Tratado de los Pirineos en 1659, Francia se ha convertido sin discusión en la primera potencia de Europa, y el rey no está dispuesto a renunciar al futuro de grandeza que el nuevo contexto internacional le augura. Por eso, por salvaguardar la dignidad de su majestad en un entorno solemne y por tener bajo su mano a los poderosos, decide trasladar la corte de París a Versalles, donde convertirá el viejo pabellón de caza que construyera décadas atrás su padre en el más suntuoso e imponente palacio que hubiera podido soñar jamás casa real alguna.

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Como se trataba además de impresionar al visitante (sobre todo, si era extranjero), el rey no escatimó en gastos para atraer hasta su nueva residencia a los más ilustres intelectuales y a los mejores artistas de Francia. Años después, en El siglo de Luis XIV, Voltaire recordaría entusiasmado aquella confluencia de talentos: «Es una época digna de la atención de tiempos venideros aquella en la que los héroes de Corneille y de Racine, los personajes de Molière, las sinfonías de Lulli, nuevas para la nación, y (ya que aquí no se trata únicamente de las artes) las voces de Bossuet y de Bourdaloue eran escuchadas por Luis XIV, Condé, Turenne, Colbert, y esta multitud de hombres superiores. No volverán los tiempos en que un duque de La Rochefoucauld, autor de las Máximas, tras charlar con Pascal, se dirigía al teatro de Corneille. No ha habido muchos genios desde los hermosos días de estos artistas ilustres; parece que la naturaleza descansó.»

En este fastuoso ambiente, en el que convivían la aristocracia de la sangre y la del arte, había de producirse a finales del siglo XVII el encuentro entre los dos más grandes violagambistas que conocieran los tiempos. Marin Marais había nacido en París en 1656, hijo de un humilde zapatero, y se había formado como niño de coro en Saint- Germain-l’Auxerrois antes de pasar unos meses junto a Jean de Sainte- Colombe, el gran maestro de la viola francesa. A los 20 años estaba ya en Versalles como miembro de la Academia Real de Música y en la corte haría toda su carrera artística. Antoine de Forqueray era también parisino, pero pertenecía a una familia de músicos. Nacido en 1671, llegó a Versalles con sólo 17 años para formar parte de La Chambre du Roy, deslumbrando a todos con su delirante virtuosismo y provocando frecuentes altercados por su carácter colérico.

Marais y Forqueray chocaban en todo. El primero era un artesano con aspiraciones de ascender en la escala social y la clara voluntad de dejar testimonio de su arte, lo que documentan principalmente sus cinco libros de viola editados entre 1686 y 1725. El segundo, un altivo revolucionario de la improvisación, que se jactaba de no haber escrito jamás una nota. Marais se presentaba como el heredero de toda una tradición que había hecho de la viola uno de los instrumentos más nobles de la Francia de su época: sus danzas y sus piezas de carácter agrupadas por tonalidades en forma de suites extendieron el gusto por las ediciones dedicadas al instrumento en las primeras décadas del Setecientos. Forqueray despreciaba hasta tal punto la letra impresa que si sus piezas han sobrevivido ha sido gracias a su hijo Jean-Baptiste, que las publicó póstumamente en 1747. En Marais alentaba el espíritu clásico. En Forqueray, el del exceso.

Ninguno de los dos pudo evitar en cualquier caso el declive de la viola, que era ya muy acentuado en 1740, el año en que Hubert le Blanc publicó su famoso tratado en defensa del instrumento en el que recordaba los años gloriosos en que los corrillos artísticos parisinos eran un hervidero de chismes y noticias en torno a esos dos grandes prodigios enfrentados, el dulce Marais, “que tocaba como un ángel”, y el furioso Forqueray, “que lo hacía como un diablo”. Trescientos años después, el duelo continúa...

Notas 2 al programa: Por Juan María Rodríguez

“Los ángeles son plurales y equívocos”, escribió el poeta Rafael Pérez Estrada y yo pienso en esa ambigüedad del arcángel, entre celestial y demoníaca, mientras soy sacudido por las alternancias y las sucesivas ondulaciones de este disco mitad deífico y mitad bárbaro, alternativamente “caprichoso y lunático”, como describió Hubert Le Blanc el salvaje nervio diabólico de Antoine Forqueray, para mutar inmediatamente en la exacerbada sensibilidad atormentada del íntimo y poético Marin Marais. Es raro: escuchas el disco ahora hacia adelante y ahora hacia atrás y ambos perfiles siempre encajan simétricamente, como reversos precisos. Encuentro la explicación, otra vez, en Pérez Estrada, que anota: “Los amantes exactos tienen una sola sombra”. La yuxtaposición de los contrarios Forqueray y Marais proyecta, también, una sola y global sombra.

Aquella maravillosa leyenda que atribuía a la viola da gamba la inquietante capacidad de reproducir con hondura la variada vibración de las voces humanas ya es, en si misma, entre celestial y diabólica: una metáfora, encarnada en un instrumento, del juego vital de los antípodos, que aquí dialogan en ecos encadenados por el disco. De la luz a la sombra. De la concisión elegíaca, la pudorosa, acongojante y desnuda polifonía del lamento del último Marais, a la espada flamígera, alucinada y brutal de aquel Forqueray déspota y pirotécnico, anticipadamente jazzístico, que prohibió la publicación de su obra, pues las piezas escritas le provocaban bostezo y consideraba como sólo unos “borricos ilustrados” a los músicos incapaces de tocar improvisando. Revolucionario.

Su hijo, Jean-Baptiste, desobedeció su mandato: ¿una venganza por haberlo internado, acusándolo por robo y mala conducta, cuando sólo tenía 16 años? La (hermosa) traición –todo en Forqueray, genio despótico, es fascinantemente ambiguo- se perpetúa en este disco que me gusta imaginar ilegítimo, bastardo, pues fantasea diabólicamente con el enigma de un Forqueray forzosamente soñado. Un disco también irreverente que juega a trazar opuestas simetrías entre el exuberante crepitar virtuosístico de las voluptuosas llamaradas del pandemónium de Forqueray contrapuestas con el desgarro tenue de la viola crepuscular y confidente, a menudo seráfica, de Marais. ¿Duelo de opuestos? ¿Exterioridad contra alma? ¿Gesto contra eco? ¿Rostro y anverso? ¿Convulsa retórica y teatralidad italiana (Forqueray) contra el gusto francés por la leve penumbra de una sombra disolviéndose (Marais)? Cuidado, esa aparente dualidad también puede ser un espejismo. Máscaras de lo igual. Escuchemos lo que, bajo su disfraz, la música dice. Nos lo advierte el frívolo y transcendente, todo a la vez, Hugo von Hofmannsthal: “Se debe esconder la profundidad. ¿Dónde? En la superficie”.

Así escuchamos este hipnótico juego de espejos, Forqueray y Marais persiguiéndose por un pasillo de azogues deformes, en este disco hermoso que cita también la reunión del orto y ocaso de un instrumento, él mismo, beatífico y demoníaco como muy pocos: la viola que osó suplantar las voces humanas resplandeció ciegamente apenas durante unas décadas de los siglos XVII y XVIII; luego, como condenada por su pecado de alta soberbia, se eclipsó y se extinguió fulminantemente hasta que hace poco resucitó de entre los muertos como un extravagante susurro primigenio y espiritual infiltrado en un mundo agreste y de vértigo. Su voz, como el amplio despliegue de su arco, es prístina y completa y aquí se exhibe, encajada, según se mire, como un perverso o divertido tetris, celestial o diabólica, beatífica y carnal, recatada y lasciva, simultánea, humanamente.

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AMAYA DOMÍNGUEZ

Amaya Domínguez mezzosoprano | Martin Surot piano

Sevilla ha sido desde tiempos inmemoriales cuna de las artes y de sus creadores e intérpretes. Diversas circunstancias quisieron que después de su esplendoroso florecimiento en el Renacimiento y Barroco, la ciudad comenzara un declive cultural y económico que no le impediría vivir de la leyenda que tan merecidamente se había forjado durante los siglos precedentes. Es esta Sevilla del recuerdo de épocas más propicias la que sirve de inspiración a Mozart, Rossini, Bizet y Donizetti, entre otros.

Desde el barrio de Santa Cruz de Don Juan, hasta el (¿por qué no?) Arenal del Barbero, pasando por la Tabacalera de Carmen y el Alcázar de Eleonora de Guzmán de “La Favorite”, Sevilla se muestra como la otra protagonista indiscutible de estas óperas, pues pocas ciudades han dejado, sin pretenderlo siquiera, una impronta similar en el imaginario colectivo de artistas y aficionados.

Programa Óperas en Sevilla

| Sevilla en la Ópera

CARMEN | GEORGE BIZET (1838-1875) Habanera (Carmen) Seguidille (Carmen) La chanson bohème (Carmen) L'air des cartes (Carmen)

DON GIOVANNI | WOLFGANG A. MOZART (1756-1791 Batti, batti (Zerlina) Vedrai carino (Zerlina)

EL BARBERO DE SEVILLA | GIOACCHINO ROSSINI (1792-1868) Una voce poco fà (Rosina)

Músicos

Amaya Domínguez Estrasburgo (Francia). Reconocida como uno de los talentos vocales más prometedores de su generación. Diplomada cum laude del Conservatorio Nacional Superior de París, realizó su primera gira internacional como solista con les Arts Florissants bajo la batuta de William Christie. Comienza sus estudios vocales bajo la dirección de Marie-Madeleine Koeblé y de Francis Jeser. Continúa su formación en el Conservatorio Superior de París con Glenn Chambers, finalizando sus estudios en 2007 con las máximas calificaciones y el premio de fin de carrera con la felicitación unánime del jurado. Ha conseguido el “Prix des Jeunes Talents” de Estrasburgo y es laureada del “Festival Musical d’Automne de Jeunes Interprètes”. Hace su debut operístico a la edad de 18 años en la ópera del Rin en Curlew River (Espíritu) de Britten. Continúa su carrera lírica con Pierrot Lunaire de Schömberg en Letonia, Venus & Adonis de Blow, Bastien und Bastienne de Mozart, L’incoronazzione di Poppea (Ottavia) de Monteverdi bajo la dirección de Eric Tappy. Éste la invita en 2006 al festival de Estrée de Ropraz (Suiza) para interpretar Idomeneo (Idamante) y La clemeza di Tito (Sesto), ambas de Mozart. En 2006 William Christie la invita a participar en la academia Le Jardin de Voix y en su posterior gira internacional con Les Arts Florissants por las salas más prestigiosas como el Barbican (Londres), Auditorio Nacional (Madrid), Alte Oper (Frankfurt) o el Lincoln Center (Nueva York). En 2007 debuta en el festival de Aix-en-Provence donde canta obras de Monteverdi bajo la dirección de Kenneth Weiss y más tarde reinterpreta en la Opéra de Montecarlo y en Burdeos. Interpreta también la segunda bruja de Dido & Eneas en la Opéra de Lille y en el Gran Théâthre de Provence bajo la dirección de Kenneth Weiss en una producción del Festival de Aix-en-Provence. En la Opéra Comique (París) interpreta Roméo et Juliette (Juliette 2) de Dusapin dirigida por Alain Altinoglu. En 2009 interpreta Così fan tutte (Dorabella) en una gira por toda Francia con el Ensemble Philidor, así como La Pastorale (Léonide) de Pesson en el Théâtre du Châtelet y Atys (Cybèle) de Lully con la Symphonie du Marais. Entre sus próximos proyectos se encuentra La Clementina (Criseta) de Boccherini en el Teatro Nacional de Madrid y Bilbao, y la protagonista de L’Enfant et les sortilèges de Ravel en la Opéra de Nancy. Ha actuado con la Opéra Comique de París, el Théâtre du Châtelet, el Festival d'Aix-en-Provence, la Opéra de Monte-Carlo, la Ópera de Bilbao y el Teatro Nacional de Madrid en una amplia gama de estilos musicales que van de Monteverdi a Händel, de Mozart a Bizet y de Ravel a Dusapin. Durante la temporada 2011-2012, canta el papel protagonista de Carmen en Debrecen y en Varsovia, Dorabella en París, Agathe en Les Enfants terribles de Philippe Glass en Burdeos y la Dido de Purcell en Oviedo y Castellón. Canta también las Canciones de Neruda de Peter Lieberson con la orquesta de Bretaña y volverá a producirse con la Opéra National de Lorraine, donde ya triunfó en 2010 en el papel principal de L'Enfant et les sortilèges de Ravel, este año cantando Shéhérazade de Ravel.

Martin Surot Paris (Francia). Primer premio, cum laude, del Conservatorio Nacional Superior de Música de París (CNSM). Concertista especialista de Chopin, Schubert, Beethoven... Últimamente ha dado una serie de conciertos en Italia, España, Sri Lanka y Letonia. Martin toca a menudo en programas de radio y televisión, su más reciente actuación ha sido para la NHK japonesa. Es acompañante en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Après avoir étudié au Conservatoire d’Annecy, sa ville natale, Martin reçoit l’enseignement de Nadine Wright, et de Jean-François Heisser chez qui il est reçu à l’unanimité à l’âge de 17 ans au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Il y obtient les prix de piano, musique de chambre (classe de Claire Désert) et accompagnement vocal (avec 6

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Anne Grappotte, Anne le Bozec et Jeff Cohen), tous trois récompensés par la mention très bien, et se perfectionne auprès de Jacques Rouvier. Il complète sa formation en suivant les master classes de Roger Muraro, Jean-Claude Pennetier, Hartmut Höll et Martin Isepp, et approfondit le répertoire de Lied et Mélodie avec Ruben Lifschitz à l’Abbaye de Royaumont. L’Académie Internationale Maurice Ravel lui décerne un prix à deux reprises, et l’invite à se produire au Musée Bonnat de Bayonne, et au festival des Ravéliades. Lauréat des concours internationaux Piano Campus, Maryse Cheilan Ville d’Hyères et Citta di Ostra, il est remarqué pour son « jeu fin, délicat et coloré » (Le Monde de la Musique). On a pu l’entendre dans des œuvres de Chopin aux côtés de Jean-Marc Luisada et Macha Méril lors de leur spectacle « Feu sacré ». Il a été amené à jouer en récital et en musique de chambre dans des festivals tels que Saint-Riquier, Aix-en-Provence, le festival des Abbayes, ainsi que sur les scènes prestigieuses de la Cité de la Musique, l’Opéra Comique à Paris, ou bien l’Opéra de Lille. Il a donné récemment une série de concerts en Italie, en Espagne, en Haïti, au Sri Lanka et s’est produit en Lettonie à l’initiative des Ambassades de France et d’Allemagne à Riga. Martin est l’invité d’émissions radiophoniques et télévisées, notamment pour la NHK japonaise ; on a pu l’écouter dans « la Cour des grands » et « l’Atelier des chanteurs » sur France Musique. Il est accompagnateur au CNSM.

Una feliz sorpresa inesperada ANDRÉS MORENO MENGÍBAR | ACTUALIZADO 02.08.2009 - 05:00

Noches en los Jardines del Real Alcázar. Programa: Obras de J. Turina, M. de Falla, E. Granados, E. Lecuona y X. Montsalvatge. Mezzosoprano: Amaya Domínguez. Piano: Xoan E. Castiñeira. Fecha: Viernes, 31 de julio. Lugar: Jardines del Alcázar. Aforo: Lleno.

Una leve pero inoportuna indisposición vocal del tenor sevillano Juan Sancho ha permitido que conociésemos y disfrutásemos de la estupenda mezzosoprano francesa Amaya Domínguez. En realidad ya cantó en Sevilla hace un par de años, también junto a Juan Sancho, en la gira europea de Le Jardin de Voix, el proyecto liderado por William Christie y que en aquella ocasión presentó a un prometedor ramillete de jóvenes voces con música de Monteverdi. Pero ahora Amaya Domínguez se presentaba con un programa radicalmente diferente, con canciones españolas del siglo XX, un envite del que salió más que airosa dada la premura de la sustitución.

La voz de la joven francesa, una mezzosoprano más lírica que dramática, es de reseñable belleza tímbrica, sedosa, con un centro ancho y bien proyectado, rico en armónicos. Tiene mejor resuelto el paso al registro agudo, que se opera sin fisuras y sin saltos, que la transición a un registro grave algo menos firme y para acceder al cual debe recurrir a cierto engolamiento, con un apreciable cambio de color. No obstante, apenas si fueron apreciables estos defectos técnicos (que se resolverán con el estudio) más allá de algunos pasajes graves en la primera de las Majas dolorosas de Granados, porque en el resto de sus intervenciones su interpretación fue intachable técnicamente hablando. Subrayaría especialmente su capacidad para atacar las notas superiores en piano y para sostener el canto y el sonido en unos pianissimi de gran belleza, como en El paño moruno o en la Nana de Falla, pieza esta última en la que exhibió unas muy sensibles regulaciones que aportaron intimidad a una noche llena de ruidos de abanicos y de aplausos a destiempo. Su formación en Música Antigua le otorga, además de un preciso sentido de la afinación (como se vio en la armónicamente complicada Chévere de Montsalvatge), una perfecta inteligibilidad, algo que se echa de menos en tantas cantantes a la que no se les entiende nada de lo que cantan.

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ANA ARNAZ + JESÚS SÁNCHEZ

Ana Arnaz canto, castañuelas | Jesús Sánchez guitarra barroca, laúd

Formado en 2006, el dúo de Ana Arnaz y Jesús Sánchez centra su interés en el gran repertorio vocal con instrumentos de cuerda pulsada desde el renacimiento hasta el siglo XIX. Ofreciendo conciertos desde ese año, destacando los dedicados a “Lastanosa” (Huesca), “Las canciones de amor de Henry Purcell” o “aires de villa y corte” para la fundación Juan March (Madrid), “Madrigales con laúd y vihuela” en la sala de la Meninas del museo del Prado (Madrid) con motivo de la exposición de la obra de Tintoretto.

Programa Aires de Villa y Corte (Canción española en el siglo XVII)

ESTIENNE MOULINIÉ (1599-1676), Repicaban las campanillas HENRY GRENERIN, Preludio y Pasacaglie ANÓNIMO (Gabriel Bataille), Vuelve, vuelve barquilla | Pues que me dais a escoger

ANÓNIMO (G. Bataille), Decid como puede ser | Río de Sevilla | Vuestros ojos tienen JUAN HIDALGO (c. 1631-1685), Ay Amor, Ay Ausencia

ANÓNIMO (G. Bataille), Claros ojos bellos GASPAR SANZ (1640-ca. 1710), Canarios por la A J. HIDALGO, Ay que sí, Ay que no

ANÓNIMO (G. Bataille), El baxel que está en la playa NICOLAS VALLET (1583- ca.1642), Prelude ANÓNIMO (G. Bataille), Quién quiere entrar conmigo en el barco

J. HIDALGO, Atiende y da G. SANZ, Pasacalles sobre la D E. MOULINIÉ, Por la verde Orilla

HENRY DE BAILLY (act.1º mitad S. XVII), Yo soy la locura ANTONIO DE SANTA CRUZ (act. 2º mitad s. XVII), Xácara J. HIDALGO, Esperar, sentir, morir E. MOULINIÉ, Orilla del claro Tajo

Músicos

Ana Arnaz Nace en Huesca y comienza su formación musical a la edad de 9 años con canto y piano. Para finalizar el grado profesional de canto se traslada a Barcelona, es en el Conservatorio Superior del Liceo donde recibe el título en la especialidad de ópera con Mención de Honor. En 1997 se traslada a Basilea para especializarse en música antigua en la Schola Cantorum Basiliensis con los profesores Richard Levitt y Dominique Vellard. En este momento comienza su carrera profesional como solista junto con diferentes grupos de cámara como Gilles Binchois y La Cecchina (música antigua), Ex Luce (música contemporánea) y con el ensemble Vox Suavis (tradicional), grupo que ella misma ha fundado junto con Dominique Vellard. Ha actuado en festivales de música antigua y contemporánea en Francia, Italia, España, Alemania, Suiza y ha realizado varias giras en los Estados Unidos. Ha realizado diferentes grabaciones de música antigua y contemporánea,. Es profesora de canto en la escuela de música de Witterswill en Basilea y ha impartido cursos especializados en música antigua en diversos conservatorios de España, Francia, Suiza y EEUU.

Jesús Sánchez Madrid Realiza sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de esta ciudad. Se especializa en instrumentos antiguos con profesores como Hopkinson Smith, Gerardo Arriaga, y muy especialmente con Paul O´Dette. Desarrolla su actividad concertística tanto en España como en Francia, Hungría, Noruega, Portugal, Eslovenia, Rusia o Canadá. Tiene una veintena de registros discográficos en sellos tanto nacionales (Tecno-Saga, Arsis, etc..) como europeos ( Naxos, K617, Glissando, Brilliant Classics, etc….) Ha sido profesor el los conservatorios de Cuenca, Salamanca y San Lorenzo del Escorial y Actualmente es profesor del Departamento de Música Antigua del Conservatorio Profesional de Música “Arturo Soria” de Madrid. Ha sido profesor en los cursos especializados de Llanes (Asturias 1996), de la Comunidad de Madrid (San Lorenzo del Escorial- Madrid 1998 y 1999), en la Universidad de Debreçen (Hungría, 1999) y en los cursos internacionales del “Festival internacional de Música Antigua de Gijón” (2008). Y profesor de instrumentos antiguos y bajo continuo del “1º encuentro internacional de música antigua de Alcalá de Henares” (Madrid 2011).

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Notas al programa

Una de las características más importantes de la música barroca española, es una clara identificación con la música del pueblo, de tradición oral. Es una tendencia que se deja ver ya a finales del XVI para hacerse muy presente en el XVII: música culta y tradicional se alimentan la una a la otra hasta el punto de que en muchos casos resulta difícil poner líneas divisorias entre ellas. El teatro, arte en el que la música es parte importante, es una de las artes más apreciadas en la España del siglo de Oro y figuras como Lope de Vega, Calderón de la Barca, Tirso de Molina, etc.., se dirigen con sus obras tanto a la clase alta como al pueblo. Todo esto se ve reflejado en una música fresca, simple y fácil de oír que llega a cualquier tipo de público, ahora y entonces.

Una de las formas más conocidas e interpretadas en este siglo son los llamados Tonos humanos (para contrastarlos con los Tonos divinos, de tema religioso) como los que encontramos en el programa: arias cortas donde el estribillo alterna con las coplas.

La guitarra barroca, muy especialmente y el Archilaúd, aunque en menor medida y sobre todo en Francia, son algunos instrumentos del momento. Instrumentos con los que las cadencias rítmicas que identifican la música española se convierten en protagonistas, frente a las melodías y armonías.

La moda del castellano en Francia e Italia hace llegar nuestra música a estos países. Por esta razón compositores como Etiénne Moulinié (Francia) recogen melodías cantadas por la gente y las escriben con el acompañamiento de guitarra o laúd. Los “air de cour” como los que presentamos en este programa, están recogidos en las ediciones de Ballard realizadas en París entre 1608 y 1615.

Ana Arnaz

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ANA CISNEROS JAZZ TRÍO

Ana Cisneros voz, caja | Phil Wilkinson órgano Hammond | Carlos Pino guitarra

Ana Cisneros nos presenta su nuevo Trío. Con un concepto acústico innovador y minimalista, rinde homenaje a algunos de los más representativos tríos de la historia del Jazz como el de Nat King Cole o el de Ahmad Jamal, y a trabajos discográficos de algunas de las cantantes que han influenciado al jazz, con su estilo y conceptos, como Shirley Horn, Etta Jones o Dinah Washinton, entre otras.

Video: http://www.youtube.com/watch?v=GFvlMDaIvS8&feature=mfu_in_order&list=UL

Programa I remember… Yo recuerdo…

JERRY BOCK/GEORGE DAVIS WEISS, Too close for comfort Tradicional, Old Country LARRY YOUNG /ANA CISNEROS, Ritha RICHARD RODGERS/ LORENZ HART, This can´t bo love JULE STYNE / SAMMY CAHN, I fall in love too easily LESLIE BRICUSSE/ANTHONY NEWLEY, Pure imagination (De la película "Charlie and the chocolate Factory”) ANTONIO CARLOS JOBIM, So tinha que ser con vocé RALPH RAINGER/LEO ROBIN, If I should lose you PAUL McCARTNEY, Blackbird VINCENT YOUMANS/IRVING CAESAR, Tea for two JOHNNY BURKE/HARRY WARREN, Devil may care

Músicos

Ana Cisneros Málaga. Es una cantante reconocida a nivel nacional gracias a su versátil faceta como Cantante/Baterista. Desde hace algunos años combina ambos instrumentos en directo,Voz y caja, aportando a su trío un swing natural, ésta faceta la ha convertido en una de las cantantes mas originales del momento en éste país .Desde su llegada a Barcelona en el 2006 ha colaborado con músicos de la talla de Ignasi Terraza, Horacio Fumero, Abert Sanz, Jorgi Rossy, Perico Sambeat, Dave Mitchel, Dimitri Skidanov,entre otros. También ha liderado varias formaciones, una de ellas es su trío con el que ha editado su primer disco,“Ana Cisneros Trío & Friends” (2007-Edicions Singular)

Phil Wilkinson Reconocido internacionalmente como uno de los jóvenes músicos mas prometedores que emergen en Europa. Aparte de su conocida y reconocida faceta como organista, Phil Wilkinson es un pianista sutil y elegante, firme en su estilo y concepto, un reflejo de sus grandes influencias de maestros del piano como Oscar Peterson, Ahmad Jamal, Bill Evans...entre otros. Como organista forma parte del trío “Fast 3”,con el ha editado dos discos en Estados Unidos y Japón y ”Ximo Tébar Trio”.También ha colaborado con grandes músicos como George Braith (Blue Note) Gareth Lockrane, Joe Magnarelli (New York).

Carlos Pino Sevilla. Uno de los guitarristas más reconocidos en la escena del jazz en Andalucía. Ha formado parte de grupos de diversos estilos musicales, liderando y colaborando con formaciones en las que primará el Jazz y la música improvisada, y en las que se aparecen nombres de la escena jazzística nacional e internacional como Francis Posé, David Lenker, José Vázquez “Roper”, Joe Quitzke, Juan Galiardo, Coki Giménez, Pedro Cortejosa, Perico Sambeat, Juan Rossler, Stratos Vougas, Jorge Pardo, Allan Skidmore, Ana Cisneros, Arturo Serra, Ernesto Aurignac, Julián Sánchez, Dani Domínguez, Kike Perdomo, Enrique Oliver, Dimitri Skidanov, Louis René Portellano y Phil Wilkinson, entre otros. Ha participado en diversos Festivales de Andalucia, Toledo, Francia y Ceuta. En la actualidad es integrante del trío Toonik, en el que pone de manifiesto su faceta de intérprete y compositor del repertorio del grupo.

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ANNA MARÍA FRIMAN + MICHAEL FORM + ARIEL ABRAMOVICH

Anna Maria Friman soprano | Michael Form flauta de pico | Ariel Abramovich viola da mano

Ottaviano Petrucci, impresor y editor italiano, revolucionó las técnicas de impresión musical inventando el sistema de tipos móviles. En 1501 publicó Harmonice Musices Odhecaton, primera obra íntegramente musical editada con este método.

El programa de hoy presenta, entre otras, obras publicadas por Petrucci que sin duda revolucionaron el gusto musical de un sector social que en aquel entonces se hallaba en auge. También recorre algunos de los "hits" del Renacimiento y los comentarios en música (glosas, contrafacta, disminuciones, etc) que éstos generaron.

Las "frottole", madrigales y "chansons", puestas en música con distintos textos poéticos y diversas estructuras, son ejemplos del desarrollo de las técnicas compositivas del S. XVI, que nunca estuvieron del todo desvinculadas a la palabra escrita.

Los "ricercari", obras instrumentales sin estructura fija, de carácter improvisatorio y a menudo idiosincrásico; ofrecen otra perspectiva de la praxis musical renacentista.

Programa Fui felice in un momento (Música y poesía en la Italia del Renacimiento) | Acordes

MARCHETTO CARA (1470-1525) Ostinato vo' seguire - O mia cieca e dura sorte

ORLANDO DI LASSO (1532-1594), Susanne ung jour

FRANCESCO SPINACINO (fl.1507), Ricercar

BARTOLOMEO TROMBONCINO (1470-1534), Quel foco che mi pose in cor el sguardo

MARCHETTO CARA, Io non compro più speranza

CIPRIANO DE RORE (ca.1515/1516-1565), Anchor che col partire

MARCHETTO CARA, D’ogni altra haria pensato

HEINRICH ISAAC (1450-1517), De tous biens playne

COSTANZO FESTA (ca.1485/1490-1545), Contrapunti sopra La Spagna

JOAN AMBROSIO DALZA (fl.1508), Calata ala spagnola ditto terzetti

ANTONIO CAPRIOLI (1425-1475), Fui felice in un momento

HAYNE VAN GHIZEGHEM (ca.1445-1495) Sotto un verde e alto cupreso - De tous biens playne

FRANCISCUS BOSSINENSIS (fl.1509/1511), Non e tempo d'aspetare

FRANCESCO SPINACINO (fl.1507), Ricercar MARCHETTO CARA, Per dolor me bagno el viso

Músicos

Anna Maria Friman Gotemburgo, Suecia. Es miembro del grupo vocal escandinavo Trio Mediæval (www.triomediaeval.no) especializado en música medieval, baladas y canciones tradicionales noruegas, y trabajos contemporáneos escritos especialmente para el grupo. El trío ha realizado una intensa actividad concertística en Europa desde sus inicios en 1997, y en los Estados Unidos desde 2003, donde el grupo se presentó en treinta estados. El trío publicó cinco discos en el sello discográfico ECM (www.ecmrecords.com), y en 2008 su álbum "Folk Songs" fue nominado para los premios Grammy en la categoría "mejor interpretación de música de cámara". En 2010 Anna obtuvo el doctorado en "Filosofía de la Música", por la Universidad de York (Gran Bretaña), donde realizó un trabajo de investigación sobre la interpretación moderna, por mujeres, de música medieval. Entre 2002 y 2007 enseño, en dicha universidad, canto y conjunto vocal. Como solista, tiene proyectos junto a Gavin Bryars Ensemble, Bang on a Can All-Stars, Tord Gustavsen Trio, Red Byrd, Rolf Lislevand, Hille Perl and Lee Santana, John Potter, Ariel Abramovich, Arve Henriksen, The Latvian Radio Choir, Philippe Pierlot y Collegium Vocale Gent. (www.annamariafriman.com)

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Michael Form Mainz (Alemania), 1967. Flautista y director de orquesta. Se especializó en música Renacentista en la Schola Cantorum Basiliensis (Basel). Michael Form obtuvo varias becas de fundaciones prestigiosas y ha sido galardonado en numerosos concursos como ARD (Munich), ICARE (París), Concour Musica Antiqua (Brujas). En la actualidad, Michael Form trabaja principalmente como con su ensamble Les Flamboyants. 1988 ha sido profesor en la Johannes Gutenberg-Universität Mainz, desde 1996 es profesor en la Hochschule der Künste Bern. Ha dado master clases por todo Europa. En 2002 comenzó una segunda carrera como director de orquesta. En el festival “Winter in Schwetzingen” varias óperas de Antonio Vivaldi fueron producidos bajo de su dirección. En la próxima temporada Michael Form va a dirigir «Alessando» de Händel en Karlsruhe y la «Rappresentatione» de Emilio de’ Cavalieri en Frankfurt. Actualmente Michael Form vive en Granada.

Ariel Abramovich Buenos Aires, 1976. Se inicia en la guitarra y la música latinoamericana, estudiando luego guitarra clásica. Deslumbrado por el fascinante repertorio para laúd y vihuela del siglo XVI, decide dedicarse en exclusiva a él. Estudia con Hopkinson Smith en la Schola Cantorum Basiliensis y más tarde con Eugène Ferré en Francia. Funda en 1998 El Cortesano, junto a José Hernández Pastor, con quien graba dos discos para los sellos Arcana y Carpe Diem. Trabaja junto al tenor británico John Potter, con quien grabó para la casa alemana ECM un primer registro. Colabora con destacados especialistas internacionales de la música antigua (Anna Maria Friman, Jacob Heringman, Eugène Ferré, etc). Combina la actividad escénica con la labor docente en los cursos de Música Antigua de Prachatice (República Checa), la primera Bremen Lautenakademien (Bremen, Alemania), Universidad Jaime I de Castellón y distintos conservatorios de América del Sur.

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AQUITANIA

Leonor Bonilla canto, percusiones tradicionales | Emilio Villalba arpa, oud árabe, viola de teclaas, zanfona, rabel | Juan Manuel Rubio zanfona, laud medieval, viola | Elena Escartín flautas de pico

Toda música de gran belleza está por encima del tiempo, nunca muere, pero siempre lleva la marca de su época. El intérprete tiene que sumergirse en esta época para que pueda hacer que esta música hable por sí misma después de tantos siglos de silencio.

Aquitania se compone de músicos con una amplia experiencia en la música antigua y tradicional reunidos en este proyecto dedicado a los repertorios de la vieja Europa medieval para ofrecer un recorrido por cantigas de trovador, romances medievales, estampidas reales de los cancioneros más representativos

Se interpretan estas piezas con aire desenfadado, con frescura pero sin olvidar el sentido del rigor musicológico e histórico que requiere este repertorio, con la motivación de dar vida a estas bellas y viejas melodías

Videos: http://www.youtube.com/watch?v=eaHeSY4bhIs&feature=mfu_in_order&list=UL http://www.youtube.com/watch?v=GFvlMDaIvS8&feature=mfu_in_order&list=UL

Programa Leyendas de Amor y Sangre | 650 Aniversario de la muerte de María de Padilla

O Virgo splendens (Llivre Vermell, Montserrat, s.XIV) Plus dure que un dyamant (Guillame Machaut) Ussak Saz Semai (Trad. Siria) Ecco la primavera (Francesco Landini) In pro (An. Italia, s.XIV) Mariam matrem (L.V., Montserrat, s.XIV) La Rotta (An. Italia, s.XIV) Imperayritz de la ciutat joiosa (L.V., Montserrat, s.XIV) Huseyni Pesrev (Trad. Turquía)

Músicos

Leonor Bonilla Obtiene el título de especialidad en Danza Española en el Conservatorio Profesional de Danza de Sevilla. Participa en un gran número de espectáculos en varios escenarios y televisión; destacando el Teatro Central (Sevilla), o el Teatro de la Maestranza con la Compañía Nacional de Danza de María Pagés. Es Diplomada en Magisterio Musical, y estudia Canto lírico en el Conservatorio Profesional de Sevilla. Forma parte de la Compañía Sevillana de Zarzuela como coreógrafa, bailarina y soprano solista. Pertenece al Coro Joven de Andalucía y al Coro del Teatro de la Maestranza; trabajando bajo la dirección de Michael Thomas y Pedro Halffter entre otros, en numerosas obras sinfónico-corales,ópera y zarzuela.

Emilio Villalba Arreglista, compositor e intérprete. Es maestro de Educación Musical, Musicoterapeuta. Su interés por la música antigua, étnica y tradicional le ha llevado a estudiar de forma autodidacta multitud de instrumentos de cuerda antiguos: Laud árabe, zanfoña, arpa medieval, santur persa, viola... además de iniciarse en la construcción de instrumentos musiclaes.

Juan Manuel Rubio Multiinstrumentista, de orientación esencialmente autodidacta, nacido en Jerez de la Frontera. Su interés por la música antigua, étnica y de corte tradicional le ha llevado a progresar en un itinerario musical a través de distintos instrumentos. A partir de una intensa labor profesional mantiene una formación contínua que hoy día le ha hecho especializarse en la interpretación y estudio de diversos instrumentos: Zanfona, Viola de arco, Arpa, Saz, Oud, Santur, Laúd, etc… En la actualidad es integrante de diversas formaciones como Artefactum, Capella de Ministrers, Ross Daly, Dufay Collective...

Elena Escartín Nacida en Zaragoza. Ha estudiado en los conservatorios profesionales de Zaragoza y Sevilla con Joan Miró, Anna Marguules y Vicente Parrilla. Su pasión por el instrumento le ha llevado a un viaje sin fin por ampliar conocimiento y madurez musical de la mano de grandes maestros como Peter Holtslag, Carin Van Heerden, Guillermo Pelñalver, Paul Leenhouts... entre otros. Como solista es integrante de grupos como Vuelo Barroco y Diabolus Musicae, de interesante trayectoria en diversos festivales de música antigua nacionales, además de estar en una continua comunicación con otros proyectos de música medieval, renacentista y barroca.

Notas al programa

La historia de María de Padilla (1334-1361) es una historia silenciosa, asociada siempre a la figura de Pedro I de Castilla (1334-1369), su amante y marido. Como suele suceder con casi todas las mujeres que la Historia sólo atisba, y aunque son trascendentales para la conformación del carácter de los grandes hombres que sí trascienden, María de Padilla queda para la Historia de España como la “muy fermosa, e de buen entendimiento e pequeña de cuerpo” que nos trasladan las crónicas de la época. 13

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A mediados del siglo XIV este país estaba convulsionado por varias fiebres mortales, las que provocaba la peste, y las que provocaban las guerras internas, la civil entre Castilla y Aragón y la de la conquista del territorio a los musulmanes, y externas por el dominio del Mediterráneo. Muy probablemente Doña María muriera de la misma peste, no sin antes haber dado tres vástagos a su posteriormente reconocido marido, Pedro I el Cruel, y haber suavizado y compensado con ternura el carácter iracundo y vengativo de éste.

El grupo Aquitania aprovecha este espacio histórico del Alcázar para rendir culto a las mujeres olvidadas por esa Historia contada por hombres, y ahora cantada por mujeres. El programa recorre las principales tradiciones musicales presentes en Europa en el siglo XIV, desde el novísimo Ars Nova de Machaut o Landini, o las virtuosas piezas instrumentales del Trecento italiano, hasta las primeras polifonías del Llibre Vermell de Montserrat. Sin olvidar la tradición islámica aún tan presente en la época, de la mano de piezas clásicas de Turquía y Oriente Medio.

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ARIANNA SAVALL + PETTER U. JOHANSEN

Arianna Savall soprano, arpa gótica, arpa triple barroca | Petter U. Johansen tenor, hardingfele y mandolina

«Una creación mediterránea inspirada en la leyenda taoísta de esta antigua arpa oriental»

Una leyenda taoísta nos narra la historia de Peiwoh, príncipe de los arpistas, creador de un arpa encantada, que había perdido su voz, su sonido, y escuchándola, dejando que expresara su realidad, su música, logró hacerla vibrar de nuevo, cantando con ella a la naturaleza, al amor, a la guerra. Músicas tradicionales, improvisaciones y músicas de creación propia nos guían por un cuento mágico y místico; un canto a la vida, un homenaje a las arpas.

Arianna Savall

Videos http://www.youtube.com/watch?v=kmsMJgABPa0&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=r_zRyZq_I1k http://www.youtube.com/watch?v=v3Xptfn2DnA&feature=related

Programa Peiwoh. Cantos espirituales del sur y del norte

Peiwoh (A. Savall) Bendik og Aarolilja (A. Savall / P. Johansen)

Adoucit la Mélodie (Rumi/A.Savall) Yo me enamorí de un ayre (Tradicional sefardí / A. Savall)

Anima Nostra (A. Savall) The water is wide (Tradicional escocesa / P. Johansen) Penselströk (Rolf Egil Moel / P. Johansen)

La Salve (Arianna Savall)

The wayfaring stranger (Canto espiritual negro/ P. Johansen)

Tarantela (L.R. de Ribayaz, siglo XVII)

Preghiera (San Francesc de Assís /A. Savall)

El Mariner (Tradicional catalán/ Arr. A. Savall)

Notas al programa

En torno a la leyenda china que narra el nacimiento del arpa gracias al bardo Peiwoh, alegoría del «arte como acto sagrado», ARIANNA SAVALL propone un viaje musical a través de la geografía y el tiempo. Alternando páginas de la música tradicional (melodías sefardíes, catalanas, españolas, celtas e incluso noruegas) y composiciones propias, la cantante y arpista crea un universo sonoro y poético eminentemente personal, mezclando con asombrosa naturalidad las prácticas musicales adquiridas a lo largo de su carrera con una diversidad excepcional y que abarca todas las músicas. Acompañándose del arpa triple o celta, Arianna Savall lleva a cabo una caracterización refinada y sutil de cada clima y hace centellear los mil y un colores de las cuerdas pulsadas. Resulta inútil recordar también que la voz se engalana, como de costumbre, con una luz que es por turnos calurosa y diáfana, con una disciplina perfecta y, sobre todo, con esa capacidad de convocar las inflexiones líricas como los fulgores tan naturales del canto tradicional.

Además, la cantante ha reunido a su alrededor a unos músicos excepcionales, del norte y del sur, surgidos también ellos de horizontes estéticos muy diferentes, pero virtuosos en el paso de una estética a otra. Agrupados como HIRUNDO MARIS (denominación latina de la golondrina de mar), el grupo se revela del todo fiel a su nombre, pasando de un continente a otro, de una época a otra con una felicidad constante, creando para cada pieza una atmósfera de mil reflejos perfectamente definida, con la constante de ese calor mediterráneo que forma parte del patrimonio musical irreductible de Arianna Savall. En una época en la que no dejamos de interrogarnos sobre los puentes entre los repertorios musicales, entre las prácticas cultas y los legados inmemoriales de las tradiciones orales, nos encontramos ante una originalidad excepcional y ante una calidad musical irreprochable.

Yutha Tep

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Músicos

Arianna Savall Basilea, Suiza, 1972. Nacida en el seno de una familia de músicos catalanes, Arianna Savall Figueras inicia los estudios del arpa clásica con Magdalena Barrera y en 1991 comienza, paralelamente, sus estudios de canto con Maria Dolors Aldea en el conservatorio de Terrassa, donde finaliza sus estudios de canto y arpa.En 1992 se inicia en el estudio de la interpretación histórica con Rolf Lislevand en el Conservatorio de Toulouse (Francia) y asiste a diferentes cursos con Andrew Lawrence-King, Hopkinson Smith y con sus padres Montserrat Figueras y Jordi Savall.En 1996 regresa a Suiza para hacer un “Aufbaustudium” de canto con Kurt Widmer en la Schola Cantorum Basiliensis y al mismo tiempo se especializa en arpas históricas con Heidrun Rosenzweig. En el año 2000 canta por primera vez la ópera barroca en el Theater Basel “Opera Seria” (Viena 1769) de Florian Leopold Gassman bajo la dirección de Carlos Harmuch. En el 2002 debuta en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con l’Orfeo de Claudio Monteverdi interpretando el rol de Eurídice bajo la dirección de su padre, Jordi Savall. Esta ópera se graba en DVD para la BBC y opus arte y la crítica elogia el espectáculo como una de las versiones más bellas y mágicas de l’Orfeo.Interpreta el rol de Casilda en la ópera “Arianna”, un pasticio de Haendel en el Teatro Scala de Basilea y participa en el espectáculo “Sueños y Folías” como cantante y arpista en el Teatro Liceo de Salamanca y canta “Celos aún del ayre matan” una ópera de Juan Hidalgo en el Auditori de Barcelona y en el Konzerthaus de Viena. También participa como solista en el The Fairy Queen de Henry Purcell con la Main Barockorchester Frankfurt, y canta el rol de Clorinda en Il Combattimento di Tancredi e Clorinda de C. Monteverdi con Le Concerts des Nations. Desde 1997 colabora en conciertos y grabaciones con Hespèrion XXI, y graba su primer disco - donde acompaña a su madre al arpa -“Tonos Humanos” de José Marín (Alia Vox) que obtuvo el “Diapason d’Or”.Participa en numerosas grabaciones de Alia Vox como cantante y arpista. Entre ellas, cabe mencionar “Don Quijote” que recibe el premio por unanimidad “Record of the year” (Midem Classical Awards 2006), el primer disco en familia “Du temps et de l’instant” nominado finalista a los premios de la música de la SGAE en 2005 y “Lux Feminae” última novedad de Montserrat Figueras.Paralelamente participa y graba también con otros grupos como Mala Punica “Helas Avril” (ERATO), Ricercar Consort “Sopra la Rosa” (MIRARE) con Rolf Lislevand “Alfabeto“ (NAÏVE), con Pedro Estevan “El aroma del tiempo” (GLOSSA), Il Desiderio “Jouissance vous donneray” y “ Vergine Bella”(AELUS), cantando como solista en las Vespres de Monteverdi con LA FENICE, bajo la dirección de Jean Tubery y también con la Capella Reial de Catalunya, en 2004 canta en el concierto dedicado a M.A. Charpentier en Versalles, grabado por MEZZO, en “Membra Jesu” de Buxtehude en Graz (Austria) y en La Missa en Si menor de J.S. Bach. Arianna Savall Figueras ha actuado por Europa, Escandinavia, Estados Unidos, Suramérica, Australia, Japón, Nueva Zelanda e Israel.Su pasión por la música antigua y por la improvisación la lleva al otro extremo, la música contemporánea, donde inicia una intensa colaboración con el compositor suizo Conrad Steinmann sobre la recuperación de la música griega antigua y los poemas de Safo. Fruto de este trabajo es un disco muy apreciado por la crítica “Melpomen” (HARMONIA MUNDI).Un trabajo muy experimental es el último disco de Rolf Lislevand “Nuove musiche” (ECM2006) donde Arianna Savall Figueras participa como cantante y arpista. En junio del 2006 interpreta como cantante la obra para soprano y nueve instrumentos modernos de la compositora estoniana Helena Tulve (1972) “Lijnen” en Tallin, que es grabado para ECM con el grupo Nyyd Ensemble bajo la dirección de Olari Elts, con quien actúa también en la Opera de Rennes, cantando Quatre Instants de K.Saariaho. Con Helena Tulve inicia diversos proyectos que se estrenan en la Ópera de Mónaco Equinoxe de l’Ame y Arboles lloran por lluvia con Vox Clamantis. En el 2008 participa en el Carmina Burana de C. Orff bajo la dirección de Manel Valdivieso y canta L’abbé Agathon d’Arvo Part con el conjunto Cello Octet Amsterdam. Sus caminos como cantante y arpista se fusionan en su primer disco en solitario “Bella Terra” (ALIA VOX) donde interpreta sus composiciones y actúa en numerosos festivales con su conjunto, entre ellos el festival de World Music “Sfinks” (Bélgica 2004) y “Stimmenfestspiele” (Suiza, 2005). Cantar acompañándose del arpa es una tradición ancestral que Arianna Savall Figueras quiere recuperar a través de la música antigua y la nueva creación musical.Del 2006 al 2007 inicia un postgrado en el ESMUC (Conservatorio Superior de Música de Barcelona) sobre el arpa barroca española con Andrew Lawrence-King. En 2009, crea junto a su compañero, Petter Udland Johansen, el conjunto Hirundo Maris, especializado en la música antigua y la creación propia. El núcleo creativo es la música mediterránea y nórdica, fruto del extenso trabajo en conjunto, que como el ave migratoria, reencuentra los caminos de mar y música que han unido desde tiempos remotos los países escandinavos con la península ibérica. A finales del 2009 está previsto que aparezcan dos discos nuevos, con Alia Vox y Alpha.

Petter Udland Johansen Oslo, Noruega. Realizó sus primeras experiencias como cantante en su ciudad natal. En 1996 obtuvo su diploma en la Norges musikk Høyskole con los profesores Ingrid Bjoner y Svein Bjorkoy. En el año 2000 finalizó el postgraduado en la Schola Cantorum Basiliensis con Richard Levitt. Actualmente recible clases del tenor Alemán Hans Peter Blochwitz para ampliar sus capacidades musicales. Ha sido solicitado tanto para interpretar música antigua, como para Opera o el género musical. Participó en la producción de Jordi Savall Orfeo de Claudio Monteverdi en el Teatro Real de Madrid y el Liceu de Barcelona, también interpretó a King Minos en Arianna de Händel en el Teatro la Scala de Basel y a Bellmonte en Die Entführung de Mozart en el teatro de Eggenfelden en Alemania. Asimismo ha participado en conciertos de música sacra (misas y oratorios): interpretó el papel de Evangelista en el Oratorio de Navidad y en la Passión según San Juán de J. S. Bach en París y Berna respectivamente, en la Pasión según San Mateo de Bastianis y en la Pasión según San Juán de Schütz. Interpretó al tenor solista en Carmina Burana bajo la batuta de Pep Prats en Barcelona, y el Requiem de Mozart en Basel. Ha grabado con diferentes grupos entre los cuales Ferrara, Lucidarium, Dominique Vellard, Sagene Ring y Pratum Musicum, con los cuales efectuó en 2005 su primera grabación en solitario, con las obras de Carl Michael Bellman. También ha interpretado a Jesús en Jesus Christ Superstar en el volkstheater Rostock, a Marius en Les Miserables en el Saarbrücken Staatstheater y a Tony en West Side Story en el teatro musical de Aargauer. Dispone de un extenso repertorio de música de cámara con Arianna Savall (soprano y arpa), recitales con música de Schubert, Schumann y Grieg adompañado de Jan Fredrik Heyerdal al piano, canciones barrocas alemanas con Jakob Ruppel al laud y música sacra contemporánea con Christer Lovold al órgano.

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ARTEFACTUM

Días 1, 15 y 29 de agosto: José Manuel Vaquero organetto, zanfoña | Juan Manuel Rubio zanfoña, viola | Álvaro Garrido percusiones | Ignacio Gil flautas

Día 11 de septiembre: + Francisco Orozco cuerdas pulsadas, canto

Artefactum sabedor de que ni el aburrimiento ni la solemnidad casi litúrgica que envuelven los conciertos son características de la música antigua, y de que ningún jugar ni ministril usó jamás chaqué, se propone devolver al repertorio medieval la frescura y la espontaneidad de las composiciones que interpreta, sin renunciar por ello al rigor ni a las conquistas de la moderna investigación musicológica.

A través de una concepción abiertamente plástica de la puesta en escena que se suma al atractivo visual y sonoro de los instrumentos, siempre fieles copias de originales de la época, la propuesta de Artefactum es, en definitiva, un viaje a través de la Edad Media: por sus bulliciosas tabernas y por el recogimiento de sus monasterios, por fétidas y heladas calles y por cocinas cálidas y aromáticas... desde luego, sin los riesgos de contraer la peste negra o sufrir un proceso inquisitorial por herejía.

Creado en 1994 para la recuperación y difusión del repertorio musical de la Edad Media, Artefactum se ha convertido en uno de los grupos más representativos dentro del panorama de la Música Medieval en España, como lo muestra su participación en los más prestigiosos festivales de Música Antigua de nuestro país (Barcelona, Madrid, Gijón, Festival Internacional de Úbeda y Baeza, Toledo, Valladolid, Pamplona, Noches en el Real Alcázar de Sevilla, Olivares, Aracena, Jerez, Gerona, Cáceres, Albacete, Ciudad Rodrigo, Estella, Portugalete, Córdoba, El Escorial, Sos del Rey Católico, Oropesa..) y las frecuentes invitaciones como representante español a festivales que se llevan a cabo más allá de nuestras fronteras (Italia, Portugal, Francia, Marruecos,...).

Artefactum pretende, a través de su repertorio, configurar una amplia visión del mundo y la cultura en la Edad Media. Con éste fin, el grupo ha elaborado una cuidada selección de temas, tanto del ámbito religioso como de la cultura popular, que tuvieron su esplendor en la Europa de los siglos XII, XIII y XIV. Desde las Cantigas de Alfonso X, hasta las piezas del Carmina Burana – donde tan fielmente queda plasmado el medievo profano, de los sentidos, con canciones dedicadas al amor, al vino, a la primavera...; pasando por una amplia selección de danzas populares, sin olvidar una obligada referencia a la España de las Tres Culturas, a través de la recreación de fragmentos de nubas, canciones sefardíes y temas de la tradición cristiana. Con todo este bagaje músico-cultural, Artefactum ha confeccionado una serie de programas donde intenta recrear, fuera de cualquier visión pretenciosa, el apasionante y, generalmente desconocido, mundo de la Europa Medieval.

Programa Tacuinum Sanitatis (Músicas para el buen vivir)(Danzas anónimas italianas del siglo XIV)

Tre Fontane Bellicha Principio di Virtu Lamento de Tristano y Rotta Isabella In Pro Parlamento Trotto Ghaetta Saltarellos

Este programa puede sufrir modificaciones que serían oportunamente puntualizadas por los miembros del grupo durante el concierto.

Músicos

Álvaro Garrido Sevilla. Músico autodidacta. Buscador de sonidos. Su repertorio abarca desde la música antigua hasta la música experimental. Especialista en percusiones de mano, ha recibido clases en The Berkley School of Music (Boston, E.E.U.U.) asistiendo a cursos de perfeccionamiento con maestros como, entre otros, Glen Velez, John Bergamo y Pedro Estevan. Conciertos en Alemania, Austria, Checoslovaquia, EEUU, Francia, Grecia, Italia, Japón y Portugal. Grabaciones para TVE, TV2, TV3, Canal Sur y RNE. Integrante, entre otros, de los grupos Artefactum, Orphenica Lyra, Accademia del Piacere, Música Prima, More Hispano, Caravasar, Estambul, Zejel, L´Ham de Foc... Músico habitual del violagambista Paolo Pandolfo y de la cantante israelí Yasmin Levi. Asimismo ha colaborado con músicos de flamenco como Gualberto, Dorantes, Eduardo Trassierra e Israel Galván.

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Juan Manuel Rubio Multiinstrumentista, de orientación esencialmente autodidacta, nacido en Jerez de la Frontera. Su interés por la música antigua, étnica y de corte tradicional le ha llevado a progresar en un inagotable itinerario musical a través de distintos instrumentos. A partir de una intensa labor profesional mantiene una formación contínua que hoy día le ha hecho especializarse en la interpretación y estudio de diversos instrumentos: Zanfona, Rabel, Viola de arco, Kemanja, Arpa, Qanun, Baglama, Saz, Oud, Santur, Laúd, etc… En la actualidad es integrante de diversas formaciones como Artefactum, Capella de Ministrers, L´Ham de Foc, Ross Daly, Dufay Collective,…

Ignacio Gil Sevilla, 1970. De formación autodidacta este talentoso multi-instrumentista de viento ha realizado cursos de perfeccionamiento con Bob Moses, Ho Yun Kim, Chip Jackson y Stan Strickland. Ha pertenecido a formaciones tanto de música del medievo como de grupos de orientación étnica, con los que ha recorrido la geografía española durante los últimos diez años y con los que posee varios registros discográficos Caravasar (La ruta de la seda, 1998) y Arte Factvm (Tempus est Iocundum, 2001). Compositor de música para teatro. En su faceta de músico de estudio y acompañante ha realizado numerosas giras por todo el mundo con artistas del ámbito flamenco como David Peña Dorantes (Teatro Nacional de Tokio, Festival de Mont de Marsans en Francia), Gualberto, Lebrijano o el bailaor Javier Barón. Es también componente del grupo Caponata Argamacho.

José Manuel Vaquero Sevilla. A los ocho años de edad ingresa en el Conservatorio Superior de Música de la misma ciudad, obteniendo, en los últimos años de sus estudios en el centro, las mejores calificaciones. Estudia piano de la mano de José Manuel de Diego y posteriormente, realiza varios cursos de dirección coral con Luis Izquierdo y Luis Elizalde. En el campo de la música antigua toma clases de flauta barroca con Aldo Abreu, de zanfoña con Pascal Lefevre y de organetto con Guillermo Pérez. En el año 1987 funda el octeto vocal "Polimnia" y en 1994 es cofundador del grupo "Artefactum", especializado en el repertorio de la Edad Media, grupo con el que ha realizado conciertos y giras por toda España, participando en numerosos festivales dedicados al repertorio antiguo, como Festival de Música y Danza de Granada, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de Vigo, Festival de Música Antigua de Barcelona, Festival de Música Antigua de Úbeda-Baeza, Festival de Música Antigua de Daroca, Festival de Música Antigua de Aracena, Festival de Música Antigua de Sevilla, Música Antigua de Tiana, Festival de Las Tres Culturas, Festival de Málaga, etc. Colabora frecuentemente con otros grupos dedicados al repertorio de la música antigua, entre los que hay que señalar el ensemble "Armoniosi Concerti". Ha realizado numerosas grabaciones para los sellos Lindoro, Pasarela y Harmonía Mundi, entre las que se deben mencionar "De la taberna a la corte", “Tempus est iocundum”, "En el scriptorium" (premio CD-COMPACT 2008) y “Saltos, brincos y reverencias” con el grupo Artefactum y "Zarambeques" con Armoniosi Concerti.

Francisco Orozco Cali, Colombia. Después de estudiar en el Conservatorio Nacional de Música y la Escuela de Arte Dramático de Bogotá, se traslada a París donde estudia en la Escuela Normal Superior de Música, en el Departamento de Musicología de la Universidad de la Sorbona y, simultáneamente, en el Conservatorio Experimental de Pantin. Se especializa en los instrumentos de cuerda pulsada (laúdes y guitarras), trabaja la técnica vocal con Irene Jarski, Odille Pietti (de la ópera de París) y con Eva Pía la pedagogía de la voz. Investiga sobre la historia del canto y su técnica en el mundo y Europa, sobre el concepto de voz de carácter para la interpretación de repertorios anteriores a la formalización de las voces en tenor, contratenor, etc. Se inspira en los laudistas cantores italianos del Renacimiento (cantore al liuto) que sabían y debían cantar grave como agudo (shakespeare « la noche de los reyes »). Asume durante varios años la enseñanza de la técnica vocal y pedagogía de la voz en la Escuela de Arte Dramático del Teatro Nacional de Chaillot de París. Compone música para teatro: La noche de los reyes y La fierecilla domada de W. Shakespeare, del director Jerome Savari; para varias películas en Colombia, o para la radio en France Musique. Es músico actor en teatro (Fausto de A. Vitez) ; en cine (Perceval de Eric Rhomer). Como solista es miembro de diferentes formaciones de renombre internacional como Alegría de París, Sonare et Cantare Amadis, Allegorie, Arte Factvm, Música Prima o Tempus, entre otros. Francisco Orozco no cesa de divulgar la musica medieval y renacentista así como aquella del barroco latinoamericano hasta nuestros días.

Conciertos más relevantes

Festival Il Canto delle Pietre. Lombardía (Italia) | XXI Festival de Música Antigua. Barcelona | II Semana de Música Antigua. Gijón | XIII Semana de Música Antigua. Beja (Portugal) | Conciertos de Música Antigua. Comunidad de Madrid | I Semana de Música Antigua. Huesca | V Muestra de JJ.MM. de España. Toledo | Ciclo Conciertos Familiares. Fundación La Caixa | Festival Música en los Jardines del Alcázar. Sevilla | Veladas de Pimentel. Valladolid | VIII y IX Ciclo Música als Castells. Lleida | Congreso Internacional de las Tres Culturas. Girona | III Muestra de Música Antigua de Aracena. Huelva | V Festival Internacional de Música Antigua de Úbeda y Baeza | Circuito Andaluz de Música. Junta de Andalucía | Setecientos aniversario del Monasterio de San Isidoro del Campo. Sevilla | III Ciclo Música de las Tres Culturas. Córdoba | Clásicos en verano. Madrid | Festival de Música Antigua de Óbanos. Pamplona | Festival de Música Antigua de Estella. Navarra | Jornadas Medievales Besalu. Gerona | III Festival de Música Antigua Española. Cáceres | Jornadas Medievales de Alburquerque. Cáceres | XII Festival Internacional del Camino de Santiago. Sos del Rey Católico | Noches de Arte y Música en el Call. Girona | XV Festival Internacional de Música y Danza. Úbeda | Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo del Escorial. Madrid | I Festival de Música Antigua. Málaga | Festival de Música Antigua. Cartagena | 65 Quincena Musical Donostiarra. San Sebastián | XII Muestra de Música Antigua de Olivares. Sevilla

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AXABEBA

Mª Dolores García canto, percusiones | Ignacio Gil axabeba, flautas de pico y doble, cornamusa, gaita José Luis Pastor cuerdas medievales, coros. Dirección

Referente Músical Medieval, AXABEBA ha llevado su inconfundible concepto sonoro por toda Europa: Winter festival Sarajevo, (Bosnia- Herzegovina), Istres, Marsella (Francia), Festival III Culturas Almada (Lisboa), Internacional Sefardí Córdoba, III Culturas Toledo, Medieval Alarcos (Ciudad Real), Música Antigua de Gijón, III Culturas Murcia, III Culturas Córdoba, “Música & Arquitectura” Huelva, Festival “Ruta de Al-Mutamid” (Portugal), Gira Azores (Portugal), Tiana (Barcelona)…

Clases magistrales, conferencias, artículos en revistas especializadas y workshops sobre Música medieval: Sociedad de la Vihuela, Conservatorios “Arturo Soria” y “Moreno Torroba” (Madrid), Festival Medieval Alarcos (Ciudad Real), Conservatorio Beja (Portugal), Universidad Huelva (Cursos Aracena/Festival Música Antigua), Jornadas Medievales Sta. María da Feira (Oporto), Obanos (Navarra)…

Este bagaje es el resultado de afrontar el estudio de este periodo Músical con criterios estéticos y de interpretación de corte historicista y profundizando en la recuperación del instrumental medieval en base a los escasos vestigios existentes y a un riguroso estudio de la iconografía.

Programa María de Padilla & Pedro I El Cruel. Tras la huella… | 650 Aniversario de la muerte de María de Padilla

Cantiga de Palencia (Alfonso X) Morena me llaman (judeo-español) Byrd one brere (canción inglesa) Danza Instrumental El Rey de Francia (judeo-español) Partos trocados (judeo-español) Cantiga de Castrogeriz (Alfonso X) Danza Instrumental Cantiga de Palencia y Sevilla (Alfonso X)

Notas al programa

En el presente recital, AXABEBA se sumerge en la Edad Media española, de la mano de un singular personaje de este periodo, María de Padilla. Su lugar de nacimiento (Astudillo, en Palencia), su pertenencia a una renombrada familia de la merindad de Castrogeriz, en Burgos, su relación con el Rey Pedro I El Cruel, las intensas relaciones de este con la comunidad judía que en estas fechas cohabitaba la península ibérica, con su secretario judío, Samuel Leví, los hijos que ambos tuvieron, emparentados con la monarquía inglesa, en cuyas manos estuvo a punto de caer el reino de Castilla…, su muerte, reconocimiento como esposa de Pedro I y por tanto, como reina, y el traslado de sus restos a la catedral de Sevilla, donde descansan junto a los del rey.

AXABEBA recrea cantigas de Palencia, Castrogeriz y Sevilla, junto a piezas de la tradición judía que abordan temas de vital importancia en la vida de María y Pedro, como son la eterna espera del amor (morena me llaman), las relaciones con el rey de Francia (el rey de Francia), o los hijos que deberían ser herederos y no lo son (partos trocados). Las uniones de sus hijas con los hijos del rey Eduardo III de Inglaterra, son reflejadas en el programa con dos danzas inglesas y una preciosa canción de amor, también inglesa (byrd one brere), “pájaro sobre un espino”.

Músicos

Mª Dolores García Estudia canto en los conservatorios de Santiago de Compostela y de Córdoba, con los profesores Carmen Blanco, Carlos Hácar,... Realiza cursos con Esperanza Abad, Lucien Kandel, Lambert Climent,… Ha interpretado El Amor Brujo de Falla y el Stabat Mater de Pergolesi, Mercedes Ayala en Cecilia Valdés, Kate Pinkerton en Madame Butterfly, con Leo Brouwer, Lindsay Kemp,… Estrena el Réquiem Flamenco de Amargós. Integrante de la Camerata Quorum y del Coro del Gran Teatro de Córdoba, en representaciones de ópera, zarzuela y oratorio. En música antigua, participa en festivales por toda España con Axabeba, Marcabrú, Artefactum y Selma y Salaverde (actualmente Cinco Siglos). Premio Nacional de Interpretación por el Ministerio de Cultura y Ciudad de Córdoba.

José Luis Pastor Especialista en Cuerda Medieval, es Profesor de Guitarra (CSM “Manuel Castillo”). Formado en España, Francia e Italia, ha participado en festivales en toda España, Bosnia-Hertzegovina, Francia, Italia, Portugal, Islas Açores, y Marruecos. Invitado por el British Museum y por la Lute Society (stage 2011), Londres. Ofrece conferencias (Madrid, Festivales de Aracena, Olivares, Alarcos, Sociedad de la Vihuela,…), articulista para revistas especializadas (Hispánica Lyra, de la S.V.). Grabaciones: Solista cuerdas medievales (Archivo RNE). Arte Factvm, “De la taberna a la corte” y “Tempus est iocundum”. Axabeba, “El Sueño Hebreo”, “Colores del Medievo”, “Maríam Matrem” y “Cantigas de Santa María”. Profesor en el “Aula Ian Murray” (Aracena), CSM “Manuel Castillo” y “Cristóbal de Morales” (Sevilla). Actualmente es director y profesor de guitarra del Conservatorio “Manuel Rojas” de Nerva (Huelva).

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Ignacio Gil Alcalá de Guadaira (Sevilla), 1970. Músico polifacético y multiinstrumentista que ha bebido de las fuentes flamencas y de la fusión de la mano de David Peña Dorantes y su tío, Juan Peña El Lebrijano. De la Música Antigua con los grupos Arte Factvm y Axabeba. De las nuevas Músicas con los grupos Gúgu Music y Caponata Argamacho. De lo étnico con Caravasar… Con todos ellos ha realizado giras de conciertos por festivales en toda España, Italia, Grecia, Portugal, Japón, Indonesia, Inglaterra. También cabe destacar la realización de registros discográficos con todos los artistas y formaciones anteriormente citadas, cosechando estas una gran aceptación por parte de prensa, crítica especializada y público en general.

Discografía

“Maríam Matrem”, la devoción mariana medieval, 2010 “Cantigas de Santa Maria”, milagros y alabanzas de la virgen, 2009 “Colores del Medievo”, música de manuscritos del XII al XV, 2007 “El Sueño Hebreo”, monográfico de piezas judeo-españolas, 2006

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BOB SEELEY + LLUÍS COLOMA

Lluís Coloma piano | Bob Seeley piano

El Boogie Woogie es el estilo más caliente sobre las 88 teclas y Bob Seeley es, sin duga alguna, el único pianista vivo que conoció y aprendió directamente de los maestros creadores de esta música, como Meade Lux Lewis, de quién Bob fue amigo personal durante más de 20 años.

Dos pianos sobre el escenario recreando los duetos de Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis que popularizaron el Boogie Woogie en los años 40. La forma más pura y honesta de descubrir, redescubrir o recordar una música festiva y alegre que va directa al corazón.

Lluís Coloma y Bob Seeley se conocen en agosto de 2006 en Cincinnati, donde coinciden como invitados en el prestigioso escenario Arches Piano Stage del Cincy Blues Festival. Allí empieza una relación que se convertirá en una gran amistad, basada en el respeto y la admiración que sienten el uno por el otro. Su complicidad en el escenario fue inmediata: comparten su pasión por esta música y una gran dosis de energía y virtuosismo pianístico. Sus actuaciones son una explosión de vitalidad con un público volcado en la entrega, la generosidad y la compenetración de estos dos músicos geniales. Con un repertorio basado en los clásicos del piano de Boogie Woogie, la mirada de los dos músicos hacia la tradición y el futuro se unen y se retroalimentan dando lugar a un espectáculo que destaca por su fuerza, originalidad y elegancia. Con la increible potencia de las lineas de bajo que interpretan los dos pianistas con la mano izquierda, característica fundamental de este estilo, Bob y Lluís crean una atmósfera hipnótica capaz de transportar al público en viajes apasionantes.

Un duelo de gigantes donde tradición y modernidad se complementan, acompañadas de ritmos trepidantes e interpretaciones repletas de pasión.

¡Una verdadera fiesta con dos de los mejores pianistas de Blues y Boogie Woogie del mundo!

Video: http://www.youtube.com/watch?v=wuj4WgyP4Gs

Repertorio Blues & Boogie Woogie Piano | Acordes

MEADE LUX LEWIS (1905-1964), Honky Tonk Train Blues WC HANDY (1873-1958), Saint Louis Blues JACK FINA (1913-1970), Bumble Boogie LITTLE BROTHER MONTGOMERY (1906-1985), Vicksburg Blues A. AMMONS (1907-1949)/P. JOHNSON (1904-1967), 6th Avenue Express J. LIGGINS (1915-1987), Honeydripper A. AMMONS/P JOHNSON, Cuttin’ the Boogie S.FOSTER (1826-1864), Swanee River Boogie G. GERSHWIN (1898-1937), Lady Be Good LL. COLOMA (1973), Goin to Malaysia MEADE LUX LEWIS, Chicago Flyer LL. COLOMA, Coloma’s Boogie

Músicos

Bob Seeley Detroit, EE. UU. A sus 83 años, Bob Seeley es posiblemente el pianista de Boogie Woogie americano más veterano. Sus manos viajan a la velocidad del sonido, sus dedos casi a la velocidad de la luz, aterrizando brevemente para acariciar las teclas justo antes de iniciar su siguiente viaje. Con un repertorio de más de 100 canciones, Bob toca Boogie Woogie, Ragtime, Blues, Stride... con una vitalidad y maestría inigualables. Su mayor influencia fue Meade Lux Lewis, uno de los tres gigantes del Boogie Woogie (junto con Albert Ammons y Pete Johnson), de quién Seeley fue gran amigo. Bob se reunió por primera vez con Meade Lux Lewis durante un concierto en Detroit a finales de los años 40 y se inició una larga amistad que se prolongó durante los años 50 y 60, hasta su muerte, hecho que influyó enormemente en el estilo de Seeley y se tradujo en una forma muy rítmica de afrontar el Boogie Woogie. Tuvo también la oportunidad de tocar con nada menos que Art Tatum, que al parecer quedó impresionado con la música de Bob, con Eubie Blake y con la famosa cantante de Blues Sippie Wallace, entre otros. Bob es un espíritu indomable que ha tocado varias veces en el Carnegie Hall y en los principales escenarios Europeos de Francia, Alemania, Austria, Irlanda, Noruega, Holanda... Ha tocado e impartido seminarios sobre Boogie Woogie por todo Estados Unidos. Ha recibido elogios por su maestría ante las 88 teclas de músicos como Chuck Leavell, actual pianista de los Rolling Stones, y es considerado en los libros sobre la historia del Boogie Woogie como uno de los más importantes representantes del género. En julio de 2002 entró a formar parte, junto a Johnny Johnson (legendario pianista de Chuck Berry), del Boogie Woogie Hall of Fame en Cincinnati, Ohio.

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Lluís Coloma Barcelona (1973). Lluís Coloma es uno de los pianistas más activos y reconocidos de la escena europea en el campo del Blues y el Boogie Woogie. Influenciado desde muy joven por los discos de Jerry Lee Lewis, Roosevelt Sykes y Alan Price, Lluís se aleja poco a poco de los estudios de piano clásico para dedicarse, de manera autodidacta, exclusivamente al Rock & Roll. Muy pronto muestra una sorprendente habilidad para el Blues y el Boogie Woogie. Considerado un maestro de estos géneros y galardonado con los premios “Músic de l’any 2003” —por la Associació de Músics de Jazz i Música Moderna de Catalunya—, “Artista BluesCat 2006” —mejor artista de Blues de Cataluña— y “Premis Sabadellencs 2007” que otorga anualmente la Jove Cambra de Sabadell, Lluís es invitado habitualmente a festivales de Blues & Boogie Woogie de toda Europa, donde destaca por su virtuosismo y originalidad. Desde sus inicios este gran pianista, valorado por su visión innovadora y su sorprendente energía, ha ido desarrollando un toque personal en la interpretación de estos estilos que se hace evidente en la creación de sus propias composiciones, recogidas en sus discos REMEMBER (Omix Records 2002), BOOGIEOLOGY (Omix Records 2005), LONELY AVENUE (Swing Alley 2006) y 7 NIGHTS AT CENTRAL (Swing Alley 2009). En BOOGIE PORTRAITS (Swing Alley 2008), podemos escuchar a Lluís revisitando temas clásicos del Blues y el Boogie Woogie a duo con grandes pianistas de estos géneros como Carl Sonny Leyland, Barrelhouse Chuck, Mitch Woods, Bob Seeley, Mark “Mr B” Braun, Frank Muschalle... Trascendiendo nuestras fronteras este joven pianista ha sido invitado a numerosos festivales de todo el mundo, donde sus actuaciones son acogidas con una gran ovación por parte de un público en pie: Blues & Boogie Woogie Piano Stomp en Iowa (USA 2010), Blues & Boogie Piano Summit en Cincinnati (USA 2009), Mr B's Blues and Boogie Piano Celebration en Ann Arbor (USA 2008), Cincinnati Blues Festival (USA 2007), compartiendo escenario con algunos de los pianistas actuales de Blues y Boogie Woogie más reconocidos internacionalmente como Axel Zwingenberger, David Maxwell, Mitch Woods, Bruce Katz, Mark “Mr B” Braun, Bob Seeley, Ricky Nye, Chase Garret… Miri Jazz Festival (Malasia 2006 y 2007), Arosa Jazz Tage Festival (Suiza 2010 y 2011), Beaune Blues & Boogie Festival (Francia 2007 y 2010), Jazz au Mercure en Toulouse (Francia 2007, 08, 09, 10) compartiendo escenario con Philippe Lejeune, Luzerne Piano Festival (Suiza 2009), Caveau de la Huchette en París (Francia 2008), Festival de Boogie Woogie de Bruselas (Bélgica 2008), gira por Alemania con Frank Muschalle y Julien Brunetaud (2007), International Boogie Woogie Festival Switzerland (Lugano 2005 y 2007) donde comparte escenario con Silvan Zingg, Nuit du Boogie Marq-en-Baroeul (Francia 2007), Voxstock Blues Festival en Belgrado (Serbia 2006), International Boogie Woogie Festival de La Roquebrou (Francia 2006)… Su música ha sonado y sigue sonando por toda España en festivales y locales tan reconocidos y emblemáticos como el Café Central de Madrid, Black Note de Valencia, Café España de Valladolid, La Bilbaina del Jazz en Bilbao, Bel-luna Jazz Club de Barcelona, Jamboree de Barcelona... Festival de Blues de Cerdanyola, Festival de Jazz de Terrassa, Festival de Blues de Vic, Festival de Jazz de Sanlúcar, Festival de Blues de Roses, Festival de Blues de Reus, Festival de Jazz y Blues de la provincia de Cádiz, Festival de Blues de Antequera, Festival de Blues de Cazorla, y en los prestigiosos a nivel internacional Festival de Jazz de San Javier (2007 y 2010) y Festival de Jazz de Barcelona (2003, 06, 07, 10). Lluís está plenamente dedicado a la difusión del Blues y el Boogie Woogie en España impartiendo clases magistrales y organizando varios eventos, entre ellos el encuentro internacional anual Blues & Boogie Reunion en Terrassa www.BluesBoogieSpain.com y las Nits de Boogie Woogie de Sabadell y Llinars del Vallès. Es el Director Artístico del Festival de Blues de Barcelona y colabora en la organización anual de la Boogie Woogie Jubilee desde 2006, donde ha compartido escenario con Rob Rio, Ben Waters, Steve Big Man Clayton, Jean-Pierre Bertrand, Christian Willisohn, Christoph Steinbach… Durante su carrera profesional también ha tenido la oportunidad de tocar con músicos de renombre como James Harman, Corey Harris, Phil Upchurch, Manu Dibango, Sharon Jones, Loti Lewis, Joja Wendt…

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CAFÉ COHIBA

Francesco Manna flauta travesera | Anabel Pérez piano

La historia de la música cubana es un vasto, intrigante, dinámico, fascinante, sugestivo, excitante y a menudo avasallador fresco. De sus nebulosos orígenes al reconocimiento universal de que goza hoy en día, la música cubana ha crecido en estatura y sus aspectos folklóricos y populares han influenciado progresivamente el modo de hacer musical de otras culturas. La música cubana nace de una amalgama de las fórmulas del folklore musical español y de los ritmos africanos, éstos últimos traídos a Cuba por los esclavos negros. Café Cohiba intenta recrear la música que se tocaba y danzaba en La Habana a finales del siglo XIX y principios del XX. Todo un mundo por descubrir.

Programa Cuba

MIGUEL FAÍLDE (1852-1921), Las alturas de Simpson (danzón) MANUEL SAUMELL (1817-1870), Los Ojos de Pepa (contradanza) IGNACIO CERVÁNTES (1847-1905), No llores más IGNACIO CERVÁNTES, No Bailes más IGNACIO CERVÁNTES, Interrumpida IGNACIO CERVÁNTES, Serenata Cubana Popular, Fantasía Danzón MANUEL SAUMELL, El pañuelo de Pepa (contradanza) JOSÉ WHITE (1836-1918), La Bella Cubana IGNACIO CERVÁNTES, Los Tres Golpes IGNACIO CERVÁNTES, Improvisada IGNACIO CERVÁNTES, Adiós a Cuba IGNACIO CERVÁNTES, Ilusiones Perdidas MANUEL SAUMELL, La Tedezco (Contradanza) IGNACIO CERVÁNTES, La Camagüeyana IGNACIO CERVÁNTES, Los Muñecos Popular, Fantasía Danzón

Músicos

Anabel Pérez Reyes Pinar del Río, Cuba. Comienza su carrera en 1995 como pianista, compositora y arreglista del grupo Las Chicas del Sol, grabando el disco "Las chicas del Sol, La Habana" con BMG Records. En el 2000 se traslada a Sevilla. Colabora con artistas como Juan A. Valderrama, Señor Trepador, Jose M. Soto.Participa en los programas de televisión: Ratones Coloraos, Buenas Noches Bienvenidos, Aquellos Maravillosos Años (TVE1), Buenafuente. Desde el año 2005 es la pianista y corista de Kiko Veneno, con el que realiza innumerables giras por toda España, México, Africa, Argentina y EE.UU. Ha grabado el CD “Dice la Gente” de Kiko Veneno.

Francesco Manna Pésaro, Italia, 1970. Comienza su carrera profesional en 1990 mostrando desde el principio una natural inclinacion hacia la investigacion y el mestizaje musical. Colabora con varias orquestas sinfonicas, teatros y festivales líricos pero su centro de interés es la música de cámara. Forma parte de heterogéneos proyectos tales como Novitango, Praça Onze, (H)utopia, Zapping, Cafè Cohiba… donde, conservando sus raices clásicas, abarca diferentes estilos como el tango argentino, la musica tradicional de Brasil, el jazz, el flamenco. Ha grabado para los sellos Oriente Musik (Berlín), Amiata Records, DNA, Zanfoñamusic y la Radio Nacional Italiana Rai3. Desde el 2005 reside en Sevilla.

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CAPILLA DEL REAL DE LAS PALMAS

Isabel Álvarez soprano | Juan Carlos de Mulder archilaúd | Carlos Oramas guitarra barroca

Formación que surge en Las Palmas de Gran Canaria creada con el fin de especializarse en el rescate, trascripción e interpretación de la música religiosa compuesta por los Maestros de Capilla de la Catedral de Las Palmas.

Sus miembros tienen una amplia trayectoria en el mundo de la música antigua, habiendo formado parte de grupos de primera fila tales como Hesperion XX, La Capilla Reial de Catalunya, Capilla Peñaflorida, Al Ayre Español, Xácara, Accentus-Wien, El Concierto Español, Ensemble Elyma, la Capilla Compostelana, La Colombina, Camerata Ibérica o Musica Liberata.

Han actuado bajo la dirección de los más prestigiosos especialistas, como Jordi Savall, Eduardo López Banzo, Miro Moreira, Fabio Bonizonni, Gabriel Garrido o Fabio Biondi, entre otros.

Recientemente han presentado la grabación de un CD con obras inéditas de los maestros de la Capilla de la catedral de Las Palmas Diego Durón y Joaquín García.

Programa Música en el barroco colonial español

LUCAS RUIZ DE RIBAYAZ (1626-¿)(Lima - Perú), Españoleta JUAN DE ARAUJO (1646-1712)(Lima - Perú), Recordad jilguerillos JUAN DE ARAUJO (Lima - Perú), Los coflades de la estleya

LUCAS RUIZ DE RIBAYAZ (Lima - Perú), Chaconas y marionas CASCANTE (Bogotá - Colombia), Para nuestra señora TOMÁS DE TORREJÓN Y VELASCO (1644-1728)(Lima - Perú), Desvelado dueño mío

LUCAS RUIZ DE RIBAYAZ (1626-¿)(Lima - Perú)/Gaspar Sanz, Jácaras JUAN GARCÍA DE ZÉSPEDES (ca. 1619-1678)(Puebla - Mexico), Convidando esta la noche GASPAR FERNÁNDEZ (1566-1629)(Arch. de Oaxaca-México), Un relox ha visto Andrés SANTIAGO DE MURCIA (Arch. de Zaldívar - México), Canarios

SANTIAGO DE MURCIA (Arch. de Zaldívar - México), Cumbees ANTONIO DURÁN DE LA MOTA (1675-1736)(ca. 1700- (Sucre-Bolivia), Queditito airecillos JUAN HIDALGO (Mexico), Disfrazado de pastor

Músicos

Isabel Álvarez. Desarrolla una gran actividad en el campo de la música antigua y contemporánea, sobre todo en el mundo de la ópera barroca, habiendo actuado en teatros como el Concertgebouw de Amsterdam Konzerthaus de Viena, Metropolitan Museum de N. York, Vittorio Emanuele de Messina, Stabile de Turín, Malibrán de Venecia o Teatro alla Scala de Milán. Ha colaborado con los más prestigiosos grupos de música antigua, habiendo sido dirigida por Jordi Savall, E. López Banzo, Gabriel Garrido, Kees Boecke o Fabio Biondi, entre otros. En el mundo de la producción de óperas ha traducido al español y colaborado en la puesta en escena de La Flauta Mágica y Bastián y Bastiana (de Mozart), El Hermano Enamorado, Flaminio y La Serva Padrona (de Pergolesi), El Triunfo del Honor (de Scarlatti). Ha grabado para EMI, ASTREE, PHILIPS, FIDELIO-HOLLAND, ELKAR, GLOSSA, K-617, RNE, RADIO FRANCE, ETB y TVE.

Carlos Oramas Ha realizado conciertos en países como Uruguay, Chile, Brasil, Paraguay, Bolivia, Grecia, Francia, Dinamarca, Luxemburgo, Austria, Suiza, Portugal y España, y en salas como Philarmonie (Colonia), Tonhalle (Zurcí), Grosses Festspielhaus (Salzburg), Liederhalle (Stuttgart) , Victoria Hall (Ginebra) y Auditorio Alfredo Kraus (Las Palmas de G.C.). Ha grabado para los sellos Warner Music, ASV, Opera tres y RTVE entre otros. Colabora con grupos y solistas como Camerata Ibérica, Carlos Mena, Ara Malikian, Eduardo Paniagua, Iván Martín … Miembro de la Capilla del Real de Las Palmas , actualmente realiza una intensa actividad en la transcripción e interpretación del archivo musical de las catedrales canarias y con quien edita recientemente el CD “El Lirio de los Valles”, música de los compositores Diego Durón y Joaquín García.

Juan Carlos de Mulder Lima (Perú). Ha trabajado como continuo en producciones de opera barroca y oratorio bajo la dirección de Ph.Herrewege, J.C. Malgoire, Nigel Rogers, Jordi Savall y Eduardo López Banzo entre otros. ha colaborado con: Albicastro Ensemble, Hesperion XX, La Romanesca-Orphenica Lyra y y actualmente colabora con grupos como: Speculum, Al ayre español, Accademia del Piacere, La folia, Musicos del Buen Retiro, Trulla de voces, etc. Como director del grupo Camerana Iberia , ha grabado: ”Songs and Dances from the spanish renaissance” (M A recordings), “ Música en tornoal teatro de Calderón”(jubal), Barroco del Perú (Alma records) y “La Spagna” (Verso). Como solista de vihuela ha grabado: “El Maestro-Luys Milán”(RTVE) y“Fantasías y diferencias”(Fonti musicali) y “Diego Pisador” (Verso).

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CÉSAR CARAZO + JUAN CARLOS DE MULDER

César Carazo canto | Juan Carlos de Mulder vihuela, guitarra barroca

Este concierto reúne una selección de romances y canciones sobre María de Padilla la amante de Pedro I el Cruel, la esposa del mismo, Blanca de Borbón, otros personajes relacionados con ellos y, por supuesto, Sevilla, sus calles, el Guadalquivir, y los Reales Alcázares.

El programa reúne una selección de canciones con música y texto original y, para los romances antiguos, canciones de los vihuelistas, Juan del Encina, Cancionero de la Colombina, Cancionero de Turín y otras recopilaciones del siglo XVII.

Programa Pedro I y María de Padilla (Canciones y romances) | 650 Aniversario de la muerte de María de Padilla

La conquista de Sevilla (Música: Anónimo Cancionero de la Colombina, s. XV) Las columnas de Hércules en Sevilla (Música: Anónimo Cancionero de la Colombina, s. XV) De los Álamos vengo (J. Vázquez, siglo XVI) Romance de Don Pedro I y Don Fadrique (Música: J. del Enzina, s. XVI) Fantasía para vihuela (L. de Milán, s. XVI) Romance de María Coronel (Música: A. de Mudarra, s. XVI) Romance de la muerte de Dª Blanca de Borbón (Música: J. del Enzina, s. XVI) El Alcázar de Sevilla (Duque de Rivas)(Música Anónimo Cancionero de Turín, s. XVII) Doña María de Padilla (Música: G. Stephani, s. XVII) El candil (Música: G. Sanz, s. XVII-XVIII) La cabeza (Música: G. Sanz, s. XVII-XVIII) Río de Sevilla (Cancionero de Gabriel Bataille, s. XVII)

Músicos

César Carazo Cantante especializado en el repertorio de la música española de los siglos XII al XIX, de la música medieval española en sus facetas cristiana, andalusí y sefardí, a la tonadilla escénica del XIX pasando por la polifonía renacentista y tonos humanos. Ha colaborado con La Capella Reial de J. Savall, Neocantes, Quarteto de Urueña, Música Antigua de Eduardo Paniagua, Axivil , Al aire español, Accentus, Alfonso X, Magios y como solista en oratorios de Handel, Mozart, óperas de Mozart, Scarlatti, Pergolesi y un gran numero de tonadillas escénicas del XVIII . Ha colaborado en 61 proyectos discográficos de la música española desde el repertorio medieval hasta el del siglo XIX, entre ellos, la grabación de más de 200 cantigas de Santa María.

Juan Carlos de Mulder Lima (Perú). Ha trabajado como continuo en producciones de opera barroca y oratorio bajo la dirección de Ph.Herrewege, J.C. Malgoire, Nigel Rogers, Jordi Savall y Eduardo López Banzo entre otros. ha colaborado con: Albicastro Ensemble, Hesperion XX, La Romanesca-Orphenica Lyra y y actualmente colabora con grupos como: Speculum, Al ayre español, Accademia del Piacere, La folia, Musicos del Buen Retiro, Trulla de voces, etc. Como director del grupo Camerana Iberia , ha grabado: ”Songs and Dances from the spanish renaissance” (M A recordings), “ Música en tornoal teatro de Calderón”(jubal), Barroco del Perú (Alma records) y “La Spagna” (Verso). Como solista de vihuela ha grabado: “El Maestro-Luys Milán”(RTVE) y“Fantasías y diferencias”(Fonti musicali) y “Diego Pisador” (Verso).

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CHRONOS

Fernandinho Marconi percusión & atmósferas| Ernesto Schmied flautas & dispositivos

Dos instrumentistas que recrean diferentes atmósferas con un toque muy personal utilizando medios mínimos para lograr un compromiso tímbrico y estilístico de gran belleza.

Chronos, dios del tiempo griego, es la representación del universo musical de los artistas.

Videos http://www.youtube.com/watch?v=bFUFfI-X73c&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=3BWWMPQ4k8g

Programa Chronos

DE ORIENTE A ORIENTE Tradicional tracia (s.XIX), Mantilatos TAMBUR ÇEMIL BEY (1873-1916), Nihavent saz semai

IMAGINARIUM ERNESTO SCHMIED, Arpeggiata & Bachcicleta

ÁFRICA FERNANDINHO MARCONI, Olatunji

PAJARITOS JAN JACOB VAN EYCK (s. XVII), Engels Nachtegaltje

MANDALA F. MARCONI & E. SCHMIED, Visiones

TEPUI Tradicional de Venezuela, El diablo suelto

METAMORFOSIS Claude Debussy (1862-1918), Syrinx

DREAMS FERNANDINHO MARCONI, Kalimba láctea

CHORINHOS MARIO MASCARENHAS (1917-¿?), Papagaio embriagado PIXINGUINHA (1897-1973), Proesas de salon

Músicos

Fernandinho Marconi Piracicaba, São Paulo, Brasil, 1960. Es autor de los libros: Percusión Brasileña I, Ritmos Básicos y Divertimentos y Percusión Brasileña II, Ritmos de Samba. Como docente ha impartido cursos y seminarios en Sudamérica y Europa. Participa en las obras: La dulce Cásina y Anfitrión con el actor Rafael Álvarez El Brujo; y trabaja para los documentales: Mediterráneo (TVE) y Amazonía, la última frontera (C+). Fernandinho Marconi Project es una iniciativa que promueve la música popular brasileña en todas sus expresiones. Junto a Pau Martínez crea el dúo de percusión Batuke y trabaja con los hermanos Merlín en el proyecto RMM Trío.

Ernesto Schmied Especialista en flautas históricas y director de Speculum actúa en numerosas salas de concierto de Latinoamérica, Europa, Oriente medio, Japón y norte de África. Colabora con solistas y agrupaciones de cámara cuyo repertorio abarca desde el renacimiento hasta la música de reciente creación. Dentro de su amplia discografía obtiene el Choc de Le Monde de La Musique en enero de 2000 por el primer CD de Speculum, Fumeux fume par fumee. Sus grabaciones dedicadas íntegramente al Cancionero de El Escorial cuentan con cinco volúmenes premiados con 5 Diapassons (Diapasson) y 4 Etoiles (Le Monde de la Musique). Es director artístico del Festival de Música Infrecuente desde el año 2001 y creador del espacio Fringe para Veranos de la Villa (Madrid).

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CLAUDIA YEPES + DUNCAN GIFFORD

Claudia Yepes soprano | Duncan Gifford piano

Hay personajes representativos de la historia de Sevilla. El mito universal de Don Juan, Carmen, Fígaro. Mozart, Rossini, Donizetti, y Bizet son algunos de los autores que encontraron temáticas sevillanas para sus inspiraciones.

La historia y la diversidad cultural de la ciudad, el mito y la ficción, han hecho de Sevilla la ciudad de la inspiración para muchas de las más grandes óperas de la historia.

Las inspiraciones sobre Sevilla llevaron a Mozart a escribir “Las bodas de Fígaro” a Rosinni, “El barbero de Sevilla”, temática desarrollada también en la zarzuela de Jerónimo Jiménez y Manuel Nieto, que lleva el mismo nombre. Sin olvidar a Bizet con su gran obra maestra “Carmen” basada en la historia de una gran heroína, romántica y trabajadora en una de las mas importantes industrias de la época.

Programa Sevilla como inspiración | Sevilla en la Ópera

SEBASTAN IRADIER (1809-1865) El sol de Triana La perla de Triana Aurora o la gitana de Sevilla

JOAQUÍN ESPÍN Y GUILLÉN (1812-1881) La maja de Triana

ISAAC ALBENIZ (1860-1909) Sevilla (piano solo)

W. A. MOZART (1756-1791) DON GIOVANNI | Batti, batti, o bel Masetto LAS BODAS DE FÍGARO | Voi che sapete - Deh vieni, non tardar

ENRIQUE GRANADOS (1867-1916) Allegro de concierto (piano solo)

GIACOMO ROSSINI (1792-1868) EL BARBERO DE SEVILLA | Una voce poco fa

GEORGES BIZET (1838-1875) CARMEN | Je dis que rien ne m'épouvante

Músicos

Claudia Yepes Bogotá, Colombia. Realiza sus estudios de piano en el conservatorio de música de la Universidad Nacional donde posteriormente continúa con sus estudios de canto. Posteriormente viaja a Madrid donde continúa sus estudios en la Escuela Superior de Canto. Participa en las clases magistrales de Victoria de los Angeles Y perfecciona el repertorio barroco en la Bachakademie. Actualmente trabaja con Daniel Muñoz. Destacan sus interpretaciones con la orquesta sinfónica y filarmónica de Bogotá, la Opera de Colombia, la compañía Lírica de Colombia, la orquesta sinfónica de RTVE y la orquesta de Galicia, colaborando con prestigiosos directores como Helmuth Rilling, Odón Alonso, García Navarro, Jordi Casas. Reconocida intérprete de música contemporánea, Ha participado en el festival de música contemporánea de Alicante, La casa Encendida, Música de hoy, festival de Escena abierta, Escena contemporánea, festival de música contemporánea de tres Cantos, fundación caja Madrid.

Duncan Gifford Australia. Es uno de los pianistas con mas talento de su generación, obteniendo su mayor éxito internacional en 1998 el Primer Premio en el prestigioso Concurso Internacional “José Iturbi” en España, y en 2000 con el “Gran Prix Maria Callas” en Atenas. Ha dado recitales en las mejores salas de Europa, la antigua Unión Soviética, Asia y América del Norte. Ha actuado como solista con la Orquesta de Valencia, la Orquesta de Málaga, Orquesta de Cámara de Viena, Orquesta De Cámara de Petersburgo, Orquesta de la Camerata Mozart de Roma, Orquesta Nacional de Irlanda, Orquesta Metropolitana de Montreal, Orquesta Sinfónica de Shangai y todas las orquestas principales de Australia. Desde su llegada a España Duncan Gifford ha desarrollado una intensa labor concertista, como solista. Otro aspecto en el que se ha desenvuelto activamente es la Música Contemporánea, faceta que le ha hecho ser el destinatario de obras escritas expresamente para el.

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CUARTETO TOLDRÁ

Alejandro Muñoz violín | Manuel Jesús Cabrera violín | José Ramón Medina viola | Carlos González Sánchez violonchelo

El Cuarteto Toldrà nació de la iniciativa de cuatro jóvenes músicos que decidieron unirse para explorar el repertorio de la música de cámara. Recibieron sus primeras enseñanzas juntos de Michael Thomas (antiguo primer violín del “Brodsky Quartet”), y de Irvine Arditti y el “Arditti Quartet”. Su repertorio se extiende del clasicismo hasta nuestros días, comprendiendo obras de Mozart, Beethoven, Brahms, Borodin, Mendelssohn, Dvorak, Shostakovich, Toldrà, Debussy, Kurtag, etc. así como música contemporánea española.

Han sido ganadores del Primer Premio en la “Norman Cooper Chamber Music Competition” (Aberdeen, agosto 2004), del Segundo Premio Ex-aequo del “7º Concurso de Música de Cámara Montserrat Alavedra” (Terrasa, noviembre 2004), y finalistas del 1er Concurso Internacional de Música de Les Corts (Barcelona 2005).

En el año 2003 realizaron conciertos en calidad de cuarteto solista con la Orquesta Joven de Andalucía, bajo la dirección de José Luís Temes en el Teatro Vicente Espinel de Ronda y el Teatro Central de Sevilla.

En sus giras han realizado conciertos en escenarios de distintas ciudades europeas, como París, Cambridge, Aberdeen y Praga. En España han tocado en Madrid, Barcelona, Sevilla, Malaga, Granada, León y Córdoba, entre otras. Promocionados por Juventudes Musicales de España y recibiendo siempre las mejores críticas.

Durante el verano del 2004 participaron en el “Cambridge Summer Music Festival” y en el “International Aberdeen Youth Festival”, en mayo del 2005 en el festival “Envolées Musicales” en París, y en agosto del 2008 en las “Noches en los Jardines de los Reales Alcázares” en Sevilla.

En diciembre 2004 grabaron para Canal Sur Radio, y en mayo 2005 han grabado para La 2 de Televisión Española estrenando obras del compositor español Alejandro de la Barrera-Montenegro Chacón. También son incluidos habitualmente en la programación de Radio Catalunya.

En febrero del 2007 colaboraron con el músico francés Hector Zazou en los Festivales de Música Contemporánea de Sevilla (Teatro Central) y Granada (Teatro José Tamayo). En 2008 participan en Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla.

En Agosto de 2009 participaron en el ciclo de Música de Cámara del Festival Castell de Peralada.

Desde su fundación en 2003, el Cuarteto Toldrà incluye en muchos de sus programas música de Eduard Toldrà, compositor que hacen conocer en España y en el extranjero.

Programa Paseo por la historia del cuarteto de cuerda

H. PURCELL (1659-1695), Chacona W. A. MOZART (1756-1791): Adagio y fuga J. HAYDN (1732-1809), Cuarteto nº 32, op.64, nº 2. I - Allegro spirituoso F. MENDELSSOHN (1809-1847), Cuarteto op. 13. I - Adagio - Allegro vivace A. BORODIN (1833-1887), Serenata Alla Espagnola A. DVORAK (1841-1904), Cuarteto XII (Americano) op. 96. IV - Finale C. DEBUSSY (1862-1918), Cuarteto op. 10. III - And., doucement expressif L. JANACEK (1854-1928), Cuarteto nº 1. II - Con moto P. WARLOCK (1894-1930), Capriol Suite. IV Bransles

Músicos

Alejandro Muñoz Sevilla, 1982. Comenzó sus estudios con T. Bektemirova, Valentín Sánchez y M. Thomas, y continuó en París, en el CNR de Boulogne (violín) y en el Conservatoire National Superieur de Musique de Paris (viola), con Sabine Toutain, A. M. Morín, M. Le Dizes, J. J. Kantorow y M. Michalakakos. Miembro de la OJA, JONDE, West Eastern Divan y EUYO entre otras, tocó en salas como el Concertgebow de Amsterdam, Royal Albert Hall de Londres o Musikverein de Viena con directores como P. Boulez, Kurt Masur, V. Ashkenazy o D. Barenboim. Desde 2006 es miembro de la Orquesta de Córdoba, donde actualmente ocupa la plaza de Solista de Violines II. Ha impartido cursos y clases magistrales de violín, viola y música de cámara, y ha sido profesor en la OJA. Desde hace cinco años dirige la Camerata Capricho Español.

Manuel Jesús Cabrera Huelva, 1981. Estudió en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla, con D. José Gámez. Ha sido miembro de la OJA, JONDE y alumno oyente en la “West Eastern Divan Orchestra” dirigida por Daniel Barenboim. Ha recibido enseñanzas de Michael Thomas, Tamara Bektemirova, Vicente Huerta, Yossi Zivoni, Brian Brooks, Isel Rodríguez, Fabián López y Santiago de la Riva. Fue miembro de la Orquesta Filarmónica de Málaga y colabora habitualmente con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta de Córdoba y OCA. Trabajando con directores de la talla de Michael Thomas, Enrique Mazzola, José Luis Temes, Aldo Ceccato, Jean Jacques Kantorov o Reinbert De Leeuw.Actualmente es profesor de la Orquesta-Escuela “Manuel de Falla”.

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José Ramón Medina Sevilla, 1985. Estudió violín en el Conservatorio Superior Manuel Castillo, con Elena Fernández compaginándolo con la carrera de Ingeniería Informática. En el año 2005 comienza sus estudios de viola. Ha recibido enseñanzas de Anca Bitan, F. Gneri, Santiago de la Riva, Vicente Huerta y Álvaro Arrans entre otros. Es alumno de Felix Schwartz en la academia de estudios orquestales de la fundación Barenboim-Said. Ha sido primer viola de la OJA y miembro de la JONDE, trabajando con directores como Michael Thomas, Daniel Barenboim, Enrique Mazzola o José Luis Temes entre otros. También ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Huelva y la Orquesta Filarmónica de Málaga. Desde 2008 es ingeniero superior en informática.

Carlos González Sánchez Málaga, 1985. Estudia en el Conservatorio Superior de Málaga, con César Jiménez y amplía su formación en el “Vorarlberger Landeskonservatorium” en Feldkirch (Austria), con Penelope Günter. Ha recibido enseñanzas de Urmas Tammik, Damián Martínez, Miguel Ángel Jiménez, Raimund Korupp y Marco Scano, y fue seleccionado por el Catedrático del Conservatorio “Tchaikovsky” de Moscú, Igor Gavrish, y becado por la Junta de Andalucía. En 2002 obtuvo el 2º Premio en el certamen andaluz “Muñoz Molleda” en La Línea de la Concepción. Ha tocado el la Orquesta de Córdoba, OJA y JONDE entre otras, trabajando con directores como K.Penderecki, Y. Kreizberg, L. Kohler o J. Serebrier. También ha sido reserva en la “West Eastern Divan Orchestra” y “Gustav Mahler Judendorchester”. En 2007 obtiene la plaza de Ayuda de Solista en la Orquesta Filarmónica de Málaga.

Notas al programa

Desde el principio de los tiempos, la música ha jugado un papel de gran importancia en la sociedad. Las tribus indígenas atribuían poderes especiales a sus cánticos. Los juglares ganaban el pan de cada día llevando noticias e historias de pueblo en pueblo siempre acompañadas de música. Los griegos la establecieron como uno de los pilares de la formación de los jóvenes. Minorías étnicas racialmente oprimidas las usaban como cánticos de rebelión en Norteamérica…

La música siempre ha tenido un papel crucial en la sociedad, y es así como la entiende el Cuarteto Toldrà. En su faceta social y en su contexto histórico, la música adquiere todo su significado.

El cuarteto de cuerda es sin duda la formación camerística por excelencia. Ha sido el medio escogido por la gran mayoría de compositores para expresar su mundo interior. Piezas clave para entender la música y la sociedad se hayan escritas en partituras con pentagramas de cuatro voces.

Este programa pretende acercar a todo tipo de público al repertorio para cuarteto más selecto. Un programa variado que da buena muestra de diferentes estilos y épocas, y que hace que el público se sienta identificado con el camino trazado por el Cuarteto Toldrà donde irán reconociendo a los autores que han dejado huella en la historia de la música.

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DIRK VANHUYSE + SASHA CRISAN

Dirk Vanhuyse violoncello | Sasha Crisan violoncello

El Dúo de violoncellos, con Dirk Vanhuyse y Sasha Crisan es una nueva formación camerística creada con la idea de fusionar los dos instrumentos con la amplia posibilidad de repertorio que existe originalmente para esta formación, de acercar al público esta agrupación camerística íntima ya que es poco corriente encontrar dúos de violoncellos programados en conciertos de cámara.

Nuestra iniciativa e ilusión del proyecto surge de nuestro buen entendimiento musicalmente tanto estilísticamente como técnicamente. Y sentimos que tenemos que plasmar esta complicidad a través de la música.

Es bastante difícil hacer selección de repertorio ya que muchos cellistas del siglo xix y de principios del s.xx compusieron tantas obras de buen gusto con el propósito de tocarlos con sus alumnos. Los hay de mucha dificultad como por ejemplo la Suite de Popper que hemos programado en esta ocasión, pero además goza de un gusto musical exquisito.

Programa Cómplices | Acordes

LUIGI BOCCHERINI (1743-1805), Sonata en Do mayor Allegro Moderato – Largo - Allegro

FRIEDRICH A. KUMMER (1797-1879), Duo op.103 nº1 en sol mayor Allegro Molto – Andantino - Rondo: Allegro

DIRK CHRIS VANHUYSE (1966), Duetto (2007): Andante, Allegro moderato - Lento, Andante - Allegro

DAVID POPPER (1843-1913), Suite para dos cellos, op.16 Andante grazioso – Gavotte – Scherzo - Largo Expressivo - Tempo di marcia

DIRK CHRIS VANHUYSE, Romance (1982) Aria Espagnol

Músicos

Dirk Vanhuyse Izegem (Bélgica). Empieza estudiar cello con Gaston Mannes. En 1979 gana el concurso de jóvenes músicos "Kunst en Cultuur". Continúa los estudios en el Real Conservatorio de Música de Bélgica con André Messens. Recibe el Diploma de Solista con máximas calificaciones por su interpretación del concierto de Schumann, con la Orquesta de Flandes. Estudia en Alemania, tomando master classes con B. Pergamenchikov y R. Mandalka, terminando sus estudios en 1988. Gana el Premio Charles Deleu y el Premio David Popper en 1984, y en 1987 el Concurso Tenuto, con colaboraciones en radio y televisión. Su repertorio abarca desde el barroco hasta el contemporáneo, y ha actuado como solista con distintas orquestas europeas, interpretando los conciertos de Haydn, C.P.E Bach, Tchaikovsky, Miaskovsky, el triple de Beethoven, el doble de Brahms, etc. Ha tocado en varios ensembles de música de cámara con interpretes como Vladimir Sverdlov Ashkenazy, María Esther Guzman, Lucian Ciorata, entre otros. Ha sido solista de "Collegium Instrumentale", la Orquesta de Cámara de Bélgica "I Fiamminghi", y de la Real Philharmónica de Flandes. Desde 1991 es solista de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Toca un Domenico Montagnana de 1740.

Sasha Crisan Leicester (Inglaterra). De familia musical, inició estos estudios con su madre a temprana edad y pasó a estudiar violonchelo, de forma oficial, en la Guildhall School of Music and Drama en Londres con Rhuna Martin y Margeret Powell. A los once años fue admitida en el Royal College y Purcell School en Londres. En España ha estudiado grado superior en Salamanca con Iagoba Fanlo y Marius Díaz Lleal como profesores. Ademas ha recibido clases particulares de Maria Macedo, Susana Stefanovic y Angel García. Fue miembro de la Joven Orquesta Nacional de España entre los años 2000 y 2003. En el año 2006 realizó un postgrado en el Peabody Institute (Baltimore) con el jovencísimo intérprete y profesor, Amit Peled. Ha colaborado con varias orquestas españolas, como la Orquesta de la Comunidad de Madrid y la Filarmonia de Madrid. Ha ganado plaza de tutti en las orquestas Real Filharmonia de Galicia y Orquesta Ciudad de Granada. Además de tocar música clásica ha tenido la oportunidad de descubrir otros estilos musicales como el flamenco, la ranchera y de cantautor, como Amancio Prada. Actualmente y desde septiembre del 2009, es ayuda de solista de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Actualmente toca un violoncello J. B. Guadagnini, del año 1753.

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EDUARDO PANIAGUA

Eduardo Paniagua flautas, salterio, percusiones | César Carazo canto, viola | Felipe Sánchez guitarra medieval, guitarra barroca

Este programa se centra en la música en el tiempo de María de Padilla y Pedro I en el entorno del Alcázar de Sevilla. En su contexto se puede apreciar la tradición musical española del norte cristiano y de la Granada musulmana.

Programa María de Padilla y el Alcázar Mudéjar | 650 Aniversario de la muerte de María de Padilla

Alcázar (Nuba Hsine, Música Gharnati de Tlemcen, Argelia, siglo XIV). (Instrumental). Ay triste (Juan del Encina, 1468-1529. Cancionero Musical de Palacio) Noche mágica (Nuba Garibat al Husein. Andalusí de la tradición marroquí) Se va mi corazón (Jarcha en romance sobre canción andalusí) Por vos (Anónimo. Cancionero Musical de Palacio) La Torre (Juan Ponçe. Cancionero Musical de Palacio) Puerto de Santa María (Alfonso X el Sabio, Sevilla siglo XIII) La fuerza y la boda (Andalusí maluf de la tradición de Túnez, s. XIV)(Instrumental). Canción de cuna (Canción sefardí) Si guardo el sábado (Canción de Shabat, Abraham Ibn Ezra (1089-1167)) La rosa (Canción sefardí anónima, tradición de Oriente) Fandango Pastor de gacelas (Sobre el Fandango de Santiago de Murcia, 1682-1735. Codex Saldivar, México 1730 y una moaxaja andalusí de Alepo, Siria)

Notas al programa

La Edad Media jugó un papel definitivo en la formación de España. Durante esta época la Península fue el lugar donde convivieron, pacíficamente unas veces, en fuerte confrontación otras, personas que practicaban las tres grandes religiones monoteístas: judíos, musulmanes y cristianos.

Este programa contrasta de la música en el tiempo de María de Padilla, en el que la tradición musical de ambas orillas, norte cristiano y sur musulmán, del mar Mediterráneo no estaban tan distantes.

Pedro I de Castilla conoció a doña María de Padilla en 1352 en la expedición a Asturias; pertenecía a una importante familia castellana y las crónicas de su época la describen como “muy fermosa, e de buen entendimiento e pequeña de cuerpo”. A partir de ese momento, María de Padilla se convirtió en su amante y fue el permanente amor de Pedro I, por encima de los matrimonios del monarca. Tuvieron un hijo –que murió pronto- y tres hijas, de las cuales dos emparentaron con la nobleza europea. Amigos y parientes de María entraron a formar parte de la corte e influyeron en algunas de sus decisiones políticas. Cuando murió en 1361, se celebraron grandes duelos en su honor por todo el territorio de la Corona de Castilla. Pedro I declaró en las Cortes celebradas en Sevilla, que su primera y única esposa había sido María de Padilla y en 1362 ordenó que trasladaran su cuerpo a la capilla de los reyes de la Iglesia de Santa María. Actualmente sus restos descansan junto a los de Pedro I en la Catedral de Sevilla.

Músicos

Eduardo Paniagua es considerado uno de los músicos españoles que más está haciendo por la recuperación del patrimonio musical de la Edad Media. PREMIO MÚSICA CLÁSICA 2009 DE LA ACADEMIA DE LA MÚSICA DE ESPAÑA. Nacido en Madrid en 1952, es arquitecto y especialista de la música de la España medieval. A los 16 años graba sus primeros cuatro discos con el grupo Atrium Musicae. Miembro fundador de los grupos Cálamus y Hoquetus, se especializa en la música arábigo-andaluza. En 1994 crea los grupos MÚSICA ANTIGUA e IBN BÁYA, este último codirigido con el laudista Omar Metioui, para el trabajo musical sobre las Cantigas de Alfonso X y la música andalusí respectivamente. En paralelo funda y dirige el sello discográfico PNEUMA con el que comienza a editar sus producciones musicales. Por su trabajo y por la difusión de estas músicas inéditas está recibiendo excelentes críticas y premios internacionales, siendo nominado como Mejor Artista de Música Clásica en los Premios de la Academia de la Música en los años 1997, 2000 y 2004.

César Carazo Cantante especializado en el repertorio de la música española de los siglos XII al XIX, de la música medieval española en sus facetas cristiana, andalusí y sefardí, a la tonadilla escénica del XIX pasando por todo el repertorio de la polifonía renacentista y cantatas barrocas. Ha colaborado con La Capella Reial de Jordi Savall, Neocantes, Quarteto de Urueña, Música Antigua de Eduardo Paniagua, Axivil , Al aire español, Accentus, Alfonso X, Magios y como solista en oratorios como Mesías de Handel, Réquiem de Mozart, y en operas como La Flauta Mágica y Bastian y Bastiana de Mozart, El triunfo del honor ,de Scarlatti, Flaminio de Pergolesi y un gran numero de tonadillas escénicas de los maestros Laserna, Esteve, del Moral . Ha colaborado en 61 proyectos discográficos de la música española desde el repertorio medieval hasta el del siglo XIX, entre ellos, la grabación de más de 200 cantigas de Santa María, del Renacimiento y del Barroco.

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Felipe Sanchez Mascuñano Ciudad Real. Desde muy joven se dedica a la guitarra participando en eventos culturales de su región. Se especializa en música antigua Antigua (vihuela, guitarra barroca, tiorba, laúd... etc.) con maestros como Hopkinson Smith y José Miguel Moreno. Colabora en montajes teatrales con el Centro Dramático Nacional, el Centre Dramatic de la Generalitat de Catalunya, con Adolfo Marsillach, Xavier Albertí…etc. Ha grabado más de 35 CD entre los que destacan como solista Castrati en el romanticismo –junto a Tu Shi Chiao-, La música de Diego Pisador –junto a Miryam Vincent-, y Tonadilles con Pilar Jurado, además de fundar y dirigir el grupo AXIVIL, que toma el nombre de un judío tañedor de vihuela del siglo XIV. Es responsable de la música de época de diversas bandas sonoras. Destacan Baltasar el Castrado (1994), Goya en Burdeos –Carlos Saura–Lázaro de Tormes–Fernán Gómez y García Sánchez–. Además de dirigir sus propios grupos –Axivil Criollo y Axivil Castizo– colabora con distintas formaciones camerísticas –Grupo de Eduardo Paniagua, Malandança, Mudéjar, Estil Concertant, Speculum, Ibérica de Danza, Ritirata, etc.

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ENRIQUE SOTO “SORDERA” + SALVADOR GUTIÉRREZ

Enrique Soto cante | Salvador Gutiérrez guitarra

Conocedor de los cantes y domador del compás, guarda en su garganta la solera del cante viejo de Jerez.

Nacido en el barrio de Santiago, Enrique Soto pertenece al linaje de los "Sorderas", que atesora el legado familiar de cantaores como Paco la Luz, por línea paterna, o El Niño Gloria, por parte de madre. Pero la mayor y más cercana de sus herencias ha sido la de su propio padre Manuel Soto "Sordera", que lo introdujo en la vida y el arte.

Hace ahora diez años que su padre nos dejó, pero su cante brilla entre las constelaciones negras del flamenco. Mirando a los Patriarcas de esta religión antigua, la voz gitana de Enrique nos conduce, sin beatitud ni liturgia, a Roma por Santiago. Esa Roma que es templo eterno del arte, la ciudad de la Luz y el Gloria, la de la vendimia y los tabancos… Y de Jerez al cielo.

Videos http://www.youtube.com/watch?v=iVvYa973-6o&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=hEiAn_QkMRc&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=ZRHy9ozesZI&feature=related

Programa Herencia (Homenaje a Manuel Soto Sordera) | El Flamenco: Patrimonio Inmaterial de la Humanidad

Minera (Solo de Guitarra) Tientos Alegrías Herencia (introducción instrumental) - Soleá por Bulerías Taranto Fandangos del Gloria Tangos (introducción instrumental) Bulería

Músicos

Enrique Soto “Sordera” Recoge el legado de cantaores como Paco la Luz, El Niño Gloria, o su propio padre, Manuel Soto "Sordera". Comienza su carrera en tablaos como el Corral de la Morería, el Corral de la Pacheca, Canasteros, Las Brujas o el Café de Chinitas. En los ochenta entra en la Cía. de Manuela Vargas y en el ballet de Cristina Hoyos. Desde entonces canta para José Greco, Antonio, Mario Maya, El Güito o Manuela Carrasco y más recientemente para Eva Yerbabuena y Andrés Marín. Tiene en su haber cuatro discos: "Como lo siento", con Vicente Amigo y Moraito Chico, "Compás" con Paco Jarana, “Homenaje a un Patriarca" y “Herencia” con Manuel Parrilla y Antonio Carmona. Destaca en la ejecución de la soleá y la bulería, e impone su conocimiento de los martinetes, seguiriyas, tarantos, tangos, tientos y cantiñas.

Salvador Gutiérrez Écija. Desde los 12 años acompaña a figuras como la Niña de la Puebla, Chocolate, Juan Valderrama, Pepe León, Jesús Heredia, Rancapino, José Mercé, alzándose ganador del concurso de la Federación de Peñas Sevillanas. En 1991 entra en la Cía. de Mario Maya, participando en “Amargo”, “Amor Brujo”, “Réquiem” y “Tres movimientos flamencos”. Ha trabajado con Cristina Hoyos, Joaquín Cortés, Belén Maya, Manuela Carrasco, Rafael Amargo, María Pagés, Rafael Campallo, El Mistela, Israel Galván… Con Eva la Yerbabuena colabora en “Eva”, “Yerbabuena”, “5 mujeres 5”, “La voz del silencio”. Alterna recitales con Carmen Linares, Arcángel, Potito, Enrique Soto, Segundo Falcón, Marina Heredia y Rosario La Tremendita... Trabaja para la Cía. de Andrés Marín en “Más allá del Tiempo”, “Asimetrías”, “Al alba del último día”, “El cielo de tu boca” o “La Pasión según se mire”, recibiendo el Giraldillo de Oro a la mejor música en la XVI Bienal de Flamenco.

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ENSEMBLE ANDALUSÍ DE TETUÁN

Youssef Housaini ud, voz | Mostafa Ahkam ney | Fathi Ben Yakoub viola | Mushen Kouraich percusiones, voz Azíz Samsaoui kanún, dirección

Ensemble Andalusí de Tetuán surge a finales del año 2000 por impulso de la OAT. Nace con los objetivos básicos de formar un grupo de músicos profesionales que conformen alguna de las mejores orquestas del panorama Andalusí.

Entre sus objetivos está el de desarrollar nuevos programas musicales, repertorios tradicionales e innovación artística, apostando de este modo por un nuevo concepto de la música Árabe en general con temática Andalusí. Así, favorecer su inserción en el mundo laboral y buscar nuevos públicos. Desde su fundación y hasta el año 2003 la dirección artística, musical y pedagógica estuvo a cargo de Aziz Samsaoui, director y miembro de la OAT. En la temporada 2004-2008 la dirección pedagógica es asumida por el etnomusicólogo y coordinador de programas culturales del municipio de Tatúan Youssef El Houssainie, con amplia experiencia en el mundo de la pedagogía musical, y contó con la coordinación y asistencia a la dirección musical de Aziz Samsaoui.

Entre las actuaciones más destacadas del Ensemble figuran: XXI Festival de Música Antigua (Barcelona), II Semana de Música Antigua (Gijón), XI Semana de Música Antigua (Beja; Portugal), I Semana de Música Antigua (Huesca), Ciclo Conciertos Familiares (Fundación La Caixa), I Festival Internacional de Música Antigua de Úbeda y Baeza, Festival Atapercu (Burgos, 2009), Festival de Música de Canarias (2009), Ciclo de Música Antigua de Málaga (2009), Veranos de la Villa (Madrid, 2009), Festival Internacional de Santander (2009) Músicas Influentes (Santillana del Mar, 2009), Festival de Arte Sacro (Madrid 2010)...

Programa Música sufí y cantos místicos en la tradición andalusí

Betayhi. Todos los amantes Darch. Dios es magnifico Muwwal. Vocal Basit. El profeta es la perla Kudam

-NUBA AL ISTIHLAL Twichiya (Instrumental) Basit (Qalali) Gaybatuk

-AL-FIACHIA /SUFIA Ana malifiyach Lama bada Ála àla ya maulana Ana andi tabib

Notas al programa

El sufismo representa una de las más importantes tradiciones del esoterismo del Islam. Su finalidad es la realización de prácticas que lleven a la experiencia de la disolución del ser en la Esencia Divina, la unidad mística. Como respuesta a la institucionalización de los califas más preocupados por las ideas expansionistas y el poder, surgen figuras contemplativas, cuya indumentaria era un manto de lana que contenía el vocablo sufi y entre síntoma de sencillez y ascetismo parece que este es el origen de la denominación sufi según creemos hasta nuestros días. La unidad entre el Amor, el amante y el amado, la disolución del yo en el océano, esta exhaltación del amor divinos, de la "embriaguez" y arrobamiento, es característico de los verdaderos sufíes.

Dentro de sus múltiples manifestaciones nos ocupamos aquí de la música encaminada a un estado de celebración extática mediante ritmos y danzas que han sido propias del entorno sufi.

En efecto el canto sufi fomentó además de la instrucción iniciática en torno a un sheikh (maestro) y su grupo de discípulos (tariga), la trasmisión al pueblo del sentido más emotivo y religioso. Y lo hizo sobre todo a través de canticos religiosos ("conciertos espirituales"), la danza sagrada, la música instrumental con el Oud, tambores y címbalos y la repetición del nombre de Dios (dikr). Esta repetición sistematizada del nombre divino en estilo melódico "La illa ha illa 'llah", cuyo pulso ritmico junto con la recta pronunciación, lleva a estados especiales.

Esta música es para el sufi simplemente un medio más de aproximación y encuentro con la divinidad. Como dijo Rumi: Esta vez de verdad me he enfrascado en el Amor y me he apartado por completo de religiones fanáticas [1]

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Músicos

Abdel Aziz Samsaoui Nacido en Marrakech y formado en el conservatorio de música Andalusí de Tetuán. Realizó estudios en laúd u violín andalusí bajo la dirección de Telemsaní, entre otros. Formó parte de la Orquesta Joven del Conservatorio de Música Andalusí de Tetuán, con la que ha ofrecido recitales en festivales a nivel nacional. Su trayectoria artística se ha ido enriqueciendo con colaboraciones y grabaciones en diferentes grupos diversos estilos musicales. Entre ellos destacan su participación con la Orquesta Filarmónica de Málaga en la obra Usúl de Eneko Vadillo, Cinco Siglos y Alía Música (Medieval Mudéjar-Sefardí),

Muhssine Koraich Nacido en Tetuán, comenzó su carrera musical tocando UD y violín, más tarde descubre otras de sus aficiones instrumentos de percusión, mejorando su estudios con el profesor Chekarra en conjunto de un centro de formación profesional, aprendiendo entonces las primeras técnicas de percusión. Mas tarde tuvo la oportunidad de trabajar con diversas orquestas y de aprender de los maestros y de los mejores percusionistas de Marruecos.

Fathi Ben Yakoub Nacido en Tetuán y formado en el conservatorio de Tetuán. Realizó estudios en violín clásico árabe bajo la dirección de Mohamed Albunani y el Mers. Formó parte de la Orquesta Joven del Conservatorio de Música Clásica y Árabe de Tetuán, con la que ha ofrecido recitales en festivales a nivel nacional e Internacional. Fue galardonado con el primer premio, segundo premio y premio honorífico del concurso Real para jóvenes Intérpretes nacionales.

Youssef Housaini Nacido en Tetuán, Cursó sus estudios de UD Árabe e Instrumentos Históricos de cuerda en el Conservatorio Superior de Música de Tetuán. Interesado por la Música Antigua, ha llevado a cabo estudios en Tánger, y Rabat con profesores como El Haj Driss, Faruk Hmed, Pertenece a la familia arraigada a la música andalusí sobre todo música sufi, de zawia al-harrakia.

Mostafa Ahkam Partiendo de una sólida formación clásica Árabe y música Andalusí, pronto se adentra en la búsqueda de músicas enraizadas en el pasado, como la medieval, sefardí y turca, tomando consejos de prestigiosos maestros de, Siria (Damasco), Turquía (Estambul). Realiza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de Rabat en los instrumentos de viento. Se ha formado en la técnica e interpretación del Nay con los prestigiosos profesores de Marruecos.

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FAHMI ALQHAI + RODNEY PRADA

Fahmi Alqhai viola da gamba | Rodney Prada viola da gamba

Alqhai y Prada son dos violagambistas de la nueva generación de interpretes de este instrumento reconocidos a nivel mundial como dos de los más prestigiosos artistas e instrumentistas del momento. Juntos han colaborado en numerosas ocasiones en festivales de gran prestigio en toda Europa. Junto a Cristiano Contadin, el virtuoso italiano, y Vittorio Ghielmi conforman el cuarteto de violas Il Suonar Parlante, reconocido como el mejor consort de violas del momento y posiblemente uno de los más activos en la actualidad.

Programa Los gustos reunidos (Músicas del XVI al XIX en España, Inglaterra, Alemania y Francia) | Acordes

DIEGO ORTIZ TOLEDANO (c. 1519-c.1570) Glossa sobre el tenor de La Spagna Folia Passamezzo antiguo y moderno

G.B.VITALI (1632-1692)/Anónimo Passacagli e Ciaccona

TOBIAS HUME (1569-1645) Start Pavin Spirit of Gambo

JOHANN SCHENK (1753-1836) “Le Ninphe di Reno” Adagio Presto Adagio Ciaconna

MONSIEUR DE SAINTE-COLOMBE (ca. 1640-1700) Concert a deux violes ésgales (Les Regretz)

CRISTOPH SCHAFFRATH (1709-1763) “Duetto” en Re m. poco Allegro Adagio Allegro

Músicos

Fahmi Alqhai Sevilla, 1976. Es reconocido como uno de los mejores intérpretes de viola da gamba del momento actual. A pesar de su juventud es requerido por las formaciones camerísticas más importantes del panorama nacional e internacional de música antigua. Hoy en día es colaborador habitual de Hesperion XXI (Jordi Savall) e Il Suonar Parlante (Vittorio Ghielmi), con quién ofrece regularmente conciertos en toda Europa, Japón, EEUU y Latinoamérica. Ha realizado numerosas grabaciones para sellos discográficos (Alia Vox, Glossa, Winter&Winter, etc.), televisiones y radios en todo el mundo. En 1998 comienza su carrera de solista especializándose en el repertorio alemán para la viola, sus versiones de las sonatas de Johann sebastian Bach han tenido en todas sus actuaciones una inmejorable crítica tanto por el público como por la crítica especializada. Es fundador y director del grupo Accademia del Piacere y fundador junto a su hermano, Rami Alqhai, del sello Alqhai&Alqhai. Además de la música antigua ha colaborado como solista en espectáculos de flamenco y también realiza incursiones en el campo de la música contemporánea y el Jazz. Desde 2009 es director artístico del FeMAS.

Rodney Prada Costa Rica, 1973. Se inicia muy joven en los estudios musicales en su ciudad natal. Con 11 años, marcha a Italia para proseguir su formación en la Civica Scuola di Musica de Milán, donde se dedica al estudio de la viola da gamba bajo la guía de Roberto Gini y Vittorio Ghielmi. Popular rápidamente en el panorama musical de Italia y Europa, participa en numerosas producciones con los conjuntos más célebres (Elyma, Il Giardino Armonico, La Fenice, Les Musiciens du Louvre, Europa Galante, Accademia Bizantina, Les Talens Lyriques, Concerto Italiano, Il Suonar Parlante, Accademia del Piacere, La Venexiana, L’Amoroso, Labyrinto, Quartetto Italiano di Viole da gamba, La Capella della Pietà de’ Turchini, L’Arpeggiata, etc.) tocando en las más prestigiosas salas de Europa, Norte y Sudamérica. Ha grabado para Teldec, Astrée, K617, Opus111, Winter & Winter, Symphonia, Glossa, Arts, Naïve, Tactus, etc. Como solista y con Il Suonar Parlante, además de al repertorio antiguo, se dedica a la música contemporánea y el jazz en proyectos en los que se experimenta con el uso de instrumentos antiguos en contextos musicales actuales, colaborando con jóvenes compositores italianos y jazzistas como Uri Caine, Ernst Reijseger y Kenny Wheeler. En 2007 participa junto a Stefano Montanari y Maurizio Salerno en la grabación para la revista Amadeus de la integral de sonatas para violín, viola da gamba y bajo continuo de D. Buxtehude. Da clases de viola gamba en la Accademia Internazionale della Musica de Milán

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FÉLIX SLIM + MINGO BALAGUER

Félix Slim guitarra, voz | Mingo Balaguer armónica, voz

Habiendo coincidido multitud de veces por separado en numerosos festivales de blues y con sobrada experiencia en este campo, un buen día deciden asociarse y trabajar juntos.

Ya han realizado numerosas giras y participado en festivales de blues, su repertorio ha sido cuidadosamente escogido y se lo pasan de miedo interpretando temas clásicos de sus “bluesmen” favoritos, inspirados en las raíces más puras del blues, profundizando dentro del campo del folk-blues y del más puro sonido del blues del Mississipi.

Tienen una puesta en escena muy cuidada y dan un espectáculo en el que tanto ellos como el público se divierten de lo lindo, muestra de ello algunas críticas aparecidas en diversos medios.

Acaban de sacar su primer trabajo titulado “Live in the Basque Country”, publicado por el sello “Gaztelupeko Hotsak”, es un CD grabado totalmente en directo en Amorebieta, durante una gira por el país vasco.

El 2 de Octubre de 2010 quedaron en segundo puesto, de entre 13 grupos españoles para representar a España en el “European Blues Challenge” 2011 en Berlín, en la que participaran 16 países europeos. Han sido elegidos por un jurado compuesto por 32 expertos en Blues de toda España.

Videos http://www.youtube.com/watch?v=zZjpLYkqFbo http://www.youtube.com/watch?v=aZcl1IFmP0U&feature=related

Programa Afroamérica: en la tradición del Blues

Tradicional When the saints go marchin on Tradicional, Down by the riverside CHARLEY PATTON (1891-1934), Shake it and Break it CHARLEY PATTON, Poney Blues Tradicional, Johnn Henry BLIND LEMON JEFFERSON (1893-1929), Easy Rider BLIND LEMON JEFFERSON, Black Snake Moan BLIND BLAKE (1893-1933), Early Morning Blues BLIND BLAKE, Police Dog Blues

Músicos

Félix Slim Cantante, Guitarrista y Armonicista de Blues, nacido en Ceuta y afincado en Cádiz, aun no sabe dónde se encontrará mañana; autodidacta en el estudio del Blues desde sus raíces, ha colaborado con infinidad de artistas tanto nacionales como internacionales. Hábil con la Guitarra y veloz con el Slide, canta con una voz que le confiere una curiosa anti naturalidad, como si fuera poseído por el fantasma de algún viejo Bluesman, de este modo, trata de rescatar el sonido de las melodías que hace ya más de un siglo se podían oír en los estados de Lousiana, Texas, Georgia etc. Ha participado en numerosos festivales de blues por todo el territorio español.

Mingo Balaguer Empezó a tocar la armónica aproximadamente a los once años, en 1985 entró a formar parte de la “Caledonia Blues Band”, considerada por la crítica especializada como una banda de leyenda dentro del blues nacional, han recorrido casi todo el territorio nacional participando en numerosos festivales de Blues y Jazz durante los diez años que han permanecido juntos, también fundó el grupo “The Blues Machine” y “The Blues Blasters”. Más tarde a principios del verano del año 2002, Mingo toma la decisión de liderar un cuarteto llamado “Mingo & The Blues Intruders” , Su propuesta abarca un gran abanico de estilos dentro del campo del blues. Tiene actualmente 10 Cd’s editados.

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FRANCISCO OROZCO + ÁLVARO GARRIDO

Francisco Orozco canto, instrumentos de cuerdas pulsadas | Álvaro Garrido percusiones

Francisco Orozco y Álvaro Garrido, dos músicos de reconocido prestigio en el mundo de la música antigua y compañeros en formaciones como Artefactum y Música Prima, forman este peculiar duo que pretende, a través del uso de elementos tan dispares como la voz, los instrumentos de cuerda y las percusiones, dar una visión única y personal a la interpretación de temas de los siglos XII al XVI.

El gran objetivo del duo es, en el mas amplio y noble sentido de la palabra, divertir y divertirse a través de la interpretación de un repertorio tan espléndido como el que nos brinda la música antigua.

Francisco Orozco y Álvaro Garrido, ya sea en sus respectivas facetas como solistas, o como integrantes de los diferentes grupos a los que pertenecen, o con los que colaboran, han participado en innumerables festivales y muestra de música antigua repartidas por todo el mundo, desde Europa, hasta América y los países del Cercano y Lejano Oriente.

Programa La Ruta de las especies (De la Edad Media al Barroco Iberoamericano) | Acordes

RAIMBAUT DE VAQUEIRAS (siglos XII/XIII), Calenda Maya Anónimo (siglo XIV), Danza Real 1 Anónimo (siglo XIV), Danza Real 2 Anónimo (siglo XIV), Estampida Real 3 ALONSO DE MUDARRA (siglo XVI), Guardame las vacas (Romanesca) Anónimo (siglo XVI), Rodrigo Martinez (Folia) Anónimo (siglo XVI), Españoleto y Calata (Danzas) Cancionero de Palacio (siglo XVI), Ay linda amiga (Canción) HERNANDO FRANCO (siglo XVI), In ilhicac cihuapille JUAN GARCÍA CÉSPEDES (siglo XVIII), Convidando está la noche (Guaracha) JUAN ARAÑÉS (siglo XVII), La vida bona (Chacona)

Músicos

Álvaro Garrido Sevilla. Músico autodidacta. Buscador de sonidos. Su repertorio abarca desde la música antigua hasta la música experimental. Especialista en percusiones de mano, ha recibido clases en The Berkley School of Music (Boston, E.E.U.U.) asistiendo a cursos de perfeccionamiento con maestros como, entre otros, Glen Velez, John Bergamo y Pedro Estevan. Conciertos en Alemania, Austria, Checoslovaquia, EEUU, Francia, Grecia, Italia, Japón y Portugal. Grabaciones para TVE, TV2, TV3, Canal Sur y RNE. Integrante, entre otros, de los grupos Artefactum, Orphenica Lyra, Accademia del Piacere, Música Prima, More Hispano, Caravasar, Estambul, Zejel, L´Ham de Foc... Músico habitual del violagambista Paolo Pandolfo y de la cantante israelí Yasmin Levi. Asimismo ha colaborado con músicos de flamenco como Gualberto, Dorantes, Eduardo Trassierra e Israel Galván.

Francisco Orozco Cali, Colombia. Después de estudiar en el Conservatorio Nacional de Música y la Escuela de Arte Dramático de Bogotá, se traslada a París donde estudia en la Escuela Normal Superior de Música, en el Departamento de Musicología de la Universidad de la Sorbona y, simultáneamente, en el Conservatorio Experimental de Pantin. Se especializa en los instrumentos de cuerda pulsada (laúdes y guitarras), trabaja la técnica vocal con Irene Jarski, Odille Pietti (de la ópera de París) y con Eva Pía la pedagogía de la voz. Investiga sobre la historia del canto y su técnica en el mundo y Europa, sobre el concepto de voz de carácter para la interpretación de repertorios anteriores a la formalización de las voces en tenor, contratenor, etc. Se inspira en los laudistas cantores italianos del Renacimiento (cantore al liuto) que sabían y debían cantar grave como agudo (shakespeare « la noche de los reyes »). Asume durante varios años la enseñanza de la técnica vocal y pedagogía de la voz en la Escuela de Arte Dramático del Teatro Nacional de Chaillot de París. Compone música para teatro: La noche de los reyes y La fierecilla domada de W. Shakespeare, del director Jerome Savari; para varias películas en Colombia, o para la radio en France Musique. Es músico actor en teatro (Fausto de A. Vitez) ; en cine (Perceval de Eric Rhomer). Como solista es miembro de diferentes formaciones de renombre internacional como Alegría de París, Sonare et Cantare Amadis, Allegorie, Arte Factvm, Música Prima o Tempus, entre otros. Francisco Orozco no cesa de divulgar la musica medieval y renacentista así como aquella del barroco latinoamericano hasta nuestros días.

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HILARY FIELDING + SASHA CRISAN

Hilary Fielding violoncello | Sasha Crisan violoncello

A Hilary Fielding y a Sasha Crisan les une algo mas que el violonchelo, algo mas que la música. La complicidad va más allá de lo íntimo y lo familiar. Sasha, nacida en el seno de una familia musical, eligió el violonchelo porque es un instrumento con el cual se toca sentado, fue uno de los motivos por el que se decidió.

Desde los dieciseis años Sasha ha colaborado con el cantautor Amancio Prada, tocando a su vez con Hilary. Amancio acostumbra a llevar a dos violoncellos. Las dos también han acompañado a bailaores reconocidos en el mundo del flamenco y han tocado recitales a dúo de violonchelos por la geografía española. También han interpretado juntas el concierto de Vivaldi para dos cellos y orquesta, en Manchester.

Programa Entre juegos anda el chelo | Acordes

J. KLENGEL (1859-1933), Suite en Re menor op.22 Introdution – Praeludium – Arioso – Gavotte - Fughette

S. LEE (1805-1887), Duetonº 3, Opus 37 Allegro risoluto - Andante - Allegro ma non troppo

G. B. VIOTTI (1755-1824), Dúos concertantes Opus 29 nº 3 Moderato maestoso e con grande espressione

G. ROSSINI (1792-1868), Dúo en Re Mayor Allegro - Andante molto - Allegro

Músicos

Hilary Elizabeth Fielding Estudió violoncello en la escuela de música “Guildhall School of music and drama” de Londres donde obtuvo el premio de solista y el certificado “Advanced” de solista. Siguió tocando en varias orquestas de cámara, incluida la “Vivaldi Concertante” y la “London Soloist” con quien hizo una grabación. También tocó como solista con orquestas de Inglaterra, Italia y Francia. Fue profesora en la escuela de música “Guildhall” durante diez años antes de venir a Madrid en 1993. Desde entonces ha tocado por toda España en numerosos conciertos incluyendo la Fundacion Juan March con la “Ensemble de Madrid”, el cantautor Amancio Prada y el pianista Graham Jackson. Continúa tocando como solista y como cellista de cámara. Actualmente colabora frecuentemente con el bailaor Joaquín Cortés en sus giras mundiales. Toca un violoncello Gustav Bernardel, Paris, 1897.

Sasha Crisan Leicester (Inglaterra). De familia musical, inició estos estudios con su madre a temprana edad y pasó a estudiar violonchelo, de forma oficial, en la Guildhall School of Music and Drama en Londres con Rhuna Martin y Margeret Powell. A los once años fue admitida en el Royal College y Purcell School en Londres. En España ha estudiado grado superior en Salamanca con Iagoba Fanlo y Marius Díaz Lleal como profesores. Ademas ha recibido clases particulares de Maria Macedo, Susana Stefanovic y Angel García. Fue miembro de la Joven Orquesta Nacional de España entre los años 2000 y 2003. En el año 2006 realizó un postgrado en el Peabody Institute (Baltimore) con el jovencísimo intérprete y profesor, Amit Peled. Ha colaborado con varias orquestas españolas, como la Orquesta de la Comunidad de Madrid y la Filarmonia de Madrid. Ha ganado plaza de tutti en las orquestas Real Filharmonia de Galicia y Orquesta Ciudad de Granada. Además de tocar música clásica ha tenido la oportunidad de descubrir otros estilos musicales como el flamenco, la ranchera y de cantautor, como Amancio Prada. Actualmente y desde septiembre del 2009, es ayuda de solista de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Actualmente toca un violoncello J. B. Guadagnini, del año 1753.

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JUAN CARLOS CHORNET + DANIELA IOLKICHEVA

Juan Carlos Chornet flauta travesera | Daniela Iolkicheva arpa

El dúo de flauta y arpa es una de las combinaciones camerísticas más agradables y exquisitas de las que podemos disfrutar. Las sonoridades dulces y sugerentes de ambos instrumentos se entremezclan a la perfección en esta combinación, la cual creemos que estará cumplidamente representada por músicos de tan reconocido prestígio como son Juan Carlos Chornet y Daniela Iolkicheva, que desarrollan una intensa actividad artística como Dúo de Cámara.

Programa El Siglo de las Luces

GAETANO DONIZETTI (1797-1848), Sonata para flauta y arpa Larguetto Allegro-Gallemberg

LUIGI BOCHERINI(1743-1805), Sonata en Do M Allegro spirito Largo Tempo di minueto

ROBERT-NICHOLAS-CHARLES-BOCHSA (1789-1856), Nocturno concertante op.71 Nº3

L-SPHOR (1785-1859), Sonata en Mib Mayor Allegro brillante Adagio Rondo-Allegreto

Músicos

Daniela Iolkicheva Sofía (Bulgaria). A los nueve años empieza a estudiar Piano y cinco años más tarde, después de una oposición, inicia estudios de Arpa en la Escuela de Música L. Pipkov con Constance Popova. En 1984 ingresa en el Conservatorio Superior de Música, estudiando con Vesela Jeleva. Un año más tarde obtiene por oposición una beca para el Conservatorio Superior N. Rimsky-Korsakov de San Petersburgo donde en 1990, bajo la dirección de Tatiana Tauer, se doctora en Arpa como primera especialidad y Piano como segunda, con las máximas calificaciones y Sobresaliente “Cum Laude”. En 1982 gana un concurso que le lleva a participar en la Orquesta Internacional de Roma. Dos años más tarde gana el VII Concurso Nacional de Arpa en Bulgaria, donde recibe además el Premio Especial como participante más joven. En 1988 es galardonada en los Festivales Internacionales en Moscú y San Petersburgo. En 1991 le es otorgado, por Nicanor Zabaleta, el Premio Andrés Segovia y José Miguel Ruiz Morales como alumna más destacada del Curso Música en Compostela. En el mes de noviembre de 2004 junto a Serguei Teslia gana el Primer premio Jakez François en el I Concurso Ibérico de Música de cámara con Arpa. En 1990 obtiene la plaza de Solista de Arpa en la Orquesta Sinfónica de RTV de Bulgaria y un año más tarde pasa a formar parte de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla como Solista de la misma. En 1992 es invitada a colaborar con la Royal Philarmonic Orchestra bajo la dirección de Mstislav Rostropovich. En su haber artístico figuran numerosas actuaciones en conciertos con directores de la talla de Lorin Maazel, Yuri Temirkanov, Mariss Jansons o David Salón, entre otros. En 1998 participó en el Festival Internacional de Spoletto en Italia actuando tanto en conjuntos de cámara como en conciertos sinfónicos y en la primera grabación en CD de la Opera El Consul de Gian-Carlo Menotti. Desde el año 2002 es profesora de arpa en el Aula Especial de Música del Colegio San Francisco de Paula en Sevilla. En la primavera de 2004, celebró un concierto de música clásica de los siglos XIX y XX con Arpa electroacústica en la Catedral de Sevilla junto al Organista titular de la misma, José Enrique Ayarra. Para esta ocasión, el instrumento fue cedido por la Fundación “Victor Salvi”. Es invitada habitualmente al Festival Internacional de Santander, y en dos ocasiones ha actuado en el Festival Internacional de Granada. Ha realizado grabaciones para la Radio y Televisión búlgara, rusa, española e italiana. Actúa en recitales, conjuntos de cámara y como solista en diversas orquestas de España, Alemania, Portugal, Italia, Rusia y Bulgaria.

Juan Carlos Chornet Formado en los Conservatorios Superiores de Música de Valencia, Madrid y Héctor Berlióz de París, Juan Carlos Chornet inició una intensa carrera musical en el año 1990 que le ha llevado por escenarios de toda Europa. Como solista o junto a formaciones de cámara ha sido dirigido por algunos de los más prestigiosos directores del momento, como Chistopher Hogwood, Frans Brüggen, George Benjamín, Josep Pons, Fabio Biondi, Rinaldo Alessandrini, Lorin Maazel… actuando junto a solistas como Marta Almajano, Victoria De Los Angeles, Jana Bouskova, Placido Domingo entre otros. Desde 1991 es flauta solista de la Orquesta Ciudad de Granada ciudad donde reside. Junto a la Orquesta Ciudad de Granada ha participado en todas sus grabaciones y giras internacionales (Alemania, Austria, Italia, Gran Bretaña, Bélgica y Portugal). Juan Carlos Chornet ha actuado, asimismo, junto a muchas de las principales orquestas del país, Orquesta de Valencia, Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta de cámara Teatre Lliure, etc. en escenarios, ciclos y festivales de Granada (Festival I. de Música y Danza), Festival de Música de Úbeda, Festivales de Santander y San Sebastián, Festival de Música Contemporánea de Alicante, Auditorio Nacional de Madrid, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Palau de la Música de Valencia, Palau de la Música Catalana, Auditorios de Zaragoza, Tenerife,etc. Si bien su ocupación principal es como solista, Juan Carlos Chornet lleva igualmente pareja una gran actividad pedagógica, que le ha llevado a impartir clases magistrales, cursos y conferencias en los principales Cursos y Masters españoles, en diversas orquestas jóvenes de España, así como en el Conservatorio Superior de Música de Granada, del que es 40

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profesor desde 2004. Colaborador habitual de numerosas formaciones camerísticas, es miembro del grupo Mintaka 07(flauta y percusión) Trio Silenus,Ensemble Nayb, y miembro fundador del Grupo Taima (Taller andaluz de música actual), junto al que ha interpretado estrenos mundiales de obras de José García Román,Luís de Pablo, S.Holt… y primeras audiciones en España de obras de G. Crumb, M. Gould, S. Holt, T. Keuris, G. Kroll, Krystrof Penderecki, I. Yun, etc. Ha colaborado también con el trío Arbós y el Grupo Neo Percusión, proyecto guerrero, etc. Dentro de su amplio repertorio como flautista incluye la interpretación con instrumentos originales, en la Academia Galante y formando dúo de manera regular con el clavecinista Darío Moreno. Asi mismo es miembro de la Orquesta Barróca de Granada. Además de sus intervenciones junto a la Orquesta Ciudad de Granada, Chornet ofrece cada vez mas recitales como solista, contando con un amplísimo repertorio y con una proyección artística asentada y avalada siempre por las más altas cotas de calidad. Su ultima grabación como solista, realizada para el Sello Verso, ha sido junto a la Orquesta Ciudad de Granada, dirigida por José Luis Temes, con obras de Ángel Arteaga. Próximamente va a grabar un disco de musica de Jose Manuel Lopez Lopez para el sello discográfico Kairos con el Proyecto Guerrero.

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JUAN ESCALERA + ALFONSO RUBIO

Alfonso Rubio flauta travesera | Juan Escalera piano

Juan Escalera y Alfonso Rubio cruzan sus trayectorias musicales hace ya más de diez años, el primero como pianista del Teatro de la Maestranza y el segundo como miembro de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Individualmente son dos de los músicos más brillantes de su generación, con numerosos reconocimientos en sus respectivas carreras, que incluyen galardones en concursos, grabaciones en todo tipo de soportes e innumerables conciertos en algunas de las mejores salas de toda Europa. El dúo de flauta y piano que forman tiene una larga trayectoria, que se caracteriza por un trabajo integral del repertorio clásico del dúo desde una perspectiva camerística. Han actuado profusamente en el ámbito de la geografía andaluza, y en este sentido destaca la gira llevada a cabo en 2009 para Juventudes Musicales de Andalucía.

Programa Mitos de Sevilla | Sevilla en la Ópera

EL BARBERO DE SEVILLA | PABLO SARASATE (1844-1908) Homenaje a Rossini

LAS BODAS DE FÍGARO | LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Variaciones sobre “se vuol ballare”de Las bodas de Fígaro de Mozart.

DON JUAN | FRANZ DANZI (1763-1826) Variaciones sobre “la ci darem la mano” de Don Juan de Mozart.

CARMEN | FRANÇOIS BORNE (1840-1920) Fantasía brillante sobre “Carmen” de Bizet.

Músicos

Alfonso Rubio. Fue miembro de la JONDE y de la EUYO y desde 1995 flauta tutti, flautín y flauta solista (2000) de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, habiendo trabajado con directores como Colin Davis, Yuri Temirkanov o Jesús López Cobos. Ha actuado en salas como el Royal Albert Hall de Londres, Cité de la Musique e Instituto Cervantes de París, Academia Chopin de Varsovia, Berwald Hall de Estocolmo, Tivoli Musikafdelingen de Copenhague o Sölitar Saal de Salzburgo. En 2006 deja la ROSS y gana las oposiciones como profesor de flauta, actividad que compagina con la música de cámara y contemporánea como solista de Zahir Ensemble.

Juan Escalera Peña. Realiza sus estudios Sevilla, completándolos en Madrid con J. Colom, y en Holanda, Francia, Suiza y Rusia. Tras una fructífera carrera en la que recibe buenas críticas y es invitado a colaborar con la R.O.S.S, el Teatro de la Maestranza y varios coros de Sevilla, se especializa en la labor de Pianista Acompañante, labor que desempeña en el C.S,M Manuel Castillo, y que le ha permitido colaborar con grandes músicos como el Cuarteto Itálica, M. Romero, A. Bornkamp, A. W. Collado, L. Galache, C. Delangle o V. David entre otros y a ser invitado en numerosos cursos por todo el país.

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Mª ESTHER GUZMÁN + LUIS ORDEN

Luis Orden flauta travesera | Mª Esther Guzmán guitarra

María Esther Guzmán y Luis Orden 2001/2011 “10 años entre viento y madera”

Desde sus propias personalidades musicales, hasta el equilibrio que alimenta la mágica sonoridad de la fusión “Guitarra-Flauta”, María Esther Guzmán y Luis Orden, encarnan una de las formaciones más consolidadas y “viajadas” de nuestra tierra. Lo saben auditorios de primera categoría de toda España, comenzando por sus incansables giras por Andalucía. La Sala de Radio Moscú y la mítica Sala Malí del Conservatorio Tchaikovsky, también fueron excepcionales testigos de su categoría sin fronteras, y se pusieron en pie aplaudiéndoles. 2CD´s, amplia gama de repertorios, estilos, estrenos, frecuentes apariciones en Radio Clásica... Diez años y el prestigio plenamente conquistado. Aun así, ambos siguen disfrutando con su oficio, tanto o más que el primer día, conscientes de cuanto resta por descubrir. La travesía de viento y madera continúa ¿Ha sido poco o mucho tiempo? Cuestión de puntos de vista.

Programa Diez años entre viento y madera

LUIGI LEGNANI (1790-1877), Duetto concertante Op.23 GABRIEL FAURÉ (1845-1924), Pavana GABRIEL FAURÉ, Siciliana E. GRANADOS (1867-1916), Valses poéticos ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909), Tango ISAAC ALBÉNIZ, El Puerto ISAAC ALBÉNIZ, Sevilla FRANÇOIS BORNE (1840-1920), Fantasía brillante sobre la ópera "Carmen" de Bizet

Músicos

Mª Esther Guzmán Sevilla. Hizo su presentación en público a los 4 años en el Teatro Lope de Vega, a los 11 obtiene el 1ºPremio en RTVE, a los 12 es escuchada por el Maestro Segovia, recibiendo sus elogios y consejos. Ha actuado en los más importantes escenarios de Europa, Africa, Asia y América. Giras y grabaciones anuales en Japón desde 1988. Ha grabado 1LP, 25CD y 4videos. Premio “Andalucía Joven de Música” 1994. En 1988 Homenaje en JJ.MM. de Sevila por sus “Bodas de Plata” con la Música. Premio de la revista RITMO por su CD de Arcas. En 2002 fue nombrada Académica Numeraria de Bellas Artes de Sta. Isabel de Hungría de Sevilla. Es profesora de la Escuela “Amadeus” de Sevilla, e imparte clases magistrales en España y en el extranjero. www.mariaestherguzman.eu

Luis Orden Sevilla. Estudia flauta travesera en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad, ampliando posteriormente sus conocimientos con reconocidos flautistas. Ha participado en numerosos ciclos y salas de relevancia nacional, -Auditorio Nacional de España, la Fundación J. March, Museo Guggenheim de Bilbao- así como internacional -el Teatro Colón de Buenos Aires, el Conservatorio de Pekín, el Conservatorio Tchaikovsky y la Sala de la Radio en Moscú-. Ha realizado numerosos estrenos y varios compositores le han dedicado sus obras. Ha grabado dos cd’s junto a la guitarrista sevillana Mª Esther Guzmán y cuatro con el Ensemble Solistas de Sevilla. Es profesor de flauta travesera en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla y es “artista internacional” de Pearl Flutes (Japan). www.luisorden.com

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MATTHIEU SAGLIO

Matthieu Saglio violonchelo, composición, sampler

El violonchelista francés Matthieu Saglio presenta su nuevo proyecto “Cello Solo”: un espectáculo musical centrado alrededor del violonchelo, que combina la tradición clásica con sonidos y ritmos traídos de sus encuentros alrededor del mundo. Nos entrega una serie de composiciones conmovedoras, dónde retumban los ecos de las catedrales occidentales y de los souks del Maghreb, del tango latinoamericano y del flamenco ibérico. La magia del sampler le permite grabarse en directo para armonizar y dar amplitud a los temas, como si varios violonchelos tocaran juntos y dejando siempre mucho espacio para la improvisación.

Cello Solo ha sido presentado en numerosas ciudades de España (Madrid, Alicante, Valencia, Tarragona, Zaragoza, Salamanca, Santiago de Compostela, etc.), Portugal y Francia desde febrero del 2009, dónde ha encontrado siempre el éxito unánime de la crítica especializada y del público.

Videos http://www.youtube.com/watch?v=N9Z_kfN1Xfs&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=y8Iq5Z2cxFA&feature=related

Programa Cello Solo. El violonchelo de los mil acentos

Allemande Suite I de Bach (*) Élégie Mon Petit Pour Marie Ressucite avec les Anges El rojo de las cerezas Bajo los Naranjos Aquellos Momentos Contigo Llamado Tango L'Eclipse Mon Amour Funky Tren

Todos los temas son composiciones de M. Saglio, excepto (*)

Matthieu Saglio Gracias a un sonido inmediatamente reconocible y a su gran versatilidad, Matthieu Saglio se ha dado a conocer como uno de los violonchelistas más apasionantes de su generación. De formación clásica, es uno de los precursores de la introducción del violonchelo en el flamenco con su grupo Jerez-Texas, con el que actúa en el mundo entero desde el 2002 (400 conciertos en 20 países). También ha montado un proyecto de música de cámara original con el violinista marroquí Fathi Ben Yakoub: un dúo a mitad de camino entre el clásico occidental y el clásico árabe. A parte, colabora a menudo como compositor para bandas sonoras de teatro, danza y documentales.

Lo que ha dicho la prensa

“Una indiscutible habilidad, desde su formación clásica, para extraer todo tipo de sonoridades posibles a su instrumento, y una apertura de miras que no entiende de límites estilísticos ni geográficos, desde la que es posible trazar una línea recta que comience con Bach y llegue hasta el tango, el funk o los efluvios orientales, sin que su tren descarrile en el intento." - EL PAÍS, crítica de concierto en el Palau de la Música de Valencia

“Si bien, un concierto de violonchelo, en principio, podría parecer algo monótono, lo cierto es que Matthieu demuestra todo lo contrario y hace vibrar al escuchante con los sonidos que logra arrancar con su instrumento. (…) Una delicia.” - WORLD MUSIC

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MÓNICA PUSTILNIK + ARIEL ABRAMOVICH

Mónica Pustilnik vihuelas de mano | Ariel Abramovich vihuelas de mano

De las siete magníficas publicaciones para vihuela que vieron la luz entre 1536 y 1576, tan solo una de ellas comprende piezas para tañer a dúo.

Enríquez de Valderrábano incluyó, en su "Silva de Sirenas" de 1547, un volumen entero con dúos de vihuelas en distintos temples, trabajos propios e intabulaciones de maestros del XVI.

En 1555, fray Juan Bermudo recomendaba a vihuelistas formar grupos para tañer obras de Cristobal de Morales "según lo hizo el excelente músico Enríquez".

Es insólito, o al menos sorprendente, el hecho de que no se publicase más música para dos vihuelas, ya que sí se hizo en cambio para dos láudes en el resto del continente a lo largo del siglo.

Este programa juega con la hipótesis de una publicación más, partiendo del método empleado por los maestros antiguos, creando nuevas intabulaciones y tomando obras de maestros italianos, cuya influencia en los tañedores del mundo ibérico es incuestionable.

Programa Cifras Nuevas. Música virtuosa del Siglo XVI en Italia y España | Acordes

LUYS DE NARVÁEZ (pub 1538)/LUYS VENEGAS DE HENESTROSA/PALERO (1557), Paseábase el Rey Moro

PIETRO PAOLO BORRONO (fl.1531-1549), Pavana Milanese-Saltarello

FRANCESCO DA MILANO (pub. 1536), Fantasia

FRANCESCO DA MILANO, La Spagna Canon Fantasía

LUYS DE NARVÁEZ/ ANTONIO DE CABEZÓN (1510-1566), Diferencias sobre Guárdame las vacas

ADRIAN WILLAERT (ca. 1490-1562), Ricercar VII

PIETRO PAOLO BORRONO, Saltarello

ALBERTO DA RIPA (c. 1500-1551), Fantasia

JULIUS DA MODENA (1498-1561), Tiento LUYS VENEGAS DE HENESTROSA/PALERO, Mort ma Prive par sa Cruélle JULIUS DA MODENA (1498-1561), Ricercar

ENRÍQUEZ DE VALDERRÁBANO (pub. 1547), Diferencias para discantar

JUAN VAZQUEZ (ca. 1500-1560), De los álamos vengo, madre

LUYS DE NARVÁEZ, Fantasia

JOANAMBROSIO DALZA (Venecia, 1508), Saltarello y Piva

Músicos

Mónica Pustilnik Buenos Aires, Argentina, 1970. Tras diplomarse en piano y guitarra (Buenos Aires 1991), entre 1994 y 1999 estudia en la Schola Cantorum Basiliensis laúd con Hopkinson Smith, y hace en Trossingen un Postgrado con Rolf Lislevand. En 2010 obtiene el "Master of Arts" de la Schola Cantorum Basiliensis. Es profesora de BC y Laúd en el ESMUC (Barcelona, España) desde 2002. Ha colaborado con Le Concert d'Astrèe (Emanuelle Haim), Les Musicienes du Louvre (Marc Minkowsky), Les Talens Lyrics (Christophe Rousset), Concerto Vocale (Renè Jacobs), Ensemble Elyma (Gabriel Garrido), Il Seminario Musicale (Gerard Lesne), Concerto Soave (María Cristina Kiehr), y con la Sinfónica de la Radio de Frankfurt, la Nacional de Madrid, la Sinfónica de Birmingham, y la Filarmónica de Berlín. Ha grabado con los sellos Ambronay, Arsis, Astrée Naive, Ambroisie, Glossa Music, Harmonia Mundi, Schola Cantorum Basiliensis, Virgin Classics, Zig Zag Territoires.

Ariel Abramovich Buenos Aires, 1976. Se inicia en la guitarra y la música latinoamericana, estudiando luego guitarra clásica. Deslumbrado por el fascinante repertorio para laúd y vihuela del siglo XVI, decide dedicarse en exclusiva a él. Estudia con Hopkinson Smith en la Schola Cantorum Basiliensis y más tarde con Eugène Ferré en Francia. Funda en 1998 El Cortesano, junto a José Hernández Pastor, con quien graba dos discos para los sellos Arcana y Carpe Diem. Trabaja junto al tenor británico John Potter, con quien grabó para la casa alemana ECM un primer registro. Colabora con destacados especialistas internacionales de la música antigua (Anna Maria Friman, Jacob Heringman, Eugène Ferré, etc). Combina la actividad escénica con la labor docente en los cursos de Música Antigua de Prachatice (República Checa), la primera Bremen Lautenakademien (Bremen, Alemania), Universidad Jaime I de Castellón y distintos conservatorios de América del Sur.

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MORE HISPANO

Vicente Parrilla flautas | Miguel Rincón laúd | Álvaro Garrido percusión

“Uno de los espectáculos más originales y poderosos que puede brindar hoy la música antigua española” — Scherzo

More Hispano no sólo interpreta, crea. Y no sobre el papel, sino en el escenario. Delante del público. Improvisaciones y glosas cargadas de riesgo, creatividad, comunicación y virtuosismo que hacen de cada uno de nuestros conciertos un espectáculo único.

Desde 2005 nos hemos centrado exclusivamente en desarrollar y recuperar el arte de la improvisación, ingrediente que nos permite lograr interpretaciones vivas, sorprendentes, frescas y de un enorme poder comunicativo.

En 2010 publicamos nuestro segundo trabajo discográfico, Yr a oydo (“Mientras que para la mayoría de los grupos con instrumentos históricos la improvisación significa añadir ornamentos cautelosamente, Parrilla y compañía lo hacen por todo lo alto.” — The New York Times).

Nuestro próximo disco (Glosas) estará disponible en julio de 2011. Puedes seguir nuestras noticias en morehispano.com y en Twitter (@morehispano).

Videos http://www.youtube.com/watch?v=PzXyLNljQQQ http://www.youtube.com/watch?v=f_28TlF0FfE&feature=related

Programa Breaking The Ground

“Mientras que para la mayoría de los grupos con instrumentos históricos la improvisación significa añadir ornamentos cautelosamente, Parrilla y compañía lo hacen por todo lo alto.” — The New York Times, febrero 2011. Breaking The Ground es la continuación del trabajo que iniciara More Hispano con The New Hunt is Upp en 2010 ("El principio de algo imprevisible", según Diario de Sevilla) de la exploración del repertorio renacentista inglés —que ha demostrado ser terreno especialmente fértil para la práctica de la improvisación—, esta vez centrándose en obras de Anthony Holborne (c.1545-1602) y William Byrd (c.1540-1623).

Paradizo (Anthony Holborne c.1545-1602 - improv.) Gipseis Round (William Byrd c.1540-1623 - improv.) Muy linda (Anthony Holborne - improv.) Coranto (William Byrd - improv.) The flute and the droome (William Byrd - improv.) Infernum (Anthony Holborne - improv.)

*Este programa puede sufrir ligeras modificaciones que serían oportunamente puntualizadas durante el concierto.

Músicos

Vicente Parrilla Director del grupo More Hispano, Vicente Parrilla es uno de los músicos más activos en la recuperación del arte de la improvisación con instrumentos históricos. Estudia en los conservatorios de Sevilla, La Haya, Amsterdam —donde se gradúa—, y Esmuc de Barcelona. Inicia su carrera concertística a temprana edad, realizando su debut discográfico (con tan sólo 20 años) con un CD dedicado a B. de Selma y Salaverde que ha obtenido los elogios de la crítica especializada. Actúa en diversos festivales y ciclos de conciertos en España, Irlanda, Inglaterra, Austria, Holanda, República Checa, Portugal, Alemania, Polonia y Eslovenia. Desde 2004 ocupa la cátedra de Flauta de Pico del Conservatorio Superior de Sevilla. En 2010 publica su segundo disco como director de More Hispano (Yr a oydo), y en 2011 se publicará su último trabajo discográfico (Glosas). Puedes seguir sus noticias en vicenteparrilla.com y en Twitter (@vicenteparrilla).

Miguel Rincón Es considerado hoy día como uno de los mejores laudistas activos. Cursa la carrera de cuerda pulsada bajo la dirección de Juan Carlos Rivera en el Conservatorio de Sevilla, donde finaliza con matrícula de honor. Posteriormente realiza un postgrado de perfeccionamiento con Xavier Díaz-Latorre en la Esmuc. Es requerido por importantes grupos dentro del panorama nacional e internacional. Colabora con músicos de renombre y actúa en festivales como: Festival Mozart (La Coruña), Festival de Canarias, Semana de música antigua (Barcelona), Festival del País Vasco, Estella... Ha realizado diversas grabaciones entre las que destacan Lacrime di Eros (Accademia del Piacere), Arde el furor intrépido (OBS de Sevilla), Yr a Oydo (More Hispano) y Ángeles y Demonios (Fahmi Alqhai). Como proyectos inmediatos destaca una gira por Argentina y Bolivia durante el mes de abril y la salida de un nuevo disco con el flautista Vicente Parrilla. miguelrincon.net

Álvaro Garrido Sevilla. Músico autodidacta. Buscador de sonidos. Su repertorio abarca desde la música antigua hasta la música experimental. Especialista en percusiones de mano, ha recibido clases en The Berkley School of Music (Boston, E.E.U.U.) asistiendo a cursos de perfeccionamiento con maestros como, entre otros, Glen Velez, John Bergamo y Pedro Estevan. Conciertos en Alemania, Austria, Checoslovaquia, EEUU, Francia, Grecia, Italia, Japón y Portugal. Grabaciones para TVE, TV2, TV3, Canal Sur y RNE. Integrante, entre otros, de los grupos Artefactum, Orphenica Lyra, Accademia del Piacere, Música Prima, More Hispano, Caravasar, Estambul, Zejel, L´Ham de Foc... Músico habitual del violagambista Paolo Pandolfo y de la cantante israelí Yasmin Levi. Asimismo ha colaborado con músicos de flamenco como Gualberto, Dorantes, Eduardo Trassierra e Israel Galván.

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POEMA HARMONICO

Guillermo Peñalver flauta | Ventura Rico viola da gamba| Juan Carlos Rivera tiorba, guitarra barroca

El grupo Poema Harmonico se creó con el propósito de recuperar el extenso repertorio que a la música de cámara vocal e instrumental dedicaron los mejores compositores desde el Renacimiento hasta finales del siglo XVIII. Desde 1987 ha ofrecido un gran número de conciertos en importantes Festivales de Música. Sus componentes son prestigiosos instrumentistas que desarrollan además una importante actividad como solistas o como miembros de otros grupos dedicados a la música renacentista y barroca.

Programa Sonatas y suites. Música de cámara al final del Barroco

MANUEL CAVAZZA (?-1790), Sonata en Si menor para la Oposición de 1777 para flauta y b.c. Allegro con gusto y comodidad – Largo - Allegro regular

MARIN MARAIS (1656-1728), Suite en Sol m. del V Libro para viola da gamba y b.c. Prelude – Fantasie – Sarabande - Gigue La Pagode - La Georgienne

FRANTIŠEK BENDA (1709–1786), Sonata en Mi m. para flauta y b.c. Largo – Arioso – Presto

ROBERT DE VISÉE (ca. 1650-ca. 1725), Suite en Re m, para guitarra de cinco órdenes Prelude – Allemande – Courante – Sarabande – Gigue - Gavotte – Bourrée

KARL WEISS (1735-1795), Sonata en Re m. Op. 3 nº 5 para flauta y b.c. Allegro moderato – tempo di minuetto

Músicos

Guillermo Peñalver Estudia en el Conservatorio de Sevilla. Se especializa en las flautas de pico y travesera barroca. Becado por la Junta de Andalucía, realiza estudios de perfeccionamiento en los conservatorios de Toulouse (Francia) y La Haya (Holanda). Como concertista ha trabajado en España, Francia, Holanda, Alemania e Israel. Colabora con varios de los más prestigiosos grupos de música antigua de España como Concert de les Arts, La Capilla Real de Madrid, La Stravaganza, Al Ayre Español o la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca. También colabora con los grupos Pigmalyon de Limoges y Orphée de Amsterdam. Es profesor de flauta de pico del Conservatorio Superior de Música de Sevilla.

Ventura Rico Tras estudiar en el Conservatorio de Sevilla, la Musikhochschule de Viena (con J. Vázquez) y el Koninklijck Conservatorium de La Haya (con A. Pols y W. Kuijken), donde obtiene el Diploma de Solista en la especialidad de viola da gamba, comienza una intensa actividad concertística que lo lleva a actuar en importantes Festivales de Música Antigua (Ambronay, Barcelona, Baune, Berlín, Cracovia, Daroca, El Escorial, Estocolmo, Granada, Lisboa, Londres, Madrid, Óbidos, Saintes, Sevilla, Viena, etc.) así como en los principales auditorios de numerosos países europeos y americanos. Mantiene, así mismo, una intensa actividad pedagógica, habiendo impartido clases en el Conservatorio Superior de Música «Manuel Castillo» de Sevilla, la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, en el Seminario de Música Antigua de El Escorial, así como en cursos de verano. Como miembro de diversas agrupaciones camerísticas ha realizado numerosas grabaciones discográficas y radiofónicas. En la actualidad forma parte de los grupos POEMA HARMONICO, ORPHENICA LYRA y y consort de violas PRIVATE MUSICKÆ de Viena, así como de la Orquesta Barroca de Sevilla. Ha colaborado con AL AYRE ESPAÑOL, CAPELLA REIAL y otras muchas asociaciones musicales.

Juan Carlos Rivera Sevilla. Como solista y como integrante de reconocidos grupos de música renacentista y barroca ha actuado en toda Europa, EE.UU., Hispanoamérica y Norte de África. Ha grabado más de veinte discos. Ha sido galardonado con varios premios de la crítica discográfica como “Premio CD Compact”, “Editor Choice” de la Revista Gramophon, “E” de Scherzo”, “*****Goldberg”, “*****BBC Music Magazine” etc. Dirige el grupo Armoniosi Concerti con el que ha grabado varios discos aclamados por la crítica internacional. Ocupa la cátedra de Instrumentos de Cuerda Pulsada del Renacimiento y Barroco en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla.

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PRAÇA ONZE

Francesco Manna flauta travesera | Chiqui García guitarra clásica | Lilly Pitta percusión | Ivo Cortés violoncello

Praça Onze es el nombre de uno de los enclaves urbanos de Río de Janeiro que vieron nacer la samba, la pequeña África como así la llamaban. En las primeras décadas del S.XX se gestó la llamada “música clásica popular brasileña” que constituye un importante legado de la mano de autores como Pixinguinha, Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazaret o Jacob do Bandolín entre otros. El trío se presenta a escena con una propuesta íntima y delicada, a la vez que repleta de fuerza y vitalidad expresiva.

Praça Onze interpreta piezas de cámara de autores contemporáneos brasileños que han sabido conjugar la esencia de los ritmos populares tales como el choro, la samba, frevo etc con las influencias del jazz y la música clásica occidental.

Praça Onze ha participado en innumerables ciclos entre los que destacan Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla, en diversas ediciones, y el Circuito Andaluz de Música 2008.

Video http://www.youtube.com/watch?v=s-2LHFeY5Ac

Programa Memòrias e Saudades (Músicas de Brasil)

MARCO PEREIRA (1950), Lis SERGIO ASSAD (1952), Pinote - Vitoria Regia – Recifes dos Corais (estas tres piezas conforman la suite “Tres cenas Brasileiras”) HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959), Assobio a Jato PIXINGUINHA (1897-1973), Um a Zero TRADICIONAL, “Onze” Miniaturas Brasileiras ERNESTO NAZARET (1863-1934), Brejeiro PAULO BELLINATI (1950), Baiao de Gude MARCO PEREIRA , Seu tónico na ladeira

Músicos

Francesco Manna (Pésaro. Italia). Estudia en Pésaro. Colabora con las orquestas sinfónicas de San Remo, Pésaro y la Filarmónica Marchigiana. Trabaja en Italia, Francia, Alemania y América Latina, colaborando con músicos como Bruno Tommaso, Richard Galliano, Lina Sastri, Pablo Mainetti, Simone Zanchini, entre otros. Desde 1993 es flautista del grupo Novitango, con el cual realiza giras por toda Europa y también por Chile, Uruguay y Argentina. Participa en el Rossini Opera Festival en distintas ocasiones en calidad de solista. Ha grabado con Oriente Musik, Amiata Records, Harmony Music, DNA y la Radio italiana RAI 3.

Chiqui García Montijo (Badajoz). Estudia en el Conservatorio de Música de Sevilla. Músico polifacético, ha estado siempre abierto a otros lenguajes, así como a la tradición de la música oriental, lo que le ha permitido conocer y manejar instrumentos de cuerda y de percusión clásica y popular de Cercano Oriente y del Magreb. Es músico integrante de los grupos Caravasar, Samarcanda y Círculo das Cordas, entre otros, así como creador e intérprete del espectáculo multimedia Oriente Occidente: un artilugio sonoro. Ha colaborado además con el ensemble Ibn Arabi.

Lilly Pitta (Salvador de Bahía, Brasil). Cantante y percusionista formado en la Escuela de Música Federal de Bahía. Ha grabado numerosos discos acompañando a artistas brasileños y como cantante del grupo Relogio. Ha recorrido Europa participando en diversos festivales internacionales. Actualmente reside en España y compagina las actuaciones en directo con la docencia en su escuela de percusión.

Ivo Cortés Algeciras, 1973. Estudia violonchelo en el Conservatorio de Sevilla obteniendo las más altas calificaciones y el Premio de Honor de Grado Medio. Realiza los estudios de postgrado en la Royal Academy of Music de Londres donde colabora con la “Royal Academy Sinfonia”, realizando giras por China, Japón y Estados Unidos. Ha sido miembro de la O.J.A., de la E.U.Y.O., de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y solista de la Orquesta Manuel de Falla de Cádiz. Ha obtenido el segundo premio en el Concurso Internacional de Palermo. Ha estrenado obras del compositor Angelo Bellisario, de Gálvez y Ruíz (“Balada Oriental”) y de Joaquín Turina (“Romanza del quiero y no puedo”). Colabora en varios proyectos en el ámbito de la música tradicional colombiana, el flamenco y el tango argentino. Es profesor en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla.

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QUIQUE BONAL + VICKY LUNA

Quique Bonal guitarra eléctrica | Vicky Luna voz, percusión

Quique y Vicky ofrecen un viaje en el tiempo musical a lo largo de la música negra americana, desde sus primeros inicios (espirituales, ragtime, dixieland, swing) hasta la década de los 60 (soul, R&B, funky), abordando distintos estilos del blues y el jazz. Su repertorio, que se nutre de versiones y temas propios, desgrana canciones breves en las que el público es invitado a formar parte del espectáculo con sus coros o palmas. Una pequeña introducción histórica y anecdótica a las piezas ayuda al disfrute del espectáculo en el que cultura y música viajan de la mano en un recorrido ameno y divertido.

Programa En torno a la música negra norteamericana

PRESTON FOSTER (1900-1970), Got My Mojo Working Tradicional, Wade in the Water Tradicional, Bill Bailey, Won't You Please Come Home? AMY WINEHOUSE (1983), Stronger Than Me BOBBY MILLER (1966), Dirty Man IRVING CAESAR (1895-1996), SAMMY LERNER (1903-1989) & GERALD MARKS (1900-1997), Is It True What They Say About Dixie? GLENN MILLER (1904-1944), It Must Be Jelly ROBERT (1925) AND RICHARD SHERMAN (1928), I Wanna Be Like You Tradicional, The World Is Waiting For he Sunrise PAT BALLARD (1899-1960), Mr. Sandman VANGELIS (1943), One More Kiss LITTLE WILLIE JOHN (1937-1968), Fever ELLIE GREENWICH (1940-2009) & PHIL SPECTOR (1940), Baby I Love You - Jeff Barry DUKE ELLINGTON (1899-1974) & IRVING MILLS (1894-1985), It Don't Mean a Thing

Músicos

Quique Bonal Guitarrista de blues y jazz. Ha formado parte de diversos grupos de blues sevillanos: Caledonia Blues Band, The Blues Machine, The Blues Blasters (primera banda de blues española en hacer una gira por EEUU) y actualmente Mingo & The Blues Intruders (colaboraciones frecuentes con Raimundo Amador, Otis Grand). Habitual de los festivales de blues y jazz de España (Hondarribia, S.Javier, Cazorla, Antequera, etc). Su último disco con The Blues Intruders ha sido producido por Mike Vernon (Eric Clapton, John Mayall, Peter Green, Fleetwood Mac, etc). Su dúo con Vicky Luna es el anticipo de su nuevo proyecto de R&B.

Vicky Luna Sevilla. empieza formando parte de bandas locales y trabajando a menudo como músico de estudio, grabando coros para discos de otros grupos y voces para numerosos jingles de radio. Entre el 2000 y el 2006, fue corista de la banda sevillana O’Funk’illo y formó parte del grupo Las Niñas, con quienes grabó dos álbumes de estudio y trabajó como presentadora en un programa de la televisión autonómica andaluza. En los últimos años, se ha acercado más al jazz colaborando en diversos espectáculos y en discos de otros artistas (“Maravilloso Sinatra”, “La Canalla”, etc). Actualmente, prepara el lanzamiento del que será el primer disco de su grupo (“Chez Luna”), proyecto que desarrolla paralelamente al dúo formado con el guitarrista Quique Bonal.

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RAMI ALQHAI + JOSETXU OBREGÓN + ENRIQUE SOLINÍS

Rami Alqhai viola da gamba | Josetxu Obregón violoncello | Enrique Solinís cuerda pulsada

Enemigos íntimos, la viola da gamba y elvioloncello lucharon por los favores de artistas y público en el campo de batalla de la música del Siglo de las Luces; la una representaba el mundo íntimo, refinado y algo cínico de los viejos salones de la aristocracia francesa; el otro, la pujanza de la música italiana, el poder arrollador de la burguesía, la extraversión de la ópera. Nuestros músicos retomarán ese viejo y amistoso duelo con la cuerda pulsada como testigo: la viole nos ofrecerá las últimas obras maestras de su crepúsculo y el cello las primeras de su largo camino triunfante; nosotros seremos los árbitros del juicio de la Historia.

Programa Batalla y diálogo de arcos | Acordes

ANDREA FALCONIERI (1586–1656) Folias

CHRISTOPHER SIMPSON (ca. 1602 y 1606-1669) Ground

GIUSEPPE MARIA JACCHINI (1670-1727) Sonata en la menor Allegro - Adagio - Prestissimo - Adagio

GASPAR SANZ (1640-1710) Marionas, Canarios y otras danzas

FRANÇOIS COUPERIN ( 1668-1733 ) Suite

ANTONIO VIVALDI (1678–1741) Sonata en la menor para cello y continuo RV43

ANDREAS LIDEL (ca. 1740-ca. 1789) Sonata en re mayor

MARÍN MARAIS (1656-1728)/ARCANGELO CORELLI (1653–1713) Folias

Músicos

Rami Alqhai Khoury Sevilla, 1980. Solista de viola da gamba. Realiza una gran labor de difusión musical y de la viola da gamba como docente en cursos de perfeccionamiento. A la edad de 11 años hizo su primer concierto de rock. Está empeñado en hacer que la Música Antigua tenga una difusión acorde a su importancia e historia y siempre ha pensado que la viola da gamba fue un instrumento espectacular, por ello realiza una gran trabajo de interpretación solística, además de buscar en repertorios actuales y técnicas más complejas de las que hoy en día se mantienen. La viola da gamba debe ser un instrumento actual y no una mera recomposición. Especialista en Barroco Europeo y Renacimiento Español. Ha colaborado con las formaciones más prestigiosas nacionales y extranjeras y ha actuado en numerosas salas de conciertos, teatros, y auditorios de primer nivel. Es miembro de Accademia del Piacere. Después de haber formado su criterio y técnica durante muchos años de profesión ha creado junto a Fahmi Alqhai el sello discográfico ALQHAI & ALQHAI, el cual se ha convertido en muy poco tiempo en un sello discográfico de referencia (www.alqhai.com) Como solista grabará en 2011 las sonatas de Bach para viola da gamba y clave.

Josetxu Obregón En una brillante trayectoria como violonchelista, habiendo sido nombrado profesor del Real Conservatorio Superior de Madrid y galardonado con más de 11 premios en concursos nacionales e internacionales, Josetxu Obregón decide especializarse en la interpretación histórica del violoncello. Nacido en Bilbao, cursa estudios superiores y de Master en violoncello, música de cámara y dirección, estudia violoncello barroco en el Koninklijk Conservatorium (La Haya) manteniéndose en permanente contacto con Anner Bijlsma. Ofrece constantes recitales en las salas más importantes del mundo: Concertgebouw Amsterdam, Tokyo Opera City, Centro Nacional de las Artes de México, Teatro Nacional de Pekin, Royal Festival Hall de Londres, Yokohama Minato-Mirai, Usher Hall de Edimburgo, etc. Ha formado parte de formaciones como la Royal Concertgebouw Orchestra, Le Concert des Nations (Jordi Savall), la Orchestra of the Age of Enlightment, l’Arpeggiata (Christina Pluhar), EUBO y Arte dei Suonatori. Ha colaborando con Enrico Onofri, Philippe Jaroussky, Fabio Bonizzoni, Lars Ulrich Mortensen. Es fundador y director artístico de La Ritirata, grupo con 2 discos ”RECOMENDADO” en CD COMPACT. Ha grabado para Virgin, Verso, Arsis, Columna Música, Alia Vox y The Gift of Music, BBC3, NPS Radio 3 Holanda, RNE, Mezzo, Antena3, Canal4 y la Televisión de Macedonia.

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Enrique Solinís Bilbao. Considerado según la crítica uno de los mayores virtuosos de su generación Enrique Solinís nace en Bilbao. Realiza los estudios superiores de guitarra y de música antigua en el Conservatorio “J.C.Arriaga” de Bilbao y en la Escola Superior de Música de Catalunya respectivamente. Obtiene el “Postgrado de Concertista Cum Laude” de las manos del insigne maestro José Tomás. Premiado en varios concursos internacionales de guitarra, “Concurso Internacional de Comillas”, “Concurso Internacional Ataulfo Argenta”, “Concurso Internacional Andrés Segovia” etc… desarrolla su carrera como solista de guitarra clásica, siendo requerida su presencia tanto en festivales como en concursos en calidad de jurado o profesor, para posteriormente compaginarla con una intensa actividad dentro de la música antigua en la que es requerido en su faceta tanto de solista así como de continuista, en importantes formaciones como Hesperion XXI, Le Concert de Nations y la Capella reial de Catalunya dirigidos por Jordi Savall , Concerto Vocale y Akademie for Alte Musik dirigido por René Jacobs, Le Concert D´astrée dirigido por Emmanuelle Haim etc… Participa habitualmente en los festivales internacionales y salas más importantes de Europa y América, Carnegie Hall en New York, Koncerthaus de Berlin, Champs Elysées de París, Theater an der Wien en Viena, Barbican Center en Londres, Sala Nezahualcoyotl de México D.F etc…, formando parte de prestigiosos grupos de cámara y orquestas como The rare fruits council dirigido por Manfredo Kraemer, Ensemble Elyma de Gabriel Garrido, Forma Antiqva dirigido por Aarón Zapico, Laberintos Ingeniosos dirigido por Xavier Díaz-Latorre, Pulsata3… Fundador y director del grupo Euskal barrokensemble en el transcurso de estos años, sus recitales han sido grabados por diferentes medios de difusión así como ha realizado grabaciones para diferentes sellos como KLE, Ausrecords, La má de Guido, Arsis, Zig zag Territoires, AliaVox etc… En los proyectos más inmediatos destaca el de impartir clases en conservatorios y festivales como el Culiacán Internacional Festival de México 2010, solista con la orquesta Austriaca con el director Atilio Cremonesi Suiza 2010 o elegido por Leo Brouwer a interpretar música original del autor en instrumentos antiguos.

Notas al programa

Del mismo modo que en los años de los pelotazos urbanísticos muy pocos vaticinaron la crisis inexorablemente próxima, en 1788 ni un solo europeo habría sido capaz de predecir el colapso inminente del Ancien Régime, el cataclismo político que arrasaría el milenario sistema feudal. Sin embargo un aficionado a la música suficientemente observador sí habría detectado décadas antes un signo inequívoco de la decadencia de la aristocracia: el declive de la viola da gamba ante el violonchelo.

En 1740 Hubert Le Blanc publicaba su Défense de la basse de viole contre les entréprises du violon et les prétensions du violoncel. Enemigos íntimos, viole yvioloncel luchaban aún por los favores de artistas y público. La primera, de sonido dulce y resonante, representaba el mundo íntimo, sofisticado y algo cínico de los viejos salones de la aristocracia francesa, en los que los nobles –y muchos burgueses que pretendían tal condición– se afanaban por imitar el gusto de la corte de Versalles haciendo sonar las piezas de Marin Marais, el músico de cámara del Rey: suites de danzas de salón, estilizadas, preñadas de detalles sutiles, siempre iguales y siempre diferentes.

Pero hasta la propia Francia había llegado ya el veneno de la música italiana. La sonata invadía a la suite incluso en su terreno más sagrado (¡los mimísimos libros de viole de Marais!); en la ópera gala sucesivas querelles enfrentaban a los conservadores del estilo nacional contra los partidarios del italiano, estos al cabo burgueses hijos de la Ilustración. El violín y su hermano el violonchelo, de sonido potente, claro y penetrante, reinaban en ese nuevo mundo extravertido, progresista, innovador; desde Italia irradiaban su influjo a toda Europa, de Madrid a Varsovia, de Berlín a Londres. Donde antes sonaba Simpson ahora lo haría Corelli; Couperin sería cambiado por Vivaldi.

Nuestros músicos retomarán ese viejo y amistoso duelo, con la cuerda pulsada como privilegiado testigo; la viole nos ofrecerá las últimas obras maestras de su crepúsculo y el cello las primeras de su largo camino triunfante. Nosotros seremos los árbitros del juicio de la Historia: ciudadanos que jamás querrían volver a ser súbditos tal vez sí sientan nostalgia por el refinado arte de los tiempos del Rey Sol.

Juan Ramón Lara

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RAÚL CANTIZANO + ALICIA ACUÑA + NIÑO DE ELCHE

Raúl Cantizano guitarra flamenca, dirección | Alicia Acuña cante | Niño de Elche cante

La cuna del flamenco fue Andalucía. Aquí brotó y se desarrolló esta semilla que, superando todo regionalismo, se ha convertido en patrimonio universal. Si hay claridad en cuanto a la localización de su cuna, ocurre todo lo contrario en cuanto a la fecha de su alumbramiento. El arte flamenco toma forma a través del tiempo, modelado por una multitud de riquísimos afluentes sonoros y poéticos. Este arte es hoy el sedimento de tan diversas influencias, que seguirán trasformándolo mientras tenga vida.

Lo que hoy entendemos por flamenco es un amplio abanico de estilos, melodías o cantes de distintas ascendencia y procedencia geográfica, con infinidad de particularidades y matices. Nuestra intención es hacer un recital que aproxime al espectador profano a los parentescos de sus palos, a este viejo tronco musical llamado flamenco, recorriendo sus ramas fundamentales y ofreciéndoles los caprichosos frutos de sus diversos cantes.

Programa Glosa Flamenca

1. CANTES BÁSICOS: Los primarios, son de origen ancestral o relacionados con el quehacer cotidiano del trabajo. Normalmente sin guitarra (a palo seco). Si bien, al profesionalizarse se incorpora la guitarra dando lugar a la seguiriya. Su temática suele ser muy dramática. Romance, Toná, Martinetes y Seguiriyas

2. SOLEARES: Llamada la madre del cante también lo es del baile. Palo que incorpora una amplia variedad de estilos. Su temática suele ser romántica. Soleá de Alcalá, Soleá de Triana, La Caña, Bulería por Soleá y Bulería

3. CANTIÑAS: grupo desarrollado principalmente en la provincia de Cádiz y con la particularidad de tener el mismo ritmo que la bulería por solea pero más alegre no solo por su temática sino también por su tonalidad mayor. Cantiñas del Pinini, Alegrías, Mirabrás, Alegrías de Córdoba

4. TANGOS: La mayoría de los palos flamencos se desarrollan en compás de tres por cuatro o en compases de amalgama derivados de este. Este grupo abarca los palos de ritmo cuaternario. Su origen está en el baile y entronca con la influencia africana. Por ejemplo podemos encontrar ritmos exactos en el tanguillo y en músicas tradicionales del norte de Marruecos. Su temática suele ser festera. Tangos de Triana, Tangos de Cádiz, Tientos, Tanguillos

5. FANDANGOS: El grupo más amplio ya que en cada región de Andalucía se desarrolla un estilo diferente llevando incluso el nombre de la provincia. Así encontramos granainas, malagueñas, fandangos de Huelva. Tuvieron su origen en lo rítmico y bailable para ir parándose como palo libre a partir de la profesionalización de los cantaores, buscando el lucimiento técnico. Todo este grupo de palos mantiene estructura armónica y métrica idénticas siendo muy dispar en su temática. Abandonaos, Malagueña, Taranta

6. CANTES DE IDA Y VUELTA: Este grupo abarca todos los cantes que se formaron de la influencia mutua, del ir y venir, de la cultura andaluza y la de los países americanos. Milongas, Guajira, Rumba

7. CANTES DERIVADOS DE CANCIONES POPULARES: Como una esponja el flamenco incorpora todo aquello que le es útil y así asume todo un abanico de melodías y cantes populares en principio ajenos. Es el caso de cantes como la farruca que parece provenir de Galicia, los cantes de columpio o bamberas, que tiene su origen en cantes infantiles populares, o los villancicos… Farruca, Mariana, Bambera…

Músicos

Raúl Cantizano Becado por la Fundación Cristina Heeren en el año 2000. Crea junto a Santiago Barber “Bulos y Tanguerías, actuando en el LEM o el Flamenc Empiric, y Nits d`Aielo i art. Compone para espectáculos como “Malgama” de Varuma (Giraldillo Innovación en 2006), “Femenino Plural” y “Del Quivir” de la Cía. de Ángeles Gabaldón, “Restauración” de Punto de Fuga Danza, o “Timetable” de Marco Vargas y Chloé Brûlé (Giraldillo Innovación en 2008). Para Choni Cía. Flamenca realiza “Tejidos Al Tiempo” (Giraldillo Revelación en 2008) y “La Gloria de mi mare”; esté último para la XVI Bienal de Flamenco, en la que estrena además “Alejandrias, la mirada oblicua”. Forma parte de los grupos “Mythos”, “Sbo-Zos”, “Entenguerengue”, y la “Orquesta Chekara Flamenca”.

Alicia Acuña Tres veces becada por la Fundación Cristina Heeren. Cantaora reconocida por acompañar para el baile a artistas como Asunción Pérez “Choni”, Rafael Campallo, Adela Campallo, Carmen Ledesma, Rosario Toledo, Antonio Molina “Choro”, Felipe Mato, Rosario Toledo, Úrsula López, Alejandro Granados, Mª Ángeles Gabaldón, Ana Morales, Rubén Olmos, entre otros. Forma parte de espectáculos como “Don Juan flamenco”, “Bulos y Tanguerias”, “Malgama”, “Multaka”, “Tejidos al tiempo”, “Del-quir” y “La gloria de mi mare”.

Francisco Contreras “Niño de Elche” En 2002 es becado por la Fundación Cristina Heeren. Ha sido distinguido con cerca de 30 premios nacionales, destacando el Premio Especial para cantaores jóvenes del Concurso Internacional del Cante de las Minas de la Unión en 2005. En 2007 edita su disco: “Mis primeros llantos”. En 2008 presentó “Lamentos del alma” espectáculo basado en poemas de Miguel Hernández; Y Prosigue este senda en 2009 con “Sino sangriento” en colaboración con Marcos Ana, y el estreno en 2010 de “Sí, a Miguel Hernández”, con José Luis Ortiz Nuevo. Participa desde 2009 en “Bulos y Tanguerías”. En 2010 estrena “Romeo y Julieta” con la Compañía Murciana de Danza y es artista invitado en el Instituto del Mundo Árabe de París.

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RENAUD GARCÍA-FONS

Renaud Garcia-Fons contrabajo de cinco cuerdas, dispositivos

Un impresionante proyecto a solo: Bass Pilgrim o el itinerario imaginario de un contrabajo que viaja a través del tiempo y del espacio. El argumento musical de este viaje se articula en cada una de las cinco suites que integran este impactante programa.

Para aquellos que no lo conozcan y quieran saber de él, les cuento que Renaud es un contrabajista nacido en Francia, pero de origen Catalán, y que ya a la edad de cinco años comienza su iniciación musical con el piano y la guitarra clásica, y recién a los dieciseis años descubre el contrabajo. Se dedicó a perfeccionar su técnica con el contrabajo con el maestro François Rabbath, quien le da una visión más extensa de las posibilidades de este instrumento. Sus fuentes de inspiración musical son múltiples, están cerca de la tradición flamenca, que él estudia y transmite al contrabajo, pero también el jazz, las músicas mediterráneas y orientales que ha explorado con pasión. Esto dará lugar a muy diversos encuentros con otros músicos de diferentes culturas como Angéique Ionatos (Grecia), Cheb Mami (Algeria), Dhafer Youssef (Tunisia), Huong Tanh (Vietnam), Kudsi Erguner (Turquía)...

Su último trabajo se llama “La linea del Sur” y en el Renaud nos trae nuevamente ritmos complejos y un manejo perfecto de los instrumentos y sus notables sonidos, en la misma linea que sus trabajos anteriores “Oriental Bass”, “Navigatore” y “Arcoluz”.

Videos http://www.youtube.com/watch?v=ZQsd2tAIgUE http://www.youtube.com/watch?v=paY-I6musZs&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=8HTt1x6O_QE&feature=related

Programa Bass Pilgrim

Suite oriental | Chôkr, Jhodpur, Mâhur. (Las tres piezas se oyen encadenadas y evocan el mundo árabe, la India e Irán).

Suite occidental | Gregorien, Compostelle, Cant dels Ocells (a la memoria de P. Casals), Roma (termina con un solo de percusión sobre el contrabajo.

Suite hispánica | Peregrino, Bajo Andaluz (bulería flamenca)

Suite africana | Inanga, Temboland

Nuevo mundo | Rosario (milonga), Bluehin (música urbana)

Pilgrim | Pieza de inspiración irlandesa asociada al « nuevo mundo »

Todas las obras son composiciones de Renaud Garcia-Fons

Renaud Garcia-Fons París, 1962. A la edad de 5 años comienza su iniciación musical con el piano y la guitarra clásica, es con 16 años que descubre el contrabajo. Paralelamente a un curso de estudio clásico en el conservatorio se dedica al estudio con François Rabbath, con quien adquiere un conocimiento profundo del instrumento, este maestro es el responsable de darle una visión más extensa de las posibilidades del contrabajo. Obtendrá diferentes premios en los conservatorios de París y Aubervilliers y obtiene el diploma de profesor de contrabajo.

Su espíritu de búsqueda y su carácter abierto lo llevan a replantearse los límites técnicos del instrumento para la consecución de una libertad más amplia. Todo esto al servicio de la improvisación y de las corrientes musicales más variadas, el idioma del jazz, las músicas tradicionales y la música contemporánea.

Dentro de un medio musical donde el contrabajo está considerado mayoritariamente como un instrumento de acompañamiento, Renaud tuvo desde muy temprano la idea de agregar una quinta cuerda y, a través de la improvisación y de la composición, de participar en el desarrollo del instrumento como solista. Esto se ha visto hecho realidad en sus actuaciones a solo en diversos festivales de jazz, destacando el Knitting Factory en Nueva York.

La improvisación es para Renaud fuente de inmensa riqueza, su pasión por este arte tiene un fuerte lado espiritual. Las puertas del jazz y de la improvisación se abrieron como miembro de las dos formaciones dirigidas por Claude Barthélémy (Orchestre de Contrebasses y la Orchestre National de Jazz). De esta manera conocería a los grandes nombres del jazz europeos y americanos : Daniel Humair, Louis Sclavis, Michael Riessler, Michel Portal, Marc Ducret, Nguyên Lê, Gian-Luigi Trovesi, Mino Cinelu, Michel Godard, Rabih Abou Khabil, Steve Swallow, Howard Levy, Gérard Marais… Sus fuentes de inspiración musical son múltiples, están cerca de la tradición flamenca, que él estudia y transmite al contrabajo, pero también los están de las músicas mediterráneas y orientales que ha explorado con pasión. Esto dará lugar a muy diversos encuentros con otros músicos como Pedro Soler, Vicente Pradal, Carmen Linares, Gerardo Núñez y Jazz Spania. También compartirá experiencias musicales con músicos de diferentes culturas como Angélique Ionatos (Grecia), Cheb Mami (Algeria), Dhafer Youssef (Tunisia), Huong Tanh (Vietnam), Kudsi Erguner (Turquía)… Paralelamente una carrera de solista que lo lleva a numerosos escenarios en todo el mundo, Renaud esta consagrado a la composición y elaboración de su propia música.

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Desde hace muchos años ha establecido una rica colaboración con Matthias Winckelmann, el productor y fundador del sello alemán Enja Records con el que ha grabado ya 7 títulos: Légendes, Alboréa, Oriental Bass, Fuera con el acordeonista Jean-Louis Matinier, Navigatore, compuesto y orquestado para más de 20 músicos, Entremundo y el CD/DVD Arcoluz que recoge el concierto en directo llevado a cabo por el trío en el castillo Elmau en Alemania.

De Beyrouth a New York lo encontramos regularmente en escena a la cabeza de diferentes formaciones: Oriental Bass Band, Navigatore (quinteto / octeto), y durante los últimos años en solo Pilgrim, y sobre todo en trío Entremundo con Antonio Ruiz a la guitarra flamenca y Negrito Trasante en las percusiones.

El 15 de octubre de 2004 creó para la Scène Nationale de Sceaux World Music Chamber, formación inédita constituida por un cuarteto de cuerdas, el Quatuor Renoir, un contrabajo, un bansuri, flauta que se utiliza en la música clásica del norte de la India, y un rik, pequeño pandero utilizado en toda la música clásica árabe. La idea de escribir repertorio original para esta formación fue la consecuencia de un encargo que France Musique había hecho a Renaud Garcia-Fons en el marco de las producciones Alla Breve.

Renaud Garcia-Fons pudo con esto dar forma a un antigua sueño: reunir, en el seno de la misma formación, instrumentos habitualmente dedicados a la música de cámara, y otros instrumentos propios de las músicas del mundo. El 10 de junio de 2005, el Festival de Sully sur Loire le ofreció carta blanca a Renaud Garcia-Fons, quien acudió con la Orchestre de Basse Normandie. También fue invitado por el Festival de Spoleto en Carolina del Sur (EEUU) para dos conciertos. En agosto del mismo año es invitado por segunda vez consecutiva por el Festival International de Contrebasse de Capbreton. En Alemania presentó su nuevo proyecto en el Castillo Elmau. El concierto se grabó y el CD/DVD Arcoluz salió al mercado francés en febrero de 2006, publicado por Enja Records y distribuido por Harmonia Mundi.

En enero de 2006, Renaud Garcia-Fons ofrece una serie de conciertos con su nuevo trío Arcoluz en Escocia. La gira de Mundus Imagineus junto a la Orchestre de Basse Normandie se desarrolló durante los meses de abril y mayo y terminó en Coutances dentro de la programación del festival Jazz sous les Pommiers. Durante el otoño de 2006 tuvo lugar el encuentro de Renaud Garcia-Fons y Sylvain Luc en dúo dentro del Festival Jazz au Fil de l’Oise et à Sceaux. En 2007 Renaud Garcia-Fons es invitado de l’Orchestre Symphonique du Pays de la Drôme. También ofrece una serie de conciertos en el Auditorium de l’Opéra de Lyon con carta blanca en diferentes formaciones. Una importante gira por Canadá en julio y otra por los Estados Unidos en octubre siguen a estos compromisos.

La prensa ha escrito

Nada parecido a lo que haya podido usted escuchar jamás en este país. Boston Sunday Herald

Es el Paganini del bajo. tras su paso por el Festival de Jazz de Berlín, en 1996.

Renaud Garcia-Fons consigue sonar como el más increíble multi-instrumentista con un solo instrumento, el contrabajo de cinco cuerdas. Reúne todo tipo de sonoridades, desde el dulce sonido clásico del violín árabe hasta las texturas del oud o el violonchelo… Arcoluz es música instrumental de primer orden, una verdadera conversación a tres partes. Songlines, Tim Cumming

Renaud Garcia-Fons, el extraordinario virtuoso franco español del contrabajo, reúne en sus conciertos a fans del folk y de músicas del mundo, amantes de la música clásica para violonchelo, virtuosos del bajo de jazz, incluso a los arrebatados bajistas del flamenco. R.G-F. lo tiene todo: una técnica rítmica de increíble precisión en los registros bajos, la delicadeza de un violonchelo en el registro agudo y una mezcla de tonalidad occidental con microtonalismo africano. The Guardian, John Fordham

El virtuosismo y la originalidad creativa son dos cosa diferentes. Cuando las dos milagrosamente coinciden, lo mejor puede existir. Esto es lo que pasa con Renaud Garcia-Fons, no hay duda acerca de ello, RGF tiene habilidades absolutamente asombrosas y únicas: su pizzicato lo deja a uno sin aliento, es un maestro de la perfección del dominio del arco y poseedor de una capacidad expresiva asombrosa. Augsburger Allgemeine, Tobias Böcker

En este planeta nadie toca como Renaud Gacia-Fons. Alguien que posee semejantes habilidades, cuyos oídos y espíritu están abiertos al mundo y quién, por encima de todo, es un compositor brillante, siempre será bienvenido en los estudios y las salas de concierto del mundo entero. Folker, Walter Bast

Su contrabajo suena como un contrabajo pero también lo hace como un chelo, incluso como un violín y a veces como una guitarra. Al abrir su contrabajo a un nuevo mundo de sonidos y timbres, el virtuoso francés Renaud Garcia-Fons ha emancipado este instrumento, como nadie lo había hecho hasta ahora, al grado de solista. Berliner Morgenpost

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SAMAI ARABESQUE

Driss Nigra ud, laudes árabes | Joaquín Sánchez clarinete, vientos | Khalid Ahaboune darbouga, percusiones

Los componentes de Samai Artabesque poseen una amplia experiencia en el mundo de la Música Arábiga, Persa y Clásica, que se unieron con la idea de desarrollar nuevos programas musicales en torno a las épocas que vivió el Laúd Árabe en tradición mediterránea. Y juntos crean una música sutil y espontanea, abierta a nuevas y amplias sonoridades.

Programa Músicas de Ziryab

Toques (Driss Nigra) AL- Andalus (Driss Nigra) Samai Nahawand (Trad. Siria) Douae (Driss Nigra) Achiq (Enamorados)(Driss Nigra) Sanawat edayae (Trad. Turquía) Ouzoud (Driss Nigra) Woroud (Flores)(Trad. Túnez) Longa Farahfaza (Trad. Egipto) Keyif (Trad. Turquía)

Músicos

Driss Nigra Tetuán, Marruecos, 1978. Cursó sus estudios de UD Árabe e Instrumentos Históricos de cuerda en el Conservatorio Superior de Música de Tetuán. Interesado por la Música Antigua, ha llevado a cabo estudios en Rabat donde ha obtenido en el año 1999: primer primeo Prix en luth en conservatoire nationale de Rabat, 2001: formation musicale a l’egypte y 2002 profs de l’éducation musicale. Pertenece a la familia arraigada a la musica andalusí sobre todo musica sufi, Andalusí y clásica árabe. Oud juego era tradicionalmente limitada por la estricta técnicas que rigen su reproducción. Gran talento y habilidad músicos como Driss Nigra

Joaquín Sánchez Gil Almargen, Málaga, 1984. Comienza a tocar el clarinete a los 10 años. La música y la pedagogía son los pilares de su carrera. Es titulado en Educación Musical por la Universidad de Granada. En su faceta pedagógica, trabaja como músico y presentador en la gira de conciertos didácticos Abecedaria 06/07, con el espectáculo “Un paseo por Europa”. Realiza varios conciertos didácticos y talleres de forma itinerante por colegios e institutos, destacamos “Música por un Tubo” y “Música en las Maletas”, espectáculo que presentará en solitario dentro del Abecedaria 09/10. Destacamos también su taller “Los sonidos del viento” que tuvo lugar en la Facultad de Traducción e Interpretación de la UGR en junio de 2009 durante las II Jornadas De Una Orilla A La Otra, Diálogo Intercultural.

Khalid Ahaboune Tetuán, Marruecos. Comenzó su carrera musical tocando UD y violín, más tarde descubre otras de sus aficiones instrumentos de percusión, mejorando su estudios con el profesor Chekarra en conjunto de un centro de formación profesional, aprendiendo entonces las primeras técnicas de percusión. Mas tarde tuvo la oportunidad de trabajar con diversas orquestas y de aprender de los maestros y de los mejores percusionistas de Marruecos. Ha grabado su primer CD con el grupo de Tetuan Hilal, y otros tres CD´s con el grupoChekarra y Neuman, en los que desarrolló mas aun diversos aspectos y métodos de la percusión en el método clásico. Otra de sus grabaciones fue con el grupo de música andalusí CHABAB. Después de diversas giras por España, tuvo la oportunidad de incorporarse EAT.

Notas al programa

El laúd árabe es el instrumento rey de la música árabe. Tradicionalmente los cantantes lo utilizaban para acompañarse en sus canciones y como instrumento imprescindible en la orquesta árabe. A mediados del siglo XX y gracias a músicos como Jamil y Munir Bashir, esto cambio radicalmente y ahora también se utiliza como instrumento solista, de modo que hoy en día se puede asistir a un concierto solo de laúd árabe, muestras de ello son los lauditas Hussain Sabsaby (Siria), Naseer Shamma (Irak) o Said Schraibi (Marruecos) entre otros muchos.

El laúd es un instrumento antiquísimo que nació en la Antigua Mesopotámica y se extendió por toda Asia con la Ruta de la Seda y entro en Europa por España con la Conquista Islámica. En los tiempos de Abderraman II, en el siglo IX, llego desde la escuela de los Mossulies de Bagdad un músico de origen persa llamado Zyriab, que creo las primeras escuelas de música en la península. Además Zyriab, ya afincado en Al-Andalus, modifico el laúd tradicional de cuatro ordenes y le añadió la quinta cuerda. En esta época cada cuerda tenia su significado y simbolizaban un humor del cuerpo humano: la primera, tenida de color amarillo, la bilis; la segunda cuerda, de color rojo, la sangre; la tercera, de color blanco, la flema; la cuarta, negra, la bilis negra o melancolía; y Zyriab introdujo la quinta cuerda, también roja, que simbolizaba el alma. (En la medicina antigua se creía que los humores o flujos orgánicos eran los causantes de las enfermedades; las artes y las ciencias estaban muy unidas y por ello se le daba esa simbología a las cuerdas del laúd). Para Zyriab, esa cuerda que añadió, representaba el puente entre la música y el alma. Zyriab también cambio el plectro de madera por el de pluma de águila, que proporcionaba un sonido más limpio y delicado. También en Al-Andalus se generalizo el uso de rosetas en la tapa de los instrumentos, con lo que el laúd árabe adopto aquí una estética bastante similar a la que se ha conservado hasta nuestros días en los Países Árabes. En la actualidad podemos encontrar laúdes de corte similar al que se exporto de la Andalucía musulmana, pero con las variaciones logicas que han sufrido con el paso de los siglos: a partir de los anos 50-60 se dejaron de construir laúdes de 5 órdenes y ahora solo encontramos

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de 6 órdenes e incluso de 7. También en esta época, la construcción de laúdes árabes sufrió un cambio de dirección hacia la búsqueda de un sonido con más potencia que cubriera las necesidades del laud solista, aunque conviviendo con el tradicional. Uno de los primeros cambios consiste en prescindir de la roseta central dejando la boca libre (como en la guitarra) e incluso se prescinde de ella en las otras 2 bocas. El objetivo de este cambio es evitar que la roseta obstruya la salida del sonido. La otra modificación mas significativa llevada a cabo en el siglo XX fue la de cambiar el puente fijo (como el de la guitarra), adosado a la tapa, por uno móvil (como el de la mandolín) haciendo que las cuerdas descansen en la parte final del cuerpo del laúd, lo que hace que las cuerdas adquieran mas tensión y con ello mas potencia y volumen. A parte de estas generalidades, nos podemos encontrar diferentes estilos y estética dependiendo del país, ya que podemos encontrar laúdes árabes desde Marruecos hasta Irak. También en Irán y Turquía existen laúdes similares al árabe, el laúd turco y el barbas iraní.

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SAMARCANDA

Chiqui García bouzouki, darbouka, riq, def | Amin Chaachoo violín, ud, voz | Youssef Mezgheldi qanún

Maqam (‘estación’) es la médula de la música en el Islam. Complejo sistema de modos, su desarrollo en una canción o en una improvisación se enraíza en la comprensión árabe de la naturaleza como rotación y alternancia de las estaciones. El intérprete urde la melodía puntada a puntada, entre el arabesco melódico y el pilar modal que cada maqâm le ofrece, ligado a un estado emocional en que se sumen el músico y el oyente: nostalgia del desierto en el maqâm hiyâz, alegría y feminidad en el bayâti, amargura en el maqam saba… El devenir de los motivos ornamentados, la textura en sí de la voz o del instrumento y la amalgama de arabescos evocan, finamente, una insólita atmósfera de reposo. Porque cuando el maqam viaja no se desplaza; siempre en rotación, su movimiento es un regreso inagotable.

Esta noche de Alcázar, SAMARCANDA se demora en algunas de las estaciones que irradian desde el Maqâm.

Samarcanda está compuesto por tres músicos que interpretan la tradición melódica y rítmica del Oriente, música de los países del entorno mediterráneo: canciones magrebíes, piezas clásicas procedentes de Turquía o Egipto, danzas tradicionales de Grecia, cantos de amor tunecino.

Destacan sus conciertos realizados en ciclos y festivales como Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla, varias ediciones, Circuito Andaluz de Música, II Ciclo de la Ruta de Al-Mutamid, en Portugal, Jornada de Acercamiento a la inmigración en el Teatro Central de Sevilla…

Joaquín Rodero Programa Las estaciones del Maqam (Música del Oriente y del Mediterráneo)

Samai Shadd 'Araban (Cemil Bey, 1873-1916) Al-Khaima (Trad. Magreb) Canción Turca (Trad. Turquía) Karsilamas (Trad. Grecia) Samai Bayati Al-Aryan (Trad. Cercano Oriente) Tal al wahsh (Trad. Marruecos) Semai (Trad. Turquía)

Músicos

Amin Chaachoo Casablanca (Marruecos). Estudia en los Conservatorios de Tetuán y Casablanca. Es miembro fundador de la Asociación Al- Hayek para la investigación del patrimonio musical andalusí de cuya orquesta es solista de violín. Con este ensemble participa en festivales y conciertos en Marruecos, Argelia y Túnez. Ha formado parte también, en España, de los grupos Caravasar, Ibn Bayya y Aljama.

Chiqui García Montijo (Badajoz), Estudia en el Conservatorio de Música de su ciudad natal y más tarde en Sevilla. Músico polifacético, ha estado siempre abierto a otros lenguajes, así como a la tradición de la música oriental, lo que le ha permitido conocer y manejar instrumentos de cuerda y percusión clásica y popular de Cercano Oriente y del Magreb. Es músico integrante de los grupos Caravasar, Samarcanda y Praça Onze con los que ha realizado diversas grabaciones discográficas.

Youssef Mezgheldi Actualmente es el mejor qanunista de Tetuán y uno de los mejores de Marruecos. Su formación musical, la recibió en el Conservatorio de Música de Tetuán, y de grandes maestros como Mohamed Larbi temsamani (antiguo Director de la Orquesta de Tetuán) y Ahmed Sa’idi. Grán virtuoso del Qanun y del Laúd, Youssef guarda una pureza andalusí en su toque, muy escasa en el mundo actual de los qanunistas: pocos ejecutantes del Qanun tienen un toque tan tradicional y tan dulce.

Discografía De nómadas y medinas, 2009

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SHEELA NA GIG

Rubén Diez de la Cortina flauta travesera | Kevin Thorman guitarras, voz | Leslie Jordan violín, voz | Mangu Diaz concertina, bouzouki | Morgana Le Cuff arpa celta

Sheela Na Gig está formado por músicos de dilatadísima experiencia en el terreno de las músicas tradicionales atlánticas, y se presenta de nuevo ante el público con esta visión renovadora y más fresca de su repertorio, con un aire más cercano a la música folk y menos rígido desde el punto de vista tradicional formal. Los temas que conforman este programa, provocan una sensación tímbrica muy sutil de gran belleza, con un cierto aire “New Age” pero con un carácter absolutamente acústico que imprime un toque de elegancia clásica.

Programa Merlín y familia (Músicas de Bretaña, Galicia, Irlanda, Canadá)

An dro (Bretaña) Musical Priest butterfly jig (Irlanda) Carolans Welcome (Irlanda) The Quebec Waltz (Canadá) Alala das Marinas (Galicia) Marcha procesional de San Benito (Galicia) Aires de Pontevedra (Galicia) Marcha de Breixo (Galicia) Reel de chicoutini reel de Saint Michelle (Galicia) Donegal Mazurca Mazurca das areeiras (Irlanda y Galicia) Ashplant Drowssie Magiee (Irlanda)

Músicos

Rubén Diez de la Cortina Vigo. Músico y productor. Co-fundador del Grupo Rare Folk desde hace 20 años y Director del Aula de Gaita Gallega en el Lar Gallego de Sevilla. Desde 2001 es co-fundador de los grupos Sheela Na Gig y The burnt Old Men especializados en música tradicional irlandesa y folk atlántico. Director de programación del Festival Internacional “Maremagnun” y del “Festival de la Juventud y Música Gallega”. Colaborador habitual del “Irish Flead” de Cáceres y “Sai festival” en Irlanda. Ha realizado conciertos de gran éxito de público en Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla, Música en los Palacios de Écija, Música en la Hacienda de Tilly, Las Piedras Cantan,… y con Rare Folk por todo el mundo. Colaborador habitual del “Irish Flead” de Cáceres, y del “Sai festival” en Irlanda.

Leslie Jordan Nativa de Chicago, inicia sus estudios musicales a los siete años con el piano y con el violín a los diez años. Ha estudiado con violinistas del Chicago Symphony Orchestra y de la Orquesta Sinfónica de Sevilla. En 2004 se traslada a Sevilla, donde ha tocado como miembro de la Orquesta Hispalense en la Catedral de Sevilla y el Teatro Lope de Vega. Leslie ha grabado violín y piano en el disco del grupo sevillano “Cadencia” y más recientemente ha tocado en Polonia con guitarrista flamenco Oscar Guzmán. También ha colaborado en la banda de “Las 1001 Noches” en Canal Sur y por Andalucía con artistas como David Rubio, Daniel Mata en el Callejón del Gato y Robot.

Kevin Thorman Derby, UK. Se inicia musicalmente tocando blues, rock o reggae, pero sus frecuentes visitas a las sesiones irlandesas en los pubs británicos, hacen que desarrolle un amor especial por la música irlandesa donde se inicia en el estudio de distintas tipos de afinaciones para la guitarra y el dobro, que aplica con maestría, consiguiendo unos recursos tímbricos de gran belleza. Fue componente del desaparecido grupo Síla Na Gig. Actualmente forma parte del Trío O´Carolan y de The Burnt Old Men, entre otros.

Mangu Díaz Pamplona, 1972. Multi-instrumentista de formación autodidacta fundador del grupo Rare Folk con el que posee tres registros discográficos, además de participar en numerosos festivales nacionales e internacionales como: Green Festival (Irlanda), Ortiguéira (Galicia), Territorios Celtas (Sevilla), Festival de la Luna Celta (Toledo), XVI Festa da Carvalleira (Zas, La Coruña), Festival Internacional "Getxo Folk" (Vizcaya), 18º Festival Internacional de la Sierra (Extremadura), Etnosur 2000 (Jaén), Enclave Celta 2000 (Ingenio, Canarias), IV Festival Intercéltico de Gaita de Orejo (Santander), 8º Ciclo de Nuevas Músicas (Málaga). Ha compartido escenario con artistas y grupos como Kepa Junquera, Bela Fleck & The Flecktones, Fanfarria Giocarla y Capercaillie entre otros. Desarrolla una intensa labor como compositor de música para cuentos infantiles. Percusionista en la propuesta escénica multidisciplinar "Oriente Occidente", ganadora del Premio Revelación del Festival de teatro Palma del Río, Córdoba 1999… Acompaña habitualmente como bajista al conocido cantaor flamenco El Lebrijano.

Morgane Le Cuff Bretaña. Comienza su andadura musical a los 12 años tocando la Bombarde en diversas formaciones tradicionales de la Bretaña Francesa, pero pronto descubre el Arpa que se convertirá en su instrumento predilecto. Cursa estudios en el conservatorio de Rennes consiguiendo el premio de graduación de Arpa celta en tan sólo 6 años. Ha obtenido numerosos premios y reconocimientos entre los que cabe destacar el 1 premio del concurso “Irlanday” en St Aubin de Cornier, y el premio del concurso internacional de Arpa celta, del prestigioso Festival intercéltico de Lorient. Actualmente compagina su carrera de Arpa Clásica con sus estudios de musicología, en la Universidad Autónoma de Madrid.

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SONO REALE

Sarah Roper oboe | Vicent Morelló flauta | Gretchen Talbot violoncello | Alejandro Casal clave

El grupo Sono Reale surge en Sevilla en 2004, con miembros del Ensemble Zelenka, con la la idea de explorar otras formaciones distintas con la adición de violín y flauta. Su actvidad incluye actuaciones en en varios festivales: "Son de Mar", Lepe y "Las Piedras Cantan", Segovia, entre otros. En 2010 se retoma el proyecto con la intención de abordar la música para flauta, oboe y continuo (violonchelo y clave), formación que posee un amplio repertorio desde comienzos del Barroco (s. XVII) hasta sus postrimerías (segunda mitad del siglo XVIII). Entre esos márgenes podemos encontrar muestras significativas de la evolución del arte instrumental que tiene su máximo exponente en las obras del Barroco tardío en autores como Bach, Handel, Telemann, Vivaldi, Corelli, etc. y sentando las bases de lo que será la música de cámara en el Período Clásico.

Programa La trío sonata en el Barroco tardío

G.P. TELEMANN (1681-1767), Trio Sonata en Mi menor del “Tafelmusik” Affettuoso – Allegro - Dolce-Vivace

C.P.E. BACH (1714-1788) – Trio Sonata en Sib Mayor, Wq 159 / BWV Anh.187 Un poco Andante – Allegretto - Allegro

J.J.QUANTZ (1697-1773) – Trio Sonata en Do menor Andante moderato – Allegro – Larghetto - Vivace

J.S.BACH (1685-1750) - Sonata en Sib Mayor, BWV 525 / 1032 Allegro ma non tanto – Largo e dolce - Allegro

G.F. HAENDEL (1685-1759) - Trio Sonata en Sol Mayor, HWV 384 Adagio-Allegro-Grave-Allegro

Músicos

Vicent Morelló Flauta solista de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla desde octubre de 2007. Ha sido miembro desde 1996 de la Orquesta de La Haya, Holanda. Ha tocado con orquestas como Rotterdam Philharmonisch Orkest,Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Sinfónica de Castilla y León, y Orquestra de la Comunitat Valenciana. Ha interpretado diversos conciertos para flauta destacando el concierto de Ibert y el concierto de Nielsen con la Orquesta Sinfónica de RTVE en el Auditorio Nacional de Madrid. Galardonado con el primer premio del “Concurso Permanente de Juventudes Musicales” de España en 1995. Estudió en Valencia con Dolores Tomás, en París con Raymond Guiot, obteniendo el premio “Ville de Paris”, con András Adorján y Marianne Adorján-Henkel en La Haya, con Jaime Martín y con Aurèle Nicolet. Desarrolla una intensa actividad pedagógica y de música de cámara. Es miembro de Sono Reale.

Sarah Roper Nueva Zelanda. Estudia en la Royal Academy of Music en Londres, donde obtuvo el premio “Robert Rendell” y en la “Staatliche Hochschule für Musik en Karlsruhe, Alemania, con Thomas Indermuhle, postgraduada con distinción de honor. Entre 1994 y 1995 actuó con el ensemble Klangforum en Viena y en Marzo de 1995 se incorporó a la Orquesta Ciudad de Granada. Desde Marzo de 1996 es solista de oboe en la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Ha actuado y grabado con orquestas como la Royal Philharmonic Orchestra, la Orquesta de la Radio del Sur-Oeste de Alemania, La Halle Orchestra, la BBC Philharmonic Orchestra y la Royal Nacional Scottish Orchestra entre otras. Es miembro fundadora del Ensemble Zelenka y el Sevilla Wind Quintet y Cuarteto Emispherio. Entre 2008 y 2009 forma parte de la Auckland Philharmonia, Nueva Zelanda, como co-solista de oboe reincorporándose a la ROSS en Septiembre de 2009 como solista de oboe.

Gretchen Talbot Adelaide, Australia. Tras realizar toda su formación académica en E.E.U.U se traslada a Europa donde trabaja tres años con la Orquesta Ciudad de Heidelberg y las de Frankfurt y Darmstadt. Regresa a los E.E.U.U para conseguir su Master of Music en Indiana University. En 1989 es chelo asistente en la Orquesta Ciutat de Barcelona y forma parte de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla desde su inicio en 1991. Paralelamente desarrolla una intensa actividad camarística, y ha realizado colaboraciones en el mundo del flamenco incluyendo espectáculos en cinco Bienales de Flamenco. Es miembro fundador de Celliberia y Cuarteto Emispherio, y pertenece a Solistas de Sevilla desde 2005.

Alejandro Casal Sevilla. Realiza los estudios de Clave en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla, obteniendo Premios Fin de Carrera en las especialidades de Armonía, Composición, Historia de la Música y Clave. Posteriormente realiza estudios de Clave y Bajo Continuo con Tony Millán, Jan Willem Jansen, Jacques Ogg, entre otros, interesándose igualmente por el Órgano. Actúa habitualmente con numerosas agrupaciones de Música Antigua como Orquesta Barroca de Sevilla participando en diferentes festivales. Co-repetidor en numerosos cursos. En la actualidad es también profesor de Clave en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla.

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Notas al programa

La Trio Sonata barroca tuvo una gran difusión y fue muy apreciada por intérpretes y público durante el barroco. Consiste normalmente en dos voces iguales agudas y una parte de continuo que puede ser tocada por uno o más músicos. Técnicamente es relativamente poco complicada y a menudo toma la forma de Suite de danzas, vistiéndose con el colorido de danzas como la polonaise, gigue o mazurka, alternando los movimientos entre rápido y lento como en la sonata da chiesa italiana. Se pueden encontrar híbridos de las dos formas aunque esencialmente la Trio Sonata escapaba a formas ortodoxas.

En este programa mostramos una selección característica de obras del barroco tardió alemán, sin olvidar las influencias importantes de los estilos italiano y francés.

Telemann, contemporáneo de Bach y amigo de Haendel, fue un prolífico autodidacta. Viajó mucho, incorporporando diversos estilos musicales en su música. Su “Tafelmusik” (“Música de mesa”) de 1733 muestra la habilidad del compositor al tratar una diversidad de generos y variedad de instrumentos.

C.P.E. Bach, el quinto de los siete hijos de J.S.Bach y María Bárbara, era uno de los clavecinistas más famosos de Europa. Sucede a su padrino, Telemann, en el prestigioso puesto de director musical de cinco iglesias en Hamburgo, donde se queda hasta su muerte. So obra se sitúa entre el barroco y el clasicismo, siendo una influencia importante para Haydn, Mozart y Beethoven. Destaca por haber contribuido al desarrolllo de la sonata en sentido moderno.

Quantz fue un virtuoso de la flauta, y famoso por un tratado publicado sobre ese instrumento con consejos de interpretación, acompañamientos y sobre distintos estilos musicales (italiano, francés, alemán). Su estilo refleja la influencia italiana, aunque sus últimas composiciones se inclinan hacía el clasicismo.

J.S.Bach es el músico barroco por excelencia. Su obra destaca por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística. Tocamos uno de los nueve Sonatas en Trio escrito para órgano, con sólo tres movimientos, en vez de los cuatro que normalmente compone una "sonata da chiesa".

Haendel, compositor alemán, pero considerado inglés, por los muchos años pasados en aquel país, su estilo es una extraordinaria síntesis de los principales estilos nacionales musicales de su época, tomando los mejores elementos y características de cada uno de ellos y superándolos por separado, como sus contemporáneos Bach y Telemann, donde además se añade el estilo inglés de Purcell. Todo ello fruto de sus estancias en Inglaterra, Alemania e Italia, dando prueba de que Haendel era un auténtico cosmopolita de su tiempo.

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TERCIA REALIDAD

Jorge Jiménez violín, dirección | Guillermo Peñalver traverso | Daniel Zapico tiorba

Inspirado en el término Cervantino “Tercia Naturaleza” que, originado en La Galatea en 1585, da nombre a una tercera realidad donde la fantasía y el mundo real se encuentran y funden en un mismo mundo. TERCIA REALIDAD es una utopia creada por Jorge Jiménez en la cual la música vuelve a sus orígenes como lenguaje para expresar sentimientos y emociones y en donde se funden personalidades, ideas y sonidos.

Tercia Realidad propone una iterpretación excitante con total fidelidad a los ideales de sonido de cada época, lo cual implica que cada programa es interpretado con los instrumentos adecuados al periodo en el cual está enmarcado. Tercia Realidad ha sido invitado a participar en festivales como: Stary Sacz Early Music festival, Bachfest de Cochabamba, Fabulous fringe del Festival Oude Muziek Utrecht, Dubrovnik Early Music Festival, AKBANK Turkey Festival, Ciclo de la Bogazici Universitesi de Estambul entre otros.

Programa La herencia Couperin | 350 Aniversario de la muerte de Louis Couperin

LOUIS COUPERIN (1626–1661) Suite en Re majeur (Manuscrito Bauyn, 1658) Prelude – Allemande – Courante – Sarabande – Gaillarde – Chaconne

LOUIS-GABRIEL GUILLEMAIN (1705-1770) Sonata nº 3 en Re M “Six sonates en quatuor (op. XII) conversations galantes et amusantes entre une flüte traversiere, un violon, une basse de viole et un viloncelle (la basse continue)” Allegro – Larghetto – Gratioso – Allegro

FRANÇOIS COUPERIN (1668 - 1733) Les Bergeries

ROBERT DE VISÉE (1650–1725) Chaconne

FRANÇOIS COUPERIN (1668-1733) Premier ordre “La François” de “Les Nations” Chaconne (Sonade) gravement – Gayement – Gravement – Gayement – Gravement – Vivement – Air: Gratieusement – Gayement – Chaconne ou passacaille

Músicos

Jorge Jiménez Vilanova y la Geltrú, 1978. Actualmente reside en Sevilla. La pasión de Jorge por el violín y hacer música de la mejor calidad le ha llevado a dirigir y a liderar todo tipo de ensembles internacionales por toda Europa. Jorge es reconocido por su enfoque musical profundo y excitante, interpretando cada época de la historia de la música con el estilo e instrumentos apropiados, del medievo al siglo XXI. Jorge es regularmente invitado como concertino, solista y director de ensembles como: La Tempestad, The Scholars Baroque Ensemble, The Retrospect Ensemble, Croatian baroque Ensemble, Orquesta de la Opera de Split, entre otros. Como solista es regularmente invitado a dar recitales en España, Inglaterra, Turquía, Croacia, Bolivia y Polonia. Esta noche tocará un violín Anónimo construido en 1780 en Barcelona en estado completamente original. Esta noche tocará un violín Anónimo construido en 1780 en Barcelona en estado completamente original.

Guillermo Peñalver Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de Sevilla. Se especializa en las flautas dulce y travesera barroca, estudiando con los profesores Martín, Stern, Dickinson, Suzanne y Hazelzet. Becado por la Junta de Andalucía, ha realizado estudiado tambié en los conservatorios de Toulouse y La Haya. Como concertista ha actuado con numerosos grupos en España, Francia, Portugal, Holanda, Alemania, Méjico e Israel. Ha colaborado con varios de los más prestigiosos grupos de música antigua de España como Poema Harmónico, Extramundi, La Capilla Real de Madrid, La Stravaganza, Al Ayre Español, Concierto Español, Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, Orquesta Barroca de Sevilla, etc. Ha participado en la grabación de varios discos y grabaciones para radio y televisión con diversos grupos nacionales e internacionales.

Daniel Zapico Langreo, Asturias, 1983. Inicia su especialización en la tiorba en 1999. Concluye sus estudios superiores en la Escola Superior de Música de Catalunya con Díaz-Latorre. Ha recibido también clases de Lislevand, Smith, Pianca y Rivera entre otros. Como miembro fundador delForma Antiqva ha participado en importantes festivales de toda España y en varias giras de conciertos por gran parte del mundo obteniendo gran éxito de público y crítica. Han grabado varios discos galardonados con la máxima calificación en algunas de las revistas especializadas más importantes. Como concertista ha colaborado con Christina Pluhar, Michael Hofstetter, Ara Malikian, Fahmi Alqhai o Riccardo Muti. Desde 2008 es profesor de Instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y Barroco en el Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza.

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TERCIA REALIDAD XIII

Guillermo Peñalver flautas | Joy Smith arpa medieval, percusión | José Luís Pastor cuerdas pulsadas medievales Jorge Jiménez vielle, rebec, dirección

Amor cortesano, Misterio, Milagros y aventuras son el corazón de la música de los trovadores. De un caballero pobre nació uno de los primeros trovadores catalanes: Berenguer de Palou.

Nuestro programa comienza con su Tant m'Abelis y nos llevará de viaje por la música de las cortes de Francia, España e Inglaterra con danzas, estampidas por el camino. Conoceremos al trovador Jaufre Rudel, conocido por sus poemas a su amor distante. Tomó parte en la segunda cruzada en 1147 y se ha sugerido que su amor distante era la Condesa de Tripoli o metafóricamente, Jerusalem en sí. Como peregrino, inició un viaje para ver a su amada, desgraciadamente enfermó y al desmbarcar en Tripoli murio en los brazos de la condesa. El último de los trovadores fue Guiraut Riquier. Dejó un legado de 48 poemas con su música y finalizó su vida al servicio de Alfonso X de Castilla.

Programa El último trovador (Cantos, danzas, estampidas y poemas)

BERENGUIER DE PALOU (¿?-1241), Tant m'abelis PSEUDO-NEIDHART (siglo XIII), Amours ou trop tard me suis pris Anónimo francés (siglo XIII), La uitime estampie real RAIMBAUT DE VAQUEIRAS (¿?-1207), Kalenda Maya Cantiga de Sta. María nº 166 (posiblemente escrita por Alfonso X; Siglo XIII), Como Poden per sas culpas RICHARD THE LIONHEART (1157-1199), Ja nuns hons pris JAUFRE RUDEL (ca.1113-ca.1170), Lanquan li jorn Anónimo francés (siglo XIII), La Quinte Estampie Real BERNARD DE VENTADOUR (ca.1217-ca.1253), Can vei la lauzeta mover GUIRAUT RIQUIER (CA.1230-1292), Ples de Tristor GUIRAUT RIQUIER, S'ieu ja trobat non agues MONIOT D'ARRAS (ca.1213-ca.1239), Ce fut en mai

Músicos

Jorge Jiménez La pasión de Jorge por el violín y hacer música de la mejor calidad le ha llevado a dirigir y a liderar todo tipo de ensembles internacionales por toda Europa. Jorge es reconocido por su enfoque musical profundo y excitante, interpretando cada época de la historia de la música con el estilo e instrumentos apropiados, del medievo al siglo XXI. Jorge es regularmente invitado como concertino, solista y director de ensembles como: La Tempestad, The Scholars Baroque Ensemble, The Retrospect Ensemble, Croatian baroque Ensemble, Orquesta de la Opera de Split, entre otros. Como solista es regularmente invitado a dar recitales en España, Inglaterra, Turquía, Croacia, Bolivia y Polonia. Esta noche tocará una vielha hecha por Owen Morse Brown y un rebec hecho por Luis Fernández.

Guillermo Peñalver Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de Sevilla. Se especializa en las flautas dulce y travesera barroca, estudiando con los profesores Martín, Stern, Dickinson, Suzanne y Hazelzet. Becado por la Junta de Andalucía, ha realizado estudiado tambié en los conservatorios de Toulouse y La Haya. Como concertista ha actuado con numerosos grupos en España, Francia, Portugal, Holanda, Alemania, Méjico e Israel. Ha colaborado con varios de los más prestigiosos grupos de música antigua de España como Poema Harmónico, Extramundi, La Capilla Real de Madrid, La Stravaganza, Al Ayre Español, Concierto Español, Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, Orquesta Barroca de Sevilla, etc. Ha participado en la grabación de varios discos y grabaciones para radio y televisión con diversos grupos nacionales e internacionales.

José Luis Pastor Considerado uno de los mayores especialistas en la Cuerda Pulsada Medieval, es Profesor Superior de Guitarra Clásica por el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”, de Sevilla. Premio fin de grado en la especialidad de Laúd y vihuela. Ha participado en festivales de Música Antigua por toda España y el resto de Europa. Ha sido invitado por el Museum de Londres al simposium internacional sobre la cítola y por la Lute Society. Ha realizado programas y grabaciones para RNE, ofrece conferencias-conciertos ilustrados, y ha escrito artículos para revistas especializadas (Hispánica Lyra, de la Sociedad de la vihuela). Actualmente dirige el grupo Axabeba, con el que ha grabado “El Sueño Hebreo”, “Colores del Medievo”, “Maríam Matrem” y “Cantigas de Santa María”.

Joy Smith Con sólo 8 años fue premiada con una beca nacional para estudiar en Chethams School of Music en Manchester. Durante su tiempo en esta institución especializada fue primera flauta de la National Children's Orchestra y semifinalista en la International Audi Pianist of the Year. Estudia en la Universidad de Oxford y el Trinity College of Music de Londres donde consiguió un diploma Cum Laude y el Premio de la United Kingdom Harp Association. Además de ser miembro de Tercia Realidad y de I Faggiolini, es fundadora de Eclipse y ha tocado con grupos como Gabrielli Consort o The retrospect Ensemble. También es miembro del Monteverdi Continuo Ensemble de la Bayerische Oper de Munich. Joy toca Arpa Clásica, Arpa Doppia, Arpa Gótica, Arpa medieval y Salterios.

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TITO ALCEDO

Tito Alcedo guitarra

Tito Alcedo es un músico que respira Sur y hondura por todos los poros de su música; una música cálida y alegre que nos transporta a los aires de su querido Barbate, refugio de ideas y vivencias, y así surgen esos Tanguillos del Taburiente, Bulerías de la Jigüela o la Rumba del Tío Félix.

Su espíritu inquieto y versátil y su depurada técnica instrumental le permite ejecutar piezas que nos seducen con una especial forma de interpretar jazz que fusiona con formas flamencas antiguas y modernas.

Tito es un enamorado de la música de Django Reinhardt. Y el resultado de toda esa mezcla es un estilo propio muy personal, donde se conjugan técnica y arte. Realiza varias giras por Europa y participa en festivales internacionales de jazz junto a Larry Coryell, Chano Domínguez o Philippe Catherine, entre otros.

Programa Coplas y palabras de guitarra

TITO ALCEDO (1958), Playa de la Yerbagüena TITO ALCEDO, Mandanga y Cacaruca CARLOS CASTELLANO (1904-2002), El toro y la luna KEITH JARRET (1945), Memories of tomorrow STEVE SWALLOW (1940), Falling grace TITO ALCEDO, Janda MANUEL LÓPEZ QUIROGA (1899-1988), Ojos verdes BILL EVANS (1929-1980), Waltz for Debby TITO ALCEDO, Bulerías de la Jigüela FREDDIE MERCURY (1946-1991), Bohemian Raphsody

Tito Alcedo Barbate. Sus inicios como profesional giran en torno a la música de Django Reinhardt, genial gitano franco-belga clave en el mundo del Jazz, al que Tito interpreta de manera única. Más tarde viaja con su guitarra al mundo del flamenco y de esa fusión mágica nace el músico Tito Alcedo actual. Ha girado por el mundo entero junto a Larry Coryell, Joan Bibiloni, Nono García, Javier Ruibal, Chano Domínguez… Ha colaborado en multitud de grabaciones de discos: Kiko Veneno, Pasión Vega, Maíta vende cá, Pastora Soler, el Barrio…. Y películas:”La gran vida”, “Sin vergüenza”, “La mala educación”… En la actualidad promociona su último CD “Janda” homenaje a la comarca de La Janda, cuna del autor.

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TOTEM ENSEMBLE

Vladimir Dmitrienco violín Iº | Luís Miguel Díaz violín IIº | Jerome Ireland Viola | Miguel Cariñena Violonchelo Francisco Lobo Contrabajo

Este quinteto nace de la iniciativa de un grupo de profesionales con una larga trayectoria en la música de cámara y se crea con el objetivo de divulgar el repertorio existente para quinteto de cuerdas y, a la vez, acercar al público a la familia de instrumentos de cuerda frotada, distanciándola del contexto estereotipado en el cual la ha situado la historia.

En su repertorio cuentan con una numerosa relación de obras originales para quinteto de cuerdas así como con arreglos y transcripciones de temas de jazz, tango, pop, rock, soul o bandas sonoras de películas, realizadas por el mismo grupo de forma exigente y rigurosa. Esta diversidad en la programación se nutre básicamente de la experiencia previa que cada uno de sus componentes ha desarrollado a lo largo de sus carreras.

El primordial objetivo de este proyecto es atraer al público a las salas de conciertos de la mano de programas, que no reincidan en la temática abordada tradicionalmente por este tipo de formaciones.

Video http://www.youtube.com/watch?v=N51cvglQQeo&feature=player_embedded

Programa La influencia árabe en la Música Occidental

I. ALBENIZ (1860-1909), Serenata Árabe E. GRIEG (1843-1907), In the Hall of the Mountain King E. GRANADOS(1867-1916), Canción Árabe P. I. TCHAIKOVSKY (1840-1893), Danza Árabe C. DEBUSSY (1862-1918), Arabesque Nº1 E. SATIE (1866-1925), Gymnopedie J. STRAUSS (1825-1899), Marcha Persa E. GRIEG, Danza de Anitra J. STRAUSS, Marcha Egipcia C. SAINT-SAENS (1835-1921), Reverie du Soir

Músicos

Francisco Lobo Puerto Real, Cursa sus estudios en los Conservatorios de Música AManuel de Falla de Cádiz y Manuel Castillo de Sevilla, simultaneando ambos centros, obteniendo el título de Profesor Superior de Contrabajo en el curso 96-97. Estudia contrabajo con Francisco Rios, ha recibido clases de Mathew Gibbon, realiza estudios de perfeccionamiento con Lucian Ciorata Además recibe clases de Jazz entre otros de Dave Holland, Ze Eduardo, Mario Rossy, Perico Sambeat, Luis Vidal, Marc Miralta o Dave Santoro. En el terreno profesional se ha desarrollado en múltiples estilos, formando parte de grupos de tangos o de Jazz. Ha colaborado entre otras con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. El Programa de Jóvenes Intérpretes Andaluces O.J.A, en calidad de invitado. Orquesta Arsian (Arte Independiente Andaluz), es Contrabajo solista de la Orquesta Manuel de Falla. En el campo del flamenco ha colaboarado con varias compañias, realizando giras por los Estados Unidos, Rusia, Francia, Luxemburgo e Italia. Ha sido profesor asociado de la Universidad de Cádiz en la facultad de Ciencias de la Educación. En la actualidad es Profesor de Contrabajo y Música de Cámara en el Real Conservatorio Profesional de Música Manuel de Falla de Cádiz.

Luis Miguel Díaz Sevilla, 1975. Empieza a tocar el violín a los nueve años. Realiza sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde finaliza la carrera con las más altas calificaciones, obteniendo Premio de Honor en Grado Elemental y Mención Honorífica en Grado Medio. Continúa su formación en Sevilla, donde completa sus estudios de violín con Anca Bitán. Recibe clases magistrales de violín con Vartan Manoogian, Barry L. Sargent, Alexander Gruzenberg, Cristoff Blezien, Ara Vartanian y Ruggero Ricci, y de Música de Cámara con profesores de la talla de Gerard Claret, Sergei Teslia, Cuarteto de Moscú o Cuarteto Brodsky. Mención Honorífica por su actuación con el Cuarteto “Eius” en el Festival de Juventudes Musicales en 1996. Es invitado, por el primer violín del Cuarteto Brodsky (Michael Thomas) a participar en el Curso Internacional de Música en Dartington, Inglaterra. Forma parte de distintas Orquestas Juveniles, entre ellas la Orquesta Joven de Andalucía, de la cual fue concertino, y la Joven Orquesta Nacional de España, así como de la Orquesta Bética Filarmónica, de la Nueva Camerata de Sevilla y de la Orquesta de Cámara “Manuel de Falla” de Cádiz. Desde 1997 forma parte de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla

Vladimir Dmtrienco Nace en Kishinev República de Moldavia, donde comienza sus estudios musicales de la mano de la profesora Ala Guseva, violinista de la Escuela Especial de Música de su localidad. Sus aptitudes para el instrumento le llevan a perfeccionar sus estudios en el Conservatorio Nacional “A. Nejdanova” de Odessa (Ucrania) con el profesor .B.Mordkovice y en el Conservatorio Nacional “G. Muzicescu” de Kishinev (Moldavia) con el profesor A:Kaushansky. Durante su época de estudiante obtiene numerosos premios nacionales e internacionales, destacando el “Concurso Nacional” de violín de la antigua Unión Soviética. En 1991 se incorpora a la

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Orquesta de Cámara de la Filarmónica Nacional de Moldavia, como Solista de segundo violín, trabajo que compaginará ese mismo año, con el de primer violín de la Filarmónica “G. Enescu” en Bucarest (Romanía) desempeñando el puesto de concertino desde 1997. Ha realizado giras internacionales por todo el mundo, Portugal, Francia, Alemania, Rusia, Corea, Suiza, Bélgica, Grecia, Italia, Holanda, Singapur, actualmente es solista de segundos violines en la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

Miguel Cariñena Nace en Lliria (Valencia). Realiza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia con los profesores Alejandro Abad y Elena Solanes donde finaliza sus estudios musicales con Matricula de Honor y obtiene los Premios de Honor de Grado Medio y Fin de Carrera. Posteriormente amplía sus estudios con el Violonchelista Asier Polo. Es becado por el “Instituto Valenciano de la Música” y por el Ministerio de Educación para continuar con sus estudios en la “ Universität für Musik und Darstellende Kunst” en Graz (Austria) con los profesores Florian Kitt y Stephan Göerner. Obtiene el Segundo Premio en el Concurso Nacional de Jóvenes violonchelistas de España “Gijón”, Tercer Premio en el Concurso Nacional de Música de Cámara “ Juventudes Musicales Ciudad de Vinarós” con el cuarteto”Aurum” En 2005 le otorgan el “Premio Euterpe” de la Música en Valencia. Ha sido miembro de la Joven Orquesta Nacional de España durante los años 2002-2004. Desarrolla su labor docente en el Conservatorio Profesional de Música de Jaén.

Jerome Ireland Cursa sus estudios en el Julliard school en Nueva York. Desde su formación es miembro de la ROSS y de la Orquesta de la Televisión de Bélgica y solista con la Orquesta Sinfónica de Lethbridge (Canadá). Ha desarrollado una gran actividad en diversas formaciones de música de cámara cómo New York L.A. Festival, San Francisco Contemporary Music Ensemble, el cuarteto de cuerdas Bloch, Solistas de Sevilla y en conciertos de cámara de la Asociación de los Amigos de la ROSS. Es también director, actuando en pasadas temporadas con el Ensemble Maestranza, Orquesta Manuel de Falla y la ROSS.

Mediterráneo

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YAMAHA STRING DUO

Vladimir Dmitrienco violín | Nonna Natsvlishvili violoncello

Dos mundos aparentemente alejados se acercan y se encuentran felizmente. Y si ese violinista es Vladimir Dmitrenco están garantizadas la sorpresa continua, el placer sensual de una nota que se alarga, la recuperación de la modernidad aún vigente de músicas que fueron modernas hace uno, dos siglos.

A Vladimir le ayuda en esa tarea el acompañamiento sereno y generoso del sonido grave del violonchelo de Nonna. El bajo continuo permite con una sonrisa y con comprensión amorosa las divertidas travesuras del violín eléctrico, mientras le ofrece la riqueza antigua de sus cuerdas. Más que nunca brillan la juguetona personalidad de Mozart, o las construcciones teatrales ricas en trucos y trampantojos de la música barroca.

El Yamaha String Dúo te ofrece esto y más. La maestría de sus intérpretes, su amor por la música, palpable en cada uno de sus conciertos, y la novedad de su sonido te transportan lejos. Sólo se necesita tener los oídos y las ideas libres y abiertos. Y entonces... un raro placer está garantizado.

Programa El placer sensual de una nota que se alarga (Del Barroco al siglo XX)

B. ROMBERG (1767-1841), Tres temas de W.A.Mozart para violín y cello W.A. MOZART (1756-1791), Duo Nº 2 para violín y cello J.B. BREVAL (1753-1823), Tres Arias Favoritas para violín y celo I.J. PLEYEL (1757-1831), Dos Dúos para violín y cello P. WRANITZKY (1756-1808), Dúo para violín y celo Nº1 (Adaptación de Vladimir Dmitrienci) R. CLARKE (1879-1934), Humoresque and Lullaby para violín y cello V. DMITRIENCO, Fantasía sobre temas clásicos populares

Todas las piezas serán interpretadas con un Yamaha Silent Violin

Músicos

Vladimir Dmtrienco Kishinev, República de Moldavia. Perfecciona sus estudios en Odessa, Kiev (Ucrania) y Kishinev (Moldavia). Ha sido Concertino de orquestas: Orquesta de Cámara de la Filarmónica Nacional de Moldavia, Filarmónica “G. Enescu” en Bucarest (Romanía), Orquesta de Extremadura (OEX). Fundador desde 1998 del Cuarteto de Cuerda “Millenium Arts”, del que es primer violín, con quien graba el CD “Music Like a Fruit”, y con quien realiza giras por todo el mundo. Ha realizado grabaciones discográficas con varias formaciones musicales así como la Integral de J. Brahms y la Integral de G. Enescu con la Orquesta Firlarmónica “G. Enescu”. Actualmente es solista de segundos violines en la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS).

Nonna Natsvlishvili Procede de una familia de grandes tradiciones musicales. Comenzo sus estudios en Moscu a los 7 años de edad bajo dirección de famoso profesor A.Fedorchenco en la escuela ¨Gnesin¨. Posteriormente estudia con músicos de reconocimiento mundial como A. Vlasov, V. Berlinskiy (cuarteto), V. Samoletov (música de cámara).Ha obtenido varios premios nacionales y internacionales en prestigiosos concursos de la antigua URS y extranjero. En 1978 gana la plaza en la Orquesta de Bolshoi en Moscu,donde participa en varias Formaciones como Conjunto de Solistas de Bolshoi, Conjunto de Violoncelistas, la Orquesta de Camara de música antigua. Junto a sus compañeros del Bolshoi desarolla una amplia actividad camerística con el cuarteto de cuerdas, recorriendo numerosas ciudades de la URSS y el extranjero. En 1991 se incorpora a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla donde trabaja actualmente. Como profesora ha impartido clases en diversos cursos de perfeccionamiento (Andalucía, Extremadura, Madrid, Asturias). Desde 2004 forma parte del Cuarteto de Cuerda de la ROSS del cual es fundadora.

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