Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017
Destacados de Programación – Agosto 2017
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 1 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 Destacados de Programación Agosto 2017
ÓPERA – Manon Lescaut, ópera en cuatro actos de Giacomo Puccini: Plácido Domingo & Kiri Te Kanawa – Estreno 5 de agosto – Pág. 3
CONCIERTO – Las estaciones, de Franz Joseph Haydn: Nikolaus Harnoncourt & Filarmónica de Viena – Estreno 6 de agosto – Pág. 5
CONCIERTO – Ciclo Brahms-Thielemann: Lisa Batiashvili & Orquesta Estatal de Dresden – Estreno 12 de agosto – Pág. 7
CONCIERTO – Bad Boys, con Bryn Terfel – 12 de agosto – Pág. 9
BALLET – La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky: coreografía de Jean-Claude Gallotta – Estreno 13 de agosto – Pág. 11
Aniversario Claude Debussy ÓPERA – Pelléas et Mélisande, ópera en cinco actos de Claude Debussy – Estreno 19 de agosto – Pág. 13
ÓPERA – Macbeth, ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – 20 de agosto – Pág. 15
DOCUMENTAL – Re-sonando Beethoven, documental de Michael Sturminger: Wiener Akademie & Martin Häselbock – Estreno 20 de agosto – Pág. 17
ÓPERA – Los cuentos de Hoffmann, ópera en tres actos de Jacques Offenbach – Estreno 26 de agosto – Pág. 19
CONCIERTO – Tesoros Barrocos: Messiah, de Georg Friedrich Händel – Estreno 27 de agosto – Pág. 21
ÓPERA – La traviata, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 27 de agosto – Pág. 23
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 2 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 Ópera: Manon Lescaut Ópera en cuatro actos de Giacomo Puccini: Plácido Domingo & Kiri Te Kanawa Estreno 5 de agosto 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Ecuador
Magnífica producción del Royal Opera House londinense, con el dúo protagonista encarnado por las legendarias voces de Domingo y Te Kanawa.
Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto. Intérpretes: Kiri Te Kanawa, Plácido Domingo, Thomas Allen, Forbes Robinson, Robin Leggate, George Macpherson, John Fryati, Anna Cooper, Handel Thomas, Mark Curtis, Roderick Earle, Paschal Allen; Coro del Royal Opera House; Günter Schneider-Siemssen [dirección de escena], Aliute Meczies [vestuario], Robert Brian [iluminación], Romayne Grigorova [coreografía]. Director: Giuseppe Sinopoli. Orquesta: Orquesta del Royal Opera House. Año: 1983. Lugar: Royal Opera House, London. Duración: 130 minutos.
Manon Lescaut, ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini (1858-1924), su libreto en italiano fue escrito de manera sucesiva por diversos autores: Ruggiero Leoncavallo, Domenico Oliva, Marco Praga, Giuseppe Giacosa, Luigi Illica, el propio Puccini y Giulio Ricordi –editor de la partitura–. Su texto se basa en la obra L'historie du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut [1731], del Abad Prévost, que a su vez sirvió de inspiración
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 3 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 para la ópera Manon, de Jules Massenet. Tan confusa fue la autoría del libreto que ninguno de los autores aparece mencionado en la portada de la partitura original. Su estreno tuvo lugar el 1 de febrero de 1893 en el Teatro Regio de Torino. Supuso el primer gran triunfo del autor italiano, en una ópera con evidentes referencias wagnerianas, en la que la orquesta dialoga de manera directa con los personajes, ayudando a subrayar sus emociones y psicología. La escritura orquestal está dotada de una fluidez melódica realmente brillante e inacabable, que no hace sino remarcar la degradación moral de los personajes, a pesar de que Puccini prefiere no olvidar que el amor siempre prevalece. El uso de leitmotiv resulta recurrente desde el inicio al final del drama, ayudando a construir toda la intrincada trama.
Puccini tomó además algunos elementos musicales previos para ayudar a elaborar su ópera. Así, el madrigal Sulla vetta tu del monte [acto II] es un reflejo de Agnus Dei de su Misa a cuatro voces de 1880. Otros elementos de Manon Lescaut provienen de algunas obras para cuerda: el cuarteto Crisantemi [enero de 1890], tres Minuetos [probablemente de 1884] y un Scherzo [¿1883?] o el tema de amor, que procede del aria Mentia l'avviso [1883]. El editor de Puccini, Ricordi, había mostrado su disconformidad con todo proyecto que tuviera como base la historia de Prévost, ya que Massenet ya la había usado con éxito en su Manon [1884]. Incluso –posiblemente sin ser conocida entonces por ambos–, el compositor francés Daniel Auber también había escrito ya una ópera con el mismo título, Manon Lescaut, en 1856. Puccini pasó por alto todos los precedentes a priori poco alentadores y continuó con la composición de su ópera. Manon es una heroína en la que creo y por lo tanto no puede dejar de ganar el corazón del público. ¿Por qué no van a existir dos óperas sobre Manon? Una mujer como Manon puede tener más de un amante. Massenet la siente como francés, empolvada y con minués. Yo la sentiré como italiano, con una pasión desesperada. Con estas palabras defendió el autor su interés por continuar con el drama.
Se trata de la tercera ópera de Puccini y su primer gran éxito. Tanto el público como la crítica aceptaron con entusiasmo la ópera. Se presentó ese mismo año en San Petersburgo, Madrid, Hamburgo y Sudamérica. En 1894 llegó a Londres, Lisboa, Praga, Budapest, Filadelfia y México. Tardaría algo más en llegar a Francia, por la evidente rivalidad con la obra de Massenet, primero en Nice, en 1909, y finalmente en Paris, en 1910. Se mantiene como una de las óperas más respetadas de Puccini. Entre 2005-2010 fue la 40.ª ópera más representada, lo que da muestra de que, aunque valorada, no se encuentra entre los títulos más presentes en los teatros, ocupando el quinto puesto entre las óperas del propio Puccini.
Ópera: Manon Lescaut Ópera en cuatro actos de Giacomo Puccini: Plácido Domingo & Kiri Te Kanawa Estreno 5 de agosto 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Ecuador Sinopsis: Manon Lescaut es una de las grandes óperas de Giacomo Puccini, que sin embargo ha sido ensombrecida por algunos de sus inmensos títulos operísticos. Les invitamos a disfrutar de esta magnífica y ya clásica producción desde el Royal Ópera House de Londres, que cuenta con un elenco vocal de primer nivel: Kiri Te Kanawa, Plácido Domingo, Thomas Allen, Forbes Robinson, Robin Leggate, George Macpherson, John Fryati, Anna Cooper, Handel Thomas, Mark Curtis, Roderick Earle, Paschal Allen, además del coro y la orquesta del Royal Opera House, bajo la dirección de Giuseppe Sinopoli.
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Concierto: Las estaciones, de Franz Joseph Haydn
Nikolaus Harnoncourt & Filarmónica de Viena Estreno 6 de agosto 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador
Uno de los grandes oratorios del siglo XVIII, servido de la mano de uno de los mejores directores en la historia y la excepcional orquesta vienesa.
Género: concierto, oratorio, música clásica. Intérpretes: Dorothea Röschmann, Michael Schade, Florian Boesch; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena. Director: Nikolaus Harnoncourt. Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena. Año: 2013. Lugar: Grosses Festspielhaus, Viena. Duración: 150 minutos.
Die Jahreszeiten [Las Estaciones] Hob. XXI:3 es el segundo gran oratorio de Franz Joseph Haydn (1732-1809), compuesto entre 1799 y 1801, dentro del último y gran período de madurez del genial compositor austríaco. Supone junto a Schöpfungsmesse Hob. XXII:13 y Harmonienmesse Hob. XXII:14 las últimas obras de gran envergadura de su autor. Tras su doble estancia en Inglaterra, donde fue galardonado con el título de Honoris Causa por la Universidad de Oxford, Haydn es considerado por sus compatriotas vieneses como el compositor vivo más importante. Durante esta época es también liberado de sus obligaciones en Esterházy. Por esta razón puede dedicar su tiempo a encargos privados. Impresionado por la cantidad de público que atraían los oratorios de Händel en Londres, siente el deseo de componer obras de este género. Aborda entonces la composición de La Creación entre 1796 y 1798, con la que obtiene un éxito rotundo.
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El Barón Gottfried van Swieten, traductor y libretista de esta pieza, propone a Haydn trabajar sobre el poema Les Saisons, de James Thomson. En un principio, a Haydn no le convence la idea de no trabajar sobre un texto religioso, como es habitual en los oratorios clásicos, pero al final se deja convencer. La composición durará dos años en difíciles condiciones, tanto por los roces con las indicaciones de von Swieten como por la debilidad que le iban causando sus enfermedades.
Haydn comenzó a trabajar, pues, en este segundo gran oratorio, contando de nuevo con la colaboración en el libreto del Barón van Swieten, al que una vez más tuvo que aguantar su vanidad y las permanentes instrucciones de cómo debía ser la música. Desde el inicio, el oratorio levantó notables críticas debido a sus excesivas descripciones en la partitura, elemento al que van Swieten era muy aficionado. Quizá por ello, Haydn cargó el peso de la culpa a este. A pesar de sus permanentes discusiones y de permanecer un tiempo sin dirigirse la palabra, la obra terminó siendo un éxito total en su estreno el 24 de abril de 1801, causando una profunda impresión en público y crítica, como así se pudo comprobar en los años siguientes. Surgieron algunas críticas con respecto al texto, pero el planteamiento de Haydn fue unánimemente alabado. Hoy día, disfrutando de la perspectiva histórica que da el tiempo, sería difícil escoger entre Las estaciones y La Creación como el mejor ejemplo en el ámbito del oratorio. Sea como fuere, el compositor austríaco se alza aquí como un espléndido creador en el género del oratorio, completando así un catálogo compositivo descomunal, que ahonda en su genio y lo aleja del campo sinfónico, al que muchos le adscriben únicamente.
Van Swieten había sembrado su texto de indicaciones para el compositor con detalles descriptivos e imitaciones de sonidos de animales. El pasaje del croado de la rana es célebre por las tensiones que incitó entre ambos. Swieten se basó en una antigua partitura de Grétry para convencer a un Haydn reticente del interés de la imitación, refiriéndose a ella como porquería afrancesada. La manera en que la música responde a las imágenes no es menos notable: chalumeaux –antecesor del clarinete– para los pastores, bordones de gaitas, crepitar de grillos, cantos de pájaros y hasta una imponente tormenta, anticipándose al propio Beethoven en la Sinfonía Pastoral. A pesar de todo, Haydn luchó para imponer algunas de sus ideas, incluida la reutilización del tema del andante de su Sinfonía n.º 94.
Concierto: Las estaciones, de Franz Joseph Haydn Nikolaus Harnoncourt & Filarmónica de Viena Estreno 6 de agosto 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador Sinopsis: El extraordinario Festival de Salzburg les invita a disfrutar de una de las más excelsas obras vocales de Franz Joseph Haydn, Las estaciones. Llega en esta versión de referencia, con las voces de Dorothea Röschamann, Michael Schade y Florian Boesch, así como el Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena, todos bajo la dirección del inigualable Nikolaus Harnoncourt.
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Concierto: Ciclo Brahms-Thielemann Lisa Batiashvili & Orquesta Estatal de
Dresden Estreno 12 de agosto 21:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Colombia/Ecuador
El magnífico director alemán continúa con su acercamiento a la genial obra sinfónica y orquestal del excepcional Johannes Brahms.
Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica, violín. Intérpretes: Lisa Batiashvili. Director: Christian Thielemann. Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden. Año: 2013. Lugar: Semperoer, Dresden. Duración: 100 minutos.
En el presente programa monográfico se erige ante todos la gran figura de Johannes Brahms (1833–1897), uno de los grandes maestros de la historia de la música alemana y uno de los referentes a nivel occidental dentro del Romanticismo. Sucesor de Ludwig Van Beethoven y Franz Schubert en las formas compositivas de mayor formato, además de en la música de cámara y las composiciones orquestales; pero también del propio Schubert y Robert Schumann en las formas musicales en miniatura, como las piezas para piano y las canciones. Hay en su música coral un verdadero puente tendido entre los polifonistas del Renacimiento y el Barroco y la creación coral del siglo XIX. Las obras de Brahms sintetizan las prácticas de tres siglos con el color del folklore y el lenguaje de la música culta de mediados y finales del siglo XIX. Su obra, de pasión controlada, es considerada reaccionaria y todo un epígono por algunos, así como progresiva por otros, llegando a ser
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 7 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 muy valorada y respetada en vida del autor, además de reverenciada como una absoluta genialidad por el público, la crítica y los intérpretes de la actualidad.
De su poderoso y magnífico catálogo compositivo se presentan tres piezas, siendo la primera de ellas la breve Obertura del festival académico Op. 80, datada en 1880 y estrenada el 4 de enero de 1881 en Breslavia, bajo la dirección del propio autor. En 1879 Brahms fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Filosofía de Breslau. Como agradecimiento, el compositor firmó esta obertura, la cual, cuando estaba siendo realizada, fue repentinamente alterada por otra de espíritu diametralmente opuesto: Una que llora y otra que ríe, afirmó Brahms. Así, la Obertura del festival académico no es otra cosa que una obra de circunstancias, una especie de fantasía en la que utiliza una docena de motivos diferentes, entre ellos cuatro canciones estudiantiles, sobre todo la célebre Gaudeamus igitur, que termina la obra con una jocosa solemnidad.
Las dos grandes obras del programa son su Concierto para violín Op. 77 y la Sinfonía n.º 4. Su Concierto para violín en Re mayor fue compuesto en 1878, estando dedicado a su amigo Joseph Joachim, el gran violinista alemán que lo estreno el 1 de enero de 1879, de nuevo con el propio compositor dirigiendo a la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. Brahms, que no dominaba la técnica del violín tanto como la del piano, contó durante la composición con la ayuda de Joachim, a quien consultó diversos aspectos de la técnica violinística, aunque finalmente muchas de sus sugerencias no fueron tomadas en cuenta. La obra contiene numerosas dificultades técnicas, que hacen de ella un tour de force para cualquier violinista. Brahms escribió lo siguiente a su violinista: Después de haberla escrito, realmente no sé qué pensarás sobre la parte solista solamente. Mi intención era, por supuesto, que la corrigieras, sin prestar atención a la calidad de la composición, y que si pensabas que no era digna de orquestación, me lo dijeras. Me sentiré complacido si marcas las partes difíciles, torpes o imposibles de ejecutar. Todo el asunto es en cuatro movimientos. En cuanto a la Sinfonía n.º 4 en mi menor, Op. 98, es la última compuesta por Brahms. Se originó en las vacaciones de verano que disfrutó el compositor en Mürzzuschlag, en 1884, solo un año después de la finalización de su tercera sinfonía. Fue compuesta específicamente para la Meiningen Court Orchestra, siendo estrenada bajo la dirección del compositor el 25 de octubre de 1885 en Meiningen. Tuvo una acalorada acogida, a pesar de que Brahms tenía sus recelos sobre la buena recepción de la obra, y ha sido alabada desde entonces. Una semana después el director Hans von Bülow acompañó a la Meininger Hofkapelle en una gira por Alemania oriental y Holanda. Está considerada como su obra maestra en lo sinfónico.
Concierto: Ciclo Brahms-Thielemann Lisa Batiashvili & Orquesta Estatal de Dresden Estreno 12 de agosto 21:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Colombia/Ecuador Sinopsis: Christian Thielemann se pone al frente de la Orquesta Estatal de Dresden, de la que es titular desde hace varios años, para interpretar este monográfico Johannes Brahms. Se le une la violinista Lisa Batiashvili en el Concierto para violín Op. 77, completándose el programa con la Obertura del festival académico Op. 80 y especialmente la Sinfonía n.º 4, creación máxima en el catálogo sinfónico del autor germano. Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00390_Christian_Thielemann_Lisa_Batiashvili_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00390_Christian_Thielemann_Lisa_Batiashvili_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00390_Christian_Thielemann_Lisa_Batiashvili_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00390_Christian_Thielemann_Lisa_Batiashvili_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00390_Christian_Thielemann_Lisa_Batiashvili_5.jpg
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Concierto: Bad Boys, con Bryn Terfel 12 de agosto 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador
Espectacular y particular recital con una de las voces masculinas más interesantes de las últimas dos décadas.
Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto. Intérpretes: Bryn Terfel; London Welsh Chorale. Director: Gareth Jones. Orquesta: Sinfonia Cymru. Año: 2009. Duración: 90 minutos.
Bryn Terfel es un bajo-barítono galés de ópera y recitales líricos. Terfel fue inicialmente asociado con roles de Mozart, Figaro y Leporello, pero expandió su repertorio a roles más densos, especialmente los de Wagner. Destaca además en el repertorio popular y de comedia musical. Es actualmente uno de los cantantes de ópera más mediáticos y con una carrera muy consolidada en el panorama internacional. Su voz grave, con gran potencia y nobleza, junto a sus dotes dramáticas, le han llevado a interpretar los roles de ópera más destacados para su tesitura vocal. Entre ellos destacan villanos como el Barón Scarpia, en Tosca de Puccini, también el papel protagonista en el Don Giovanni mozartiano, o el Dios Wotan en La Valkiria de Wagner, por citar algunos. Es precisamente, entre el catálogo de este último compositor alemán, donde el barítono destaca especialmente, y por ello la crítica internacional ha valorado de forma positiva sus interpretaciones en El Holandés errante y Tannhäuser.
Terfel mostró un gran interés y talento por la música a muy temprana edad. Un amigo de la familia le enseñó a cantar, comenzando con canciones tradicionales galesas. Tras
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 9 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 ganar numerosas competencias de canto, Terfel se mudó a Londres en 1984 e ingresó al Guildhall School of Music and Drama, donde se graduó en 1989, ganando la Medalla de Oro. Obtuvo el segundo puesto detrás de Dmitri Hvorostovsky en el Cardiff BBC Singer of the World Competition, sin embargo ganó el Lieder Prize. Hacia el año 1989 participa como Massetto en lo que podría ser su primer documento discográfico; una grabación de la versión de Praga de la ópera Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart. Con este documento se tiene prueba de la participación de Terfel en todos los papeles para bajo– barítono del Don Giovanni mozartiano, pues después cantaría como Leporello y hacia finales del siglo tomaría el papel estelar de esta. En 1990 hizo su debut operístico como Guglielmo en Così fan tutte y después, en la misma temporada, cantó el rol protagónico en Le nozze di Figaro, el rol con el que hizo su debut en el English National Opera en 1991. Terfel debutó en Estados Unidos como Figaro en la Ópera de Santa Fe. En 1992, debutó en el Royal Opera House, Covent Garden como Masetto en Don Giovanni, con Thomas Allen en el papel protagónico. Saltó a la fama cuando cantó el papel de Jochanaan en la ópera Salome de Strauss, en el Festival de Salzburgo de 1992. Considerado uno de los más completos intérpretes de hoy, ha destacado cantando comedias musicales, especialmente Sweeney Todd, de Stephen Sondheim. Ha grabado varios álbumes dedicados a canciones galesas, canciones de cámara alemanas y musicales. Desde el año 2000 celebra en Snowdonia el Festival de Faenol, llamado comúnmente Brynfest, donde reúne figuras de la lírica y cantantes populares. Otros papeles que interpreta son Scarpia en Tosca y Nick Shadow, en The Rake's Progress de Stravinsky. En agosto de 2008 cerró los Proms en el Royal Albert Hall de Londres.
En el presente recital interpreta algunos pasajes de célebres óperas del repertorio, además de óperas menos conocidas: L’elisir d’amore, de Gaetano Donizetti; Mefistofele, de Arrigo Boito; Otello y La forza del destino, de Giuseppe Verdi; Tosca, de Giacomo Puccini; El cazador furtivo, de Carl Maria von Weber; Porgy and Bess, de George Gerswhin; además de piezas extraídas de musicales y obras de la comedia musical, como Sweeny Todd, de Stephen Sondheim; West Side Story, de Leonard Bernstein; o La ópera de los tres centavos, de Kurt Weill.
Concierto: Bad Boys, con Bryn Terfel 12 de agosto 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador Sinopsis: El gran bajo-barítono galés Bryn Terfel presenta Bad Boys, un recital de sumo interés en el que demuestra su gran voz y su carisma y presencia escénica descomunales. Está acompañado para la ocasión por la Sinfonia Cymru, London Welsh Chorale y la batuta de Gareth Jones. Un concierto que le enganchará desde el primer minuto.
Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00339_Bryn_Terfel_Bad_Boys_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00339_Bryn_Terfel_Bad_Boys_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00339_Bryn_Terfel_Bad_Boys_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00339_Bryn_Terfel_Bad_Boys_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00339_Bryn_Terfel_Bad_Boys_5.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00339_Bryn_Terfel_Bad_Boys_6.jpg
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Ballet: La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky
Coreografía de Jean-Claude Gallotta Estreno 13 de agosto 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador
Una de las obras orquestales y del mundo de la danza más geniales de todos los tiempos, en esta versión que cuenta con la coreografía del maestro francés.
Género: ballet, música clásica, música contemporánea, música sinfónica. Intérpretes: Centro Coreográfico Nacional de Grenoble, Groupe Emile Dubois; Jean- Claude Gallotta [coreografía], Mathilde Altaraz [asistente de coreografía], Claude-Henri Buffard [dramaturgia], Jacques Schiotto, Marion Mercier [vestuario], Dominique Zape [imuninación]. Director: Igor Stravisnky. Orquesta: Orquesta Sinfónica de Columbia. Año: 2012. Lugar: Thèâtre National de Chaillot. Duración: 60 minutos.
La consagración de la primavera [Le Sacre du printemps; Vesná svyaschénnaya] es un ballet y obra orquestal del compositor ruso Igor Stravinski (1882-1971), compuesta para la temporada de 1913, en París, de la compañía de Los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev, cuya coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. En su estreno en el Teatro de los Campos Elíseos, el 29 de mayo de 1913, el carácter vanguardista de la música y la coreografía causaron un impacto enorme y una serie de altercados entre el público, dado su carácter innovador y transgresor sin igual. Concebida como una obra para la escena, la música logró el mismo e incluso un
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 11 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 mayor reconocimiento posterior, siendo hoy día interpretada como pieza de concierto y reconocida como una de las obras musicales más influyentes del siglo XX.
Stravinsky, que era un joven compositor prácticamente desconocido cuando Diaghilev lo reclutó para crear la música para los Ballets Rusos, vio en La consagración de la primavera –su tercer proyecto de este tipo, tras los aclamados ballets El pájaro de fuego [1910] y Petrushka [1911]– su gran éxito profesional. El concepto que se esconde detrás de la obra se descubre gracias al subtítulo de la obra, Imágenes de la Rusia pagana en dos partes. Tras su recepción crítica dura, especialmente por lo innovador de la creación, el ballet no se llevó a la escena de nuevo hasta la década de 1920, cuando una versión con coreografía de Léonide Massine reemplazó la original de Nijinsky. En la década de 1980 la coreografía original de Nijinsky, que sea creía perdida durante mucho tiempo, fue reconstruida por el Joffrey Ballet en Los Angeles.
La partitura de Stravinsky contiene muchas características novedosas, incluyendo experimentos en cuanto a la tonalidad, métrica, ritmo, acentuación y disonancia. Los analistas han notado en la partitura una base significativa en la música folclórica rusa, una relación que Stravinsky tendía a negar. La música ha influido a muchos de los principales compositores del siglo XX y es una de las obras más grabadas en el repertorio clásico. Describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, que debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación. Para ello, se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas en cuanto a diversos ámbitos de la vida. A diferencia de los ballets anteriores, obras más rusas y menos rupturistas, Stravinski se atrevió a innovar más de lo que la corriente modernista francesa –una de las vanguardias en aquel momento– se había atrevido a hacer. Quizá por ello se puede entender el fracaso de su estreno, con el público abucheando la obra antes de su finalización y con la crítica dividida entre los maravillados modernistas franceses y los reaccionarios autores románticos y postrománticos, que la consideraron como una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos. La Consagración de la Primavera supuso en el ámbito de la danza un cambio radical con la tradición de los Ballets Rusos y la del ballet clásico. Es la pieza de danza del siglo XX por excelencia, siendo coreografiada por la mayoría de las grandes personalidades del mundo de la danza: Maurice Béjart en 1972, Pina Bausch en 1975 o Xavier Le Roy en 2007.
Ballet: La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky Coreografía de Jean-Claude Gallotta Estreno 13 de agosto 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador Sinopsis: Pocos estrenos en la historia de la música supusieron un impacto mayor que el producido en 1913 por la célebre Consagración de la primavera, con música de Igor Stravinsky y coreografía de Vaslav Nijinsky. En esta ocasión les presentamos la coreografía de Jean–Claude Gallott para este clásico de la danza contemporánea, que cuenta con los bailarines del Centro Coreográfico Nacional de Grenoble y el Groupe Emile Dubois, así como la propia dirección musical de Stravinsky, en una grabación de discográfica de absoluta leyenda.
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Ópera: Pelléas et Mélisande Ópera en cinco actos de Claude
Debussy Estreno 19 de agosto 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Ecuador
La gran ópera del compositor galo en magnífica producción desde Essen, con un fantástico elenco artístico.
Género: ópera, música clásica, música contemporánea. Intérpretes: Jacques Imbrailo, Michaela Selinger, Vincent Le Texier, Doris Soffel, Wolfgang Schöne, Dominik Eberle, Mateusz Kabala; Coro de Ópera del Aalto-Theaters; Nikolaus Lehnhoff [dirección de escena], Raimund Bauer [escenografía], Andrea Schmidt- Futterer [vestuario], Olaf Freese [iluminación]. Director: Stefan Soltesz. Orquesta: Filarmónica de Essen. Año: 2013. Lugar: Aalto-Musiktheater, Essen. Duración: 150 minutos.
Pelléas et Mélisande, ópera en cinco actos con música de Claude Debussy (1862-1918) y libreto en francés del mismo compositor y Maurice Maeterlinck, sobre una pieza teatral de este último. Tuvo su estreno el 30 de abril de 1902 en la Opéra-Comique de París, bajo la dirección de André Messager, a quien está dedicada la obra. El papel de Mélisande recayó en la famosa soprano Mary Carden. El éxito fue inequívoco, aunque de ninguna manera sensacional. La obra, de difícil representación, conquistó lentamente los escenarios del mundo. Resulta significativo el hecho de que muchos compositores de la época pusieran música a textos de Maeterlinck, incluso Fauré y Schönberg compusieron también obras
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 13 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 tituladas Pelléas et Mélisande. Debussy conoció el drama de Maeterlinck, Pelléas et Mélisande, en 1892 y en seguida quiso ponerle música. Se puso en contacto con el poeta, que le dio su autorización. Debussy respetó el texto en medida mucho mayor de lo que es usual en la composición de óperas, pero no pudo evitar la exclusión de algunas escenas en razón de la extensión de la obra teatral. Esto y una cuestión personal –el papel protagonista femenino había sido pensado al principio para la esposa de Maeterlinck– separaron a los dos hombres, que llegaron a una ruptura violenta y total. Debussy trabajó en la ópera durante diez años y con una entrega absoluta. Entre tanto, el poeta y el compositor se habían reconciliado, conscientes de haber dado al teatro musical una obra única.
El libreto de la ópera está lejos de los libretos usuales de la época, especialmente por estar firmado por Maeterlinck, uno de los más grandes representantes del simbolismo, ese estilo posromántico, ensoñador, emparentado con el impresionismo pictórico y musical, común a Rilke, Verhaeren y Verlaine, cuya mejor época fue el período que va desde finales de siglo hasta la Primera Guerra Mundial. Los franceses hablaron a menudo de décadence, un concepto que no se corresponde del todo con el término alemán dekadenz, pues su sentido es mucho menos negativo. Puede ponerse en duda que un poema como este pueda servir de base a una ópera, pero a tenor del resultado la respuesta sería un no rotundo.
Debussy hizo posible lo aparentemente imposible: a partir de este libreto ajeno a la realidad cotidiana, totalmente alejado de todos los estilos de la música dramática, creó una maravillosa obra musical. Para ello solo podía encontrar un estilo musical igualmente ensoñador y trascendental, que en última instancia se remonta al Tristán e Isolda de Wagner, pero que en realidad representa algo completamente nuevo. Aquí la palabra y la música se compenetran hasta lo más profundo. La música nostálgica y melancólica de Debussy, sus armonías ensoñadoras, sus sonidos mágicos, que parecen venir de un mundo diferente, fueron el complemento ideal de un poema en el que las palabras solo dicen la mitad de lo que contienen. Aquí Debussy es completamente él mismo y completamente impresionista. Por medio de un recitativo melódico único soluciona el eterno problema operístico de la preponderancia de la poesía o de la música. El hecho de que ese recitativo pueda tener un efecto ligeramente monótono si no se le da una interpretación de alto nivel, no dice nada contra él. Con los interludios entre los diferentes cuadros, Debussy crea verdaderas obras maestras sinfónicas, cada una de las cuales refleja la situación anímica de los personajes.
Ópera: Pelléas et Mélisande Ópera en cinco actos de Claude Debussy Estreno 19 de agosto 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Ecuador Sinopsis: Sin duda, una de las óperas más influyentes en el cambio de siglo fue Pelléas et Mélisande, la gran obra escénica de Claude Debussy, que marcó un antes y un después en el tratamiento operístico francés en la historia. Llega aquí en la producción del Aalto-Musiktheater Essen, con las voces de Jacques Imbrailo, Michaela Selinger, Vincent Le Texier, Doris Soffel, Wolfgang Schöne, Dominik Eberle y Mateusz Kabala. Están acompañados por el Coro de Ópera de Aalto-Theaters y la Filarmónica de Essen, bajo la dirección de Stefan Soltesz.
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Ópera: Macbeth Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 20 de agosto 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador
Una de las óperas más fantásticas del operista italiano, servida a través de la magnífica producción de la Royal Opera House londinense.
Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto, verismo. Intérpretes: Simon Keenlyside, Raymond Aceto, Liudmyla Monastyrska, Elisabeth Meister, Nigel Cliffe, Ian Lindsay, Steven Ebel, Dimitri Pittas, Will Richardson, Olle Zetterström, William Payne, Archie Buchanan, Jonathan Coad, Lukas Jakobski; Coro de la Royal Opera House; Phyllida Lloyd [dirección de escena], Anthony Ward [escenografía], Paule Constable [iluminación], Mihael Keengan-Dolan [coreografía]. Director: Antonio Pappano. Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House. Año: 2011. Lugar: Royal Opera House, London. Duración: 170 minutos.
Macbeth es una ópera en cuatro actos y diez cuadros con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) sobre libreto en italiano de Francesco Maria Piave y Andrea Maffei, que fue estrenada en el Teatro della Pergola de Firenze, el 14 de marzo de 1847. El libreto está basado en la tragedia homónima de William Shakespeare. Fue la décima ópera de Verdi y también la primera de las obras de Shakespeare que adaptó a la escena operística. De ella, el propio Verdi escribió: He aquí este Macbeth, el cual amo más que a todas mis otras óperas. Escrita después del éxito de Atila en 1846, para entonces el compositor estaba bien
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 15 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 establecido, y precedió a los grandes éxitos de 1850 a 1853, Rigoletto, Il Trovatore y La traviata, que impulsaron a Verdi a su fama universal tal y como hoy la conocemos. La fuente es clara, especialmente aquí, pero también en otras de sus óperas, siendo el dramaturgo Shakespeare una de las grandes inspiraciones verdianas, como se verá en la atención que prestará a posterori a algunas de sus obras.
Influido por su amistad en los años 1840 con Andrea Maffei, Verdi comenzó la composición de la obra en 1846, tras recibir ese encargo del teatro florentino, asegurándole además que determinados cantantes estarían disponibles. La primera versión de Macbeth se terminó en la mitad de lo que Verdi llamó sus años de galera, un período entre 1842 y 1850 en el que el autor italiano creó nada menos que 14 óperas. Sin embargo, para los estándares de la mayoría de las óperas italianas de los primeros cincuenta años del siglo XIX, Macbeth era una rara avis. Verdi intentó construir con ella un verdadero drama musical que no siguiera las tradicionales convenciones de la ópera italiana, establecidas en cierta manera ya desde el Barroco: recitativos, arias, números concertantes… El texto de Piave se basó en una traducción en prosa de Carlo Rusconi, publicada en Torino en 1838. Verdi no encontró la obra original de Shakespeare hasta después de la primera representación de la ópera, pero su conocimiento de otras obras shakespearianas era evidente, como él mismo señaló en 1865: Es uno de mis poetas favoritos. Lo tengo en mis manos desde mi más temprana juventud. Escribiendo a Piave, Verdi dejó claro cuán importante le resultaba este tema: Esta tragedia es una de las grandes creaciones humanas... Si no podemos sacar algo grande de ella, al menos intentemos hacer algo extraordinario.
Aún con ciertos desacuerdos y la necesidad de Verdi de corregir constantemente los borradores de Piave –tanto es así que Maffei participó en la reescritura de algunas escenas del libreto–, su versión sigue la obra de Shakespeare de manera muy fidedigna, presentando con todo algunos cambios. La versión de 1847 tuvo mucho éxito y fue ampliamente representada. Encantado con su ópera y la recepción que tuvo, Verdi escribió a Antonio Barezzi, su anterior suegro y partidario desde hacía tiempo, el 25 de marzo de 1847: Desde hace tiempo quiero dedicarte una ópera a ti, que has sido padre, benefactor y amigo mío. Era un deber que debía haber cumplido antes, si las imperiosas circunstancias no me lo hubieran impedido. Ahora te envío Macbeth, a la que aprecio por encima de mis otras óperas, y por lo tanto considero la más valiosa que puedo regalarte. La versión de 1847 fue representada por toda Italia hasta que apareció la versión de 1865.
Ópera: Macbeth Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 20 de agosto 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador Sinopsis: Macbeth no es, a pesar de su descomunal calidad musical y su sentido dramático fuera de lo común, una de las óperas más conocidas e interpretadas de Giuseppe Verdi. Les invitamos a descubrirla en esta sensacional producción de la Royal Opera House de Londres, siempre una garantía de éxito. Las voces protagonistas son las de Simon Keenlyside, Raymond Aceto, Liudmyla Monastyrska, Elisabeth Meister, acompañados por los conjuntos de la casa y la batuta de Antonio Pappano.
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Documental: Re-sonando Beethoven, documental de Michael Sturminger Wiener Akademie & Martin Häselbock Estreno 20 de agosto 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador
La obra de Beethoven vista desde su esencia, en un documental con el que trasladarse a la Viena de principios del XIX y comprenderla tal como fue.
Género: documental, concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica, música coral. Director: Martin Haselböck. Orquesta: Wiener Akademie. Año: 2015. Lugar: Viena. Duración: 60 minutos.
Re-sonando Beethoven es un documental que sumerge al espectador en un viaje musical a los lugares originales de la Viena del momento, para conocer de cerca el debut de las sinfonías de Beethoven, así como otras de sus más importantes composiciones. ¿Cómo se realizaron las obras orquestales de Beethoven en su vida y qué diferencias hay en ellas en la práctica actual? Basado en numerosas anécdotas y descripciones de las interpretaciones de las obras de Beethoven en su origen, se pinta un cuadro de la vida musical de Viena a principios del siglo XIX, con el que conocer de manera fidedigna la sonoridad auténtica de aquellas músicas.
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 17 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017
Desde la segunda mitad del siglo XX la recuperación del patrimonio musical de los siglos XVII, XVIII y XIX ha sufrido un avance trascendental que no tiene parangón con otro período musical antiguo. De la mano del llamado movimiento historicista, basado en el estudio de las fuentes primarias –iconografía, documentos escritos, instrumentos conservados, tratados teóricos y de interpretación…– se ha ido recuperando una manera de hacer que se acerque de forma fidedigna a la sonoridad original de estas músicas. Han sido muchos los especialistas que han ido dedicando sus carreras a la interpretación de repertorio estrictamente barroco. La interpretación historicista de la música llamada antigua, es decir, la medieval, renacentista y barroca, ha estado presente cada vez con más fuerza en el panorama de la música clásica hasta el punto de que actualmente es uno de los repertorios que más público joven aglutina a su alrededor y sin duda uno de los que más interés suscita entre el gran público, que lo ha ido descubriendo poco a poco. Pero el historicismo ha ido avanzando en el tiempo, por lo que los repertorios del siglo XIX también han pasado por el tamiz de esta visión filológica de sumo interés, de tal forma que la música de los autores románticos ha cobrado otro sentido al que habitualmente se estaba acostumbrado de la mano de las interpretaciones al uso de las orquestas convencionales. Así, le invitamos a descubrir la obra de Beethoven con una visión muy distinta, gracias a una de las formaciones austríacas más importantes del panorama mundial en la interpretación de la música histórica: Wiener Akademie, que fundó en 1985 y dirige desde entonces Martin Häselbock.
Ludwig van Beethoven (1770-1829), el compositor nacido en Bonn, es uno de los grandes genios en la historia de la música. Sus primeros logros como compositor e intérprete muestran una extensión de la tradición clásica vienesa que había heredado de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn. Su atormentada vida, tanto en su el terreno de la salud –con una sordera que le acarreó serios problemas–, como en el de las relaciones interpersonales, se representaba en su creación, y su figura se alzó más grande, si cabe, gracias a su capacidad para plasmar todo su mundo interior en su magnífica obra. Comenzó a componer en un estilo musical cada vez más individual, creando al final de su vida sus obras más sublimes y profundas. Su gran éxito reside quizá en la combinación de la tradición con la exploración y la expresión personal, llegando a ser considerado como la figura musical dominante del siglo XIX. Por el respeto que a sus obras han demostrado prácticamente la totalidad de compositores de primer nivel, así como por la popularidad que sus obras han tenido entre el gran público y los mejores intérpretes, es sin duda alguna, junto a Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart, el compositor más admirado en la historia de la música occidental.
Documental: Re-sonando Beethoven, documental de Michael Sturminger Wiener Akademie & Martin Häselbock Estreno 20 de agosto 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador Sinopsis: A través de Re-Sonando Beethoven, Michael Sturminger pretende acudir a los orígenes, al Beethoven de su época, para conocer su contexto artístico-cultural, social y desentrañar así la pureza de su música. Un viaje por la Viena de los siglos XVIII y XIX, conociendo, a través de las interpretaciones históricamente informadas de Wiener Akademie y Martin Häselbock, cómo sonaba por aquel entonces la obra del genial autor alemán.
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Ópera: Los cuentos de Hoffmann Ópera en tres actos de Jacques Offenbach Estreno 26 de agosto 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador
Una de las grandes óperas en la historia de Francia, en la siempre impresionante puesta en escena del Festival de Bregenz.
Género: ópera, música clásica, música romántica. Intérpretes: Kerstin Avemo, Mandy Fredrich, Rachel Frenkel, Daniel Johansson, Michael Volle, Bengt-Ola Morgny, Ketil Hugaas, Christophe Mortagne, Hoël Troadec, Josef Kovačič, Petr Svodoba, Pär Karlsson; Coro Filarmónico de Praga; Stefan Herheim [dirección de escena], Christof Hetzer [escenografía], Esther Bialas [vestuario], Andreas Hofer [iluminación], Olaf A. Schmitt [dramaturgia]. Director: Johannes Debus. Orquesta: Sinfónica de Viena. Año: 2015. Lugar: Festival de Bregenz. Duración: 180 minutos.
Los cuentos de Hoffmann [Les contes d'Hoffmann], ópera en tres actos, con prólogo y epílogo, de Jacques Offenbach (1819-1880) y libreto en francés de Jules Barbier, basado en una obra que el propio Barbier y Michel Carré habían escrito sobre cuentos de E. T. A. Hoffmann, titulada Les contes fantastiques d'Hoffmann. El 18 de mayo de 1879 Offenbach repartió invitaciones para un concierto privado; entre los invitados se encontraban, además de numerosos personajes eminentes, los directores de la Opéra Comique de París y de la Hofoper de Viena. En el programa había muchos números terminados de la ópera Los cuentos
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 19 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 de Hoffmann. La obra pareció interesar mucho a ambos, pero Offenbach no pudo terminarla. En agosto de 1880 describió a su hija los detalles de su actividad, de donde se puede concluir que a la ópera le faltaban todavía partes esenciales. Cuando falleció, el 5 de octubre de 1880, la familia hizo saber que Los cuentos de Hoffmann estaban terminados y que había indicaciones detalladas para la orquestación que faltaba. De todos modos, la familia encargó a Ernest Guiraud –que en 1875 había compuesto los recitativos de Carmen– que dejara la obra lista para representarse. Guiraud realizó un trabajo excelente y Les contes d’Hoffmann se estrenó el 10 de febrero de 1881 en la Opéra Comique de París. Pocos meses después, el 7 de diciembre de 1881, la obra se representó por primera vez en idioma alemán. La celebración del centenario del fallecimiento de Offenbach provocó un verdadero diluvio de representaciones de esta obra, que sin duda es su obra más profunda y bella.
Offenbach, que había visto la pieza escrita de Barbier y Carré, no pudo dejar de pensar en ella durante veinte años. Barbier convirtió la obra de teatro en libreto y escribió un texto sumamente vivaz, lleno de acción y emoción, con muchos fenómenos sobrenaturales, con magia y apariciones fantasmales, pero también con pasión y amor, con actuación y técnica, con enfermedad y muerte. Lamentablemente, no es posible establecer con seguridad el orden de las escenas del libreto original. Sea como fuese, uno de los libretos más intensos de la historia de la ópera, un tesoro para los directores de escena y escenógrafos, se había ganado para el teatro.
Casi se podría decir que solo en la hora de la muerte descubrió el rey de la opereta parisina lo que había creado. Su ópera Los cuentos de Hoffmann hace resplandecer con los colores más puros la exuberante alegría de su música. La inspiración melódica es en esta obra más fuerte que nunca; el trabajo armónico más pensado y sutil. En esta obra Offenbach es lírico, dramático y fantástico, y en algunos momentos no puede por menos de ser cómico. Es serio, sensible, dulce, sensual, según lo necesite la escena. Domina el aria con la misma seguridad que los pequeños y grandes conjuntos. En épocas recientes se ha manifestado en los teatros de ópera una tendencia a eliminar los recitativos y a sustituirlos por diálogos hablados, como era la intención de Offenbach. Los cuentos de Hoffmann forma parte del repertorio operístico estándar, apareciendo en las estadísticas de Operabase la n.º 30 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 2.ª en Francia y la primera de Offenbach.
Ópera: Los cuentos de Hoffmann Ópera en tres actos de Jacques Offenbach Estreno 26 de agosto 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador Sinopsis: Los cuentos de Hoffmann es a todas luces la obra más célebre de Jacques Offenbach, así como una de las aportaciones francesas de mayor trascendencia en la historia del género operístico. Les invitamos a deleitarse con esta producción del Festival de Bregenz, con sus siempre indescriptibles puestas en escena, que cuenta con las voces de Kerstin Avemo, Mandy Fredrich, Rachel Frenkel, Daniel Johansson, Michael Volle, Bengt-Ola Morgny, Ketil Hugaas, Christophe Mortagne, Hoël Troadec, Josef Kovačič, Petr Svodoba, Pär Karlsson, a las que sumar el Coro Filarmónico de Praga, la Orquesta Filarmónica de Viena y la batuta de Johannes Debus.
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235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 20 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 Concierto: Messiah, de Georg Friedrich Händel
Tesoros Barrocos Estreno 27 de agosto 17:25 Argentina/Uruguay | 15:25 Colombia/Ecuador
El gran oratorio händeliano en una vibrante versión, servida de la mano de un excelso elenco artístico y con la dirección de Rubén Dubrovsky.
Género: concierto, música clásica, música barroca, música coral. Intérpretes: Hanna Herfurtner, Gaia Petrone, Michael Schade, Christian Immler; Salzburger Bachchor. Director: Rubén Dubrovsky. Orquesta: Bach Consort Wien. Año: 2015. Lugar: Basílica Stift Klosterneuburg. Duración: 125 minutos.
El Mesías [Messiah] es un oratorio en tres partes, compuesto en 1741 en Londres por Georg Friedrich Händel (1685-1759). Ese mismo año Händel atravesaba una época difícil, repleta de problemas de salud que le obligaron a reponerse en un balneario, con su compañía habitual de ópera en la quiebra y agobiado por las deudas, con diversos problemas con la recepción de algunas de sus obras sacras y profanas, así como una serie de intrigas contra su persona que no paran de sucederse, llegando al extremo de que los carteles de sus estrenos son arrancados de las calles. Cuando todo parecía perdido, llegó su salvación: Lord William Cavendish, lugarteniente del rey en Irlanda le invita a ir a Dublín.
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 21 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017
Antes de partir ha querido escribir una obra en homenaje a Irlanda, y así se embarca con un nuevo oratorio en su equipaje. Allí es recibido con admiración máxima. La residencia que ponen a su disposición está muy cerca del Neal’s Music Hall, una sala de conciertos de reciente construcción cuya acústica resulta muy de su agrado y donde pronto sonarán sus obras. Con unos cantantes de primera línea y una estupenda orquesta se hace la suscripción para ofrecer seis conciertos con algunas de sus obras: El festín de Alejandro, la Oda a Santa Cecilia o L’Allegro, il Pensieroso ed il Moderato entre otras. La entusiasta acogida posibilita la celebración de otros seis, comenzando además los preparativos para estrenar ese oratorio nuevo que llevó consigo. Finalmente, el 12 de abril de 1742 un auditorio de setecientas personas escuchó por primera vez su Messiah en Dublín, en un concierto benéfico. El éxito fue arrollador. A su regreso a Londres algunos consideraron blasfemo que una obra titulada El Mesías se interpretara en un teatro, por lo que se le cambió el título por el de Sacred drama. Pero el estreno londinense inclinó la balanza a su favor, puesto que el rey Jorge II se puso en pie al escuchar el célebre Hallelujah. Desde ese momento y hasta la pérdida de la visión, en 1753, Händel lo dirigiría todos los años a beneficio del Hospital Foundling. El Mesías toma un texto de Charles Jennens, adaptado de la Biblia y se divide en tres partes claramente diferenciadas. En la anotación introductoria a la primera edición de la obra, publicada tras el fallecimiento de Händel, se señala lo que se puede ver como el propósito del oratorio, recrear que en Dios está todo el tesoro del conocimiento y la sabiduría. Händel poseía una rapidez casi sobrehumana, solo igualada por Mozart, Rossini o Donizetti, como demuestra que su Messiah fue escrito en solo veinticuatro días, entre el 22 de agosto y el 14 de septiembre de 1741, pero en ningún momento hay en su música indicios de prisa o falta de acabado. Lo que sí puede justificar en cierta medida esta rapidez es la propensión del autor por el autoplagio, tomando pasajes de obras anteriores propias o incluso de composiciones ajenas. Gran parte de esta música está tomada de los Duettos italianos, concretamente del X [entre 1710 y 1713], XV y XVI [entre 1740 y 1741], aunque también la hay procedente de himnos y oberturas, como es el caso del célebre Hallelujah.
La obra no responde al esquema del oratorio händeliano más típico, con personajes concretos a la manera de una ópera sin escenificación, según la tradición del oratorio romano que el propio Händel frecuentó y con coros que representan personajes colectivos o el pueblo de Israel. El Mesías es más bien una colección de tres cantatas con textos poéticos y narrativos, pero no dramáticos, lo cual es atípico en Händel. Actualmente se interpretan tres versiones: la de Dublin de 1742, la de 1752 –única auténtica que se ha conservado– y la de 1754 –para el Hospital Foundling, con cinco solistas–.
Concierto: Messiah, de Georg Friedrich Händel Tesoros Barrocos Estreno 27 de agosto 17:25 Argentina/Uruguay | 15:25 Colombia/Ecuador Sinopsis: El Mesías ha pasado a formar parte de la historia de la música como una de las obras más célebres y predilectas para el gran público. Este oratorio inglés, firmado por Georg Friedrich Händel, llega aquí en la versión del cuarteto protagonista formado por Hanna Herfurtner, Gaia Petrone, Michael Schade y Christian Immler, a los que acompaña el Salzburger Bachchor. La parte instrumental corre a cargo del Bach Consort Wien, dirigidos por Rubén Dubrovsky.
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235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 22 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017
Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 27 de agosto 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador
Una de las grandes óperas verdianas, servida desde el Festival de Salzburg con un trío protagonista de excepción.
Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo. Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Thomas Hampson, Helene Schniderman, Diane Plicher, Salvatore Cordella, Paul Gay, Herman Wallén, Luigi Roni, Wilhelm Schwinghammer, Dritan Luca, Friedrich Springer, Wolfram Igor Derntl, Athol Farmer; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Willy Decker [dirección de escena], Wolfgang Gussmann [escenografía y vestuario], Susana Mendoza [vestuario], Catherine Zuber [vestuario], Hans Toelstede [iluminación], Athol Farmer [coreografía], Klaus Bertisch [dramaturgia]. Director: Carlo Rizzi. Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena. Año: 2005. Lugar: Grossen Festspielhaus, Salzburg. Duración: 140 minutos.
La traviata es una magnífica y célebre ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas II, La dama de las camelias (1852), aunque no del propio texto, sino de una posterior adaptación teatral. Titulada en principio Violetta –como la protagonista principal del drama–, está basada en la vida de una cortesana parisina, Alphonsine Plessis. Tanto Piave como Verdi pretendían seguir a Dumas dándole a la ópera una ambientación contemporánea, pero las autoridades de La Fenice insistieron en que se ambientara en el pasado, hacia 1700. No fue hasta la década de 1880 que se respetaron los deseos
235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 23 Allegro HD – Destacados de Programación – Agosto 2017 originales del compositor y del libretista y se representaron producciones realistas y respetuosas con la intención original. La obra tuvo un estreno poco exitoso en el teatro La Fenice de Venezia, el 6 de marzo de 1853. El público se burló de la representación varias veces, dirigiendo especialmente sus burlas hacia la soprano Fanny Salvini-Donatelli, que interpretaba a Violetta, pues aunque era cantante bien considerada, fue tomada por demasiado vieja –a los 38– y además con sobrepeso como para encajar en el papel dramático de la joven Violetta, quien muere de tuberculosis. A pesar de todo, el primer acto encontró el aplauso al final; en el segundo, sin embargo, el público se volvió contra la representación, especialmente con el barítono [Felice Varesi] y el tenor [Lodovico Graziani]. Al final de la ópera, el público rió a carcajadas, mostrando un total desprecio por su trágico y doloroso final. Al día siguiente Verdi escribió a su amigo Muzio: La traviata anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes? El tiempo lo dirá.
Tras unas revisiones entre 1853 y mayo de 1854, que afectaron principalmente los actos II y III, la ópera se representó de nuevo en Venezia, esta vez en el Teatro San Benedetto y con un éxito mucho mayor, especialmente de crítica, en gran medida debido al retrato de Violetta hecho por Maria Spezia-Aldighieri. Desde entonces su popularidad ha sido constante y se ha mantenido en el repertorio hasta la actualidad. La traviata aparece como la número uno en la lista elaborada por Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo en las temporadas 2007/2008 y 2011/2012, la primera de Italia y de Verdi.
Con ella Verdi alcanzó un estilo maduro, con mayor hondura en la descripción de los personajes, mayor solidez en las construcciones dramáticas y una orquesta más importante y rica. No obstante, es una obra algo atípica dentro de su producción, por su carácter realista. No refiere grandes hechos históricos, como Nabucco, ni está basada en tragedias, como Macbeth, sino que es un drama psicológico de carácter intimista. Fue la primera ópera en la que los actores usaron trajes contemporáneos de la época, ya que lo normal en aquel momento es que los personajes usaran trajes históricos, correspondientes a siglos pasados o a otras civilizaciones, como ocurrió con Aida, en la que se usaron ropas del antiguo Egipto; Nabucco, del antiguo Israel, o Rigoletto, que evocaba la Italia del norte del siglo XVI.
Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 27 de agosto 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador Sinopsis: La traviata es, por méritos propios, una de las grandes óperas de la historia. Giuseppe Verdi muestra todo su genio como operista en esta descomunal obra. El gran Festival de Salzburg echa el resto aquí en esta impresionante producción que cuenta con Anna Netrebko, Rolando Villazón, Thomas Hampson como protagonistas, acompañados por Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena, la Filarmónica de Viena y la batuta de Carlo Rizzi. Todo un lujo.
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