M Prince

Cours de musique au premier degré.

Année scolaire 2016-2017.

1 Les compétences et les objectifs :

• Rendre l'élève capable de développer son sens de l'observation, sa mémoire, son esprit d'imagination et d'initiative en sollicitant ses facultés d'expression et de création. • Rendre l'élève capable d'affiner sa sensibilité et son esprit critique : l'exercer à une appréciation personnelle. Eveiller en lui une curiosité intelligente par une utilisation optimale des différents supports médiatiques tout en suscitant le goût de l'information et de la recherche. • Susciter sa sociabilité, son sens de la participation et de la discipline de groupe pour le préparer efficacement à l'utilisation active des loisirs. • Rendre l'élève capable de développer une coordination psychomotrice en affinant une maîtrise gestuelle dans le souci du soin et de la précision. • Rendre l'élève capable d'élargir sa connaissance du langage artistique et de ses techniques. • A partir d'expériences concrètes, concourir à la structuration progressive de l'intelligence et à la mise en œuvre des processus d'investigation et de conception. • Valoriser les expressions collective et individuelle dans le plaisir d’utiliser un autre outil de communication. • Maintenir l'élève en parfaite harmonie avec le milieu scolaire et la vie sociale en le confrontant à une pratique pédagogique du bien-être. • Permettre à l'élève de valoriser ses dispositions particulières. C'est en proposant des activités musicales qui mettent à contribution les habiletés interdisciplinaires, psychomotrices, cognitives et affectives dans un souci d'épanouissement que l’enseignant appréhendera les contenus pour contribuer de manière significative à l’observation et au développement de l’élève.

Compétences transversales

S'approprier un langage sensoriel • Discriminer des éléments, des phénomènes auditifs, visuels, tactiles et kinesthésiques. • Utiliser un répertoire de vocabulaire sensoriel, auditif, visuel et kinesthésique. • Percevoir des œuvres et les associer aux registres des langages sensoriels. • Déduire de ses perceptions des règles, des conclusions.

2 Se reconnaître dans ses sensations, ses émotions et reconnaître les autres • Exprimer une émotion ressentie face à une musique, une situation particulière. • Associer des perceptions et les classer dans l'un ou l'autre domaine sensoriel. • Décrire ses sensations. • Exprimer une émotion par différents modes d'expression. • Transposer dans un autre langage artistique, une émotion ressentie face à une musique, une situation particulière.

Se reconnaître dans sa culture et celle des autres • S'identifier et identifier l'autre dans ses modes d'expression, son art, son folklore... • Constituer, organiser une documentation, un classement, un échantillonnage.

Collaborer • Confronter des capacités individuelles pour réaliser une production collective. • Participer à la distribution des rôles pour des créations collectives et des exécutions soignées.

Oser affirmer son plaisir et présenter sa production • Formuler clairement son intention en fonction de l'objet artistique. • Positiver sa production et celle des autres.

Evaluer - Argumenter • Donner et défendre son avis sur des productions, des événements artistiques et les moyens de diffusion. • Expliquer l'identification d'un élément ou d'un contexte. • Défendre ses goûts. • Rendre compte de sa propre démarche. • S'exprimer face à la production des autres. • Justifier l'émotion, le mode d'expression, les techniques d'exécution, le sujet, le contexte, les moyens utilisés.

Nous travaillerons énormément avec des outils médiatiques. L’intégralité des vidéos visionnées provient de YouTube.

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L’orchestre.

Dans un orchestre, il peut y avoir, dissimulés, un certain nombre de gens qui ne connaissent pas la musique. Ce n'est pas très gênant si les autres font beaucoup de bruit.

Éléments essentiels.

Le son : existe grâce à la vibration et à l’air. Le timbre : l'ensemble des caractéristiques sonores qui permettent d'identifier un instrument, une voix. L’intensité : force, puissance du son. Tempo : vitesse d'exécution d'un morceau de musique. La hauteur : fréquence d’un son musical, d’une note de musique. Aigu : fréquence haute d’un son. Grave : fréquence basse d’un son.

Définition.

Orchestre (vient du grec orkhêstra) : partie du théâtre entre le public et la scène où évoluait le chœur (de orkheistai).

Les instruments de l’orchestre.

On sait que les nombreux instruments de musique peuvent être classés en trois familles : cordes, vents et percussions. Ces familles comportent elles-mêmes différents groupes. Le tableau ci-après permet de saisir facilement ces classifications et les principales caractéristiques de chaque instrument :

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Les cordes.

• Frottées (archet) :

Ø Le violon (ancêtre : vièle, famille des violes) : XVI°, XVII° siècle, 4 cordes. Ø L'alto (ancêtre : vièle, famille des violes) : XVI°, XVII° siècle, 4 cordes. Ø Le violoncelle (ancêtre: viole de gambe) : XVIII° siècle, 4 cordes. Ø La contrebasse (ancêtres: basse de viole et contrebasson de viole) : XVIII° siècle, 4 cordes.

• Pincées :

Ø La harpe (ancêtre : harpe égyptienne, 1700 av. J.C., harpe sans pédales) : XVIII° siècle (7 pédales), 47 cordes. Ø Le clavecin (ancêtres: psaltérion, théorbe) : XV° siècle, 1 ou 2 claviers, système de pédales agrémentant ou modifiant les sonorités. Ø La guitare (ancêtres: cithare, luth) : XVII° siècle, 6 cordes (en général) parfois 12.

• Frappées :

Ø Le piano (ancêtres : clavicorde, piano-forte) : XVIII° siècle, piano à queue, piano droit.

Les vents.

• Les bois

Ø La flûte traversière (ancêtres : flûte traversière en bois ; antérieur: flûte à bec) : XVIII° siècle (en métal). Ø Flûte picolo : plus aiguë. Ø Le hautbois (ancêtre : cornet) : XV°-XVII° siècles, anche double. Ø Le cor anglais (ancêtre : hautbois d'amour) : XIX° siècle, forme arquée, anche double.

5 Ø Le basson (ancêtres: bombarde, dulcine) : XVII° siècle, anche double. Ø Le contrebasson : XIX° siècle, anche double. La CLARINETTE (ancêtres : chalumeau, cor de basset) : XVIII° siècle, anche simple. Ø La clarinette basse (ancêtre: serpent) : XIX° siècle, anche simple, extrémité recourbée comme celle du saxophone ténor. Ø Les saxophones : XIX° siècle (Adolphe SAX), anche simple, en métal, 4 sortes : sopranino, soprano, alto, ténor, baryton, basse, contrebasse.

• Les cuivres.

Ø Le cor d’harmonie (ancêtres : corne, trompe, cor simple) : XIX° siècle (pistons, embouchure). Ø La trompette (ancêtres : trompe, trompette sans piston): XIX° siècle (pistons, embouchure). Ø Le trombone (ancêtre: sacqueboute) : XVII° siècle (coulisse, embouchure), alto, ténor, basse. Ø Le tuba (ancêtres : bombardon, ophicléide) : XIX° siècle (pistons, embouchure).

Les percussions.

• Les instruments à sons déterminés

Ø Les timbales (ancêtre: tympana) : XVIe siècle, un son à la fois de grandeur variable. Ø Le xylophone (originaire d'Afrique): XIXe siècle. Ø Les cloches : en réalité barres ou tubes d'acier ou de bronze, XIXe siècle.

• Les instruments à clavier

Ø Le celesta (inventé par Auguste Mustel) : XIXe siècle (1886), fines lames d'acier au son cristallin. Ø Le glockenspiel (déjà utilisé par Mozart dans La Flûte enchantée en 1791), jeu de clochettes.

Les instruments à sons indéterminés.

Grosse-caisse, cymbales, triangle, caisse-claire ou tambour, tam-tam, gong, tambour de basque, tambourin, castagnettes, grelots, sifflet, fouet… Leur notation s’écrit sur une seule ligne remplaçant la portée.

• L’orgue : instrument à vent mais à clavier est trop complexe pour entrer dans cette classification. Camille Saint-Saëns disait de lui « qu’il est plus qu’un instrument ; il est un orchestre, une réunion de flûtes de Pan de tout calibre, les unes minuscules comme des jouets d’enfant, les autres gigantesques comme des colonnes de temples. Chacune constitue ce qu’on appelle un jeu d’orgue. Le nombre est illimité

Historique.

Au Moyen Age et pendant la Renaissance, le jeu soliste était prédominant, les vents avaient la première place et l'instrumentation était libre.

A partir du milieu du XVIIe siècle viendra l'orchestre Baroque, avec sa préférence pour les cordes. Celui-ci se compose de deux groupes : d'un côté les instruments de basse continue (violoncelle, basson, luth, clavecin, orgue), de l'autre côté les instruments mélodiques comme le violon, la flûte, le hautbois… A partir de la deuxième moitié du XVIIIe siècle se développe l'orchestre classique comptant jusque 35 musiciens. Les vents, toujours par deux, gagnent en importance. On divise l'orchestre en 4 familles : les cordes, les vents, les cuivres et les percussions qui se limitent en général à deux timbales.

L'orchestre romantique devient de plus en plus grand (de 45 à plus de 100 musiciens). La partie percussion s'agrandit et de "nouveaux" instruments comme le piccolo, le tuba, le cor anglais, la clarinette basse, le trombone, la harpe … apparaissent.

6 Au XXe siècle apparaissent les ensembles les plus divers, quelquefois avec de nouveaux instruments, de l'électronique et des percussions de toutes sortes. L'effectif instrumental varie aujourd'hui selon chaque compositeur.

Qu’est-ce qu’un instrument soliste ?

Un soliste est un interprète qui assure seul l'exécution d'une partie musicale dans un ensemble ou de manière isolée. Le soliste s'oppose donc au musicien qui, au sein d'un pupitre, exécute collectivement une partie musicale (un choriste dans une chorale, un violoniste dans un orchestre symphonique, etc.).

Par exemple, dans un concerto pour piano, le soliste est le pianiste, alors que les différents musiciens de l'orchestre réalisant leurs parties musicales respectives sont des musiciens de pupitre. Les parties musicales confiées à un soliste sont d'ordinaire plus virtuoses que celles des autres musiciens : vélocité, puissance, étendue du registre, etc.

Les différentes formations :

L’orchestre de chambre.

L'appellation orchestre de chambre (comme musique de chambre) vient de l'italien "da camera", terme employé dès le XVIIe siècle pour désigner des œuvres instrumentales destinées à être jouées dans une salle et non à l'église pour laquelle on réservait la musique "da chiesa". L'orchestre de chambre réunit donc, en nombre limité, les instruments à cordes, auxquels peuvent se joindre quelques bois et plus rarement quelques cuivres (trompette, cor). Les instruments dans l’orchestre quelle que soit son appellation, son affectation, son importance, sont disposés selon un emplacement logique obéissant non seulement aux sonorités propres à chacun d’entre eux, mais aussi aux lois de l’acoustique.

La fanfare.

Par définition, une fanfare est un ensemble de musiciens dont les instruments sont exclusivement des cuivres accompagnés occasionnellement de percussions.

Par analogie et simplification, une fanfare peut également désigner un groupe de musiciens amateurs formé de cuivres, mais aussi de bois, notamment de saxophones, le plus souvent spécialisé dans la musique de rue. Leur véritable appellation devrait être harmonie-fanfare ou, en Suisse, fanfare mixte, ces formations étant intermédiaires entre l'orchestre d'harmonie et l'orchestre de fanfare cité précédemment.

Le Brass Band.

Le Brass Band est un ensemble de cuivres dans la plus pure tradition anglaise réunissant 28 musiciens (cuivres) associés à des percussions. Il est composé essentiellement d’instruments à perce conique, ce qui leurs vaut le nom de « cuivres doux ».

Le Big Band.

Un big band est une formation orchestrale de taille moyenne interprétant des morceaux de jazz. Il est composé de quatre sections instrumentales bien distinctes : les saxophones, les trombones, les trompettes et la section rythmique (batterie, piano, guitare, percussions et basse ou contrebasse). Un ou plusieurs chanteurs sont également parfois présents.

7 Les instruments vus en classe :

• Ukulélé, explication de l’accord. Situation géographique. • Piano : explication des différents styles, application du majeur/mineur, que donne la musique si on enlève la basse ? Binaire/ternaire. Situation historique. • Trompette : principe mécanique, situation historique, évolution au cours du temps. • Guitare : comparaison avec les autres instruments à corde, situation historique et géographique. • Petites percussions : manipulation, dénomination, utilité. • Démonstration des propriétés du son avec le diapason et des verres.

Le langage du musicien :

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Mise en pratique.

A l’aide de percussions, nous allons nous comporter comme dans un orchestre !

Le geste dans la verticalité :

Main placée vers le haut : forte ! Main placée à hauteur du nombril : mezzo forte ! Main placée vers le bas : piano !

Le geste dans l’horizontalité :

Joue selon la durée de mon geste ; lorsque je ferme la main, arrête-toi !

9 Le rap.

Introduction.

Apparu il y a bientôt quarante ans aux Etats-Unis dans le Bronx, le rap ou « Rhythm and Poetry » est probablement un des styles les plus écoutés par la jeunesse ces dernières années. Parfois commercial, revendicateur, drôle ou violent, il nous emmène dans les problèmes actuels liés à la politique ou aux banlieues. A travers ce qui suit, nous allons étudier son évolution et découvrir les artistes les plus représentatifs des différentes périodes traversées.

Naissance.

Le rap a été conçu par et pour le ghetto noir. Il tire ses origines des musiciens et poètes africains qui, à la fin des années 6O, décidèrent de mettre en rimes et en musique à travers les percussions la rage qu’ils contiennent face à la crise traversée dans les ghettos américains, plus particulièrement ceux de New York. Différents styles sont utilisés pour convaincre l’auditeur : la soul, le funk, le reggae, le classique, le jazz. Le précurseur de ce mouvement et premier Maître de Cérémonie (MC) est Clive Campbell alias Kool Herc qui, en reliant deux platines pour enchaîner les morceaux, met le beat à nu et laisse libre cours à la danse et à la rime improvisée. Le Hip-Hop vient de naître et va se répandre peu à peu dans tout New York ; les premiers rappeurs s’affrontent.

Innovations.

Les premiers textes de rap sont sans fond, racontent des anecdotes dans lesquelles les chanteurs se vantent de leur corps, leur argent, etc. Un des premier MC à interpeller à travers ses textes est Melle Mel.

Peu après, un électricien bricoleur, DJ renommé connu sous le nom de Grandmaster Flash, va inventer un système de table de mixage permettant d’enchaîner les disques sans coupure. Grand Wizard Theodore découvre accidentellement le scratch qui va permettre aux DJ de s’exprimer plus librement et de s’affronter.

Enfin, vers 1984, apparaît la dernière innovation décisive pour l’avenir du rap : le sampler. Il permet d’emprunter sur n’importe quel disque un échantillon dont on a besoin et de le modifier ou le superposer à d’autres pistes sonores.

10 Premiers vinyles.

La première trace discographique sortie en 1979 que nous avons du rap est de Fatback. Plus tard, quasiment toutes les sorties de vinyles se feront sous le label « Sugarhill Records » qui s’impose.

Zulu Nation.

En 1982, un certain Afrika Bambaataa, membre de gang, voit ses amis mourir sous les balles et décide alors de créer quelque chose de positif pour que les siens puissent se sortir du cycle infernal de la violence. Il fonde alors la Zulu Nation qui prône un retour aux sources africaines et érige le principe suivant : « Peace, Love an Having Fun ». Grâce à ce renouveau, une vague de conscience va s’installer et les rappeurs vont s’engager socialement et décrire la réalité telle qu’elle est dans le ghetto, avec ses drogués et ses laissés pour compte. Le rap tel qu’on le connaît vient de voir le jour.

Dans la même optique, un texte va marquer le monde du rap : The Message de Grandmaster Flash.

Trop loin ?

Suite à cela, les textes sont de plus en plus violents. Certains rappeurs sont mis sous surveillance par le FBI, des micros sont posés chez eux. Le sticker suivant, bien connu, apparaît alors dans les années 90 : Parental Advisory.

Les premiers procès apparaissent aussi : en effet, les samplers sont utiles mais les copies abondent et les artistes perdent de l’argent en voyant leurs œuvres pillées. C’est aussi à cette période que les maisons de disques s’aperçoivent du potentiel financier que représente le rap et sélectionnent les produits plus facilement audibles afin de gagner un maximum d’argent, laissant le rap « bas de gamme » se vendre en laissant de côté les meilleurs textes, malheureusement plus difficilement approchables.

Face à cette incohérence, la New School va apparaître et va prôner un retour au jazz et à la soul des années 60, avec une attention plus grande portée au flow. Ce rap plus léger voire psychédélique va faire penser à un rival hippie à cette époque.

11 1992-2000 : Explosion du phénomène RAP.

NWA fait un entrée fracassante avec des textes violents ; des rappeurs comme Ice Cube, Dr Dre, sont les piliers du groupe. Ils s’en prennent aux forces de l’ordre, mettent les gangs en avant et profitent de l’argent gagné pour monter des labels. Tous les membres de NWA vont se lancer en solo et tous vont réussir. Le plus marquant reste Dr Dre, qui va rencontrer un peu plus tard un rappeur au flow paresseux avec des textes humoristiques et durs : Snoop Doggy Dog. Rien qu’à eux deux, ils vont vendre 18 millions d’albums entre 1992 et 1996. Le Gangsta Rap a vu le jour.

Un autre phénomène sort des rangs peu après : 2pac. Il joue aussi bien le « bad boy » que le « sex symbol » et devient quasiment adoré de tous les Etats-Unis. Il est obsédé par la mort mais compose aussi bien des chansons faisant l’apologie des femme plus « larges » que des textes introspectifs. Il disparaît dans de mystérieuses circonstances en 1996.

Est and West Coast.

Durant cette faste période, New York reste en retrait mais entre 1993 et 1994, les sorties de quelques albums vont remettre la ville en première ligne. Les rappeurs lassés de rester autour de leurs textes sexistes et de leurs histoires de gang se tournent vers des rimes décrivant les difficultés nouvelles des noirs et de la violence physique et psychologique dans les ghettos. Le beat se retrouve rempli de violons et de pianos mélancoliques. Suite à cette montée New Yorkaise, Los Angeles chute dans les hits et une tension s’installe entre les deux côtes, tension qui sera malheureusement exprimée par des règlements de compte. Un an après la mort de 2pac, The Notorious B.I.G. périt sous les balles. La nation rap se rendant compte du degré de violence atteint, décide de calmer les esprits. La guerre entre l’Est et la West Coast se calme.

L’ère Wu-Tang.

Ce groupe de neuf jeunes envahit entre 1993 et 1997 les bacs en prônant un retour au son brut de l’Old School, en se produisant eux-mêmes et en mettant en avant l’imagerie kung fu. Ils veulent revenir au rap moins commercial. Le fameux groupe français I Am suit ce mouvement.

Un autre courant parallèle voit le jour en réaction au matérialisme, s’installe dans les bars et les concours d’improvisations : le slam.

Le rap français.

En France, le rap n’apparaît qu’en 1984 grâce aux nouvelles radios libres et aussi à l’émission télévisée « H.I.P. H.O.P. ». Mais le public français se fixe sur la danse et laisse de côté ce style. En 1980, grâce entre autre au groupe NTM, à MC Solar, il se popularise mais les albums ne se vendent qu’à maximum 100 000 exemplaires. Le premier groupe qui a éclaté est I AM avec « Je danse le Mia ».

Banlieues.

Dans les années 90, les problèmes de banlieues se font de plus en plus présents dans les textes et la vérité quant à ces logements éclate au grand jour. La France a les yeux braqués sur les conditions de vie déplorables des gens de cité. Le rap devient une porte vers la réussite et la célébrité pour les jeunes banlieusards.

Le rap dansant apparaît alors et se veut plus commercial. Le suivant est le rap hardcore avec un groupe comme Ministère A.M.E.R. Le membre le plus connu de ce groupe est Stomy Bugsy qui passera ensuite à un rap très doux.

12 A la fin des années 90, le rap est français est le deuxième mondial, plus que commercial et certains groupes se lèvent contre ce principe et se mettent en marge comme Oxmo Puccino.

Il a y aussi eu :

• le rap conscient, avec I AM, groupe emblématique de Marseille.

• Le rap variété, avec Doc Gyneco.

• Le rap alternatif, qui mélange styles et nouveaux concepts.

• Le rap féminin, très vaste !

Le rap belge.

Il sort péniblement de sa coquille mais est malheureusement écrasé par les deux leaders du marché : la France et les Etats-Unis.

En classe ?

Nous visiterons à travers divers documents multimédias le rap américain, français et belge. Nous comprendrons ainsi les origines, les courants artistiques connexes et découvrirons parmi les grands artistes de ce courant.

Travail écrit : me rendre un rap selon les critères suivants : Ø Minimum quinze lignes. Ø Ton travail sera personnalisé. Ø Le thème est libre, veille cependant à ton vocabulaire.

13 Les Buzzs du Net.

Définition.

Le buzz (anglicisme de bourdonnement) est une technique marketing consistant, comme son nom l'indique, à faire du bruit autour d'un nouveau produit ou d'une offre. Proche du marketing viral, il en diffère par la maîtrise du contenu (message publicitaire). On peut aussi parler de quelque chose ayant fait son « buzz » quand il s'agit d'un contenu (vidéo ou audio) qui aura été ébruité le plus possible au point d'avoir été vu par beaucoup de gens en un temps très court.

Introduction.

Depuis sa création, Internet a servi bien des causes. L’idée de pouvoir se passer des informations à travers un réseau est chose commune maintenant : qui n’a pas publié une photo sur Facebook ? Utilisé le Net pour faire un devoir ? Visionné une vidéo sur youtube ?

Embarrassant dites-vous ?

Et pourtant ce réseau peut aussi être source d’embarras divers. Beaucoup de personnes publient des médias qui leurs portent préjudice alors qu’ils pensent se mettre en avant.

Coups de pouce du net.

Il serait injuste de ne montrer que les échecs. Il va de soi qu’Internet a permis à plusieurs artistes de se faire connaître à travers le monde entier.

Conclusion.

A l’heure actuelle, une vidéo ou une photo peut faire le tour du monde en quelques clics. Pense donc aux conséquences que cela peut avoir lorsque tu publies un média dans lequel tu apparais. N’hésite donc pas à le montrer à tes parents, ta famille ou tes profs pour avoir un avis extérieur à celui de tes amis.

En classe ?

Nous observerons à travers divers documents médiatiques les réussites et les échecs issus d’internet. Nous débâterons ensemble des phénomènes du web et des risques que peux présenter cet outil.

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Michael Jackson.

Biographie.

Michael Joseph Jackson, né le 29 août 1958 à Gary (Indiana) et mort le 25 juin 2009 à Los Angeles (Californie), est un chanteur, danseur-chorégraphe, auteur-compositeur-interprète, acteur et homme d'affaires américain. Il est reconnu par le Livre Guinness des records comme étant l’artiste le plus couronné de succès de tous les temps. Septième d'une famille de neuf enfants, il chante avec ses frères dès l'âge de six ans et débute une carrière professionnelle à l'âge d'onze ans au sein des Jackson Five, groupe formé avec ses frères aînés. Tout en restant membre du groupe, il entame en 1971 une carrière solo et enregistre dix albums studio, dont six figurent parmi les plus vendus au monde : Off the Wall (1979), Thriller (1982), Bad (1987), Dangerous (1991), HIStory (1995) et Invincible (2001). Dans les années 1980, Michael Jackson devient une figure majeure de la musique pop et l'une des personnalités les plus célèbres du XXe siècle. Il révolutionne l'industrie du disque, notamment en concevant des clips musicaux comparables à des courts-métrages de cinéma, comme Beat It, Billie Jean ou Thriller. Au cours de ses concerts, vidéos et apparitions publiques, il popularise largement de nombreux pas de danse, dont le Moonwalk, qui devient sa signature.

Surnommé « The King of Pop » (« Le Roi de la pop »), Michael Jackson a battu nombre de records de l'industrie du disque. Les estimations du total de ses ventes varient de 200 à 750 millions d'exemplaires, ce qui le classe parmi les trois plus gros vendeurs de disques de tous les temps, avec les Beatles et Elvis Presley. Thriller, dont les estimations des ventes varient entre 65 et 118 millions, est quant à lui l'album le plus vendu de l'histoire de la musique. Michael Jackson a remporté plus de prix que n'importe quel autre artiste et a été élu Artiste du Millénaire aux World Music Awards en 2000.

Michael Jackson a donné plus de 400 millions de dollars à des œuvres caritatives, notamment grâce à sa tournée Dangerous World Tour, mais son image publique a été considérablement ternie à cause de certains aspects de sa vie privée, notamment son goût pour la chirurgie esthétique, son mode de vie excentrique, ainsi que deux accusations d'abus sexuel sur mineur, pour lesquelles il a respectivement été relaxé et acquitté. Ses deux mariages et ses trois enfants sont également à l'origine de polémiques, notamment sur sa paternité. La cérémonie de ses funérailles au Staples Center de Los Angeles (Californie, États-Unis) a été retransmise en mondovision. Du jour de sa mort, le 25 juin 2009, au 29 août 2009, les ventes de ses disques sont estimées à plus de seize millions de CD.

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Famille, enfance et Jackson Five.

Maison d'enfance de la famille Jackson au 2300, rue Jackson, à Gary.

La famille vit dans une petite maison avec deux chambres dans la ville ouvrière de Gary, dans l'Indiana, en banlieue sud-est de Chicago. Son père, Joseph Jackson est guitariste dans un groupe R'n'B appelé The Falcons, gagne modestement sa vie en travaillant dans une aciérie, tandis que sa mère, Katherine Esther Scruse élève les enfants et travaille de temps en temps pour rapporter de l'argent au foyer. Joseph Jackson est un père de famille très autoritaire, qui impose des règles strictes à ses enfants, comme l'interdiction de sortir de chez eux le soir lorsqu'il travaille de nuit. Dans une interview réalisée par Martin Bashir en 2003, Michael Jackson raconte qu'il les maltraitait physiquement et mentalement et que son père se moquait régulièrement de son apparence physique en l'appelant « gros nez ». Il avait aussi constaté plusieurs difficultés émotionnelles qui le faisaient souffrir : cauchemars, troubles de sommeil, grande insatisfaction quant à son corps, comportement hyper-docile et tendance à rester enfantin – des difficultés compatibles avec les effets de la maltraitance chronique que Michael Jackson a vécu en tant que jeune enfant. La famille baigne cependant dans la musique dès le plus jeune âge, et Joseph joue de la guitare pendant que les enfants chantent. Sa guitare leur est normalement interdite, mais Tito, le troisième de la famille, en joue de temps en temps lorsque son père est absent. Quand une corde est cassée, ce dernier menace ses enfants de les battre s'ils ne lui montrent pas qu'ils savent bien en jouer. C'est à ce moment-là qu'il réalise que Tito et ses frères ont un réel talent. Il offre alors sa propre guitare à Tito et une basse à Jermaine. Vite rejoints par Marlon et Michael en 1964, ils forment un groupe baptisé The Jackson Five sur proposition d'un de leurs voisins. Michael en devient le chanteur principal grâce à sa voix plus mûre que son âge et à son habileté à reproduire les pas de danse de James Brown.

The Jackson Five.

Les Jackson 5 (ou Jackson Five) commencent à se produire à Gary, à remporter tous les concours auxquels ils participent et à se faire une certaine réputation dans la ville. Joseph décide alors de mettre à profit leur talent et leur obtient des engagements, le week-end, à Chicago, New York et Philadelphie. Les cinq garçons continuent à fréquenter l'école en semaine. En 1968, Joseph annonce à sa famille qu'ils déménagent à Detroit, car Berry Gordy, alors président de la Motown, les appelle pour une audition. Le groupe, officiellement présenté à la presse par leur marraine Diana Ross en août 1969, devient un des plus populaires de l'écurie Motown, label composé principalement d'artistes noirs.

Le premier succès national des Jackson Five est I Want You Back, extrait de l'album Diana Ross Presents The Jackson 5, qui devient numéro un au classement Billboard des singles pop le 31 janvier 1970. Michael a alors 11 ans et demi. Trois autres extraits de l'album deviendront également numéro un en 1970 : ABC, également en lice pour un Grammy Award, The Love You Save, et I'll Be There, qui restera numéro un pendant cinq semaines en octobre et novembre. C'est la première fois que les quatre premiers singles d'un groupe américain deviennent tous numéro un. L'ascension des Jackson Five est vertigineuse et le jeune Michael devient le chouchou du public. Leur popularité commencera à décroître vers 1972, mais ils

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Parallèlement à sa carrière avec les Jackson Five, Michael Jackson sort quatre albums solos. Got To Be There paraît en janvier 1972 sous le label Motown, alors que Michael a à peine 13 ans.

Off the Wall.

Il faut attendre 1978 et l'album Destiny pour prendre la mesure du talent des frères Jackson et plus particulièrement de Michael. Cet album, entièrement produit et écrit par les Jackson, donnera deux hits : Blame It on the Boogie et Shake Your Body (Down To the Ground). L'album suivant, Triumph, sort en 1980 et contient notamment les hits Lovely One et Can You Feel It dont la vidéo, imaginée par Michael lui-même, est quasiment un remake de Rencontres du troisième type. Michael éclipse désormais le groupe en chantant ses propres compositions.

En 1979, Michael Jackson sort Off the Wall, co-produit avec Quincy Jones. Certaines chansons ont été composées par Rod Temperton, Stevie Wonder et Paul McCartney. L'album remporte un succès mondial et se vendra à plus de 20 millions d'exemplaires. De nombreux singles extraits de l'album se hissent en tête des charts. Rock with You devient numéro 1 au Billboard Hot 100 et y reste 4 semaines, de même Don't Stop 'Til You Get Enough (1 seule semaine). La ballade She's Out of My Life intègre le Top 10 du Billboard Hot 100, tout comme la chanson Off the Wall. L'album mêle habilement funk, soul et disco. Malgré ce succès et ces ventes impressionnantes, Michael Jackson n'est nommé aux Grammy Awards de 1980 que dans la catégorie meilleur chanteur R&B pour Don't Stop 'til You Get Enough. Extrêmement déçu de ne pas avoir été nommé pour l'album de l'année, il jure que son prochain album ne sera pas ainsi ignoré.

Thriller.

Le 1er décembre 1982, Michael Jackson sort Thriller, qui remporte un succès immédiat en se vendant à un million d'exemplaires en un mois et dix millions sur un an. L'album reste dans les classements pendant deux ans et se maintient pendant un total de 37 semaines numéro 1 du classement Billboard. Meilleure vente d'album aux États-Unis en 1983 et 1984, c'est le deuxième disque le plus vendu après le Greatest Hits des Eagles. Entre 1982 et 1996, il a été certifié à 25 millions d'exemplaires aux États-Unis et 20 millions à l'étranger. En mai 1984, Thriller est reconnu par le Livre Guinness des records comme l'album le plus vendu de tous les temps (25 millions d'exemplaires à l'époque) et les estimations actuelles varient entre 65 et 118 millions d'exemplaires. Avec Thriller, Michael Jackson remporte huit récompenses aux American Music Awards et huit aux Grammy Awards et le 20 novembre 1984, il obtient une étoile sur le Hollywood Walk of Fame.

L'album contient 9 titres dont 7 sortiront successivement en singles et se classeront dans le Top 10 du Billboard Hot 100 : The Girl Is Mine (juin 1982), Billie Jean (janvier 1983), Beat It (février 1983), Wanna Be Startin' Somethin' (mai 1983), Human Nature (juillet 1983), P.Y.T. (Pretty Young Thing) (septembre 1983) et Thriller (janvier 1984). Les trois clips vidéo (Billie Jean, Thriller et Beat It) accompagnant l'album Thriller sont de véritables mini-films avec de nombreux effets spéciaux. Le clip de 14 minutes de la chanson Thriller, d'un coût de 1 million de dollars, sorti le 2 décembre 1983, est une des premières vidéos d'un artiste noir-américain à être diffusée à grande échelle sur MTV. L'avocat de Jackson, John Branca, expliqua que Michael Jackson avait le plus haut taux de royaltie de toute l'industrie du disque: approximativement 2$ par disques vendus

Le 16 mai 1983, la Motown fête ses 25 ans et Michael interprète seul la chanson Billie Jean et effectue alors pour la première fois son Moonwalk. Cette interprétation lui vaudra un appel et un télégramme de Fred Astaire : « Je suis un vieil homme, j'attendais la relève. Merci. ».

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Le 27 janvier 1984, lors du tournage d'une publicité pour Pepsi Cola, une étincelle provoquée par les équipements pyrotechniques met le feu aux cheveux de Michael Jackson. Michael est amené d'urgence au Cedars Sinai Hospital pour des brûlures au deuxième et troisième degrés du cuir chevelu. Les équipements pyrotechniques se trouvaient à seulement 2 pieds de sa tête, une entorse grave aux règles de sécurité. Les images de son entrée aux urgences sur un brancard, le crâne recouvert d'un grand bandage et sa main gantée saluant la foule, font rapidement le tour du monde. Il devra subir des greffes de cuir chevelu et plusieurs interventions chirurgicales. Les traitements douloureux et répétés le forçent à soigner sa condition par des anti-douleurs, auxquels Michael développera une certaine dépendance. Michael Jackson en étonne plus d'un en choisissant de ne pas poursuivre Pepsi-Cola. Avec l'argent qu'il touche de l'assurance (un million et demi de dollars américains), il décide de le remettre immédiatement à la Brotman Medical Center, un centre pour les grands brûlés où il a été soigné. Le centre changera plus tard de nom pour le « Michael Jackson Burn Center en son honneur».

Bad.

En 1987, Michael Jackson sort l'album Bad et part pour la première fois en tournée mondiale sans ses frères. L'année suivante, il sort un film réunissant différents clips, Moonwalker. Moonwalker devient la vidéo musicale la plus vendue de tous les temps (battant ainsi son propre record de The Making of Thriller). Pendant un certain temps, Bad a été le deuxième album le plus vendu de tous les temps avec plus de 34 millions de copies à travers le monde dont 10 aux États-Unis et 5 en Angleterre, record inégalé.

Bad est encore un énorme succès pour Jackson. Même si l'album n'atteint pas les records de ventes de Thriller, il contient néanmoins plus de « numéro 1 ». I Just Can't Stop Loving You sera enregistré en espagnol et en français sous les titres respectifs de Todo Mi Amor Eres Tu et Je ne veux pas la fin de nous.

Par ailleurs, les clips de The Way You Make Me Feel, Man in the Mirror (appel à la paix et à l'amour, dont le clip montre les grands moments du XXe siècle et dénonce la pauvreté dans le monde), Dirty Diana (où Jackson reproduit un mini-concert rock avec en guest star le guitariste Steve Stevens), Another Part Of Me (clip live du Bad Tour 88), Smooth Criminal (reprenant les moments forts du film Moonwalker), Liberian Girl puis Leave Me Alone sont une nouvelle série de succès.

Michael Jackson entre à nouveau dans l'histoire musicale en devenant le premier artiste à avoir cinq singles d'un même album classés no 1 aux billboards américains. Neuf singles en ont été extraits.

Dangerous.

Le 20 mars 1991, Michael Jackson signe avec Sony un contrat de 65 millions de dollars d'une durée de quinze ans au cours desquels il doit produire six albums pour Epic, apparaître dans des films et des courts- métrages. Les revenus que ce contrat pourrait générer sont évalués entre 890 millions et un milliard de dollars. Le premier de ces albums, Dangerous, sort le 26 novembre 1991 et devient no 1 des classements en trois jours. Le total des ventes de Dangerous atteint 7 millions d'exemplaires vendus aux États-Unis et devient le 3e album le plus vendu dans la carrière de Michael.

HIStory.

HIStory: Past, Present and Future – Book I, un double album, sort en juin 1995. C'est le double album le plus vendu de tous les temps avec plus de 21 millions d'exemplaires. Le premier disque contient quinze des plus grands succès, remastérisés, de Michael Jackson. Une seizième piste est présente sur ce premier disque, mais uniquement pour les premiers pressages vendus. Cette piste bonus contient un message audio remerciant les fans de leur soutien, et le second disque quinze nouvelles chansons (dont une reprise des Beatles, Come Together, enregistrée des années auparavant pour le film Moonwalker).

18 L'album a poussé de nouveaux singles et clips en tête des classements américains. En mai 1995, sort le premier extrait de l'album, Scream, en duo avec sa sœur Janet. Le clip est, avec un budget de plus de sept millions de dollars, le plus cher jamais réalisé. Invincible.

Six ans après HIStory, Michael Jackson sort Invincible le 31 octobre 2001. Avec un budget estimé à 30 millions de dollars, Invincible est l'album le plus cher de l'industrie musicale. Pour accompagner sa promotion, CBS diffuse Michael Jackson : 30th Anniversary Special, un événement spécial organisé afin de célébrer les trente ans de carrière solo de Michael Jackson. L'album débute no 1 au classement américain Billboard et dans treize pays différents. Au total, l'album se vend à 2,5 millions d'exemplaires aux États- Unis et 7,5 millions dans le monde soit un total de 10 millions d'exemplaires. Bien que les chiffres restent impressionnants pour n'importe quel artiste, Invincible est considéré comme un semi-succès, et ses chiffres de ventes restent très décevants en comparaison avec les albums précédents.

Le 13 juin 2002, Michael Jackson a été introduit, pour son travail de compositeur, au Songwriters Hall of Fame. Le clip vidéo à gros budget de You Rock My World affiche plusieurs stars au casting : Marlon Brando, Michael Madsen, Chris Tucker et Billy Drago. Lancée en grande pompe, la chanson a été un succès en Europe, notamment n°1 en.

This is it, grand retour prévu sur scène.

En janvier 2009, Michael Jackson retourne vivre définitivement aux États-Unis, à Bel Air. Le 5 mars 2009, lors d'une conférence de presse dans l'O2 Arena, Michael Jackson lui-même annonce qu'il entamera ses dernières représentations scéniques, les This is it shows. Jackson précisa tout de même que ces shows auraient été ses derniers, montrant clairement l'utilisation appropriée du nom des concerts This is it (en français « C'est tout » ou « C'est fini. »). Selon Randy Phillips, le président du promoteur de concerts AEG Live, Michael Jackson devait faire des concerts s'étalant sur trois ans et lancer un nouvel album, dans le cadre de son grand retour. Au départ, Michael Jackson ne devait faire que dix concerts à Londres en juillet, mais à l'issue de la prévente, le 12 mars, toutes les places pour quarante-cinq dates avaient été vendues. Cinq nouvelles dates ont été ajoutées le lendemain, pour les ventes générales. Soit un total de cinquante concerts à Londres, s'étalant de juillet à septembre 2009 et de janvier à février 2010.

Après la mort du chanteur, Kenny Ortega réalisa un film documentaire également intitulé This Is It, montrant entre autres les répétitions de Michael Jackson en préparation de la tournée qui devait se tenir à Londres. Les séquences ont été filmées au Staples Center de Los Angeles. Le film est sorti sur les écrans le 28 octobre 2009.

Mort.

Le 25 juin 2009, Michael Jackson se trouve dans sa maison d'Holmby Hills, un quartier de Bel Air à Los Angeles, lorsqu'il perd connaissance peu avant midi. Les secours paramédicaux du Los Angeles Fire Department arrivent rapidement sur place, où ils constatent que son médecin personnel est déjà en train de procéder à une réanimation cardio-pulmonaire. Transporté au Ronald Reagan UCLA Medical Center, Michael Jackson décède malgré plus d'une heure de tentatives de réanimation. Sa mort est annoncée officiellement à la presse américaine quelques minutes plus tard par son frère aîné Jermaine Jackson. Une première autopsie médico-légale est pratiquée, puis à la demande de la famille, une deuxième dans un cadre privé quelques jours plus tard, le père de l'artiste ayant des doutes sur les raisons de la mort. Au fur et à mesure de l'enquête, les accusations se portent toutes sur son médecin personnel, Conrad Murray, criblé de dettes, qui lui aurait injecté du Propofol et du sédatif lorazepam. Les médecins légistes parlent alors d'« homicide accidentel » lié aux médicaments. Selon l'institut médico-légal, ces deux médicaments seraient à l'origine de la mort du chanteur. Mais il aurait été trouvé aussi, lors de l'autopsie, les médicaments suivants : midazolam, diazepam, lidocaïne et éphédrine.

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La publication du rapport d'autopsie pratiquée au bureau du medecin légiste de Los Angeles par les docteurs Sathyavagiswaran et Rogers, que s'est procurée l'Associated Press, révéle que Michael était en bonne santé. Le rapport révéle que le King of Pop souffrait d'arthrite au bas de la colonne vertébrale et dans les mains et d'une inflammation des poumons. Ce qui est assez courant pour un quinquagénaire. Son cœur, ses reins et ses autres organes fonctionnaient normalement et il pesait un poids normal.

Funérailles.

Le 2 juillet 2009, la direction du Staples Center, à Los Angeles, annonce la tenue d'une cérémonie d'hommage, dont les 17 500 billets d'accès seront attribués par tirage au sort parmi les demandeurs. Le lendemain, 1,6 million de personnes auraient participé au tirage au sort, ce qui fait de Michael Jackson la célébrité défunte dont l'hommage a rassemblé le plus de personnes dans le monde. C'est à Ken Ehrlich, le producteur des Grammy Awards, qu'est confiée l'organisation de toute la cérémonie. AEG, propriétaire du Staples Center ainsi que des droits sur la tournée de Michael Jackson, a autorisé sa retransmission gratuite en mondovision. Lors de la cérémonie, la ville de Los Angeles était sous haute sécurité, les quartiers autour du Staples Center étaient bouclés et plus de 1 400 policiers étaient placés en renfort pour l'occasion, le tout pour un budget de sécurité estimé à plus de 4 millions de dollars pour la ville. Le 7 juillet 2009, un service funèbre privé se tient à huis-clos au Forest Lawn Memorial Hollywood Hills à côté de Burbank. Le même jour, ses funérailles publiques ont eu lieu au Staples Center de Los Angeles, en Californie. Retransmises en direct et en mondovision, elles auraient été suivies par 1 milliard de téléspectateurs. De nombreux artistes, figures politiques et les proches de Michael Jackson se sont succédé durant deux heures et demie sur la scène, lui rendant de vibrants hommages à proximité de son cercueil exposé. À l'issue de la cérémonie, la fille de Michael Jackson, Paris, est apparue pour la première fois à visage découvert. Michael ne repose pas au Forest Lawn Memorial Park Hollywood Hills mais est enterré le 3 septembre sur la terrasse du grand mausolée du Forest Lawn Memorial Park de Glendale, à quelques kilomètres.

État de santé et apparence.

Depuis le milieu des années 1980, la question de la modification physique du visage de Michael Jackson fait la une des journaux tabloïdes et suscite l'étonnement de l'opinion publique. Après des rumeurs disant qu'il se ferait blanchir la peau (ce qu'il a toujours démenti), il apparaîtrait qu'on ait diagnostiqué chez le chanteur, au milieu des années 1980 (même s'il n'en parlera qu'en 1993 dans une interview avec Oprah Winfrey), un vitiligo (dépigmentation de la peau) et un lupus (inflammations de la peau). Le rapport d'autopsie confirme le fait que Michael souffrait bien depuis plus de 20 ans de la maladie de Vitiligo.

Situation financière.

Dans les années 1980 et 1990, les revenus annuels de Michael Jackson ont été estimés à 50 millions de dollars et en 2003, la somme totale gagnée au cours de sa carrière a été évaluée à 2 milliards de dollars. Une grande partie de cette fortune repose cependant sur la part qu'il possède dans le catalogue de Sony/ATV Music Publishing qui contient plus de quatre mille chansons. En août 1985, il s'était porté acquéreur, pour 47,5 millions de dollars, de ce catalogue qui contient des chansons des Beatles, d'Elvis Presley ainsi que ses propres chansons. Après avoir revendu une partie de ce catalogue en 1995 pour 90 millions de dollars, il en possédait la moitié des parts. En 2006, ce catalogue, qui génère 80 millions de dollars par an, a été estimé à un milliard de dollars. Suite au procès de 2005 pour une accusation d'abus sexuel sur mineur, Michael Jackson aurait eu un support financier par le cheikh Abdullah Bin Hamad Bin Isa Al-Khalifa, deuxième fils du roi de Bahreïn, prenant notamment à son compte les frais de justice, soit 2,2 millions de dollars (1,8 million d'euros). Par la suite, le prince aurait avancé 7 millions de dollars, en échange de son engagement à enregistrer des disques, à écrire

20 une autobiographie et à jouer dans une comédie musicale. L'entreprise de Jackson ayant contesté cette entente, le cheikh réclamera devant la Haute Cour de Justice à Londres le remboursement de la somme. Le 23 novembre un accord à l'amiable est conclu entre les deux partis. En 2007, la fortune de Michael était estimée à 236,6 millions $ soit 168,25 millions d'euros selon une déclaration de l'Associated Press. Ses dettes, quant à elles, s'élevaient à 331 millions $. À cette époque, le ranch de Neverland était estimé à 33 millions $. Michael possédait pour 20 millions $ d'antiquités, voitures, piéces de collections et autres biens. Après avoir failli vendre aux enchères le ranch de Neverland le 19 mars 2008 pour couvrir une dette de 24,5 millions de dollars, le fonds d'investissement américain Colony Capital a levé l'hypothèque. Le ranch a finalement été vendu pour 35 millions de dollars début novembre 2008 et a pris pour nom Sycamore Valley Ranch. Malgré son immense fortune, Michael Jackson aurait emprunté près de 270 millions de dollars afin de supporter son train de vie personnel, que certains estimaient à 30 millions de dollars par an. Il aurait principalement emprunté cet argent à Sony et a utilisé comme gage les 50 % de Sony/ATV Music Publishing qu'il possédait encore. En 2009, son testament révèle plutôt une situation financière avantageuse : son patrimoine personnel était estimé à 500 millions de dollars à l'époque de sa rédaction, mais vaudrait aujourd'hui un milliard de dollars. Suite à sa mort, les deux gérants de l'empire financier de Michael Jackson ont signé en deux mois pour plus de 80 millions de dollars d'accords commerciaux et espéraient atteindre les cents millions de dollars de revenus supplémentaires d'ici la fin de l'année. Un contrat de 15 millions de dollars a été conclu avec Universal pour la commercialisation de produits dérivés et l'exploitation du ranch de Neverland est à l'étude.

En classe ?

A travers ce personnage hors du commun, nous étudierons les ambiances musicales, l’évolution musicale entrainée par cette star planétaire et tous les aléas vécus.

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Karmin.

KAR • MIN : nom, en latin qui signifie «chant» et qui fait allusion au «karma». En Avril 2011, Amy Heidemann et Nick Noonan enflamment la blogosphère quand ils affichent une reprise de Chris Brown "Look At Me Now" sur YouTube. Le clip accumule rapidement des millions de vues après avoir été tweeté par des grands noms du hip-hop comme Questlove, The Roots et les producteurs Diplo et Jermaine Dupree, chacun d'entre eux émerveillés par le spectacle étonnant d'Amy. Un critique écrit sur MTV.com, "Sans vouloir vous offenser Busta Rhymes, je pense que cette jeune fille vient de vous scolariser. "

«Les gens regardent Amy et s'attendent à ce qu'elle soit une chanteuse pop mais elle bustes sur un rap et elle tue tout simplement», dit Nick. "Je pense aussi que l'attitude est ce qui impressione les gens". «Nous espérions que les gens aimeraient notre version, mais nous ne nous attendions pas tout ça", dit Amy de l’engouement qui a suivi. En peu de temps, le duo basé à Boston (qui s’est rencontré en première année au prestigieux Berklee College of Music) a été invité à se produire avec The Roots à l'Université Tufts et apparaissent sur le Ellen DeGeneres Show et On Air with Ryan Seacrest, ce qui les conduit à leur signature ultérieure avec Epic Records.

Bien qu'ils soient déjà adoré par les fans du monde entier pour la pop, les Karmin sont prêts à montrer au monde ce qu'ils peuvent faire avec leur propre musique. Leur premier coup de semonce était un aspect de haut niveau sur Saturday Night Live en Février, au cours de laquelle ils ont présenté deux nouvelles chansons: le single «Broken Hearted» et le rap "I Told You So». « Broken Hearted » raconte l'histoire de la rencontre d’Amy et Nick.

Nick fournit des harmonies lumineuses et accompagnement au piano qualifiée, guitare, trombone et même (il est un tromboniste de jazz formé) à Amy - une puissance vocale qui glisse sans effort de chanter au rap.

« Lauryn Hill représente une énorme influence en tant qu'artiste féminine » dit Amy. « J'aime aussi Brandy, Alicia Keys, Gwen Stefani, Christina Aguilera, et Alanis Morissette, bien que son album avait un autocollant « Parental Advisory » donc je n'avais pas le droit de le posséder ».

Amy et Nick ont été élevés modestement dans les petites villes, ce qui explique probablement leur convivialité. Amy a grandi à Seward, Nebraska. Sa mère est enseignante de première année et son père vend de la fibre de verre. «Mon père jouait de la guitare et il aurait aimé être le cinquième membre des Beatles», dit Amy. Pendant ce temps, Nick, le fils d'un chiropraticien, dans le Maine, a trouvé son chemin à travers la collection de ses parents d'albums de rock classique, de Billy Joel et Elton John aux Beatles, Queen et The Doors. Quand il a été nécessaire d'apprendre un instrument en quatrième année, il a choisi le trombone parce que personne d'autre n’en faisait. Après avoir remporté plusieurs prix, Nick a également été accepté à Berklee. Il a joué avec des sommités comme Paul Simon et Herbie Hancock et sérieusement envisagé de devenir un tromboniste de jazz professionnel.

Ils se sont vite rendu compte qu’ensemble, ils arrivent à donner un sens aux reprises de différents artistes. Leur version de "Super Bass" de Nicki Minaj leur a valu une plus grande notoriété. Ils ont alors pensé que le moment était venu de reprendre "Look At Me Now". "J'ai été attirée par la vitesse du rap» dit Amy.

En classe ?

Nous apprendrons ce qu’est un groupe de cover, découvrirons à travers divers éléments médiatiques

22 une des procédure pour se faire découvrir du grand public ainsi que divers styles musicaux repris.

LMFAO.

LMFAO est un duo américain de Synthpop formé en 2006 à Los Angeles (Californie) composé de DJ Redfoo, de son vrai nom Stefan Kendal Gordy, dit Stefan Gordy, né le 3 septembre 1975, et de DJ SkyBlu, de son vrai nom Skyler Ashton Gordy, né le 23 août 1986.

Leur musique se réfère souvent à la consommation d'alcool et aux soirées en général, ils définissent alors leur style comme du « Party Rock », une musique faite pour faire la fête.

Ils sont respectivement le fils et le petit-fils de Berry Gordy (Stefan est l'oncle de Skyler).

Attention, ne pas confondre :

• Le shuffle, ou shuffle dance, ou african shuffle, est une danse d'esclaves des plantations américaines. Fusionnant avec la gigue irlandaise, elle est à l'origine des claquettes.

Comprenant que leurs esclaves arrivent à communiquer par le rythme des tambours, les maîtres leur interdisent les tambours. Les esclaves inventent alors un nouveau langage. Ils reproduisent leurs complexes rythmes ancestraux en traînant (shuffling) leurs pieds.

Dans le sud, ces danseurs sont bientôt appelés des levee dancers.

À l'occasion de compétitions, leurs danses se combinent avec celles d'immigrants d'origine irlandaise, écossaise et anglaise. C'est dans le quartier de Five Points, à New York, dans les années 1830, que le shuffle et la gigue irlandaise fusionnent pour donner naissance au buck and wing. Celui-ci évolue jusqu'à devenir dans les années 1900-1920 les claquettes modernes, dont un pas de base se nomme le shuffle.

Et :

• Le Melbourne Shuffle (ou MelbShuffle en raccourci) est une danse née à la fin des années 1980 en Australie, plus précisément sur la scène underground de Melbourne, la deuxième plus grosse ville d'Australie. Les mouvements de base dans cette danse sont une action de talon-et-orteil rapide mais quelques variantes incorporent des mouvements de bras. Au niveau du style musical, le Melbourne Shuffle a une prédilection pour les musiques électroniques les plus véloces.

Formation et débuts (2006-2007) Redfoo (Stefan Kendal Gordy) et SkyBlu (Skyler Gordy) ont tout deux grandis au quartier Pacific Palisades à Los Angeles (Californie), où ils ont formé le groupe LMFAO en 2006. Redfoo et SkyBlu sont respectivement demi-oncle et demi-neveu. Redfoo est le fils de Berry Gordy, fondateur du label Motown, et de Nancy Leiviska. SkyBlu est le petit-fils de Berry Gordy et de Thelma Coleman's par le biais de leur fils, Berry Gordy IV, et de sa femme Valerie Robeson.

Le nom du groupe provient d'une conversation Internet entre SkyBlu et sa grand-mère. À la base, le groupe devait se nommer Sexy Dudes. Leur grand-mère répliqua « LMFAO ». LMFAO est un acronyme anglais signifiant Laughing My Fucking Ass Off, qui peut se traduire en français par : Rire à se taper le cul par terre. Début de la célébrité et Party Rock (2008-2009)

Party Rock est le premier album studio du duo d'electro hop américain LMFAO, sorti le 7 juillet 2009 par Interscope Records. L'album a des caractéristiques électroniques de premier plan avec des influences de hip-hop, de synthpop des années 80 et de dance. La version EP est sortie le 1er juillet octobre 2008 sur iTunes. L'album a été

23 nominé à la 52e cérémonie des Grammy Awards. Il a été mixé au KMA Musique à Manhattan. La chanson Get Crazy est utilisée comme chanson thème pour Bienvenue à Jersey Shore sur MTV et dans le jeu Tap Tap Revenge.

Le premier single de l'album est I'm in Miami Bitch (I'm in Miami Trick dans sa clean version), qui a culminé au rang 51 sur le Billboard Hot 100. Le deuxième single est La La La, qui a atteint la 55ème place sur le Billboard Hot 100. Le troisième single fut Shots, en compagnie de Lil' Jon, qui atteint la 68ème place sur le Hot 100. Le quatrième et dernier single extrait de l'album est Yes. Triomphe mondial et Sorry For Party Rocking (2010-2011) En 2010, ils participent au titre de David Guetta, Gettin' Over You, qui devient un hit planétaire, finissant dans le top 10 de onze pays et numéro 1 dans trois d'entre eux, notamment en Grande-Bretagne.

Le duo enregistre alors son second album, Sorry for Party Rocking et le sortent le 17 juin 2011, aux États- Unis. Le premier single, Party Rock Anthem, est réalisé avec la chanteuse britannique Lauren Bennett et produit par GoonRock. La chanson est aujourd'hui celle qui a connu le plus de réussite auprès du public, finissant numéro 1 aux États-Unis, au Canada, en Grande-Bretagne, et dans une dizaine de pays.

Le second extrait de Sorry for Party Rocking sort le 27 mai 2011, Champagne Showers, avec la chanteuse britannique Natalia Kills.

Le troisième, Sexy and I Know It, sort le 3 octobre 2011. Malgré des débuts difficiles, le single se place à la première place en Australie et au Canada.

Par ailleurs, le groupe LMFAO se concentre sur sa ligne de vêtement Party Rock. Clips Vidéo

Au fil des clips vidéo, Redfoo et Skyblu ont pris certaines habitudes.

• Hi Mom

Depuis leur premier clip I'm in Miami Bitch, un homme portant un tee-shirt « Hi Mom! » apparait systématiquement.

▪ I'm in Miami Trick (1:29) : il apparait entre quatre filles s'embrassant ▪ La la la (3:51) : Dansant entre deux filles ▪ Shots (3:26) : Jaillissant de la piscine ▪ Yes (9:55) : Faisant un coucou derrière les commentateurs ▪ Party Rock Anthem (2:22) : La victime n'ayant pu éviter les Party Rock Zombies ▪ Champagne Showers (6:26) : Au milieu du cercle de danse ▪ Sexy and I Know It (1:20) : Sur la plage, il est le seul à rester sur le dos

• La tête de robot

▪ Dans le clip de La la la, Skyblu apparait avec une grande tête en carton représentant un robot. ▪ Cette tête deviendra un personnage à part entière à partir du clip de Yes où il est porté par le coach de l'équipe de curling de Skyblu et Redfoo. ▪ Party Rock Anthem : Elle est portée par un Party Rock Zombie. ▪ Champagne Showers : Portée par un compagnon de Skyblue et Redfoo, poursuivis par les vampires. ▪ Sexy and I Know It : Portée par un membre du gang de Redfoo.

• Jésus

▪ Party Rock Anthem : Il apparait à la toute fin ou on le voit danser. ▪ Champagne Showers : Il porte le «Holy Champagne» aux membre de LMFAO qui luttent contre les vampires. ▪ Sexy and I Know It : Plus discret, on peut le voir observer la scène de loin lors du premier refrain. On l’aperçois entre les jambe de Redfoo.

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En classe : nous découvrirons la musique électronique, ses possibilités, ses mélanges ! R’ n B’.

Introduction.

Le R’n’B ou Rythm and Blues est à la base un style qui combine des influences du gospel et de blues. Ce terme fut introduit en 1949 par Jerry Wexler, journaliste pour le magasine Billboard, en remplacement de l’expression « Race Music » (musique raciale) utilisée par les commentateurs blancs et jugée trop insultante. Il ne décrit pas un genre musical bien précis mais tout type de musique contemporaine populaire parmi la population afro-américaine.

Naissance.

A ses débuts, le R’n’B est une forme de blues rythmé joué par des musiciens noirs. Né à la fin de la Seconde Guerre Mondiale, ce style est fortement influencé par les orchestres de jazz noirs de l’ère du swing, du boogie-woogie, du blues et bien sûr du gospel. Le saxophone est alors l’instrument roi de ce genre, mais ce style est aussi marqué par les chanteurs à la voix puissante : les « Blues Shouters ». Egalement appelé jump music, le R’n’B préfigure le Rock’n’Roll.

R’n’B, Rock’n’Roll and James Brown.

A la fin des années 50, le terme désigne les musiciens de Rock’n’Roll noirs (qualifié aussi de black rock) et les groupes de doo-wop.

Fin des années 60, le terme R’n’B se passe de mode pour être remplacé par son successeur, le R&B représenté par la musique soul, le funk, entre autre interprétés par le célébrissime James Brown.

Autres influences.

Le R’n’B aura aussi une influence décisive pour la création d’un style jazzy appelé le ska. Toujours utilisé aux Etats-Unis, le terme Rhythm and Blues ne réapparaîtra aux Etats-Unis que dans les années 80 sous le nom de New Jack et en France que dans les années 90, cette fois en désignant la musique populaire noire américaine très largement influencée par le hip-hop.

R&B renaissance.

Le R&B fait un retour fracassant grâce au hip hop : beaucoup de rappeurs demandent à des chanteuses de venir interpréter leurs refrains. C’est ainsi que petit à petit, le R&B se détacha du hip hop et trouva sa propre voie.

En classe : nous resituerons le R’n’B dans un cadre historique ; étudierons la condition du peuple noir aux Etats-Unis ; découvrirons la vie d’artistes extraordinaires (Ray Charles, Louis Armstrong, etc.).

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The Beat box.

Définition.

Le beatbox ou multivocalisme consiste en l'imitation vocale d'une boîte à rythmes, de scratchs,… Il est souvent considéré comme le 5e élément du Hip-Hop (après le DJing, MCing, Graphing et Breakdancing). Il est synonyme de percussion vocale puisqu'il consiste à marquer le rythme, imiter des instruments, les scratchs vocaux ou encore des mélodies. La subtilité de cette musique repose sur le fait de superpositionner différents instruments simultanément à partir d'une seule bouche.

Origines.

L’imitation vocale des percussions existe depuis longtemps. Une de ces traditions est née en Inde il y a 700 ans : c’est la tradition des bols. Une « variante » de cette technique est le konnakol, à la fois une méthode mnémotechnique utilisé par les percussionnistes d’Inde du Sud pour mémoriser des rythmes complexes et une tradition de « percussions vocales ». Cette technique ancestrale est aujourd’hui reprise par des artistes de jazz fusion ou de world music comme John McLaughlin, Daniel Goyone, Trilok Gurtu, Zakir Hussain…

Une autre de ces traditions est celle du Kouji chinois.

Apparitions.

Les premières apparitions d’un équivalent au XXe siècle se trouvent dans le jazz. On en trouve en effet des prémices dans le scat, improvisation vocale faite uniquement à partir d’onomatopées. Le scat reste cependant essentiellement mélodique et n’est que rarement utilisé à des fins uniquement rythmiques et/ou d’imitation de percussions.

Plus proche de la pure « human beatbox », on peut citer le travail « précurseur » de Don Elliott qui, dès les années 1950, s’est souvent illustré en faisant des « percussions vocales ».

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Michael Jackson est celui qui a donné à la human beatbox ses lettres de noblesses, étant capable de réaliser des contrepoints rythmiques complexes tout en chantant une ligne de basse ou des éléments mélodiques. S’il a souvent réalisé ces impressionnantes prestations en studio, pour les démos de ses propres chansons2, ou lors d’interviews3, ses propres beatbox font souvent partie intégrante de ses chansons dans leurs versions définitives.

Hip Hop.

Au début des années 1970, dans le Bronx, apparaît le mouvement artistique, culturel et social du Hip-hop. Musicalement, il correspond au MCing et au DJing qui, ensemble, forme le Rap. Le human beatbox apparaît quelques années plus tard dans un ghetto de New York. L’importance du rythme dans le rap qui est beaucoup plus présent que dans les styles le précédant, notamment parce qu’il est dès l’origine constitué exclusivement de breaks, passages fortement rythmés, et où la batterie est généralement mise en avant, ce qui amène les premiers beatboxeurs à cette nouvelle pratique. Avec cette nouvelle musique au rythme programmé qui est l’élément principal après le sampling et les scratchs, apparaît une technique particulière d’imitation du son du grosse caisse et de la caisse claire à l’aide des lèvres : La technique du beatbox telle qu’on la connaît est alors née.

Il trouvera son utilité pour les MCs qui pourront poser leurs phases n’importe où et n’importe quand, pouvant écrire avec toujours un rythme en tête sans forcément avoir les moyens financiers de posséder une véritable boîte à rythmes.

Expansion.

Au début des années 1980, le human beatbox devient reconnu aux États-Unis grâce à the Fat Boys.

Les figures emblématiques sont alors Doug E. Fresh et Biz Markie.

Le jazzman multi-récompensé Bobby McFerrin s’inspirera de son expansion dans le style du Hip-hop autant que dans ses racines jazz et soul pour, à partir de 1984 et son album The Voice, sortir une majorité d’albums interprétés uniquement à la voix où le human beatbox a une place prépondérante.

Le human beatbox se développe alors aussi en Europe, représenté par les Fabulous Trobadors en France.

Dans le même esprit que les battles de rap apparaissent les battles de beatbox à un contre un où le vainqueur est désigné par l’enthousiasme du public.

Vidéos : World Championship Beat Box, Male and female.

Pendant les années 1990, avec l’apparition de nouvelles musiques électroniques telles que la techno, la drum'n'bass et autres, les enfants commencent le beatbox très jeune sans connaître sa réelle existence. La rencontre entre ce qu’ils savent déjà faire et la véritable technique du beatbox donnera les meilleurs beatboxers d’aujourd’hui. À ce moment, le beatbox est un phénomène nouveau qui s’étend dans l’underground du monde entier. Ce sont les débuts des têtes d’affiche d’aujourd’hui telles que Rahzel the Godfather Of Noise, avec le groupe de rap alternatif The Roots. C’est le beatboxeur le plus connu au monde à l’heure actuelle.

Les talents de producteurs du beatboxer Killa Kela vont populariser cet art au Royaume-Uni dans sa musique faite de programmations rythmiques buccales. En France, ce sont les Saïan Supa Crew qui amèneront concrètement le human beatbox à la vue du grand public en combinant scratchs vocaux, reprise en beatbox du tube Ring My Bell et le tube international Angela sur le même album, KLR.

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Évolution.

Simple boîte à rythme à l’origine, au milieu des années 1980, le human beatbox est devenu l’art du DJing buccal, en ajoutant aux rythmes des imitations de scratchs en tout genre et même des samples repris à la bouche. Dans les années 1990, la tendance est à l’éclectisme et à l’imitation des chansons déjà existantes, certaines sont d’ailleurs très impressionnantes de ressemblance avec leur originale. À la fin des années 1990, le beatbox a évolué à tel point que leurs adeptes arrivent à produire parfois plusieurs sons à la fois. Rahzel commence par chanter If Your Mother Only Knew, sa version de la chanson de Aaliyah « If Your Girl Only Knew », d’autres essaient de beatboxer et rapper simultanément, le tout avec une seule bouche.

Dans les années 2000 apparaissent les premiers championnats officiels dont le premier championnat du monde en 2005 et dont Joel Turner (Australie) est ressorti vainqueur.

Le premier championnat de France a eu lieu en octobre 2006 avec pour vainqueur L.O.S en solo et PHM (Marseille) en équipe. En 2007 c’est le vice-champion 2006, Micspawn qui remportera la victoire, et en équipe ce sont les tenants du titre qui remporteront une nouvelle fois la place de numéro 1 français en équipe.

Parallèlement à la technique des beatboxeurs d’aujourd’hui se développe la recherche musicale. Les beatboxeurs utilisent maintenant leur talent pour créer leur propre musique grâce à des enregistrements studios, des pédales de boucle (qui permettent de superposer une infinité de sons les uns sur les autres) ou encore des groupes composés de beatboxeurs. Les adeptes de ces nouvelles techniques, comme l’ont montré Bauchklang et Beardyman sont, en France : Sly Johnson, Eklips, Ezra, Oslim, Bionic Breath Makers, Tez, David X, etc.

Le beatbox est utilisé également par des artistes qui ne font pas de hip-hop tels que Simeo, Anaïs, Ka Jazz, CocoRosie, Spleen, Camille, Barbatuques, Imogen Heap ou Nosfell.

En France.

En France, le beatbox a été introduit entre autres par Sheek (membre des « Nec + Ultra ») Salim ou FAT vers 1986, par Ange B. des Fabulous Trobadors, par les le groupe Human Box vers la fin des années 1990 avec leur single « Funky Time » produit par Thierry Ardisson, puis par les Saïan Supa Crew au milieu des années 90.

La Chanteuse Camille a aussi popularisé la discipline aux côtés de Sly « The Mic Buddah » Johnson, ex membre du Saïan Supa et Ezra.

Le Beatbox est aujourd’hui en France plus qu’ailleurs, très varié, et est, en 2010 en plein essor, et les médias font preuve d’un engouement de plus en plus grand pour cet art encore très méconnu, du grand public, quoi qu’apprécié et même sollicité parfois par celui-ci. Ainsi, depuis 2007, on peut assister tous les ans au Humanbeatbox Festival à Dijon, qui est le 1er festival en France à consacrer sa programmation entièrement autour du Humanbeatbox et de ses dérivés, artistiques, musicaux ou ludiques.

En classe : nous découvrirons le beatbox sous toutes ses formes ; ferons un tour en Inde et en Chine afin de découvrir quelques styles musicaux…spéciaux… ; nous approcherons également d’autres formes de percussions.

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Mika

Michael Holbrook Penniman, Jr., dit Mika, né le 18 août 1983 à Beyrouth, Liban, est un chanteur, auteur- compositeur de pop américano-libanais. Son premier album Life in Cartoon Motion est certifié disque de diamant en France avec plus de 1 200 000 exemplaires écoulés et est, dans l'hexagone, l'album le plus vendu en 2007. Dans le monde, il s'en est vendu à plus de 19 millions d’exemplaire. Son second album, The Boy Who Knew Too Much, s'est vendu à près de 400 000 exemplaires en France et 1 000 000 d'exemplaires dans le monde. C'est cet album qui lui a permis de recevoir le triple disque de platine lors de son concert à Bercy. Le 17 septembre 2012, il fait son retour avec un troisième album intitlé The Origin of Love. Début octobre 2012, l'album est certifié Disque de Platine en France, soit plus de 100 000 exemplaires vendus.

Les premières années

Né à Beyrouth le 18 août 1983 d'une mère libanaise et d'un père américain, Michael a un an lorsque sa famille quitte le Liban pour Paris, où il vivra huit ans avant de partir pour Londres. Lorsque Mika atteint l'âge de huit ans, son père est retenu à l'ambassade des États-Unis au Koweït pour des raisons de sécurité, pendant sept mois, au tout début de la Guerre du Golfe. Quand il déménage à Londres après huit ans passés en France, il passe d'un petit établissement scolaire à une énorme institution. C'est alors que Mika s'enferme dans le silence, qu'il brise en jouant du piano. C'est après avoir écouté Heart- Shaped Box de Nirvana qu'il écrit sa première musique, qu'il décrit comme une pièce instrumentale, appelée Colère. Il se découvre alors une passion pour l'opéra et une capacité vocale hors-normes. Mika étudie par la suite au lycée français Charles-de-Gaulle, où il est victime de harcèlement scolaire. Il a également à l'époque des problèmes de dyslexie. Il rencontre beaucoup de difficultés à 11 ans et est déscolarisé sur décision de sa mère pendant une période de 6 à 8 mois. Plus tard, il ira à la Westminster School, puis à la St Philips School de Kensington. À 19 ans, il obtient une place à la London School of Economics qu'il choisit de ne jamais fréquenter. Il parvient alors à intégrer le Royal College of Music, qu'il quitte pour une carrière solo.

Il adresse alors des bandes de démonstration à plusieurs maisons de disques. On lui répond qu'il a du talent mais qu'il est trop différent. L'une d'elles lui demande de chanter à la manière de Robbie Williams ou Craig David ; Mika refuse et écrit contre cette société une chanson - dont la rythmique est une citation du Mariage de Figaro. Il déclarera : « Vous voulez que je sois Craig David, je vais être Grace Kelly au lieu de ça et on verra toujours si vous voulez me faire un contrat ». Et d'ajouter : « Ils ont lu les paroles et quand ils sont arrivés à la ligne qui dit “Est-ce que je dois paraître plus vieux, est-ce que je dois me mettre à genoux juste pour être sur votre étagère ?”, ils ont décidé de ne pas me rappeler. Pour Mika, ses influences semblent ailleurs comme il le dit : « J'ai grandi en écoutant beaucoup de choses, de Joan Baez à Dylan, de Serge Gainsbourg à de la musique flamenco. Avec l'âge, mes goûts sont devenus plus éclectiques mais je retourne toujours aux auteurs géniaux comme Prince, Queen, Elton John ou Michael Jackson. ».

La révélation internationale (2007-2008)

Les débuts professionnels de « Mika » dans la musique furent éclectiques. Il participa à des concerts de musique classique au Royal Opera House de Londres, écrivit des musiques d'ambiance pour les vols de British Airways ou encore composa la musique d'une publicité pour des chewing-gums. Ses premiers passages à la radio datent de septembre 2006 et de janvier 2007. Alors qu'on dit de sa tessiture qu'elle couvre 4 octaves, il affirme qu'elle est en réalité plus proche de 3 octaves et demie. Après avoir signé avec le label Casablanca Records, Mika enregistre un premier single Relax, Take It Easy, une version de 7 minutes, disponible uniquement en téléchargement, sortie en Angleterre en 2006. Le

29 magasin de musique iTunes Store a mis gratuitement à disposition, pendant une semaine, le titre Billy Brown, qui paraîtra par la suite sur son album. La sortie de l'album est précédée, en janvier 2007, d'un second single Grace Kelly, disponible uniquement en téléchargement et distribué par Universal Music. Grace Kelly fut le premier succès de Mika et occupa la première place des charts en Angleterre. Cet album a pour thème principal la transition de l'adolescence à l'âge adulte. Cet album traite également de sujets « difficiles » : l'homosexualité (dans Billy Brown, le protagoniste principal a une aventure avec un homosexuel), les discriminations sur les personnes fortes (dans Big Girl (You Are Beautiful), notamment, musique inspirée par un bar américain, le Butterfly Lounge, bar étant réservé aux « gros »)... Durant l'année 2007, l'album s'imposa un peu partout en Europe. Il devint notamment numéro un en Angleterre, en France, en Belgique et en Suisse. Il fut soutenu par plusieurs singles dont la ré-édition de Relax, Take it Easy, Love Today et Big Girl (You Are Beautiful). Il termina en tête des ventes annuelles d'album en France en 2007 et est certifié disque de diamant. En juin 2007, Mika entame sa tournée aux États-Unis et au Canada, accompagné de Sara Bareilles et de Natalia. En septembre 2007, Mika entame sa tournée européenne, le Dodgy Holiday Tours. Le 4 juillet 2008, Mika a donné un concert unique au Parc des Princes de Paris devant plus de 55 000 fans. Un décor, une mise en scène et une réorchestration de certains titres ont été imaginés pour ce concert. Mika y a d'ailleurs interprété le tube planétaire Grace Kelly en français.

La confirmation avec le second album (2009)

Son deuxième opus, intitulé The Boy Who Knew Too Much, sortit le 18 septembre 2009. Le premier extrait de cet album s'appelle We Are Golden. Le deuxième single est Rain. Le troisième single est Blame It on the Girls. La tournée s'appellera l' Imaginarium Tour, et le spectacle est appelé 1955. La tournée commence fin 2009 et termine fin 2010 Mika a enregistré une chanson pour la BO du film Kick-Ass (sorti le 16 avril 2010 au cinéma en France) du même nom qui lui servira de single.

Le troisième opus (2012)

Mika a sorti son troisième album le 17 septembre 2012 intitulé The Origin of Love. L'album contient quatre titres en français (Elle me dit, Karen, L'amour dans le mauvais temps et Un Soleil Mal Luné) ainsi que les titres Underwater, Origin Of Love, Make You Happy, Lola, Step With Me, Stardust, Kids, Love you when I'm drunk, Overrated, Popular Song, Emily, Heroes et Celebrate. Le premier single est Elle me dit.

Récompenses obtenues

En 2007, Mika a gagné trois récompenses à la cérémonie des World Music Awards, c'est-à-dire le nombre de récompenses maximum gagnées par n'importe quel artiste ; en outre, il est le premier artiste à avoir gagné trois World Music Awards en une année seulement. En 2008, Mika a reçu le trophée de la révélation internationale de l'année aux NRJ Music Awards, et celui de la révélation britannique aux Brit Awards. En 2010, Mika est nommé aux NRJ Music Awards dans la catégorie Artiste masculin international de l'année. Lors du Midem 2010, le 25 janvier, il est décoré de l'ordre Chevalier des Arts et des Lettres par le ministre de la Culture Frédéric Mitterrand. En 2012, Mika reçoit le trophée des NRJ Music Awards dans la catégorie Artiste Masculin international de l'année en concurrence avec Pitbull, Sean Paul et Enrique Iglesias grâce à son titre Elle me dit. Il sera nommé dans la catégorie Chanson Originale de l'année lors des Victoires de la musique le 3 mars 2012.

Problème de patronyme

Le nom de scène Mika est, en Belgique, déjà utilisé par la chanteuse de reggae Sophie Michalakoudis depuis 1984. Ce nom est par ailleurs déposé à la Sabam, la société belge gérant les droits d'auteurs, depuis 1986. Ce nom a également été déposé par cette même chanteuse à l'office des marques et

30 brevets de La Haye depuis plusieurs années. Rapidement accusée de vouloir tirer un profit financier de la célébrité de son homonyme masculin, Sophie Michalakoudis n'a jamais réclamé de dommages et indemnités. Craignant cependant un préjudice grave pour sa carrière, elle a intenté une action en cassation « pour l’organisation du concert d’un artiste utilisant un nom sur lequel il ne possède pas l'antériorité » auprès de la salle de concert où doit se produire l'autre Mika. Après l'échec de l'action qu'elle avait intentée devant le tribunal de commerce, les défendeurs lui réclament 30 000 euros pour procédure.

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Black Eyed Peas

The Black Eyed Peas est un groupe d' Electro américain, composé de will.i.am, apl.de.ap, Fergie et Taboo, et influencé par des rythmes electro, dance, house, R'n'B contemporain, soul, funk, latino et jazz. En 2010, le groupe a vendu 35 millions d'albums dans le monde et 21 millions de singles, ce qui représente 56 millions de ventes en volume, auxquelles s'ajoutent des records de ventes numériques mondiales d'albums et de singles commerciaux.

Formation et débuts du groupe.

En 1989, les rappeurs will.i.am et apl.de.ap se rencontrent au sein du groupe de breakdance Tribal Nation. Ils décident de fonder ensemble un groupe de hip-hop nommé Atban Klann. « Atban » est l'acronyme de « A Tribe Beyond a Nation ». Ils enregistrent en 1992 sous le label Ruthless Records d'Eazy-E. Cependant, le disque n'est pas commercialisé.

Après la mort d'Eazy-E en 1995 et quelques spectacles aux environs de Los Angeles, Will.I.Am et apl.de.ap décident de recruter un nouveau MC, DJ et danseur : Jaime Luis Gómez, qui prend le pseudonyme de Taboo. Le groupe devient alors Black Eyed Peas1. Mais cette création n'aurait pas abouti sans la très large aide du milliardaire Giuseppe Mezei. Avec la collaboration de la chanteuse Kim Hill, ils sortent en 1998 un album nommé Behind the Front, qui est accueilli favorablement par les critiques hip-hop mais qui ne touchera pas le grand public. Pour le magazine Tsugi, le travail du groupe à cette époque associe « énergie et classe, produisant alors un hip hop savoureux à la croisé entre A Tribe Called Quest et The Pharcyde, bien loin de la pauvreté des vocoders qui ont fait leur renommée actuelle ». Ils reviennent ensuite avec un second album en 2000, Bridging the Gap.

Le vocoder ou vocodeur est un dispositif électronique de traitement du signal sonore. Son nom, contraction de voice coder (« codeur de voix » en anglais), a été francisé en « vocodeur ». Il analyse les principales composantes spectrales de la voix (ou d'un autre son) et fabrique un son synthétique à partir du résultat de cette analyse.

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Albums.

Elephunk (2001-2004). En 2003 l'album Elephunk avec la chanteuse Stacy Ann Ferguson, ancienne chanteuse du groupe Wild Orchid et animatrice d'émission pour enfants, surnommée Fergie, fait son entrée dans le groupe. Il est à noter qu'au départ le groupe avait l'intention d'engager Nicole Scherzinger comme chanteuse, mais puisqu'elle faisait déjà partie du groupe Eden's Crush, ils ont pris Fergie à la place. Cet album, enregistré en 2001, qui se vendra à plus de six millions d'exemplaires, est un succès, notamment grâce à la collaboration de nombreux artistes connus comme Justin Timberlake, Travis Barker (le batteur du groupe de punk-rock Blink 182), les Transplants, Jack Johnson et Jacoby Shaddix (le chanteur du groupe rock Papa Roach).

Monkey Business (2005-2007). Les Black Eyed Peas en 2006 pour la promotion de l'album MONKEYS BUSSINESS. Le 7 juin 2005, le groupe sort son quatrième album, Monkey Business ; plusieurs artistes reconnus y participent, notamment Sting et James Brown. Plus de dix millions de copies de cet album se sont écoulées.

Par la suite, le groupe se sépare provisoirement pour que chaque membre puisse se consacrer à une carrière solo.

The E.N.D. (2009).

Le 21 avril 2009, David Guetta annonce sur Fun Radio qu'il a produit deux des morceaux de l'album des Black Eyed Peas, I Gotta Feeling et Rock That Body. Le premier extrait de The E.N.D. (The Energy Never Dies), Boom Boom Pow sort en mars 2009 et arrive en tête des classements mondiaux, y compris le Billboard Hot 100 (restant au sommet douze semaines consécutives). Le second extrait Imma Be est diffusé sur Internet le 18 mai 2009. Par la suite, le groupe lance un nouvel extrait I Gotta Feeling, qui deviendra le plus gros hit de leur carrière, et un tube planétaire. En octobre apparaît sur les chaînes de musique un nouveau clip, Meet Me Halfway. Celui-ci eut un tel succès qu'une radio dans le monde le diffusait en moyenne toutes les 10 secondes. En février 2010, sort le clip Imma Be Rocking That Body, un court métrage de 8 minutes dont la musique est la « fusion » de deux titres de l'album : Imma Be et Rock That Body. Est également publié la même année le clip de la chanson Missing You, qui est en fait un extrait d'un de leurs concerts filmé à Los Angeles lors de la tournée The E.N.D Tour. En 2009, The E.N.D s'est écoulé à 4,6 millions d'exemplaires dans le monde, ce qui en fait le troisième album le plus vendu de cette année. Depuis sa sortie, The E.N.D s'est écoulé à plus de 11 millions d'exemplaires dans le monde. En 2009, ils réalisent un flashmob dans l’émission de Oprah Winfrey à Chicago. Ils réussissent à faire le plus grand flashmob du monde avec plus de 20000 personnes dansant sur leur célèbre chanson I Gotta Feeling.

The Beginning (2010).

The Beginning est leur 6e album studio, les producteurs exécutifs sont Jeremy Lasry & Teddy Journo. Alors que leur cinquième album The E.N.D. sorti le 8 juin 2009 continue son exploitation, Will.I.Am a annoncé le 30 juillet après une performance télévisée le nouvel album du groupe, The Beginning, précisant qu'« Il symbolise l’évolution, les nouveaux départs » du groupe. Les BEP ont tourné un vidéoclip en 3D pour le premier extrait de l'album, intitulé The Time (Dirty Bit) et échantillonne le célèbre (I've Had) The Time of My Life du film Dirty Dancing. Le second single extrait de l'album, Just Can't Get Enough, est sorti le 18 février 2011. Le clip, dévoilé sur Internet le 16 mars 2011, a été tourné au Japon, une semaine avant le séisme et le tsunami qui a touché le pays. Il y a d'ailleurs un message au début et à la fin de ce clip. Au début du mois de mai 2011, le troisième single du groupe est annoncé comme étant Don't Stop the Party. La chanson au rythme de danse inclue une vidéo qui montre le groupe lors de leur dernière tournée, avec plusieurs moments dans différents pays de différents concerts.

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Dès juillet 2011, le groupe a décidé de faire une pause. Ils poursuivront tout de même la promotion de leur album avec un dernier single et c'est le titre Whenever qui a été choisi.

Le 22 janvier 2011, les Black Eyed Peas participent à la première séquence holographique de la télévision française durant les NRJ Music Awards 2011 ; deux des membres du groupe sont présents physiquement en direct sur scène pendant que les deux autres sont représentés virtuellement par hologramme, donnant l'impression qu'ils sont tous quatre présents.

En classe : nous découvrirons l’évolution de ce groupe hors du commun ; ses répercussions ainsi que leurs influences et collaborations parfois hors du commun !

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Queen.

En 1968, à Londres, Brian MAY (guitariste) et Tim STAFFELL (chanteur et bassiste) décident de monter un nouveau groupe Ils passent une annonce dans leur école pour trouver un batteur. C'est alors qu'ils firent la connaissance de Roger TAYLOR. Leur groupe aura pour nom SMILE et acquiert une bonne réputation dans le milieu universitaire de Londres. Leur travail d'écriture est remarquable.

Dans son école d'art, Tim STAFFELL rencontre Freddie BULSARA, qui comme lui est fan de musique et particulièrement de Jimi HENDRIX. Freddie BULSARA est chanteur du groupe IBEX et fréquente assidument les membres de SMILE.

Nous sommes en 1970 et les membres du groupe n'ont pas un rond en poche. Tim STAFFELL, lassé par les échecs, décide alors d'abandonner. Freddie BULSARA (qui tient aussi une boutique de vêtements avec Roger TAYLOR) ne connait pas plus de succès de son côté en tant que chanteur dans les formations IBEX, puis SOUR MILK SEA, puis WRECKAGE. C'est alors que Freddie, Brian et Roger décidèrent de monter leur propre groupe.

Celui-ci portera le nom de QUEEN. Au passage, Freddie change de nom et deviendra Freddie MERCURY, nom plus approprié pour une rock star. C'est au début de l'année 1971 que les trois membres fondateurs trouvèrent John DEACON, le bassiste idéal pour leurs projets. QUEEN est au complet et peut travailler sérieusement sur ses compos. Leur style de musique est alors indéscriptible et est aussi bien influençé par la pop des sixties, le rock 'n' roll, le glam-rock et le heavy metal qui en est à ses débuts. Quant à leur mode vestimentaire, elle assez glamour, voire féminine et provoquante. Cette idée vient de Freddie, qui de son sens artistique developpé, veut susciter des réactions de la part du public. Les membres du groupe signent en 1972 avec la maison de disque Trident et donnent quelques concerts. Puis ils entrèrent en studio.

Fin 1972, le travail en studio porte ses fruits et le premier album est terminé. Il ne sera édite que plus tard, en 1973, en raison de nombreuses confusions avec leur maison de disques. Le premier single de QUEEN, KEEP YOURSELF ALIVE voit le jour en juillet 1973 et n'obtient pas des scores élevés dans les charts britanniques. Une semaine après, sort enfin le premier album du groupe, simplement intitulé QUEEN. On ne peut pas parler de succès commercial, mais ce premier album jette les prémices de ce qu'allait devenir plus tard le son QUEEN. Le groupe assure ensuite la promotion du disque en Grande-Bretagne (avec un autre passage à la BBC), tout comme à l'étranger, puis ensuite partit en tournée, effectuant la première partie de MOTT THE HOOPLE. De cette tournée, le groupe en sortira grandi et conquit de nombreux fans.

QUEEN II, deuxième opus de QUEEN voit le jour en 1974, connaissant cependant un succès déjà plus important par rapport à l'album précédant. Les titres qu'il renferme, entre autres SEVEN SEAS OF RHYE, OGRE BATTLE et WHITE QUEEN, sont d'une qualité remarquable. Le groupe part en tournée, mais cette fois-ci en tête d'affiche en Angleterre et toujours en première partie de MOTT THE HOOPLE aux Etats- Unis.

L’album suivant, SHEER HEART ATTACK, sera véritablement le premier grand succès du groupe. Celui-ci est en partie du au merveilleux titre KILLER QUEEN premier succès notable de QUEEN. Suivit ensuite une tournée européenne retentissante, puis le groupe entame sa première tournée américaine en tête d'affiche, malheureusement écourtée à cause de problèmes de voix pour Freddie.

Après des mois de travail acharné, QUEEN sort A NIGHT AT THE OPERA en 1975. Cet album aura un succès immense. La raison principale de ce succès réside en BOHEMIAN RHAPSODY l'un des plus grands chef d'œuvres de l'histoire du rock, qui révéla le génial talent de compositeur de Freddie MERCURY. Ce titre mélange à lui seul une formidable ballade, du rock dur, de l'opéra (les fameux "gallileo"), de superbes solos de guitares et de splendides parties vocales. Ce morceau colossal eut un impact gigantesque et explique à lui seul le fait que QUEEN est devenu un groupe culte. De plus, l'histoire retiendra que cette chanson

35 d'anthologie représente le premier vidéoclip conçu dans le monde du rock. Ce disque est à juste titre considéré par bon nombre de fans comme le meilleur album qu'ait fait QUEEN. Le groupe part en tournée en Angleterre, puis dans le reste du monde. Le 18 septembre 1976 restera aussi une grande date pour QUEEN, qui donna un concert gratuit dans Hyde Park (comme auparavant les PINK FLOYD et les ROLLING STONES) devant 150000 fans conquis.

A la fin de cette même année 1976 sortit l'album A DAY AT THE RACES. Les titres qui le renferme ont été conçus à la même époque que A NIGHT AT THE OPERA, expliquant ainsi le fait qu'il ressemble beaucoup à son prédécesseur. Pour cette raison, les critiques considéraient à tort ce disque comme du réchauffé. Cela ne l'empêche pas d'être d'une qualité irréprochable, grâce notamment aux excellents titres que sont SOMEBODY TO LOVE, TIE YOUR MOTHER DOWN et GOOD OLD FASHIONED LOVER BOY. Le groupe repart en tournée et rencontre également un grand succès auprès de ses fans, grâce à un Freddie MERCURY surgonflé qui déclare prendre du plaisir à divertir les gens et jouer la bête de scène. 1977 restera aussi une grande année pour le groupe, qui sort en ce temps là un album assez percutant intitulé NEWS OF THE WORLD. Celui-ci est réputé pour ses deux grands hymnes du rock : WE WILL ROCK YOU et WE ARE THE CHAMPIONS.

L'album suivant, JAZZ est édité en 1978. A sa sortie, cet album a eu moins d'impact sur ses fans, mais reste globalement d'une très grande qualité. Les titres phares comme BICYCLE RACE (où 65 mannequins nues roulant en vélo ont été conviées pour le tournage du clip et la couverture du single), FAT BOTTOMED GIRLS, DON'T STOP ME NOW et JEASLOUSY sont plutôt réussis et eurent le droit à une sortie en single.

En 1980 sort THE GAME, un autre grand album du groupe. Le succès est assuré grâce au rockabilly dansant de CRAZY LITTLE THING CALLED LOVE, que Freddie composa dans son bain. Mais aussi grâce aux airs de funk, de soul et de disco d'ANOTHER ONE BITES THE DUST, dans des styles que le groupe n'avait jamais expérimenté et qui leur valut un grand succès auprès du public noir-américain (chose inédite jusqu'alors pour un groupe de blancs!).

Puis le groupe retourne en studio à Montreux, en Suisse. Un jour, David BOWIE leur rendit visite et il en resulte le fabuleux duo MERCURY / BOWIE sur le titre UNDER PRESSURE.

Après toutes ces années passées à jouer partout dans le monde, les membres du groupe annoncent que l'année 1983 sera sabbatique pour QUEEN et démentirent au passage les rumeurs concernant une éventuelle séparation. 1984 marque le retour attendu de QUEEN avec la parution de l'album THE WORKS. Les fans sont satisfaits du retour aux sources avec une pointe de modernité très années 80 opéré sur cet album. Les titres qui firent un tabac sont RADIO GA GA, I WANT TO BREAK FREE, dont le clip montrant les membres du groupe en travestis fut l'effet d'un humour british mal apprécié à l’étranger, mais aussi HAMMER TO FALL et IT'S A HARD LIFE.

1986 restera sans doute la grande année de QUEEN avec la sortie de A KIND OF MAGIC. Cet album comprend des titres qui sont pour la plupart inclus dans le film HIGHLANDER. Entre autres, les magnifiques PRINCES OF THE UNIVERSE (où Christophe LAMBERT, la vedette du film apparaît dans le clip), ONE YEAR OF LOVE et l'émouvante ballade WHO WANTS TO LIVE FOREVER (de surcroît l'une des plus belles oeuvres de Brian MAY). Les autres grands titres de l'album sont A KIND OF MAGIC, ONE VISION et FRIENDS WILL BE FRIENDS.

L'année suivante sera celle du repos bien mérité pour QUEEN. Ce sera aussi l'occasion de divers projets solos. Freddie enregistre une reprise des PLATTERS, THE GREAT PRETENDER et se rase la moustache pour le clip de ce morceau. Il donnera aussi naissance à un projet hors du commun, chanter en compagnie de la cantatrice d'opéra Montserrat CABALLE. Ils chantèrent ensemble le titre BARCELONA (qui deviendra l'hymne officiel des J.O. de Barcelone en 1992), puis décidèrent de pousser la collaboration pour en faire un album. Celui-ci sortira fin 1988 après de longs mois de travail et reçut un accueil mitigé, ce qui est le cadet de leurs soucis pour les deux artistes, qui prirent du plaisir à faire ce disque. Début 1989, les quatre membres se réunissent pour enregistrer le nouvel album du groupe : THE MIRACLE. Les cinq singles extraits de l'album sont I WANT IT ALL (le succès interplanétaire de ce disque), THE MIRACLE, BREAKTHRU, THE

36 INVISIBLE MAN et SCANDAL. Une fois de plus, cet excellent disque satisfait à merveille les fans, mais leur déception sera grande lorsque le groupe annoncera qu'il n'y aura pas tournée. Cela alimentera un bon nombre de rumeurs concernant le fait que Freddie MERCURY soit atteint du SIDA, ce que le groupe et son entourage s'efforceront tant bien que mal de contredire.

L'album suivant INNUENDO sortit au début de l'année 1991. Parallèlement, l'état de santé de Freddie MERCURY défraye de plus en plus la chronique. Il se montre de moins en moins et les rares photos de lui de cette époque le montrent maigre et malade. L'idée d'une nouvelle tournée est compromise. Tour à tour, de nouveaux titres sortirent en singles et sont accompagnés d'un vidéoclip remarquable : INNUENDO (puissante œuvre de QUEEN dans la tradition de BOHEMIAN RHAPSODY), I'M GOING SLIGHTLY MAD (où Freddie masque sa maladie derrière un maquillage dans le clip), HEADLONG, THE SHOW MUST GO ON (au succès retentissant) et THESE ARE THE DAYS OF OUR LIVES. Sur le clip de cette chanson, qui évoque vaguement la vision d'un passé heureux (sans doute celui de QUEEN), on peut voir que Freddie livre ses dernières forces devant la caméra et ne cache pas son visage malade. La fin du clip est tout simplement émouvante, lorsque Freddie seul face à la caméra glisse un petit "I still love you" en guise d'adieux aux fans. Alors que THE SHOW MUST GO ON, titre épique, fort et intense à un succès immense sur les ondes, GREATEST HITS II le deuxième volet des meilleurs titres du groupe (entre 1982 et 1991) assure un autre succès commercial pour QUEEN.

Après avoir longuement caché sa maladie au public et à la presse (par respect pour sa vie privée), Freddie se sentit de plus en plus mourant et publia 23 novembre 1991 un communiqué officiel sur son état de santé. Malheureusement, le 24 novembre à minuit, Freddie MERCURY s'éteint à l'age de 45 ans, victime du mal du siècle, le SIDA. Dès le lendemain, sa maison de Kensington devint un lieu de pèlerinage pour les fans qui vinrent se recueillir. Les trois autres membres décidèrent de ressortir en single BOHEMIAN RHAPSODY (avec THESE ARE THE DAYS OF OUR LIVES en face B), dont les royalties seraient reversées à la lutte contre le SIDA, ce qui était la dernière volonté de Freddie. A la remise des British Awards, en février 1992, Roger invita les fans à un grand concert en hommage à Freddie le 20 avril 1992 au stade de Wembley, lieu mythique des plus beaux exploits de QUEEN. De nombreux artistes, amis ou admirateur de Freddie vinrent lui rendre un immense hommage en revisitant à leur manière le répertoire de QUEEN. Etaient donc présents aux côtés de Brian, Roger et John : METALLICA, GUNS N' ROSES, U2, Elton JOHN, SCORPIONS, DEF LEPPARD, EXTREME, Roger DALTREY, Robert PLANT, Tony IOMMI, Paul YOUNG, David BOWIE, George MICHAEL, Mick RONSON, Annie LENNOX, Lisa STANSFIELD, Liza MINELLI, ou encore SEAL. Avec de tels noms, ce concert devant 72000 fans en plein rêve ne pouvait qu'entrer dans les annales du rock.

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Stromae.

Stromae (« maestro » en verlan), de son vrai nom Paul Van Haver, né le 12 mars 1985 à Bruxelles, est un auteur-compositeur-interprète et producteur belge d’origine rwandaise de hip-hop, de musique électronique et de chanson française. Il se fait connaître en 2009 avec la chanson Alors on danse extraite de l’album Cheese. En 2013, il connaît le succès critique et commercial avec les chansons Papaoutai, Formidable et Tous les mêmes dans son deuxième album Racine carrée.

Biographie

Il est né d'une mère belge et d'un père rwandais architecte, parti rapidement après sa naissance et qui ne l'a pas reconnu. Enfant, il ne le rencontre qu'à quelques reprises. Au milieu des années 1990, alors que la famille n'a plus de nouvelle du père, un appel leur annonce le décès de celui-ci quelques mois auparavant au cours du génocide rwandais. Sa mère élève seule à Bruxelles, puis en périphérie, une fratrie de quatre fils et une fille. À l'âge de onze ans, Stromae commence à s'intéresser à la musique et s'inscrit à l'Académie musicale de Jette pour prendre des cours de solfège et de batterie. Sa mère l'envoie à l'internat jésuite de Godinne. En 2000, il choisit le pseudonyme Opsmaestro pour commencer dans le monde du rap. Il explique dans une interview que l'album Temps mort du rappeur français Booba l'a beaucoup influencé. Son pseudonyme étant similaire à celui d'un autre artiste, il en change et opte pour Stromae, qui correspond à maestro en verlan. À dix-huit ans, il forme le groupe Suspicion en compagnie de JEDI, un autre rappeur, et ils composent ensemble la chanson et le clip de Faut qu't'arretes le rap…. JEDI décide néanmoins de quitter le duo, ce qui marque les débuts de la carrière solo de Stromae. En 2005, Stromae enchaîne les prestations. Puis, il participe à la Hip-Hop Family en 2006, ainsi qu'au Juste debout Benelux en 2007. Il travaille pendant un an dans la chaîne de restauration rapide Quick afin de financer ses études dans une école de cinématographie. Ses économies étant insuffisantes, il s'inscrit à l'INRACI section cinéma, il a mené des études d'ingénieur du son. Il investit son argent pour réaliser son premier opus, un maxi de quatre titres : Juste un cerveau, un flow, un fond et un mic…. Il collabore avec plusieurs rappeurs comme BdBanx et Beretta sur la compilation Dès le départ, ou encore Kery James. En 2008, il signe en édition chez Because Music et Kilomaître pour quatre ans. Il compose alors le single Cette fois interprété par Melissa M sur l'album Avec tout mon amour, réalise quatre compositions sur l'album À l'ombre du show business de Kery James dont la chanson Ghetto ainsi que la chanson Si je t'emmène de Anggun sur l'album Elevation. Parallèlement, il diffuse des vidéos sur internet où il explique ses créations musicales sous forme de leçons appelées Les leçons de Stromae. Pour les compositions de ces leçons, il utilise le logiciel Reason.

Cheese : premier album (2009-2011)

En 2009, il effectue un stage chez NRJ à Bruxelles. Poussé par Julie, l'animatrice de l'émission NRJ Mash Up, Vincent Verbelen, Music Manager, le place en programmation. Alors qu'il sort ses leçons sur internet, Stromae crée en parallèle sa propre entreprise de production musicale, Maestro (anagramme de Stromae) et signe sous licence avec Universal Music France pour la promotion et la distribution. Pascal Nègre explique avoir été séduit par « la force de ses chansons, le talent qui nous sautait au visage » mais « aussi parce qu’il y avait un sacré début de buzz, quelque chose comme 300 000 pages vues sur son MySpace ». Stromae sort deux premiers singles Alors on danse et Up Saw Liz, en introduction à son premier album, sorti le 21 juin 2010 dans les bacs et le 14 juin en numérique. Il a révélé, lors d'une interview, le nom de ce premier album : Cheese, en référence aux sourires sur les photographies de classe ; il en parle même dans la dernière chanson de l'album Cheese. Les chroniques en ligne et la presse musicale francophones comparent alors fréquemment la voix de Stromae à celle de Gaëtan Roussel, le chanteur du groupe français Louise Attaque.

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En quelques semaines, le succès de Alors on danse s'étend à d'autres pays d'Europe, le titre se classe notamment en tête des ventes en France, Allemagne, Belgique, en Suisse ainsi qu'au Québec. Le 3 avril 2010, à l'occasion du NRJ Music Tour, Stromae reçoit des mains de Fadila Laanan, ministre de la culture de la communauté française de Belgique, le premier Award NRJ de la révélation musicale belge francophone de 2009. Le 2 septembre 2010, un remix de Alors on danse, fruit de la collaboration de Stromae avec Kanye West, apparaît. La chanson est notamment reprise par The Lost Fingers, ou encore par Kellylee Evans en anglais dans une version jazz sous le titre And so we dance. Par ailleurs, son titre Te Quiero est remixé par Paul Kalkbrenner. Le 20 septembre 2010, Stromae a été nommé aux MTV Europe Music Awards 2010 qui ont eu lieu le 7 novembre à Madrid pour tenter de gagner un Awards régional avec sa chanson Alors on danse. Par la suite, il a également été nommé pour l'édition 2010 du Prix Constantin qui récompense chaque année l'album d'un artiste révélé au cours de l'année. Début octobre 2010, Stromae sort une nouvelle version acoustico- symphonique de Alors on danse avec l'orchestre de Brive la Gaillarde. Son troisième single House'llelujah a notamment été remixé par Klaas. En décembre 2010, Stromae publie sur sa page Facebook une vidéo teaser du documentaire Cheap Team retraçant quelque peu son parcours qui apparait sur Cheese en version deluxe. Il figure parmi les dix lauréats des European Border Breakers Award (EBBA) 2011, qui récompensent les artistes et les groupes européens nouveaux dont le premier album international remporte un succès à l'étranger. Stromae a été récompensé pour son titre Alors on danse comme « hit de l'année 2010 » lors de la quatrième édition des Music Industry Awards (MIA). Il a également été élu « Bruxellois de l'année 2010 » dans la section culture. En janvier 2011, Stromae est nommé aux NRJ Music Awards dans la catégorie « chanson française de l'année » pour Alors on danse. Le 23 mai 2011, lors de l'enregistrement de l'émission française Taratata, Stromae fait un medley de Alors on danse et Don't Stop the Party avec les Black Eyed Peas. Lors de cette émission, il annonce qu'il fera la première partie de deux concerts du groupe les 24 et 25 juin prochains au Stade de France. Stromae avait rencontré pour la première fois le leader des Black Eyeds Peas, will.i.am aux NRJ Music Awards à Cannes en janvier et ce dernier avait raconté avoir beaucoup aimé Alors on danse et ajouté qu'il voulait collaborer avec lui. Lors des NRJ Music Awards 2013, Stromae a d'ailleurs été rejoint sur scène par Will.i.am sur le titre Papaoutai.

Racine carrée (depuis 2011)

Lors d'une rencontre avec le magazine Les Inrocks en octobre 2011, Stromae révèle que son prochain album qui n'est alors qu'une « ébauche » aura des « influences afro, des percussions lourdes, des sons cubains ou rumba congolaise plus assumés ». Le 7 mai 2013, il annonce sur sa page Facebook la sortie du premier single de son deuxième album qui s'intitule Papaoutai. Ce premier single est disponible le 13 mai en version numérique. Pour ce nouvel album, Stromae enregistre un trio avec Orelsan et Maître Gims. Le 22 mai 2013, une vidéo amateur est publiée sur YouTube montrant le chanteur apparemment ivre près d'un arrêt de tram. Cette vidéo crée un buzz. Deux jours plus tard, le 24 mai 2013, il interprète un nouveau titre Formidable, à la fin de l'émission de télévision Ce soir (ou jamais !) sur France 2. Quelques jours plus tard, il sort le clip de la chanson dans laquelle il interprète un homme ivre qui a rompu avec sa copine. Le clip Formidable (ceci n'est pas une leçon) est entièrement tourné dans la rue, aux abords de l'arrêt de tramway de l'avenue Louise à Bruxelles, en caméra cachée. Trois jours après la publication du clip, celui-ci est visionné trois millions de fois, ce qui est un record pour un artiste belge. Le 26 juin 2013, Stromae officialise une première date de sa nouvelle tournée. Cette tournée ayant affiché complet en un temps record, des dates supplémentaires sont ajoutées dans de grandes salles comme au Forest National ou encore le Zénith de Paris. Racine carrée sort le 16 août et se classe numéro un des ventes en Belgique, en France, en Suisse et au Québec (au 27 octobre 2013). En octobre 2013, Formidable se voit récompensée du Prix Rolf Marbot de la chanson de l'année. En novembre, Stromae gagne le prix du « meilleur artiste belge » aux MTV Europe Music Awards50. Il est également nommé aux NRJ Music Awards dans les catégories « artiste masculin francophone de l'année » et deux fois dans « clip de l'année » pour Formidable et Papaoutai. Il entrera au Musée Grévin de Paris en automne 2014 où il aura une statue de cire à son effigie.

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Environnement artistique

« C'est une personne âgée qui la première m'a fait la remarque, en entendant Alors on danse. Je n'y aurais jamais pensé. C'est un superbe compliment, mais c'est aussi le meilleur moyen d'être détesté ! Je comprendrais tout à fait que des fans de Brel, dont je suis, soient outrés par cette comparaison. Et même si je roule les r, ou si demain je devais faire une vraie carrière, je ne lui arriverai jamais à la cheville ! Disons qu'il faisait partie d'une école d'artistes — comme Aznavour, Piaf ou d'autres — qui incarnaient des personnages, et c'est aussi ce que j'essaie de faire. »

Stromae à propos de la comparaison avec Jacques Brel.

Présenté à la presse comme le "Le nouveau visage de la génération new beat" La musique de Stromae est influencée par l'electro spécialement la new beat (née en Belgique) le hip-hop et la world music. L'interprétation du chanteur a été comparée à celle de Jacques Brel pour sa gestuelle et son phrasé. Néanmoins, le critique de Music Story Loïc Picaud trouve cette référence perpétuelle « agaçante ».

En classe : nous retracerons le parcours de cet artiste belge ; étudierons Jacques Brel.

Musique & Humour.

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Introduction.

Depuis que la musique existe, elle a endossé bien des rôles. Celui de la motivation pour le combat ou la chasse. Celui de la prière, peut importe à quel Dieu. Celui de la tristesse. Celui de la séduction. Et en majeure, partie celui de la détente. Ce dernier siècle a été riche en chanteurs et humoristes divers qui nous ont fait rire en utilisant les instruments, la voix et le public.

A travers ce cours, je vais te faire découvrir des artistes qui ont marqués l’histoire de la musique en nous déridant les zygomatiques…

Fernandel.

Fernandel, de son vrai nom Fernand Joseph Désiré Contandin, est un chanteur et acteur français né le 8 mai 1903 à Marseille et mort le 26 février 1971 à Paris. Issu du music-hall, il fut durant plusieurs décennies l'une des plus grandes stars du cinéma français, champion du box-office qui attira plus de 100 millions de spectateurs dans les salles. Comique emblématique du cinéma d'après-guerre, beaucoup de ses films sont devenus des classiques, comme Le Schpountz, L'Auberge rouge, Ali Baba et les Quarante voleurs ou La Cuisine au beurre, au même titre que plusieurs de ses personnages, à l'image de Don Camillo. Il a également brillé dans les compositions plus dramatiques notamment dans La Vache et le Prisonnier, Naïs ou Heureux qui comme Ulysse. Chanteur populaire, il a également laissé une discographie importante, parsemée là aussi de classiques tels que Félicie aussi, Ignace ou Le Tango corse. Reconnaissable grâce à sa fameuse « gueule de cheval » comme il se plaisait à le dire lui-même, il acquit une popularité telle en France et dans le monde que le général de Gaulle déclara qu'il était le seul Français à être aussi célèbre que lui.

Louis De Funès.

Louis de Funès (né Louis Germain David de Funès de Galarza le 31 juillet 1914 à Courbevoie – mort le 27 janvier 1983 à Nantes) est un acteur français d’origine espagnole. Il a également adapté quelques scénarios au cinéma et réalisé un film. Il commencera sa carrière dans des opérettes comme chanteur, pianiste et chauffeur de salle.

Louis de Funès est un des acteurs comiques les plus célèbres du cinéma français d’après-guerre. Le personnage de français moyen impulsif, râleur, au franc-parler parfois dévastateur qu’il a incarné depuis le milieu des années cinquante fut très populaire dans les années 1960, 1970 et 1980, assurant des succès commerciaux à ses films. Encore aujourd’hui, il est toujours considéré comme une référence emblématique du cinéma populaire français et est internationalement connu.

Bourvil.

Né André-Zacharie Raimbourg-Ménart le 27 juillet 1917, dans un petit bourg rural de Normandie, Bourvil doit son nom d'artiste à son village natal, Bourville. Il naît orphelin puisque son père, André Raimbourg, est mort en début d'année sur les champs de bataille de la triste et grande guerre. Dès l'âge de dix ans, André prend goût à la musique, en s'abreuvant des derniers tubes sur la TSF de l'instituteur du village. A quatorze ans, certificat d'étude en poche, il quitte la campagne pour le pensionnat de Doudeville. Eprouvé par cette vie d'enfermement, il s'enfuit et rentre chez lui. Sa vie, c'est la terre, à laquelle il restera attaché toute son existence.

Après avoir étudié l'harmonica, l'accordéon et le cornet à piston, André intègre la fanfare du village. Mais à dix-neuf ans, il se sent pousser des ailes. Adieu la campagne, bonjour la ville. Il part pour Rouen et y exerce

41 le métier d'apprenti boulanger, dans le but d'obtenir une situation et de demander en mariage son amie Jeanne Lefrique. Mais il n'en oublie pas pour autant la musique.

Puis un soir de 1936, c'est la révélation lorsqu'il assiste, sidéré, à un concert du grand Fernandel. C'est décidé, il sera artiste ! Nous sommes en 1942, et Bourvil débute véritablement sa carrière. Petit à petit, ses contrats sur scène font parler de lui. Jusqu'à ce jour de 1944 où, ému par une petite vendeuse de cartes postales croisée dans les rues de Paris, il écrit Les crayons. Cette chanson passe sur toutes les ondes et devient son premier tube. Bourvil est maintenant une star !

Soudainement très sollicité, il remplit les music-halls, vend ses disques comme des petits pains, joue dans de nombreuses opérettes et entame une fulgurante carrière au cinéma.

Pendant vingt ans, Bourvil enchaîne les succès cinématographiques (La traversée de Paris, Le passe muraille, Le chanteur de Mexico, Les misérables, Le bossu, La jument verte, Un drôle de paroissien, Le corniaud, La grande vadrouille, Le cerveau, ...) et discographiques (Fredo le Porteur, Ballade irlandaise, Berceuse à Frédéric, Salade de fruits, Les papous, Ma p'tite chanson, La tactique du gendarme, ...).

Puis en 1967, lors du tournage des Cracks, le couperet tombe. Au faîte de sa gloire, Bourvil apprend qu'il est atteint de la maladie de Kahler. Ses jours sont comptés. Il vivra en fait trois ans de plus, jusqu'à ce jour du 23 septembre 1970 où il s'éteint, à l'âge de 53 ans.

Derrière ses faux airs de benêt, Bourvil a réellement marqué la chanson et le cinéma du vingtième siècle. Populaire et généreux, cet artiste unique a su apporter à son personnage de comique paysan une grande finesse. Chacun de ses rôles au cinéma a fait montre d'une grande intelligence du rôle, et ses interprétations des classiques (Marcel Aymé, Victor Hugo, Pagnol) ont marqué le public de plusieurs générations. Il fut l'un des rares à savoir teinter l'humour d'une extrême et délicate tendresse.

Henri Salvador.

Henri Gabriel Salvador, né à Cayenne, en Guyane française le 18 juillet 1917 et décédé à son domicile le 13 février 2008 d'une rupture d'anévrisme, était un chanteur et guitariste de jazz français. Il fut un personnage marquant de la musique française et mondiale. De décembre 1941 à décembre 1945, il fait partie de l'orchestre de Ray Ventura. Il y exerce ses talents de guitariste-chanteur et de comique avec une imitation de Popeye. Par la suite, devenu chanteur, il fit toujours en sorte de combiner sur ses albums chansons très fantaisistes et chansons douces, bien que le grand public se montre plus enthousiaste sur les premières.

Il fut parolier pour de nombreux artistes, notamment pour Régine, Sheila. Il a fait connaître au grand public Keren Ann et Art Mengo. Henri Salvador s'est également prêté au doublage de films d'animation, en prêtant sa voix en 1990 au crabe Sébastien dans La Petite Sirène, des Studios Disney.

Victoire de la musique 2001 du groupe ou artiste interprète masculin de l'année. Le 8 novembre 2005 Henri Salvador est décoré à Brasilia de l'Ordem do Mérito Cultural (Ordre du Mérite Culturel) brésilien qu'il reçoit des mains du chanteur et Ministre de la Culture Gilberto Gil et en présence du Président Luíz Inácio da Silva pour son apport à la diffusion hors des frontières de la culture de ce pays, en particulier la bossa nova qu'il aurait contribué à inventer. Il est aussi un Commandeur de la Légion d'honneur et de l'Ordre national du Mérite.

Il mit fin à sa carrière active lors d'un dernier spectacle donné au Palais des congrès de Paris le 21 décembre 2007.

42 Robert Lamoureux.

Robert Lamoureux est né le 4 janvier 1920 à Saint-Mandé dans le Val de Marne. Après guerre, il débute sa carrière de saltimbanque au cabaret où il chante et joue ses propres textes. Grand, élégant et gouailleur, il triomphe au théâtre dans des pièces de boulevard. En 1954, Robert Lamoureux devient très populaire grâce à Papa, maman, la bonne et moi, de Jean-Paul Le Chanois, un vaudeville adapté l'année suivante au cinéma. En 1973, il marque d'une empreinte indélébile le cinéma français en réalisant le cultissime Mais où est donc passée la 7 ème Compagnie ?, premier volet d'une trilogie qui met en scène le deuxième classe Pitivier (Jean Lefèvre) et le Sergent Chaudard (Pierre Mondy). On a retrouvé la 7 ème Compagnie (1975) puis La 7 ème Compagnie au clair de lune (1977) appartiennent désormais au patrimoine national. L'humoriste Jean-Marie Bigard lui doit beaucoup et avoue sans détour s'être inspiré de son style, de son phrasé et de sa gestuelle.

Michel Leeb.

Michel Leeb est un humoriste, acteur et chanteur français, né le 23 avril 1947 à Cologne (Allemagne).

Après avoir été pensionnaire chez les Jésuites, il rejoint le collège-lycée Saint-Gabriel à Bagneux (92). C'est là que son répertoire de gags, imitations, grimaces, etc. s'est constitué pour le plus grand bonheur de ses camarades. Il fit là, sous la conduite de son professeur de français Pierre Gillet qui avait su déceler ses talents, ses premiers pas dans la scénographie. Il entame une maîtrise de philosophie à La Sorbonne, matière qu'il enseigne ensuite pendant un an et demi à Bourg-la-Reine avant de se lancer dans une carrière d'humoriste.

Michel Leeb est connu du grand public pour ses imitations. Ses caricatures de personnages « types », comme « le Chinois », « le Suisse », « l'Africain » ainsi que de personnalités aussi variées que Gabin, Balladur ou Iglesias lui valent sa renommée dès le début des années 1980. En 1984, Michel Leeb effectue une première prestation à l'Olympia, où le succès remporté lui permet de revenir six mois plus tard sur la même scène pour les fêtes de fin d'année. Sa popularité se confirme en 1985 par son émission trimestrielle "Certain Leeb Show" qui bat cette même année les records d’audience du samedi soir sur Antenne 2. En 1994, il reçoit le Grand Prix de l'Humour 94 décerné par la SACEM pour un spectacle solo qui sera vu par plus de cent mille spectateurs au Casino de Paris du 29 septembre au 1er janvier 1995.[2]

Il s'est aussi illustré en tant que chanteur avec le Count Basie Orchestra.

Dany Boon.

Dany Boon (Daniel Hamidou) est un humoriste né à Armentières dans le Nord le 26 juin 1966. Dans les années 1980, il part vivre à Paris pour tenter sa chance dans la comédie. Il débute en se produisant dans des petites salles comme le théâtre Trévise. Il multiplie les petits boulots pour se faire un peu d'argent en parallèle. 1993 marque pour lui l'année de la révélation : il gagne le festival Performances d'acteurs à Cannes et est récompensé aux Festivals du rire à Montréal, à Conflans Ste Honorine et en Belgique. Dès lors, il devient connu et séduit le public avec ses spectacles qu'il donne partout en France. Le sketch du K-Way est devenu culte. Il tourne aussi au cinéma comme dans « Bimboland » en 1998 ou plus récemment, avec Daniel Auteuil. Il a été marié avec Judith Godrèche de 1998 à 2002 et s'est remarié l'année suivante avec Yaël Harris. En 2008, il bat tous les records du box-office français avec son film "Bienvenue chez les Ch'tis", où il donne la réplique à Kad Merad.

43 Gad Elmaleh.

Gad Elmaleh est un humoriste marocain naturalisé canadien et ensuite français, né le 19 avril 1971 à Casablanca. Élevé à Casablanca, par un père commerçant et mime amateur. Il a un frère et une sœur.

A 17 ans, Gad quitte le Maroc pour aller étudier les sciences politiques à Montréal puis vient en France en 1992 à Paris, pour suivre une formation artistique au cours Florent pendant deux ans et demi. En 1995, il présente son one man show Décalages, mis en scène par Isabelle Nanty et apparaît dans son premier film « Salut cousin ! ».

Il se consacre au cinéma comme acteur jouant de nombreuses comédies mais aussi interprète des rôles dramatiques comme dans L'homme est une femme comme les autres ou Train de vie. Il signe en 2001, un franc succès avec son triomphe dans son second one-man-show, La Vie Normale, et dans le rôle du séducteur Dov dans le film La Vérité si je mens ! 2.

En 2003, il est à l'affiche de la comédie Chouchou dont il est également le co-scénariste où il joue le travesti romantique aux côtés d'Alain Chabat. En 2005, il est en tournée pour présenter son dernier spectacle : L'autre c'est moi. Le 22 mars 2006, il est fait chevalier des Arts et Lettres par le ministre de la culture Renaud Donnedieu de Vabres.

En septembre 2006, Gad Elmaleh a réalisé une tournée complète aux Etats-Unis, marquée notamment, à New York, par un spectacle à Broadway au Beacon Theatre devant un public de 3 000 personnes. Le 6 janvier 2007, il est élu "homme le plus drôle de l'année" sur TF1 devant 49 autres humoristes.

Au début de l'année 2007, il reprend L'autre c'est moi (avec des modifications qui préparent son nouveau spectacle) au Maroc, en France en Belgique et en Suisse. C'est dans le cadre du Festival Juste pour rire 2007, à Montréal au Canada, que l'humoriste présente sa prestation, Papa est en haut, pour la première fois. La tournée commence en octobre 2007 et s'arrête en 2008. Pendant cette pause, Gad Elmaleh réalise le film Coco, également issu de La Vie normale.

Michaël Youn.

Michaël Youn, de son vrai nom Michaël Benayoun, est né le 2 décembre 1973 à Suresnes en Région Parisienne. En 1991 il obtient un bac scientifique avec mention, avant d’intégrer une prépa HEC à Neuilly-sur-Seine, qui le mène à l’Ecole Supérieure de Commerce de Nice, d’où il sort diplômé en 1996. Une fois son diplôme en poche, Michaël se forme pendant deux ans au journalisme-radio au Studio-Ecole de France. Pendant ses stages professionnels, il est standardiste pour Radio Nova et Fun Radio, ce qui le met en contact avec les jeunes comiques de la bande FM de l’époque – Jamel, Eric et Ramzy, … – pour lesquels il rédige des fiches. En parallèle, il suit une formation d’acteur au Cours Florent où, dès la deuxième année, il intègre la « Classe Libre » du Cours. A partir de 1998, il anime, sur un ton décalé, les informations de la matinale de Skyrock avec « Les Filles », KTL et Sophie, au sein de laquelle il prend de plus en plus d’importance. En juillet 2000, il rejoint M6 et remporte son premier grand succès avec son concept de « l’émission qui réveille tes voisins », le Morning Live, qu’il anime pendant près de deux ans avec ses deux acolytes, Vincent Desagnat et Benjamin Morgaine. Surfant sur le succès d’un de ses sketches, il crée les Bratisla Boys avec ses deux compères et sort le tube « Stach Stach » en 2002, single entièrement chanté dans un dialecte slave imaginaire, lequel squatte la tête du box office pendant plusieurs semaines d’affilée. Le cinéma lui fait les yeux doux et on lui confie le rôle principal d’Alphonse Brown, dans une comédie « La Beuze », qui sort en 2003. Il interprète un titre de la BO, « Le Frunkp », mélange de rap et de funk, qui remporte un certain succès.

En 2007, il rompt avec son image de comique délirant, pour un premier rôle dramatique dans « Héros » de Bruno Merle, film qui ouvre la Semaine de la Critique du 60ème Festival de Cannes.

44 Fin 2006, il revient à la chanson et s’inspirant d’un de ses sketches du Morning Live, il crée un groupe parodique de hip-hop, Fatal Bazooka, dont le premier single « Fous ta Cagoule » devient n°1 des ventes en France, avec plus de 500 000 copies vendues. Même succès en 2007 pour son second titre « Mauvaise foi nocturne – feat Vitoo », parodie d’un tube de Diam’s, qu’il interprète avec la complicité de Pascal Obispo.

Véronic Dicaire.

Talent exceptionnel, fraîcheur et persévérance : voilà en résumé Véronic DiCaire. Canadienne née à Embrun, petite communauté de l’est ontarien, la chanteuse-comédienne-danseuse-animatrice-humoriste-imitatrice a connu un parcours foudroyant. Ses incroyables débuts en 2008 comme imitatrice des plus grandes voix de la chanson française et américaine ont suscité un raz-de-marée médiatique et le public québécois ne s’y est pas trompé en lui faisant un triomphe qui se devait de la conduire jusqu’en France, but ultime de toute carrière internationale et reconnaissance suprême pour une artiste francophone. Passionnée par le chant depuis son plus jeune âge, Véronic impressionne le jury du concours Ontario Pop alors qu’elle n’a que 17 ans. S’offrant les premières parties d’artistes québécois tels Lynda Lemay, Claude Dubois et Jean-Pierre Ferland, elle rejoint la Tournée de Noël 96 pour les troupes des Forces armées canadiennes outre-mer. La comédie musicale sera ensuite sa route avec d’abord le rôle de Sandy dans l’adaptation québécoise de GREASE qui lui vaut un triomphe partout au Québec. Un premier disque folk-rock sorti chez Warner lui vaut deux nominations aux Gala de l’ADISQ en 2002 et cinq trophées Trille d’Or au Gala de la chanson et de la musique franco-ontariennes en 2003. En mars de la même année, elle retrouve la comédie musicale pour interpréter le rôle de Roxie Hart dans la production francophone de CHIGAGO aux côtés de l’humoriste Anthony Kavanagh (à Montréal) et Stéphane Rouseau (à Paris). Succès au Québec d’abord puis au Casino de Paris en 2004. Elle avait déjà doublé la voix de Renée Zellweger pour la version française du film, ce qui démontre à nouveau son talent et sa polyvalence en tant qu’artiste et lui vaut une nomination aux Molière (meilleur spectacle de divertissement) une participation à la soirée des Césars, ainsi qu’un passage à l’Olympia en duo avec Roch Voisine. Printemps 2005-2006, elle sort un second album et s’enchaînent les tournées, les galas, les émissions de télé comme animatrice, la première partie de Robert Charlebois, une télé-série, une revue au théâtre et ses premières imitations en 2007, notament dans le cadre des Galas Juste Pour Rire à Montréal et Grand Rire à Québec. Tout cela attire l’attention de Céline Dion et René Angélil qui lui demandent d’assurer la première partie du spectacle Taking Chances, impressionnés qu’ils sont par tant de talent et de gentillesse. C’est le triomphe et la consécration immédiate et Gilbert Coullier décide de la produire en France au printemps 2010 au Théâtre de la Gaité Montparnasse, ainsi qu’à l’automne à la Cigale de Paris où les français l’accueillent à bras ouverts. Elle sera de retour en Europe en 2011 à l’Olympia de Paris et en tournée un peu partout en France, en Suisse et en Belgique. Le reste de l’histoire reste à écrire, mais si l’on en juge les débuts, ça ressemble à une fort belle carrière…

Max Boublil.

Max Boublil commence sa carrière de comédien en apparaissant dans de nombreux films (Le Bon Fils, Les Gaous, Doo Wop, T.I.C.), téléfilms et séries télévisées françaises (Sous le Soleil, Navarro, Quai N°1, Hé M'sieur !, Mystère) et publicités (Crunch, Yoplait, Direct Assurance). Il se fait vraiment connaître en mai 2007 en mettant son clip Ce soir… tu vas prendre sur Internet (chanson provocante et humoristique). En septembre 2007, il fait des apparitions comiques dans l'émission Le Grand Journal sur Canal +, dans la séquence Dating. Mais en octobre 2007, il préfère quitter l'émission pour se consacrer à son spectacle tout en n'excluant pas de revenir sur la chaine cryptée avec un nouveau projet. Entre 2007 et 2009, Max Boublil joue plusieurs fois à Paris son propre one-man-show, Max prend.... À partir de janvier 2008, il le joue en province sous le nom Max prend la route. En août 2009, il participe à l'émission One Man Sauvage. Rebecca Hampton lui a proposé de relever un défi : jouer une partie de son spectacle dans un magasin devant un groupe de personnes qui ne l'attendent pas.

45 Il relève parfaitement ce défi puisque les gens restent et l'écoutent. Il fait également sa comédie dans Max les veut toutes, une production de F2H, le 30 mars 2009 à 20h40 sur Comédie ! et le 2 avril 2009 à 22h30 sur NRJ 12. Prétextant un rendez-vous professionnel, Max rencontre des célébrités du PAF (Clara Morgane, Ariane Massenet, Valérie Damidot, Marjolaine...) et tente de les charmer sous le regard d’une caméra cachée. En mai et juin 2010, il participe à l'émission de télé-réalité Dilemme diffusée sur W9 où il présente le Mag de Max Le phénomène Chatroulette lui inspire une nouvelle chanson, tout comme Susan Boyle. En septembre 2010, il est de retour au Showcase de Paris avec un nouveau spectacle musical (moitié sketch, moitié chanson), Le one man musical. Le 02/04/2011 ses chansons mises sur you tube ont dépassé le million et demi de vues. Son premier album, sobrement intitulé L'album, est sorti le 14 février 2011.

Nous découvrirons aussi des artistes mythiques tels que AC/DC, Asaf Avidan, Whitney Houston, The Beatles, Pentatonix, etc.

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A la fin d'une année scolaire, le dernier, au fond, qu'est-ce qu'il sait ? A quoi ça lui a servi de faire tous les affreux devoirs qu'il a faits ? Il n'a jamais connu le bien-être du bon élève qui sait ses leçons, ni le regard affectueux du maître qui sourit en disant son nom. Sur son cahier, il y a cinq-cents taches ; c'est ce qui fait dire à ses parents : " à ce gosse-là il faut la cravache, quand on n'est bon qu'à faire des taches, la cravache, il n'y a que ça qu'on comprend ! Qu'est-ce que tu fous à l'école ? Qu'est-ce que tu fous si tu fous rien ? " Et de tout son cœur qui se désole, le petit répond : " Eh ben ... eh ben ... " Oh ! Il en a appris des choses de la petite classe au certificat : il sait qu'il y a des nuages qui sont roses vers quatre heures, pendant la leçon de choses quand le soleil fout le camp, tout là-bas. Il sait très bien ce que c'est qu'une droite, une droite qui n'a ni de A ni de B, quand le soleil du matin éclate, il y a ses rayons qui font des droites. C'est comme ça qu'il apprend, le dernier. Lui, ce qui l'amuse, ce sont les mouches qu'on garde captives dans un bouchon, les mots qui font drôle dans la bouche, comme " tintinabulle " ou " polochon " . A la fin d'une année scolaire, à la distribution des prix, le petit dernier traîne sa misère sous le regard méprisant de son père et sa détresse est infinie. Mon petit copain, dernier de la classe, moi, je sais bien que tu n'es pas le dernier. Puis console-toi, les années passent. En prenant la vie face à face tu verras que les premières places ne sont pas toutes pour les premiers.

Robert Lamoureux, Le dernier de la classe.

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