2013 Alrededor De La Noción De Liberación

distrito federal 8 al 21 de febrero

Guerrero 22 AL 28 de febrero

Puebla 1 al 7 de marzo

Veracruz 8 al 14 de marzo

VIVE LATINO 15 al 17 de marzo

Baja California 15 al 21 de marzo

Nuevo León 29 de marzo al 4 de abril

COAHUILA 5 AL 11 de abril

Jalisco 12 al 18 de abril

Michoacán 19 al 25 de abril

Chiapas 26 de abril al 2 de mayo

Oaxaca 3 al 9 de mayo v CONTENIDO CONTENTS

5 Presentación | Foreword 56 El sueño de San Juan Dream of San Juan 20 Notas de programación | Programming Notes

58 AMBULANTE MÁS ALLÁ 22 REFLECTOR 60 Campo 9 24 Expedition to the End of the World Field 9 Expedición al fin del mundo 60 Chibal’Kan 26 The House I Live In La casa donde vivo 61 De tres…uno From Three... One 28 How to Survive a Plague Cómo sobrevivir una plaga 61 El futuro en nuestras manos The Future in Our Hands 30 Les Invisibles Los invisibles 62 Guardianes del Mayab The Invisible Ones Guardians of Mayab 32 Journal de France 62 Koltavanej Diario de Francia 63 El Nail 34 The Queen of Versailles 63 No quiero decir adiós La reina de Versalles I Don’t Want to Say Goodbye 36 Stories We Tell 64 Sanjuana Las historias que contamos 64 Tramas y trascendencias Resilience 38 PULSOS 40 El alcalde 66 The Mayor OBSERVATORIO 68 Argentynska Lekcja 42 Diario a tres voces Lección argentina Three Voices Argentinian Lesson 44 Elevador 70 Future My Love Elevator Futuro mi amor 46 Inori 72 Leviathan 48 Palabras mágicas (para romper Leviatán un encantamiento) 74 Planet of Snail Magic Words (To Break a Spell) Planeta del caracol 50 Partes de una familia 76 Tchoupitoulas Parts of a Family 78 A Última Vez que vi Macau 52 La piedra ausente La última vez que vi Macao The Absent Stone The Last Time I Saw Macao 54 Quebranto Ruin 80 DICTATOR’S CUT 108 SONIDERO 82 Ai Weiwei: Never Sorry 110 Beware of Mr. Baker Ai Weiwei: nunca se arrepiente Ciudado con el sr. Baker

84 Camp 14—Total Control Zone 112 The Chemical Brothers: Don’t Think Campo 14–Zona de control total 114 Don’t Stop Believin’: Everyman’s 86 Campesinos Journey Peasants 116 Je suis venu vous dire... 86 Chircales Gainsbourg par Ginzburg Brickmakers He venido a decirle… Gainsbourg por Ginzburg 88 The Gatekeepers Gainsbourg by Gainsbourg: Los guardianes An Intimate Self-Portrait Qu’ils reposent en révolte 90 118 Ornette: Made in America (Des figures de guerres I) Que descansen en rebelión 120 Paul Simon: Under African Skies (Figuras de guerras I) 122 Searching for Sugar Man May They Rest in Revolt (Figures of Wars I) Buscando a Sugar Man 92 Winter, Go Away! Invierno, ¡lárgate! 124 AMBULANTITO Alouette 94 INJERTO 126 126 The Cow Who Wanted 98 Programa 1: Películas favoritas to Be a Hamburguer del público de Cinema 16 La vaca que quería ser hamburguesa Program 1: Cinema 16 Audience Favorites 126 Fiesta Brava 100 Programa 2: La ciudad que vio nacer Cinema 16 127 Interlude Program 2: The City Where Cinema 16 Interludio Was Born 127 Les Kiriki, acrobates japonais 102 Programa 3: El cine como arte Los Kiriki, acróbatas japoneses subversivo The Kiri-kis, Japanese Acrobats Program 3: Film As a Subversive Art 127 One Week 104 Programa 4: Seducciones Una semana Program 4: Seductions 127 Ten Minutes Older 106 Programa 5: Cine en primera persona Diez minutos mayor Program 5: First-Person Cinema 148 Sans Soleil 128 ENFOQUE: Sin sol CINE SOBRE CINE Sunless 130 Emak Bakia 148 Le souvenir d’un avenir Recuerdos del porvenir 130 Emak Bakia baita Remembrance of Things to Come La casa Emak Bakia The search for Emak Bakia 149 Le train en marche El tren en marcha 132 Love The Train Rolls On Amor 149 On vous parle du Brésil: Tortures 134 The Pervert’s Guide to Ideology Reporte desde Brasil: Torturas La guía de ideología del pervertido Report on Brazil: Tortures 136 What Is This Film Called Love? 149 On vous parle du Chili: ¿Qué es esta película llamada amor? Ce que disait Allende 138 Where the Condors Fly Reporte desde Chile: Lo que Allende dijo Donde vuelan los cóndores Report on Chile: What Allende Said 150 Dans l’atelier de Chris Marker RETROSPECTIVA: En el estudio de Chris Marker 140 chris marker Agnès Varda in Chris Marker’s Atelier 150 Las variaciones Marker 144 ...à Valparaiso A Valparaíso The Marker Variations Valparaiso 152 144 A.K. imperdibles 145 Le fond de l’air est rouge El fondo del aire es rojo 156 ambulante A Grin Without a Cat internacional 145 La Jetée El muelle ambulante ante The Pier la crítica 146 Le joli mai 158 El hermoso mayo ambulante: Beautiful May a critical review 146 Une journée d’Andrei Arsenevitch Un día en la vida de Andrei Arsenevitch 187 directorio | directory One Day in the Life of Andrei Arsenevich 189 índice de realizadores | index of directors 147 Level 5 Nivel 5 190 índice de títulos | index of titles 147 Loin du Vietnam 193 patrocinadores | sponsors Lejos de Vietnam Far from Vietnam presentación | Foreword ELENA FORTES | directora general • ambulante a.c.

Finalmente bajamos el telón de 2012, un año de pri- cas y enigmáticas de la historia cinematográfica; su maveras inquietantes e inviernos turbulentos. Desde el aproximación radical al cine y deseo de indagar en inicio de la revolución tunecina en 2010, las estaciones los límites del medio han influido en innumerables del año se han instalado en nuestro discurso político cineastas contemporáneos que trabajan en los terre- como metáforas para describir los cambios en las confi- nos de la ficción y de la no ficción. Como contraparte guraciones geopolíticas. Esta nueva “atmósfera” global, literaria de esta retrospectiva, publicamos una colec- cargada de energía creativa y una contagiosa sensa- ción de ensayos y reflexiones sobre la vida y obra de ción de empoderamiento, ha generado un activismo Marker a cargo de cineastas, críticos, programadores muy particular y de mucho mayor impacto, que se y académicos. Nuestra sección Enfoque celebra la apropia de manera estratégica de recursos interactivos introspección cinematográfica, mostrando películas y formas alternativas de protesta. autoreflexivas que dirigen nuestra atención al medio. Decidimos rendir homenaje a este espíritu de re- Injerto está dedicado al legado de Cinema 16, la volución creativa al estructurar nuestra programación famosa sociedad fílmica que cambió el curso del cine de 2013 alrededor de la noción de liberación. Las independiente y llevó las obras del cine de vanguardia películas incluidas en esta selección aluden a procesos a la pantalla grande. Ambulante Más Allá presenta individuales y acciones colectivas que trascienden diez proyectos completados durante el primer año una variedad de limitaciones; muchas de ellas se de esta nueva iniciativa. Por tercer año consecutivo, enfocan en procesos íntimos de liberación. El docu- AMBULANTE participará en el festival de música Vive mental parece estar alejándose de las explicaciones Latino, con un programa curado especialmente por un totalitarias sobre el orden mundial y dirigiéndose hacia grupo selecto de músicos como Quique Rangel (Café las historias personales que pertenecen a entornos Tacvba), Amandititita, Adanowsky, Rodrigo Guardiola privados, y que quizá son más efectivas para develar (Zoé), Saúl Hernández (Caifanes) y Julieta Venegas. ciertos aspectos de nuestra naturaleza. Es a través de Cualquiera que sea el término o la forma que actual- los rituales y gestos cotidianos que somos capaces mente se utilice para hablar del documental, siempre de comprender mejor nuestra humanidad. parte de una historia construida desde lo real. A veces Nuestra idea de liberación también celebra la irre- olvidamos que nosotros mismos somos nuestra propia verencia del documental. Los experimentos recien- historia, nuestra propia construcción. Las historias tes en el nebuloso terreno de la no ficción desafían son la manera en la que nos interpretamos a nosotros la categorización, no solo en relación con la forma, mismos, nuestro pasado y futuro, y en última instancia, pero también en términos del medio elegido para la lo que nos trasciende. producción y la exhibición. Las nuevas plataformas Por este motivo, los invitamos a sumarse a esta nos obligan a repensar las convenciones narrativas, octava gira y a participar en la construcción de una la noción de autoría y de público. Los documentales nueva historia de AMBULANTE. interactivos y la práctica documental en otras expre- Damos nuestro más sincero agradecimiento a siones culturales, como el teatro y el performance, todas las personas que han hecho este viaje posible: han cambiado radicalmente las posibilidades para el nuestros socios, patrocinadores, colaboradores, volun- futuro desarrollo del género. tarios, cineastas, amigos, corresponsales, colegas y Entre los diversos programas de 2013, destaca a nuestro público generoso. un homenaje a Chris Marker y una retrospectiva de su trabajo. Marker es una de las figuras más prolífi- Ambulante

8 director • amBUlante a.c.

We finally drew the curtain on 2012, a year marked and desire to probe film frontiers have inspired by exhilarating springs and turbulent winters. Since countless contemporary filmmakers working in the onset of the Tunisian Revolution in 2010, both fiction and nonfiction modes. A publication seasons have entered our political discourse as of collected essays and reflections on his life and metaphors to describe the changes in geopolitical work that includes contributions by notable film- configurations. The resulting global “atmosphere,” makers, critics, programmers and scholars will serve charged with creative energy and a contagious as a literary counterpart to this retrospective. Our sense of empowerment, has given rise to a singular Enfoque section this year will celebrate cinematic form of activism—one that is able to effect a greater introversion, featuring self-reflexive films that draw impact through a strategic appropriation of inter- attention to the medium. Injerto will be devoted to active resources and alternative forms of protest. the legacy of Cinema 16—the famous film society We have chosen to honor this spirit of creative that changed the course of independent cinema revolution by structuring our program for 2013 and brought works of the avant-garde to the big around the notion of liberation. The films included screen. Ambulante Beyond will feature the ten in the selection address individual processes and projects completed throughout the first year of this collective actions that transcend a variety of limi- new initiative. For the third year in a row, Ambu- tations. Many of the films focus on more intimate lante will participate in the Vive Latino Music processes of liberation. Documentary seems to be Festival, with a program specially curated by a drifting away from totalizing claims about the world select group of musicians, including Quique Rangel order and the delivery of factual information, and (Café Tacvba), Amandititita, Adanowsky, Rodrigo moving toward more personal stories that belong Guardiola (Zoé), Saúl Hernández (Caifanes) and to private realms, and are perhaps more success- Julieta Venegas. ful in unveiling certain aspects of our nature. It Whichever term or form applies to documentary is often through daily rituals and small gestures today, at its core, there is always a story built from that we are able to better assimilate our humanity. the real. We sometimes fail to acknowledge that Our idea of liberation also celebrates irreverence we are ourselves our own story, our own construc- in documentary. Recent experiments within the tion. Stories are part of how we interpret ourselves, nebulous domain of nonfiction defy categorization, our past and our future, and are ultimately what not only in terms of form but in terms of the chosen transcend us. medium of production and exhibition. New platforms We thereby encourage you to join us on our are challenging the conventions of storytelling and eighth journey and partake in the construction of the ideas of authorship and audience. Interactive the story of Ambulante. documentaries and documentary practice across Our heartfelt gratitude goes to all the extraordi- other cultural expressions, such as theater and nary people that have made this journey possible: performance, have radically reset the possibilities our generous partners, sponsors, collaborators, for the future development of the genre. volunteers, filmmakers, friends, correspondents, Highlights of this year’s program include a tribute colleagues, and our remarkable audience. to Chris Marker and a retrospective of his work. One of the most prolific and enigmatic figures in film history, Marker’s radical approach to cinema Ambulante

9 alejandro ramírez magaña | director general cinépolis

Hoy, más que nunca, el ser humano tiene conscien- del género documental y, por otro, el creciente cia de su entorno y del mundo en el que vive. En interés del público por los documentales. Este la era del Internet y de las telecomunicaciones no año, Ambulante Gira de Documentales llega a su es necesario viajar a otros países ni tener un grado octava edición y se consolida como el foro por académico para poder penetrar en los misterios excelencia para la exhibición del género docu- de otras sociedades y de otras culturas. Siempre mental, un espacio que se ha logrado gracias a un que exista la curiosidad suficiente, es posible trabajo intenso con el objetivo de formar al público desarrollar un conocimiento, al menos básico, y crear un vínculo con él. sobre prácticamente cualquier tema. Cinépolis, la empresa de exhibición cinema- Tanto el avance de esta interconexión global tográfica más importante de América Latina, ha como el desarrollo de la tecnología digital han estado presente durante todo este proceso —y impulsado dramáticamente la producción de obras desde su fundación— trabajando de la mano con cinematográficas. Probablemente, el género que AMBULANTE en la promoción del género docu- más se ha beneficiado de estos avances es el mental en México. En este octavo año, la Gira documental. Afortunadamente, los documentales recorrerá once estados de la República Mexicana, no solo han aumentado en cantidad sino también incluyendo por vez primera Coahuila. en calidad. Esperamos que sea una edición más de mucho AMBULANTE ha estado presente a lo largo de éxito para Ambulante y para el documental siete años atestiguando, por un lado, el desarrollo en México.

10 general director cinepolis

Now more than ever, people are conscious of their as the most important forum for the exhibition of surroundings and the world they live in. The era of documentaries, it has continued to educate audi- Internet and telecommunications makes it possible ences and bond with a diverse public. to penetrate the mysteries of other societies and Cinépolis, the most important film exhibition other cultures without traveling or possessing an company in Latin America, has been present through- academic degree. Wherever there is the will to know, out this process, working alongside AMBULANTE it is possible to develop at least a basic knowledge since its foundation to promote documentary film of almost any subject. in Mexico. In this eighth edition, the film festival The advance of this global interconnection, as will visit eleven states in Mexico, including, for the well as the development of digital technology, has first time, Coahuila. dramatically influenced film production. The genre We hope that this edition will be another great that has probably benefitted the most from these success for both AMBULANTE and for documen- developments is documentary. Fortunately, docu- taries in Mexico. mentaries have not only increased in number, but have also improved in quality. For seven years now, AMBULANTE has contributed to the development of documentary culture and new audiences. This year, the Ambulante Docu- mentary Film Festival reaches its eighth edition, and

11 DANIELA MICHEL | directora general festival internacional de cine de morelia

Ambulante Gira de Documentales comenzó como un punto de encuentro único para los cineastas, el una propuesta única en nuestro país: un festival de público y la comunidad fílmica internacional. Este cine documental que, a lo largo de su recorrido por año, nuestra programación se vio enriquecida con varias ciudades de México, buscaba diversificar los la participación de AMBULANTE en la presentación canales de exhibición de un género que rara vez de los documentales de estreno Los invisibles (de llegaba a la pantalla grande. Ahora, en su octavo Sébastien Lifshitz) y Buscando a Sugar Man (de año, AMBULANTE ha logrado descentralizar la Malik Bendjelloul), cintas que inspiran con histo- exhibición del cine documental, generando nuevos rias y testimonios que nutren nuestra memoria y numerosos públicos, y recalcando la importancia colectiva y expanden los contornos de nuestra del cine como instrumento de concientización consciencia política. También tuvimos el privilegio política y social. Además de convertirse en el de presentar tres trabajos, producto de la iniciativa festival más importante de cine documental de de Ambulante Más Allá, en el marco de nuestra nuestro país, se ha consolidado como una fuente sección Foro de los Pueblos Indígenas, y una cinta importante de apoyo a la producción y distribución del legendario Chris Marker, cineasta francés que del documental, que fomenta la capacitación de reinventó el género documental a través del cine jóvenes cineastas en diversas comunidades del ensayo. Es un honor poder ofrecer espacios para sureste del país a través de los talleres de capa- difundir la importante labor de AMBULANTE en citación de Ambulante Más Allá. Morelia y brindarle a nuestro público un preámbulo Como cada año, el Festival Internacional de de la maravillosa programación de la próxima gira Cine de Morelia se enorgullece de colaborar con de documentales. este importante proyecto. Para nosotros es un Les deseamos una exitosa gira y felicitamos gran privilegio poder apoyar esta iniciativa, con la su loable tarea de difundir el cine documental en cual, desde un inicio, hemos compartido objetivos: nuestro país. promover y divulgar el cine de nuestro país y crear

12 GENERAL director morelia international film festival

The Ambulante Documentary Film Festival began tation of the documentaries The Invisible Ones as a unique project in our country: a documentary (directed by Sébastien Lifshitz) and Searching for film festival that through its tour in several cities in Sugar Man (directed by Malik Bendjelloul), which Mexico sought to diversify the modes of exhibition offer inspiring stories and testimonies that nourish of a genre that rarely reached the big screen. Now our collective memory and broaden the expanse of in its eighth year, AMBULANTE has succeeded our political consciousness. We also had the privi- in decentralizing theatrical exhibition, generating lege of presenting three works that resulted from new and diverse audiences and emphasizing the the Ambulante Beyond training initiative and were importance of cinema as a tool for raising social featured in our First Nations Forum section, as well and political awareness. Besides being the most as a film by legendary filmmaker Chris Marker, who important documentary film festival in Mexico, AM- reinvented the documentary genre through the es- BULANTE also constitutes, through the Ambu- say film. It is an honor to be able to offer a platform lante Beyond initiative, an important resource for to promote AMBULANTE’s mission in Morelia and production and distribution, as well as education and offer our audience a wonderful preamble to the training for young filmmakers in different Mexican festival’s upcoming program. communities. We wish AMBULANTE a successful festival As always, the Morelia International Film Festival and congratulate the team’s admirable efforts to is proud to be able to collaborate in this important promote documentary cinema in our country. project. Since AMBULANTE’s inception, our festivals have shared a mission: to promote documentary film and create a unique meeting point for filmmakers, audiences and the international film community. This year our programming was greatly enriched by AMBULANTE’s participation with the presen-

13 mario bronfman | representante de la oficina para méxico y centroamérica • fundación ford

El año 2012 fue muy especial para la oficina de Ford se refleja en el hecho de que el presidente y la Fundación Ford en México y Centroamérica. los vicepresidentes de la Fundación viajaron a la Celebramos cincuenta años de presencia ininte- ciudad de México para participar en la inauguración. rrumpida en la región y para ello organizamos, a lo Para nosotros, el tema de la gira 2013 −libe- largo de todo el año, un conjunto de actividades de ración− tiene una importancia particular, pues muy diverso tipo: mesas redondas, exposiciones engloba uno de nuestros propósitos: ayudar a fotográficas, cursos, reuniones e instalaciones, entre grupos marginados a tomar control sobre su destino otras más. AMBULANTE acompañó a la Fundación y lograr un cambio social. Este año es uno más en Ford en este año de festejos y fue parte central de la historia de la profunda y estratégica colabora- dos de las actividades principales: una muestra ción entre la Fundación Ford y AMBULANTE. Un de películas y paneles sobre migración realizada año más en el que volvemos a sentir el orgullo y en Tijuana y San Diego, bajo el título Ambulante el honor de que nuestro nombre esté asociado Border Series y un ciclo llamado Ideas migratorias con un proyecto que crece y se consolida por y estrategias documentales que incluyó, además la fuerza de su contenido y la vitalidad sin límites de una muestra cinematográfica y charlas con de sus participantes. Por ello, celebramos que invitados especiales, una degustación gastronó- esta alianza fundamental crezca y se fortalezca al mica y una maravillosa exhibición de arte con el tiempo que atestiguamos la maduración de una nombre de Maletas Migrantes. La trascendencia organización como AMBULANTE, imprescindible que estos eventos tuvieron para la Fundación para la expansión de los valores que compartimos.

14 representative of the office for mexico and central america ford foundation

The year 2012 was very special for the Ford Foun- The subject of the 2013 film festival, liberation, dation’s Mexico and Central America office. We is of particular importance for us as it encompasses celebrated fifty years of uninterrupted presence in one of our main objectives: to help marginalized the region and organized a diverse series of events: groups take control of their own destiny and to bring round tables, photo exhibits, courses, meetings and about social change. This will be another year of art installations, among others. AMBULANTE joined profound and strategic collaboration between the the Ford Foundation in this year-long celebration Ford Foundation and AMBULANTE, a year in which as an integral part of two of the main activities we will again feel honored and proud that our name that were carried out: a presentation of migration- is associated with a project that is expanding and related films in Tijuana and San Diego under the breaking new ground thanks to the strength of its Ambulante Border Series program, and a series content and the limitless vitality of its participants. of events grouped under the name Migratory Ideas And so we celebrate the growth and strength of this and Documentary Strategies, which included a film fundamental alliance, while attesting to the maturity series and panels with special guests, but also a of AMBULANTE, an organization which is essential wonderful art exhibit entitled Migrant Suitcases and in promoting the values we share. a food tasting. The importance that these events had for the Ford Foundation is reflected in the fact that the president and vice presidents of the Founda- tion traveled to Mexico to attend the inauguration.

15 Carolina Coppel | directora ambulante más allá

Ambulante Más Allá, una de las iniciativas de Además de fortalecer la organización y parti- AMBULANTE, es un proyecto de capacitación en cipación comunitaria por medio de la realización producción documental que tiene como objetivo de documentales independientes, para nosotros formar a nuevos realizadores provenientes de es fundamental la difusión de los trabajos, con el diversos rincones de México y Centroamérica, objetivo de aprovechar al máximo su potencial facilitando el acceso a las herramientas necesa- como herramienta de transformación social. El rias para compartir sus historias con un público documental inspira respuestas y acciones cons- amplio. Trabajamos con jóvenes, mujeres y organi- tructivas que pueden poner en marcha cambios zaciones comunitarias indígenas que difícilmente sociales, además de incitar a la reflexión crítica, tienen oportunidades de capacitarse en medios al ofrecer diversas perspectivas en torno a la rea- audiovisuales. lidad. También creemos que es necesario seguir Ambulante Más Allá busca fomentar la realiza- luchando por la democratización de los medios ción cinematográfica independiente que permita a y la autorepresentación de los grupos excluidos. las comunidades marginadas recuperar y fortalecer En la primera edición (2012) contamos con su identidad, reivindicar sus derechos, así como cincuenta estudiantes de diferentes comunidades romper estereotipos y transformar los imaginarios de Yucatán, Campeche, Chiapas y Guatemala sociales negativos asociados a sus comunidades. que produjeron diez documentales en los cuatro Buscamos celebrar la diversidad y contribuir a la talleres organizados por un equipo pequeño, democratización de la producción audiovisual, entregado y muy profesional, e impartidos por promoviendo historias contadas desde una pers- cineastas con una amplia experiencia docente. pectiva cultural y estética propia, sin la imposición Cada uno de los participantes del taller compartió de parámetros audiovisuales convencionales y con nosotros su corazón y su mirada. Gracias a homogeneizantes. Asimismo, queremos generar ellos aprendimos algo nuevo sobre nuestro país un espacio creativo para que las comunidades y sobre nosotros mismos. puedan desarrollar sus historias.

16 director ambulante beyond

Ambulante Beyond, one of AMBULANTE’s recent Documentaries inspire constructive responses and initiatives, is an educational documentary film training actions that can activate social change and provoke project for new filmmakers from different regions critical reflection by offering diverse perspectives of Mexico and Central America who have limited on reality. We also believe that it is necessary to access to the tools that will allow them to share promote the democratization of media and support their stories with a broader audience. This initiative the self-representation strategies of excluded groups. works with youth and community organizations that During this first cycle (2012), fifty students from have scarce resources or no long-term training different communities of Yucatán, Campeche, Chi- opportunities in audiovisual media. apas and Guatemala produced ten documentaries, Ambulante Beyond seeks to foster independent the result of the four workshops organized by a small, filmmaking that allows marginalized communities dedicated and very professional team and taught to reclaim and strengthen their identity, assert by filmmakers with ample experience. Each of the their rights, and shatter stereotypes to transform workshop participants shared their heart and their the negative social perceptions associated with stories. Thanks to them, we learned something new their communities. We seek to celebrate diversity about our country and ourselves. and contribute to the democratization of audiovisual production, promoting stories anchored in a unique cultural perspective and aesthetic without the imposition of conventional stylish or narrative parameters. Likewise, we want to provide a creative space so that these communities can share their stories. Strengthening community participation and organization through the production and distribution of independent documentaries is fundamental to us.

17 luciana kaplan | coordinadora de la beca cuauhtémoc moctezuma – ambulante

En 2011, para continuar la tradición de la Beca Gucci Gracias al interés de Cuauhtémoc Moctezuma Ambulante, surge un nuevo fondo de apoyo al se seguirá impulsando la actividad documental cine mexicano documental: la Beca Cuauhtémoc nacional, incentivando el documental de autor y Moctezuma-Ambulante. reflexivo, así como la búsqueda de nuevas y mejores Esta beca tiene como objetivo apoyar anualmen- maneras de contar historias. te y por tres años consecutivos entre uno y dos En esta primera convocatoria de la Beca Cuauh- documentales mexicanos que se encuentren en la témoc Moctezuma-Ambulante recibimos 27 trabajos, etapa de posproducción, dando prioridad a temas de los cuales decidimos apoyar los siguientes: relacionados con el medio ambiente, la educación, Elevador (dirigido por Adrián Ortiz) el arte y la cultura, los deportes y el ámbito laboral. Quebranto (dirigido por Roberto Fiesco) Durante seis años, las becas de AMBULANTE El jurado estuvo conformado por: Gael García han permitido que grandes proyectos documen- Bernal (socio fundador de AMBULANTE, actor, tales que no contaban con el apoyo necesario se productor y director de cine), Paulina del Paso finalizaran y distribuyeran satisfactoriamente. En (directora de cine), Martha Sosa (productora), ese sentido, no hay mejor ejemplo que el caso de Elena Fortes (directora general de AMBULANTE), Presunto culpable, de Roberto Hernández. Aunque Reynold Montemayor (gerente de marcas Premium era apenas el esbozo de un proyecto, decidimos de la Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma). apostar por él y posteriormente se convirtió en el Ambos trabajos forman parte de Pulsos, sección documental más visto en México. La misión de esta dedicada a la producción nacional, de Ambulante beca siempre ha sido y seguirá siendo apoyar la Gira de Documentales 2013. producción de cine documental de calidad que, de alguna manera, nos ayuda a cuestionar la realidad en la que vivimos.

18 cuauhtémoc moctezuma - ambulante grant coordinator

In 2011, following in the tradition of the Gucci Thanks to the interest of Cuauhtémoc Moctezuma, Ambulante Grant, a new fund was created to foster documentary film will continue to thrive, encouraging Mexico’s documentary cinema: the Cuauhtémoc auteurist and reflective styles, as well as the quest Moctezuma-Ambulante Grant. This grant’s objec- for new and better storytelling methods. tive is to support annually over the course of three In this first call for submissions for the Cuauh- years one or two Mexican documentaries in the témoc Moctezuma-Ambulante Grant, we received postproduction stage. It will give priority to films twenty-seven projects, of which we decided to offer focusing on the environment, education, art and support to the following: culture, sports and the workplace. Elevator (directed by Adrián Ortiz) For six years, AMBULANTE’s grants have allowed Ruin ( directed by Roberto Fiesco) documentary projects lacking the support needed to The jury included: Gael García Bernal (founding receive adequate financing and distribution. There is partner of AMBULANTE, actor, producer and film no better example of this than the case of Presumed director), Paulina del Paso (film director), Martha Sosa Guilty, by Roberto Hernández. We decided to back (producer), Elena Fortes (director of AMBULANTE), this project when it was still in its early stages; it Reynold Montemayor (Premium Brand Manager, later went on to be the most viewed documentary in Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma) Mexico. The mission of this grant has always been, Both projects are included in Pulsos, the section and will continue to be, to support the production of focusing on national productions, in the Ambulante high-quality Mexican documentary film that in some Documentary Film Festival 2013. way helps us to question our reality.

19 nina mayagoitia garcía | gerente de responsabilidad social cervecería cuauhtémoc moctezuma

Cuauhtémoc Moctezuma es una empresa que a Beca Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante: lo largo de sus más de 120 años ha enfocado sus Se otorgan apoyos anuales a proyectos relaciona- esfuerzos en el desarrollo económico de México, dos con temas de educación, medio ambiente, arte pero sobre todo, en el de su sociedad, con pro- y cultura, deporte y empleo, que se encuentren en gramas y acciones que inciden directamente en su etapa final de edición y que requieran fondos el bienestar de sus colaboradores, sus familias y para la posproducción. la comunidad. Reflexiones Ambulante: Serie de mesas re- Nuestra meta, a través de la filosofía “Brindando dondas en el marco de Ambulante Gira de Docu- un mejor futuro”, es ofrecer las herramientas ne- mentales en once estados del país con el objetivo cesarias para promover un cambio de mentalidad de incrementar la concientización sobre temas y actitud que permitan a la sociedad mexicana relacionados con educación, deporte, arte y cul- construir su futuro a partir de sus capacidades, tura, empleo y medio ambiente. En estos espacios aprovechando al máximo sus oportunidades. de discusión y análisis participan realizadores y Una de nuestras líneas de acción para lograr especialistas invitados por AMBULANTE para estos objetivos es el desarrollo de talento en México. intercambiar experiencias y puntos de vista con Es por esto que encontramos en AMBULANTE un el público, en colaboración con organizaciones e aliado ideal para apoyar a los cineastas mexicanos instituciones académicas. que buscan oportunidades de desarrollo, así como Nuestro compromiso con la comunidad es a para crear foros de discusión que promuevan la largo plazo, por lo que nos aseguramos de que participación ciudadana en temas prioritarios para cada producto que vendamos esté pensado para nuestra empresa y nuestras comunidades. preservar nuestro medio ambiente, nuestra eco- Nuestra alianza con el Festival Ambulante incluye: nomía y nuestra sociedad.

20 nina mayagoitia garcía | gerente de responsabilidad social social responsibility DIRECTOR cervecería cuauhtémoc moctezuma cuauhtemoc moctezuma brewery

Cuauhtémoc Moctezuma is a company that over its Our partnership with the Ambulante Festival includes: 120 years of existence has dedicated its efforts to Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante Grant: Mexico’s economic development, particularly that of Annual contributions are given to projects in post- its society, through programs and actions that have production that need funds to be completed and a direct effect on the well-being of its stakeholders, focus on education, the environment, art and culture their families and the community. as well as sports and employment. Our goal, through our philosophy of “Providing Ambulante Reflections: A series of round for a Better Future,” is to offer the necessary tools tables within the Ambulante Documentary Film to bring about a change in the way Mexican society Festival that visits eleven states in Mexico aimed thinks and acts. This will help it to shape its future at raising awareness of issues related to educa- by profiting from its skills and making the most of tion, sports, art and culture, employment and the its opportunities. environment. Filmmakers and specialists invited One of the lines of work through which we by AMBULANTE participate in these discussions pursue these goals is the development of Mexican to exchange experiences and viewpoints with the talent. This is why AMBULANTE has proven to be audience, in collaboration with academic institutions an ideal partner in supporting Mexican filmmakers and organizations. who search for opportunities for their development, We have a long-term commitment to the com- as well as in opening discussion spaces that promote munity to make sure that every product we sell is social participation in topics that we consider to be designed to be sustainable for our environment, a priority for our company and our communities. our economy and our society.

21 notas de programación • LIBERACIÓN ambulante 2013 program notes • liberation AMBULANTE 2013

Nuestra programación en 2012 se construyó alrededor y no un estado definitivo que se logra de una vez y de la noción de utopías, entendidas como modelos de para siempre. Sobre todo, nos interesa reconocer y pensamiento o ejercicios de imaginación críticos que promover aquellos proyectos, acciones e iniciativas tienen un impacto legible y palpable en la realidad. en los que el arte y la cultura sirven como plataformas Este año queremos llevar la idea de utopía a la praxis de liberación. Sin duda, el cine documental juega un y preguntarnos cómo pasar del plano de las ideas papel fundamental en este sentido, ya que registra a la acción. En otras palabras, ¿cómo materializar y expresa diferentes formas de encuentro con una estos proyectos utópicos, cómo liberar estas ideas y realidad histórica y fenomenológica. Se trata de un orquestarlas en un escenario para la acción? medio que tiene el potencial de subvertir hegemonías, Inspirados por estas preguntas, la programación de reconfigurar nuestra percepción de las estructuras Ambulante Gira de Documentales 2013 se articulará de poder, exponer prácticas coercitivas y orientar en torno a la noción de “liberación”, comprendida en nuestro pensamiento e imaginación hacia la acción y sentido amplio como toda acción o proceso encaminado la liberación. El cine, como una estética de la libera- a trascender limitaciones de cualquier tipo, superar ción, tiene la capacidad de extraer imágenes de una condiciones desfavorables, romper ataduras, buscar esfera y trasladarlas a distintos contextos históricos, salidas, multiplicar posibilidades, generar encuentros geográficos e ideológicos. y establecer diálogos más justos y equitativos. Existen También nos inclinamos por una idea de liberación diversas formas de buscar la libertad y de definirla: más conceptual en relación con el lenguaje cinemato- puede ser concebida como el resultado de la acción gráfico, como la hibridación del cine debido a la prolife- colectiva o de procesos individuales, o puede ser ración de tecnologías digitales, plataformas interactivas, descubierta por medio de una transformación interior o expresiones culturales y prácticas performativas. El exterior, privada o pública, personal o social, violenta cine documental nos permite percibir y cuestionar las o pacífica. Nos interesan las liberaciones íntimas y formas y narrativas convencionales que conforman y subjetivas que no obstante resultan indispensables dotan de sentido a nuestra realidad. El programa de para que haya más movimientos de liberación, así como este año hace énfasis en las modalidades autoreflexivas la acción colectiva y masiva, presente en las grandes e interactivas del cine que dirigen la atención hacia el revoluciones sociales pasadas y contemporáneas, y los medio, hacia la noción de autor (socavando algunas movimientos políticos y culturales que han impulsado veces la idea de una sola fuente de conocimiento), y un cambio real en el mundo. que invitan a los espectadores a formar parte en la Proponemos pensar en la liberación no solo en construcción de significado. Esperamos mostrar una términos de una estructura jerárquica, como la rebelión variedad de prácticas cinematográficas experimentales, de los de abajo, sino como algo más horizontal que estrategias documentales y de no ficción que van más reorganiza la acción y que muchas veces opera a allá de las formas estrictamente cinematográficas y que nivel micro por medio de gestos cotidianos y tácticas se manifiestan en diferentes plataformas culturales de resistencia en pequeña escala; por medio de los como la música y el teatro. El cine documental liberador, esfuerzos de héroes anónimos que cultivan alternativas crítico, de vanguardia, reflexivo, comprometido, que en un momento histórico que impide pensar en solu- nos invita a reimaginar y reinventar nuestra relación ciones dramáticas. Entendemos, además, la liberación con el pasado, el presente y el futuro, será el núcleo como un proceso continuo, una tendencia constante de la programación de AMBULANTE 2013.

22 notas de programación • LIBERACIÓN ambulante 2013 program notes • liberation AMBULANTE 2013

The 2012 program of the Ambulante Documentary once and for all. Above all, we are interested in rec- Film Festival was built around the notion of utopias, ognizing and promoting those projects, actions and understood as models of thought or exercises of initiatives where art and culture work as platforms critical imagination that have a legible and palpable for liberation. Documentary filmmaking undoubtedly impact on reality. This year we want to push the plays a fundamental role in this sense, as it registers idea of utopia into praxis and ask ourselves: How and expresses different forms of encounters with a can we move from ideas to action? How can we historical and phenomenological reality; it has the make these utopian projects effective? How can potential to subvert hegemonies, reconfigure our we liberate these ideas and orchestrate them into perception of power structures, expose coercive a stage for action? practices and orient our thoughts and imagination Inspired by these questions, the 2013 program toward action and liberation. Cinema, as an aesthet- will be articulated around the notion of “liberation,” ics of liberation, has the capacity to extract images defined in a broad sense as every action or process from one sphere and translate them into different that leads the way to transcending limitations of any historical, geographical and ideological contexts. kind, overcoming unfavorable conditions, break- We also want to address a more conceptual idea ing ties, finding ways out, multiplying possibilities, of liberation in relation to cinematographic language generating encounters and establishing fair and and the hybridization of cinema through the prolifera- egalitarian dialogues. There are multiple ways of tion of digital technologies, interactive platforms and looking for freedom and multiple ways of defining other cultural expressions and performative practices. it: it can be conceived as the result of collective ac- Documentary film allows us to perceive and question tion or individual processes, or it may be discovered the conventional forms and narratives that shape through interior or exterior transformations, private and signify our reality. This year’s program places or public, personal or social, violent or peaceful. We emphasis on self-reflexive and interactive modes that are interested in intimate and subjective liberations draw attention to the medium and to the notion of that are nonetheless indispensable for widespread author (sometimes undermining the idea of a single liberations to happen, and in collective and massive source of signification) and that invite spectators to action such as historical and contemporary social partake in the construction of meaning. We hope to revolutions as well as the political and cultural move- showcase an array of experimental film practices, ments that trigger a change in the world. both documentary and non-fiction strategies, that We propose to think of liberation not only in terms go beyond strictly cinematic forms and manifest of a hierarchical power structure—as the rebellion themselves across different cultural platforms such of the oppressed—but also as a lateral motion that as music and theater. Critical, avant-garde, reflexive reorganizes action and operates often at a micro and engaged documentary cinema that prompts us level: through everyday gestures and small-scale to reimagine and reinvent our relationship to the resistance tactics, through the efforts of anonymous past, present and future will comprise the core of heroes who cultivate alternatives when history AMBULANTE’s 2013 program. discourages us from imagining dramatic solutions. We understand liberation as a continuous and open process and not as a definitive state that is achieved

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Películas de gran atractivo e interés general que han sido aclamadas por la audiencia y los críticos de diferentes festivales del mundo. 24 Films of wide appeal that have been highly acclaimed by audiences and critics at festivals around the world. EXPEDITION TO THE END OF THE WORLD | EXPEDICIÓN AL FIN DEL MUNDO

Dinamarca | 2013 | Danés, inglés | Color | 90’

Dirección: Daniel Dencik Contacto | Contact Michael Haslund-Christensen Dirección de fotografía: Martin Munch Haslund Film Aps Guion: Michael Haslund-Christensen, Daniel Dencik, Janus Metz Nørrebrogade 12, 1.th Edición: Per Sandholt, Rebecca Lønqvist DK 2200 Copenhagen N Dinamarca Sonido: Per Lønqvist [email protected] Música: Mads Heldtberg T: +45 20231388 Producción: Michael Haslund-Christensen Compañías de producción: Haslund Film Aps, Michael Haslund-Christensen

Festivales | Festivals IDFA, CPH:DOX, Festival Internacional de Cine de Gotemburgo, Festival de Cine de Estocolmo.

Daniel Dencik (Suecia, 1972) estudió edición en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca en 1999. Ha escrito y editado varias películas galardonadas, incluyendo The Five Obstruc- tions, Happy Now, Dark Horse, Into Eternity, Danish Dynamite y Labrador. En 2012, Dencik debutó como director de documentales con Moon Rider. También en ese año se publicó su cuarto libro, el obituario Via Katastroferne.

Daniel Dencik (Sweden, 1972) graduated as a film editor from The National Film School of Denmark in 1999 and has written and edited numerous award-winning films, including The Five Obstructions, Happy Now, Dark Horse, Into Eternity, Danish Dynamite and Labrador. In 2012 Daniel Dencik debuted as a feature documentary director with Moon Rider. His fourth book, the obituary Via Katastroferne, was also published in 2012. REFLECTOR

26 RF

Expedición al fin del mundo, documental que tuvo un gran éxito en CPH:DOX 2012, es una moderna

y épica aventura por los parajes recónditos del noreste de Groenlandia. Cada año, durante algunas se- REFLECTOR manas, el deshielo en el Polo Norte revela un estrecho camino hacia los fiordos. En el espíritu de Erick El Rojo, un intrépido y peculiar grupo de científicos y artistas aprovechan la oportunidad para explorar este territorio desconocido. Llevan consigo equipo de alta tecnología y sofisticados vehículos que, sin embargo, fallan en el momento más inesperado. Vemos a los tripulantes investigar, analizar sus hallazgos y buscar nuevas especies, huellas de nuestros antepasados y respuestas sobre la existencia. Filosofía, ciencia, arte y espiritualidad se conjugan. La ecléctica tripulación incluye un capitán, dos artistas, un teólogo, un geólogo, un geoquímico, un geógrafo, un zoólogo, un arqueólogo y una bióloga marina, que reflexionan sobre el significado de la vida y las perspectivas de la humanidad. La sensibilidad poética se contrapone al cinismo, cuando los navegantes intercambian sus interpretaciones radicalmente opuestas sobre el mundo y nuestro lugar en él. Un soundtrack irreverente y un singular sentido del humor marcan el ritmo de estas meditaciones y el tono de la impactante cinematografía que muestra espectaculares paisajes dignos de otro mundo. Los grandes bloques en deshielo, un solitario oso polar y un barco petrolero nos recuerdan el poder destructivo del hombre sobre la tierra. La angustia nos sobrecoge ante el hecho de que observamos algo que podría cambiar radicalmente en el futuro cercano. La grandeza y la trivialidad del género humano son un tema recurrente en el filme. Mientras que el descubrimiento de una nueva especie nos recuerda la “grandeza” humana, la “grandeza” de la naturaleza frente al hombre, solo parece reafirmar la conclusión del geólogo de que la humanidad es “solo un paréntesis en el desarrollo de la Tierra”.

A success at CPH:DOX 2012 and likely to continue to top charts around the world, Expedition to the End of the World is a modern-day epic adventure into the hidden recesses of Northeast Greenland. For a few weeks every year, the ice melting at the North Pole allows a narrow access into the fjords. In the spirit of Erik the Red, an audacious and quirky group of scientists and artists take advantage of the opportunity and set out to explore this uncharted territory. However, their twenty-first century technology—sophisticated equipment and vehicles—incidentally seems to fail when most needed. We follow the team as they do their research, analyze their findings and search for new species, the traces of our ancestors and answers to the questions of existence. Philosophy, science, art and spiritual- ity come together. The members of the eclectic crew—a captain, an artist and theologist, a geologist, a geochemist, a geographer, another artist, a zoologist, an archaeologist and a marine biologist—reflect on the meaning of life and the prospects for humanity. Lyrical sensibility clashes with raw cynicism as they reveal their radically different approaches to interpreting the world and our place within it. An irreverent soundtrack and a singular sense of humor set the tone for their musings, and the stunning cinematography captures beautiful landscapes that seem to belong to another world. However, the collapsing blocks of ice, a lonely polar bear and an oil tanker, bring us back to the reality of man’s destructive footprint on Earth. We are left with a lingering anxiety stemming from the fact that what we are looking at may be radically altered in the near future. The grandeur and the insignificance of mankind is a recurring theme throughout the film. As the marine biologist encounters a new species, we are reminded of the accomplishments of the human race. On the other hand, the scale and perseverance of nature leave us with the disquieting realization that mankind may just be, in the words of the geologist, “but a parenthesis in the development of the Earth.” Elena Fortes

27 THE HOUSE I LIVE IN | LA CASA DONDE VIVo

Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 116’

Dirección, guion: Eugene Jarecki Contacto | Contact Ana Vicente Dirección de fotografía: Sam Cullman, Derek Hallquist [email protected] Edición: Paul Frost www.dogwoof.com Música: Robert Miller Producción: Eugene Jarecki, Melinda Shopsin Compañía de producción: Charlotte Street Films

Festivales | Festivals Sundance, IDFA, Festival de Cine Documental Full Frame, Silverdocs, Festival de Cine de Los Ángeles, Sundance Londres, Sheffield Doc/Fest, Festival Internacional de Cine de Melbourne, Festival Internacional de Cine de Bergen, Festival de Derechos Humanos WatchDocs.

Eugene Jarecki (EUA) es un cineasta multipremiado, líder de opinión y escritor. Ha recibido el reconocimiento de la crítica por la mayoría de sus películas, entre las que se encuentran Reagan, un documental basado en el exitoso libro Freakonomics, la mundialmente aclamada Why We Fight y The Trials of Henry Kissinger. Esta última se proyectó a nivel internacional, fue transmitida en los canales de la BBC y Sundance, y obtuvo numerosos galardones, incluyendo el premio Amnistía Internacional 2002. Como experto en relaciones internacionales, Jarecki ha colaborado en televisión, radio y medios impresos.

Eugene Jarecki (USA) is an award-winning filmmaker, public thinker and author. He has received critical recognition for multiple films, including Reagan; a documentary based on the bestseller Freakonomics; the globally acclaimed Why We Fight; and The Trials of Henry Kissinger, which screened internationally, aired on the BBC and the Sundance channels, and received a number of accolades, including the 2002 Amnesty International Award. An authority on international affairs, Jarecki has also appeared in an array of television, radio, and print media, from NPR to MTV and the New York Times. REFLECTOR

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Eugene Jarecki es el segundo director que ha ganado en dos ocasiones el gran premio del jurado REFLECTOR en el Festival de Sundance. Primero lo hizo con Why We Fight (2006), un análisis de la industria y la ideología bélica en Estados Unidos, y ahora lo consigue con La casa donde vivo, documental que plantea una aguda crítica a la guerra contra las drogas en ese mismo país. A partir de su propia historia familiar, narrada en primera persona, Jarecki elabora una reconstrucción inteligente y bien documentada de la relación hipócrita y bipolar que mantienen la sociedad y el gobierno norteame- ricanos con las drogas, sobre todo desde que Nixon las declaró el enemigo público número uno, a finales de los años sesenta. Además de un despliegue sobresaliente de imágenes de archivo, este documental logra un acceso privilegiado a diferentes actores involucrados en esta absurda trama. Conocemos de cerca escua- drones de la policía antidrogas, vendedores callejeros, adictos, consumidores ocasionales, jueces, abogados, activistas, académicos, presos, custodios y ciudadanos comunes. Con gran habilidad, Jarecki vincula estos casos concretos con una visión panorámica, destacando varios aspectos de esta compleja problemática, como la venta de armas al interior de Estados Unidos y su exportación a otros países, los fines electorales de los discursos y políticas antidrogas, el papel de la ideología y la educación, el racismo asociado con las distintas oleadas migratorias, el crecimiento desmesurado de la población carcelaria y el inmenso negocio que este combate sin sentido representa. La casa donde vivo es una película indispensable para repensar el tema de la legalización y el combate a las drogas, una cuestión tan trillada como mal comprendida. Las acciones de nuestros vecinos del norte tienen un impacto profundo en el mundo entero, pero afectan particularmente a México, ya que en buena medida son causantes de la violencia generada en nuestro país en la lucha del gobierno contra el crimen organizado.

Eugene Jarecki is the second director to receive the Grand Jury Prize twice at the Sundance Film Festival. He won it first for Why We Fight (2006), an analysis of the industry and ideology of war in the United States. He received his second award for The House I Live In, a documentary that sharply criticizes the war on drugs in the U.S. Jarecki delves into his own family’s history to elaborate an intelligent and well-documented reconstruction of the hypocritical and bipolar relationship that U.S. society and its government holds with regard to drugs—especially since Nixon declared them public enemy number one at the end of the 1960s. In addition to presenting an extraordinary display of images, this documentary allows privileged access to different parties involved in this complicated story. We get to know DEA agents, dealers, addicts, oc- casional users, judges, lawyers, activists, academics, prisoners, prison guards and common citizens. With great skill, Jarecki embeds individual cases within a larger concept, underscoring many aspects of these complex problems: the sale of weapons in the United States and their exportation to other countries, the electoral interests of anti-drug discourses and policies, the role of education and ideology, the racism associated with migration flows, the disproportionate growth of the prison population and the successful business that this war constitutes. The House I Live In is essential to rethinking the war on drugs and the question of legalization, which is poorly understood. The actions of our neighbor to the north have a profound impact on the entire world,

but primarily on our country, which suffers the violent effects of the war on drugs. Antonio Zirión

29 HOW TO SURVIVE A PLAGUE | CÓMO SOBREVIVIR UNA PLAGA

Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 110’

Dirección: David France Contacto | Contact Mongrel Media Dirección de fotografía: Derek Wiesehahn 1028 Queen Street West Guion: David France, T. Woody Richman, Tyler H. Walk Toronto, M6J 1H6 Edición: T. Woody Richman, Tyler H. Walk Canadá T: 416-516-9775 Sonido: Lora Hirschberg [email protected] Música: Stuart Bogie, Luke O’Malley, Arthur Russell www.mongrelmedia.com Producción: Howard Gertler, David France Compañías de producción: France/Tomchin Film, Ford Foundation/Just Films, Impact Partners, Little Punk, Sundance Institute Documentary Film Program

Festivales | Festivals Sundance, Silverdocs, New Directors/New Films, Festival de Cine True/False, Festival Internacional de Cine de Seattle, Festival de Cine de Zurich.

David France (EUA) es un reconociodo periodista que ha escrito sobre el SIDA desde 1982. Es también uno de los más conocidos cronistas de la epidemia. En los años noventa cubrió para el New York Times noticias sobre la enfermedad; hasta el 2003 trabajó en Newsweek como editor en jefe de investigaciones y ahora es editor invitado de GQ y la revista New York. Su trabajo ha sido en varias ocasiones premiado y ha servido como fuente de inspiración para películas como Our Fathers. Actualmente prepara una historia sobre el SIDA que se publicará bajo el sello de Alfred A. Knopf en 2013.

David France (USA) is an award-winning journalist who has been writing about AIDS since 1982. Today he is one of the best-known chroniclers of the epidemic, having worked at the New York Times, where he was AIDS newswriter in the 1990s; Newsweek, where he was senior editor for investigations until 2003; and now GQ and New York magazine, where he is a contributing editor. His work has inspired several films, most recently the filmOur Fathers. He is now working on a history of AIDS, to be published by Alfred A. Knopf in 2013. REFLECTOR

30 RF Este extraordinario documental narra las iniciativas y los logros de TAG (Grupo de acción por el tratamiento) y ACT-UP (la Coalición contra el SIDA para liberar el poder), en su lucha por un tratamiento médico adecuado para el VIH. Durante el gobierno de Reagan y de Bush, el prejuicio y la indiferencia reinaban. El número de muertes por el SIDA era alarmante. La situación provocó que un grupo de jó- REFLECTOR venes activistas demandaran la investigación y el desarrollo de medicamentos para controlar el virus y prevenir más decesos. Para estos jóvenes, autodidactas en materia de medicina, la búsqueda de un tratamiento efectivo se convirtió en una carrera contra el tiempo y la muerte, pues muchos de ellos libraban su propia batalla contra el virus. Su victoria constituye un hito en la historia del activismo: lograron combatir las políticas inhumanas de poderosas corporaciones —a pesar de las barreras legales y los intereses de las farma- céuticas— y conseguir tratamientos más efectivos para el público. ACT-UP se convirtió en un ejemplo de activismo y protesta política creativa. Las arriesgadas acciones de sus integrantes han inspirado a numerosos movimientos sociales alrededor del mundo, por ejemplo, al movimiento Occupy. En un acto irreverente, ACT-UP envolvió con un condón gigante la casa de Jesse Helms, el líder republicano que se oponía a los derechos civiles, al feminismo y a los derechos de los homosexuales. De esta forma protestaron contra la negativa del senador a aprobar los fondos necesarios para la investigación y el tratamiento del SIDA, enfermedad que para él era un castigo divino dirigido a los homosexuales. Esta película, dirigida con maestría por David France, es también una prueba de su perseverancia y diligencia. France seleccionó material de sus más de 700 horas de grabación y de otras filmaciones de protestas a partir de 1982. Cómo sobrevivir una plaga sin duda estremecerá la conciencia política de los espectadores y les revelará al activista que llevan dentro. Es una lección de empoderamiento que nos recuerda nuestra capacidad colectiva para transformar la historia.

A heart-wrenching yet inspiring documentary that tracks the triumphs and travails of the ACT-UP (AIDS Coalition To Unleash Power) movement and the later TAG (Treatment Action Group) in their struggle to achieve a major breakthrough in the treatment of HIV. The prejudice and indifference that pervaded despite AIDS’s rising death toll during the Reagan and Bush administrations finally prompted a group of young, self-taught activists to bring attention to the research into drugs that could control the virus and mitigate the fatality rate. The race to identify an effective treatment became for them a race to defy their own death, as many of the group leaders were themselves struggling against the virus. Their victory in overturning the inhumane policies of powerful corporations, bypassing legal barriers and pharmaceutical interests in order to bring more effective treatments into the hands of the public, constituted a milestone in the history of activism. ACT-UP became a paradigm of grassroots activism and creative political protest. Its members’ extravagant acts have inspired numerous movements, most recently the Occupy demonstrations across the globe. (In)famously draping a giant condom over the house of Jesse Helms —the leading conservative who opposed civil rights, feminism and gay rights— ACT-UP protested the Republican senator’s refusal to approve funding for research and treatment for AIDS, which he believed to be God’s punishment for homosexuality. David France’s deftly crafted film is also a testament to his own perseverance and diligence, as he sifted through more than 700 hours of his own footage and footage collected from protesters since 1982. How to Survive a Plague will without a doubt stir viewers’ political conscience and bring forth the activist within, as it conveys a lesson of empowerment that reminds us of our capacity to collectively shape our

own history. Elena Fortes

31 LES INVISIBLES | LOS INVISIBLES | the invisible ones

Francia | 2012 | Francés | Color | 113’

Dirección: Sébastien Lifshitz Contacto | Contact Doc & Film International Dirección de fotografía: Antoine Parouty 13 rue Portefoin 75003 Edición: Tina Baz, Pauline Gaillard París, Francia Sonido: Yolande Decarsin, Philippe Mouisset T: + 33 1 42 77 56 87 www.docandfilm.com Productor: Bruno Nahon Compañías de producción: Zadig Films, Rhône-Alpes Cinéma, Sylicone

Festivales | Festivals TIFF, Festival de Cannes, Festival de Cine de Londres, DocLisboa, Cinédécouvertes, Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival Internacional de Cine de Morelia, Festival Internacional de Cine de Vancouver, Image+Nation Festival Internacional de Cine LGBT de Montreal.

Sébastien Lifshitz (Francia, 1968) comenzó su carrera cinematográfica con el cortoIl faut que je l’aime. En 1995 realizó un documental sobre Claire Denis y en 1998 completó la película Open Bodies, seleccionada para el Festival de Cannes y el Festival de Cine de Clermont- Ferrand, y galardonada con el Premio Jean Vigo y el Premio Kodak para mejor cortometraje. En 2000 dirigió Come Undone, su primer largometraje. En 2001 su documental-road movie, The Crossing, fue seleccionado para la Quincena de Realizadores en Cannes, y en 2004 su película Wild Side ganó un premio Teddy en el Festival de Cine de Berlín.

Sébastien Lifshitz (France, 1968) began his film career in 1994 with the short Il faut que je l’aime. In 1995 he made a documentary about Claire Denis and in 1998 he filmedOpen Bodies, which was selected for the Cannes and Clermont-Ferrand festivals and won the Prix Jean Vigo and the Kodak Award for Best Short Film. In 2000 he directed Come Undone, his first full-length feature. In 2001 The Crossing, his documentary-road movie, was selected for the Director’s Fort- night in Cannes and his feature Wild Side won the Berlin Film Festival’s Teddy Award in 2004. REFLECTOR

32 RF Los invisibles, conmovedor documental de Sébastian Lifshitz, reúne las historias de hombres y mujeres homosexuales mayores que construyeron sus vidas al margen de la historia oficial de la liberación homosexual. Los sujetos de Lifshitz, “los invisibles”, no son individuos traumatizados de por vida, alienados por una sociedad intolerante; no vivieron recluidos ni fueron condenados a refugiarse en el celibato durante REFLECTOR la vejez. Tampoco es la victimización lo que los une, sino una verdadera joie de vivre y una excepcional determinación para vivir libremente. Esto constituye el ángulo político del filme de Lifshitz: evidenciar los testimonios de personas que hasta ahora no habían sido representadas en la versión oficial de la lucha homosexual y cuya experiencia no corresponde a la visión trágica que caracteriza gran parte de esta historia. Sus intereses resultan diferentes a los de la agenda política contemporánea, que emula estructuras heterosexuales convencionales (como el matrimonio y la adopción gay), y sus valores son ajenos a los de la cultura gay prevalente obsesionada por la juventud y la belleza. Algunos de estos hombres y mujeres decidieron casarse, tener una familia y vivir tranquilamente; otros se abocaron al espíritu colectivo de protesta y liberación de Mayo del 68 para emprender causas sociales, otros más iniciaron una carrera política o simplemente disfrutaron de una idílica vida rural. Sus historias de vida evocan la lucha colectiva por desafiar los prejuicios, oponiéndose al yugo de la moral católica y a la mirada patologizante de la psiquiatría. A pesar de que han logrado subvertir las normas sociales, su heroísmo destaca más en su extraordinaria voluntad de ser felices sin importar las circunstancias y en mantener la claridad en momentos difíciles. Lifshitz decidió, acertadamente, filmar la película en formato Cinemascope. El resultado es una experiencia visual deslumbrante: las memorias y cavilaciones de los protagonistas animan los lugares, objetos e imágenes de archivo. Sin que su presencia sea evidente, el director crea una atmósfera íntima que nos invita a apreciar los ritmos silenciosos y cotidianos de estas vidas radiantes, construidas de otra manera y en otra parte.

A deftly crafted documentary by Sébastien Lifschitz, Les invisibles captures the compelling stories of elderly gay men and women who have made their lives in the periphery of the conventional narratives and political agendas that make up the “official” account of gay liberation. Lifschitz’s subjects, “the invisible ones,” are not traumatized individuals, permanently scarred by an intolerant society and forced into clos- eted lives or condemned to recede into the obscurity of aging and sexless existence. It is not victimhood that defines them, but a genuine joie de vivre, a remarkable determination to live joyfully and love openly. This is the political edge of Lifschitz film. These candid testimonies come from people who are neither represented in the official history of gay struggle—a narrative usually punctuated by trauma—nor in a contemporary political agenda attached to emulating heteronormative structures (e.g. gay marriage and gay adoption), nor in the youth-and-beauty-obsessed values of mainstream gay culture. Some of them have led quiet lives, married and raised families; others joined the militant causes of May 1968, made a career in politics or chose to revel in the idylls of rural life. Their personal journeys evoke the collective struggle to defy prejudice—they grew up under the weight of Catholic morality and the pathologizing gaze of psychiat- ric science. But their heroism lies less in their subversion of normative views than in their extraordinary will- fulness to be happy against all odds, to retain a lightness about living that can carry them over all hurdles. Lifschitz’s bold choice of Cinemascope makes for a visually stunning experience, allowing places, objects and archives to be animated by the memories and musings of his eloquent protagonists. Respectfully remaining off-screen, the director creates an atmosphere of candor and intimacy that invites us to appreci-

ate the quiet and quotidian rhythms of beautiful lives led otherwise and elsewhere. Mara Fortes

33 JOURNAL DE FRANCE | DIARIO DE FRANCIA

Francia | 2012 | Francés | Color, blanco y negro | 100’

Dirección, guion: Raymond Depardon, Claudine Nougaret Contacto | Contact Esther Devos Dirección de fotografía: Raymond Depardon Wild Bunch Edición: Simon Jacquet 99, rue de la Verrerie Producción: Claudine Nougaret 75004 París, Francia T: +33 1 5301 5020 Compañías de producción: Palmeraie et Désert, France 2 Cinéma

Festivales | Festivals Festival de Cannes, RIDM, Festival Internacional de Cine de Tokyo, Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival Internacional de Cine de Vancouver, Festival de Cine de Telluride.

Raymond Depardon (Francia, 1942) comenzó a tomar fotografías a los doce años. En 1960 se unió a la agencia parisina Dalmas como reportero. En 1966 cofundó la agencia Gamma. En 1974, además de su carrera como fotógrafo, empezó a dirigir documentales, y en 1978 se incorporó a Magnum. Por su trabajo fotográfico y cinematográfico, ha recibido importantes reconocimientos. Considerado uno de los fotoreporteros más importantes del mundo, ha realizado dieciocho películas y publicado cuarenta y siete libros. Claudine Nougaret (Francia, 1958), productora, directora y sonidista, ha trabajado para directores como Alain Resnais y Eric Rohmer. Ha participado como productora y sonidista, además de codirectora, en varias películas de Depardon.

Raymond Depardon (France, 1942) began taking photographs at the age of twelve. He left for Paris in 1958, and two years later he joined the Dalmas agency as a reporter. In 1966 he co- founded the Gamma agency. Alongside his photography career, he began to make documentary films in 1974, and in 1978 he joined Magnum. Both his photographic work and documentaries have received important awards. Considered one of the most prominent figures in photojournalism, he has made eighteen feature-length films and published forty-seven books.Claudine Nougaret (France, 1958) is a producer, director and sound engineer. She has worked for Alain Resnais and Eric Rohmer, and has been the producer and the sound engineer, as well as co-director, of many of Depardon’s films. REFLECTOR

34 RF Conocer la obra fotográfica de Raymond Depardon es suficiente para ser su admirador. Apreciar su cine añade otra dimensión a su trabajo: su mirada inquisitiva se extiende en el tiempo, adquiere duración y movimiento. Ver Diario de Francia, su más reciente película, en la que hace un recuento de su propia trayectoria como fotógrafo y cineasta, representa una experiencia sublime para sus aficionados. Pero REFLECTOR también, para quien no lo conoce, esta película es sin duda la mejor forma de adentrarse en la obra de uno de los más grandes creadores de imágenes del mundo contemporáneo. Junto con su mujer, Claudine Nougaret, con quien ha trabajado por más de veinticinco años, él en la cámara y ella en el sonido, recorren Francia durante cuatro años —él retratando el paisaje con una cámara y ella elaborando un minucioso diario—, recapitulando de paso los momentos más significativos de su carrera. El viaje por Francia se convierte en un pretexto para emprender también una excursión por su pasado. Desempolvan gran cantidad de material fílmico, en buena parte inédito, y así nos transportan a las primeras andanzas de Depardon, a sus veinte años, con una cámara de cine por las calles de París, en 1962. Nos conducen por numerosos países y escenarios históricos que marcaron el rumbo de la segunda mitad del siglo XX. Sus ojos parecen haberlo visto todo, ha documentado la historia de la humanidad en los últimos cincuenta años, en su vasta diversidad y complejidad, con sensibilidad de autor, aguda conciencia social, fuerte compromiso político y profundo respeto por la gente. El resultado es un excepcional ensayo autobiográfico, un singular retrato protagonizado por él, narrado por ella, codirigido por ambos, que mezcla cine y foto, ficción y documental. Diario de Francia es un relato amoroso, íntimo, libre de vanidad o protagonismo, en el que Depardon proyecta sobre sí mismo aquella mirada franca y serena presente en toda su obra. A lo largo del filme descubrimos, detrás de la cámara, más allá del artista, a un hombre tan inquieto e incansable, como modesto y tranquilo.

To see the photographic work of Raymond Depardon is enough to become an admirer. Seeing his cinema adds another dimension to his work: his inquisitive eye extends in time and acquires duration and movement. To watch Journal de France, his most recent film in which he reviews his own career path as a photographer and filmmaker, represents a sublime experience for his fans. For those who do not know him, this film is without a doubt the best way to delve into the work of one of the most important image-makers of our day. Depardon and his wife Claudine Nougaret, with whom he has worked for more than twenty-five years— he with the camera and she recording sound—travel around France in a small van for four years while he depicts the landscape with an old large-format camera and she writes a detailed diary. At the same time they summarize the most significant moments of their artistic biography. The trip through France becomes an excuse to undertake a journey to the past. They dust off copious film material, most of it unpublished, taking us back to 1962 when at the age of twenty Depardon roamed the streets of Paris, film camera in hand. They calmly take us to numerous countries and historic scenarios that marked the direction of the second half of the twentieth century. His eyes seem to capture everything. He has documented the history of mankind over the last fifty years in all its diversity and complexity with an auteur sensibility, a sharp social conscience, a strong political commitment and a profound respect for people. The result is an exceptional autobiographical essay, a singular portrait of Depardon, narrated by Nou- garet and co-directed by both, that combines film with photography and fiction with documentary. Journal de France is a loving, intimate film. Depardon casts upon himself the same honest and sober gaze present through all his work. In this film we discover—behind the camera and beyond the artist—a man as lively and

restless as he is modest and calm. Antonio Zirión

35 THE QUEEN OF VERSAILLES | LA REINA DE VERSALLES

Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 101’

Dirección: Lauren Greenfield Contacto | Contact Matt Cowal Dirección de fotografía: Tom Hurwitz Arianne Ayers Edición: Victor Livingston Magnolia Pictures Sonido: Michael Jones Estados Unidos T: +1 212 9246701 Música: Jeff Beal [email protected] Producción: Danielle Renfrew Behrens, Lauren Greenfield Compañía de producción: Evergreen Pictures

Festivales | Festivals IDFA, Sundance, Silverdocs, Hot Docs, Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival de Cine de Estocolmo, Festival Internacional de Varsovia, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Festival Internacional de Cine de Reikiavik.

Lauren Greenfield (EUA, 1966) es una reconocida fotógrafa y cineasta documental, así como una prominente cronista de la cultura juvenil y el consumismo. Además de La reina de Versalles, ha dirigido tres documentales premiados en distintos festivales: THIN, kids +money y Beauty CULTure. THIN recibió el prestigioso Premio John Grierson al mejor documental en el Festival de Cine de Londres 2006; kids + money recibió una nominación como uno de los mejores cortometrajes de no ficción en Cinema Eye Honors en 2009. Su trabajo fotográfico forma parte del acervo de reconocidos museos internacionales.

Lauren Greenfield (USA, 1966) Acclaimed documentary photographer/filmmaker, Greenfield is considered a preeminent chronicler of youth culture and consumerism. In addition to The Queen of Versailles, she has directed three award-winning documentary films: THIN, kids + money, and Beauty CULTure. THIN received the John Grierson Award for Best Documentary at the London Film Festival in 2006; kids + money was selected as one of the top five nonfiction shorts in the world by Cinema Eye Honors 2009. Her photo work can be found in the collections of major international museums. REFLECTOR

36 RF REFLECTOR “El precio: nadie puede adivinarlo”. Así describieron los titulares a Xanadu, la colosal mansión de Ciuda- dano Kane, película en la que la casa de ensueño de un hombre se convierte en su prisión, en lugar de su refugio. Algo similar ocurre en La reina de Versalles, documental sobre la familia Siegel y la construcción de su hogar, la casa más grande de Estados Unidos. Sin embargo, en este caso sí sabemos el precio: cien millones de dólares. Y está en venta. Al dueño de esta imitación del palacio de Versalles, David Siegel “el rey de los tiempos compartidos”, le gusta pensar que no sólo vende propiedades para vacacionar, sino que además brinda la oportunidad a sus clientes de experimentar qué se siente vivir como rico. Siegel monta el escenario para que hagan realidad su fantasía de opulencia, a pesar de que pagan por una ilusión que no podrán solventar. La directora, Lauren Greenfield, capta con humor la vida excesiva de la familia: las cantidades exorbi- tantes de ropa, el trato a la servidumbre, los caprichos de los niños y su consumismo compulsivo. Ellos representan el credo consumista de cantidad, no calidad. Cuando llega la crisis económica de 2008, se revelan todas las contradicciones de este mundo de riqueza falsa; a pesar de su vasta fortuna, el señor Siegel no tiene liquidez y su palacio permanece inconcluso. Aunque se trata de un desafortunado cambio de suerte para los Siegel, la película muestra, en un tono compasivo y cómico, su lucha por adaptarse a la nueva situación, así como su atroz incapacidad para ser autosuficientes. Finalmente simpatizamos con Jackie y David Siegel, a pesar de nuestro desagrado por los negocios ilícitos de él o por el obsceno consumismo de ella. Sus problemas financieros son exagerados, pero su historia casi caricaturesca refleja la situación de muchos estadounidenses menos adinerados, que se aferran a una vida que ya no pueden costear.

“Cost: No man can say,” was how the headlines described Xanadu, the colossal mansion in Citizen Kane, in which a man’s dream home became his prison rather than his refuge. In The Queen of Versailles, a documentary about the Siegel family and their project to build the largest home in America, a similar situation occurs. However, in this case we do know the cost: 100 million dollars. And it’s for sale. The owner of this new faux Versailles, David Siegel, known as the king of the timeshare, does not just sell yearly weeklong vacation properties: he likes to think that he offers the opportunity to feel what it is like to be rich. He sets the stage for his customers to act out their fantasies of living the good life, even though this simulation was bought on cheap credit that they could not actually afford. Director Lauren Greenfield captures the humor in the overabundance of the Siegel’s lifestyle: the exag- gerated quantities of clothing, servants and even children, as well as their compulsion to accumulate even more. Theirs is the epitome of the consumerist creed of quantity not quality. When the 2008 economic crisis hits, the contradictions of this world of fake wealth and buying on credit are revealed. Suddenly, despite his vast fortune, Mr. Siegel has no cash and his palace sits in ruins. Although it is an unfortunate turn of events for the Siegels, the film shows their struggle to adjust to their new situation and their appalling lack of self-sufficiency with a compassionate and comic tone. When Jackie and David become characters we cannot help but sympathize, despite our disgust at his illegal deal- ings or her obscene consumerism. The Siegels’ financial troubles are magnified in scale, but their story is a cartoon-like reflection of the situation many less-affluent American face after the economic crisis, as they

struggle to hold on to a lifestyle to which they have grown accustomed yet that they can no longer afford. Meghan Monsour

37 STORIES WE TELL | LAS HISTORIAS QUE CONTAMOS

Canadá | 2012 | Inglés | Color | 109’

Dirección, guion: Sarah Polley Contacto | Contact Jennifer Mair Director de fotografía: Iris NG NFB Edición: Michael Munn T: 416-954-2045 Sonido: Sanjay Mehta C: 416-436-0105 [email protected] Música: Jonathan Goldsmith Productora: Anita Lee Compañía de producción: The National Film Board of Canada

Festivales | Festivals TIFF, Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival de Cine del Atlántico, Festival de Nuevo Cine de Montreal, Festival de Cine de Venecia, Festival Internacional de Cine de Estocolmo, Festival de Cine de Abu Dhabi, Festival de Cine de Telluride.

Sarah Polley (Canadá, 1979) debutó como directora en 1999. Escribió y dirigió Away from Her (2007), película que cosechó una larga lista de premios, y el drama romántico Take This Waltz (2011). Como actriz, Polley ha participado en películas de directores importantes como Isabel Coixet, David Cronenberg, Atom Egoyan, Terry Gilliam, Hal Hartley, Wim Wenders y Michael Winterbottom. Stories We Tell es su primer documental.

Sarah Polley (Canada, 1979) made her directorial debut in 1999. She wrote and directed Away from Her (2007), which garnered a long list of awards, and the romantic drama Take This Waltz (2011). As an actress, she has appeared in films by such directors as Isabel Coixet, David Cronenberg, Atom Egoyan, Terry Gilliam, Hal Hartley, Wim Wenders and Michael Winterbottom. Stories We Tell is her first documentary. REFLECTOR

38 RF

Muchas de las recientes producciones documentales a nivel mundial se caracterizan por la tendencia o necesidad de contar historias propias, por un fuerte interés hacia los temas familiares, y por un deseo de investigar nuestros orígenes personales y de entendernos a nosotros mismos a partir de lo que nos rodea. REFLECTOR ¿A qué se debe esta necesidad de conocer de dónde venimos, quiénes somos, precisamente en estos momentos? ¿Refleja un deseo de diferenciarse de los demás en medio de una unificación cultural y social cada vez mayor? ¿O responde a una necesidad de reafirmar la conciencia que tenemos de nosotros mismos y reforzar nuestra identidad? Detrás de nuestra búsqueda de individualidad, hay indudablemente una búsqueda de cierta verdad, frente a las constantes discrepancias que suelen surgir en torno a la memoria colectiva. Para enfrentar las dudas que siempre ha tenido acerca de su historia personal, Sarah Polley, reconocida actriz de películas como My Life Without Me (de Isabel Coixet) y realizadora de otras cintas como Away From Her (2006) y Take This Waltz (2011), se da a la tarea de entrar en la intimidad y memoria de cada uno de sus familiares y amigos para reconstruir su historia. Haciendo uso de varios métodos narrativos —desde la lectura en voz alta de un guion escrito por su padre, pasando por la recopilación de los archivos familiares de películas Súper 8, hasta la recreación de ciertas escenas—, Polley descubre y enfrenta una desconcertante verdad acerca de su identidad. La película se convierte en una especie de catarsis familiar, en una memoria muy íntima y original de una familia tan particular como universal, pero sobre todo, se vuelve una herramienta que la llevará a un proceso de liberación personal. Stories We Tell, una innovadora película aclamada por el público a nivel internacional en importantes festivales de cine, se incorpora este año a nuestra sección Reflector como una propuesta fresca y representativa de las más recientes producciones canadienses.

Most recent international documentary production is characterized by a strong tendency—or necessity—to tell personal stories, a heavy interest in family themes, as well as a desire to investigate personal origins in order to understand ourselves through our intimate surroundings. Why, at this moment in time, do we have this need to know where we come from and who we are? Does it reflect a desire to differentiate ourselves from others in response to increasing cultural and social homogenization? Or does it respond to a need to reaffirm the consciousness we have of ourselves and reinforce our identity? Behind our search for individuality, there is undoubtedly a search for a certain truth amidst the frequent discrepancies of collective memory. To confront questions about her personal history, Sarah Polley—a well-known actress (My life Without Me, dir. Isabel Coixet) and the director of films such as Away From Her (2006) and Take This Waltz (2011)—explores the memory and intimacy of each of her family members and friends in order to reconstruct her own story. Using various narrative methods—from reading aloud a script written by her father to showing fragments of her family’s Super 8 movies, recreating certain scenes—Polley discovers and confronts a disconcerting thruth about her identity. The film becomes a cathartic process for the director, and it is an intimate and original record of a very particular family—yet one which we can all identify with. But, above all, the film becomes a key that will lead her on a process of personal liberation. The widely acclaimed and original Stories We Tell is part of our Reflector section and great example of innovative Canadian cinema. Marie-Ève Parenteau

39 PULSOS

Selección de la más reciente producción documental en México que promueve obras con voz y visión originales tanto a nivel nacional como internacional. 40 Selection of the most recent documentary production in Mexico that promotes works of singular vision and voice within Mexico and abroad. EL ALCALDE | THE MAYOR

México | 2012 | Español | Color | 80’

Dirección: Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini y Diego E. Osorno Contacto | Contact Bambú Audiovisual Dirección de fotografía: Carlos F. Rossini T: +52 55 5536 4156 Edición: Pedro G. García [email protected] Sonido: Emiliano Altuna, Edwin Culp, Daniel Hidalgo, Jorge Angulo www.bambu.tv Música: Daniel Hidalgo Producción: Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini Compañías de producción: Bambú Audiovisual, Imcine-Foprocine

Festivales | Festivals Festival Internacional de Cine de Morelia, Festival Internacional de Cine de Monterrey, DocsDF, Baja Festival Internacional de Cine.

Emiliano Altuna (Argentina, 1978) y Carlos F. Rossini (Argentina, 1976) crearon en 2004 Bambú Audiovisual, productora independiente especializada en el desarrollo de filmes documentales y de ficción. En 2005 Altuna dirigióSeguir siendo y en 2008 codirigió junto a Rossini El ciruelo. Diego E. Osorno (México,1980) es periodista y escritor, autor de varios títulos, entre ellos País de muertos: crónicas contra la impunidad y Nosotros somos los culpables. La tragedia de la guardería ABC.

Emiliano Altuna (Argentina, 1978) and Carlos F. Rossini (Argentina, 1976) created Bambú Audiovisual in 2004, an independent production company specialized in the development of documentaries and fiction. Altuna directedSeguir siendo and co-directed El ciruelo with Rossini. Diego E. Osorno (Mexico, 1980) is a journalist and writer, author of Nosotros somos los culpables. La tragedia de la guardería ABC and País de muertos: crónicas contra la impunidad, among others. P ULSOS 42 Al norte de una enorme nación, hay un pueblo digno de cualquier utopía: una aldea perfecta, bendecida con cascadas, ríos y fuentes de oro. En sus escasos metros cuadrados, sus pocos habitantes viven PUL felices y despreocupados. El rey que los protege posee el castillo más deslumbrante, la más distinguida colección de arte y las evidencias de sus más pomposas relaciones. Cerca de este reino, protegido por

los más fuertes y valientes gladiadores, acecha la oscuridad: un mundo hostil, violento y peligroso. Para P ULSOS defender su aldea, el rey hace uso “legítimo” de las mismas fuerzas que oscurecen el mundo exterior, logrando así proteger a sus ciudadanos y ofrecerles una vida digna. Mientras tanto, en el reino utópico, los habitantes han dejado de desarrollar sus actividades cotidianas; los espacios públicos están vacíos, cada vez hay menos convivencia y todo el mundo sospecha de su vecino. Los sentimientos generales oscilan entre la negación, el miedo y la desconfianza. La respuesta del reino utópico a la violencia desencadena una violencia más aguda en el lado oscuro. El alcalde, segundo largometraje documental de la dupla Rossini-Altuna −esta vez junto a Diego Enrique Osorno−, es un retrato de Mauricio Fernández Garza, controvertido alcalde de San Pedro Garza García y personaje radical e impredecible, cuyas ideas y estrategias han desatado fuertes polémicas a nivel nacional. San Pedro, localizado en Monterrey, Nuevo León, es uno de los municipios más ricos de América Latina. Este trabajo nos obliga a plantearnos una serie de preguntas sumamente importantes: ¿Cuáles han sido los costos y las consecuencias de construir una burbuja social de esta índole? ¿Representa una solución combatir el crimen generando más crímenes? ¿Es utópico creer en ciudades libres de violencia donde cada uno pueda circular libremente, disfrutar y convivir? Sin duda, El alcalde nos coloca en esta ambigüedad, plantea cuestionamientos imprescindibles para imaginar el futuro de nuestro país y ofrece puntos de partida para generar una reflexión profunda en torno a nuestra sociedad actual.

To the north of a big nation sits a town with utopian aspirations: a perfect village, blessed with waterfalls, rivers and fountains of gold. Its few inhabitants live happily and carefree in its limited square footage. The king who protects them owns a stunning castle, the most distinguished art collection and objects that reflect his most powerful relations. He lives surrounded by the strongest and bravest gladiators. However, hostility, violence and danger lurk in the surrounding darkness. The king “legitimately” uses the same forces that obscure the exterior world to defend his village and thus has managed to protect his citizens and offer them a dignified life. Meanwhile, the people surrounding this utopian kingdom have ceased their daily activities. Public spaces are disappearing, social interactions diminishing and suspicion among residents growing. General feelings oscillate between denial, fear and suspicion. Every response from the utopian kingdom to the surrounding chaos unleashes a more violent reaction from the dark side. The Mayor, the second full-length documentary from the duo Rossini-Altuna in collaboration with Diego Enrique Osorno, is a portrait of Mauricio Fernandez Garza, the controversial mayor of San Pedro Garza Gar- cía. Located in Monterrey, Nuevo León, San Pedro is one of the wealthiest municipalities of Latin America. A radical and unpredictable figure, Fernandez Garza’s ideas and strategies have unleashed controversy across the country. This film obliges us to ask a series of deeply important questions: What are the costs and consequences of building a social bubble of this nature? Is fighting crime with more crime a solution? Is it truly utopian to believe in cities without violence, where people can freely circulate, enjoy life and live together? Without a doubt, The Mayor places us in the middle of this ambiguity and raises necessary questions about Mexico’s

future—generating new ways to reflect upon these matters. Marie-Ève Parenteau

43 DIARIO A TRES VOCES | THREE VOICES

México | 2012 | Español | Color | 63’

Dirección, guion, producción: Otilia Portillo Padua Contacto | Contact FLORES NEGRAS Dirección de fotografía: Erick Castillo México D.F. Edición: Otilia Portillo Padua, Alfonso Pineda, Óscar Figueroa [email protected] Sonido: Miguel Ángel Molina Compañías de producción: Flores Negras, Conaculta, Estudios Churubusco Azteca

Festivales | Festivals Festival Internacional de Cine de Morelia, DocsDF, SXSW.

Otilia Portillo Padua (México, 1980) estudió arquitectura en la Universidad de Cambridge y la Asociación de Arquitectos. Codirigió el cortometraje documental Tzolkin (Guatemala–Mé- xico, 2001) sobre el sincretismo religioso en Guatemala y dirigió el largometraje documental Llegando al cielo todo se refleja (Guatemala–México, 2006). En 2010 fue becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en el 2011 ganó el premio Docs in Progress (DocsDF– Estudios Churubusco) de posproducción para terminar Diario a tres voces y participó en la Doc Station de la Berlinale con esta misma película.

Otilia Portillo Padua (Mexico, 1980) studied architecture at the University of Cambridge and the Architectural Association. She co-directed the short filmTzolkin (Guatemala–Mexico, 2001), a short documentary about religious syncretism in Guatemala as well as the feature-length documentary Heaven Mirrors Everything (Guatemala–Mexico, 2006). She was awarded a fellowship from Mexico’s National Fund for Culture and Arts in 2010 to start Three Voices and participated at the Berlinale’s Doc Station. She won the 2011 DocsDF-Churubusco Docs in Progress Award to finish the film. P ULSOS 44 Diario a tres voces presenta un detallado acercamiento al amor tal y como lo experimentan tres mujeres de distintas generaciones. Dejando a un lado el sentimentalismo y los típicos clichés de las historias de amor, Otilia Portillo Padua filma a sus sujetos mientras hablan cándidamente sobre los PUL hombres que amaron. Nora, una mujer de mediana edad, se enamoró, la aburrieron las rutinas del hogar y la maternidad,

encontró consuelo en un peculiar curandero urbano y, finalmente, se reinventó; Monserrat, una ado- P ULSOS lescente de la generación Facebook para quien el amor ocurre rápidamente y siempre en público, habla de su atracción por dos chicos mientras ofrece un discurso sofisticado sobre los estereotipos de la belleza y los roles de género; Aldegunda, el personaje más entrañable de la película, describe al amor de su vida —un hombre que “le dio a su hija” y luego se fue con otra—, mientras navega entre sus recuerdos en la víspera de su cumpleaños número noventa. Aldegunda, al combinar una dosis del tanque de oxígeno con generosas cantidades de cerveza y tequila, transmite un aire de estrella de rock, a la vez que acepta tranquilamente que la vida y el amor son cosas del destino. Utilizando hábilmente ciertos códigos cinematográficos para confrontar la versión idealizada y monumentalizada del amor, Portillo crea una meditación compleja del espacio y del color, inspirada por los melodramas tecnicolor de Douglas Sirk de los años cuarenta y cincuenta. Las animaciones cursis le otorgan un tono irónico. El discurso de cuento de hadas se convierte en la base de una arquitectura de fantasías y un contrapunto al amor ordinario. Diario a tres voces tuvo un gran éxito en el Festival Internacional de Cine de Morelia y DocsDF, prueba de su impacto en los espectadores, precisamente porque no es un ostentoso pronunciamiento sobre la naturaleza del amor, solo un honesto recuento del mismo, tal y como lo han experimentado ciertas personas en ciertos momentos de la vida.

Three Voices presents a studied approach to love as experienced by women of three different generations. Forgoing sentimentality and the usual clichés attached to love stories, Otilia Portillo Padua records her subjects as they speak candidly about the men they loved. The middle-aged Nora fell in love, got bored when she receded into the routines of house-wifedom and motherhood, found solace in a peculiar urban healer, and finally reinvented herself. Monserrat, a teenager of the Facebook generation for whom love happens fast and always in public, recalls her crush on two guys while delivering a remarkably sophisticated discourse on beauty stereotypes and gender roles. Aldegunda, the film’s most endearing character, describes the love of her life—a man who “gave her her daughter” and then left her for another—while she shuffles through the memories that keep her company as she approaches her ninetieth birthday. Alternating whiffs of her oxygen tank with generous doses of beer and tequila, Aldegunda channels a bit of rock-star attitude, while quietly accepting that life and love are simply a matter of destiny. Expertly drawing on cinematic codes to contrast the idealized and monumentalized version of love that mediates human relationships with the reality of its transience, Padua creates a complex meditation on space and color, inspired by Douglas Sirk’s technicolor melodramas of the 1940s and 50s. Cheesy animation sequences have an ironic effect, as the veneer of fairy-tale love easily becomes the architecture of fantasies and the counterpoint to everyday love. Three Voices screened at the Morelia International Film Festival and DocsDF to wide acclaim. This is proof that the film strikes a powerful chord in its viewers, precisely because it is not a grand pronounce- ment about the nature of love but simply an honest account of it, as experienced by certain people at a

certain moment in their lives. Mara Fortes

45 ELEVADOR | ELEVATOR

México | 2012 | Español | Color | 72’

Dirección, guion: Adrián Ortiz Maciel Contacto | Contact Hatuey Viveros Dirección de fotografía: Hatuey Viveros Lavielle [email protected] Edición: Natalia Brushtein, Adrián Ortiz Maciel Adrián Ortiz Maciel Sonido: Rodrigo Lira T: +52 (1) 55 34 41 1304 [email protected] Producción: Hatuey Viveros Lavielle, Adrián Ortiz Maciel

Compañías de producción: Sardina Films, Aldea Cine, Fonca, Beca Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante

Festivales | Festivals Festival de Cine de Cracovia.

Adrián Ortiz (México, 1976). Realizó estudios de guion y realización cinematográfica en Madrid, España, y en Guadalajara, México. En 2009 egresó del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) con especialidad en dirección. Actualmente se encuentra trabajando en un nuevo proyecto documental y en el guion de su ópera prima de ficción.

Adrián Ortiz (Mexico, 1976) studied screenwriting and filmmaking in Madrid, Spain, and in Guadalajara, Mexico. In 2009 he graduated from the film school Centro de Capacitación Cinematográfica with a major in film direction. He is currently working on a new documentary project and on the script for his first feature film. P ULSOS 46 PUL

Un amable saludo rutinario seguido de una conversación trivial; se aprieta un botón y en pocos P ULSOS segundos las puertas de la caja metálica vuelven a abrirse para dar paso a los inquilinos que salen y entran del elevador. Quienes permanecen dentro, las y los elevadoristas del Centro Urbano Pre- sidente Alemán, ven pasar el tiempo con actitud serena dentro de estos cajones transportadores. Elevador, primer documental de Adrián Ortiz, involucra al espectador en múltiples viajes verticales a través del testimonio y la memoria rescatada de la interacción entre los pasajeros y operadores del emblemático multifamiliar. Este edifico, construido para los trabajadores de la administración pública federal en la primera mitad del siglo XX, y cuyo diseño corrió a cargo del arquitecto Mario Pani, tuvo el propósito de integrar en un mismo espacio tanto comercio como vivienda y recreación, erigiéndose así en un símbolo de la modernidad en la capital mexicana. Con el paso de los años, la imagen de este monstruo de cemento y ladrillo que alberga a cinco mil personas es recordado por sus elevadoristas y habitantes, quienes lo mismo platican de su oficio que evocan varias historias personales. Un tema recurrente es el cambio que significó la falta de apoyo federal en la administración y mantenimiento de los condominios. Si con este multifamiliar se logró un aparente ascenso de la clase burócrata en la escala social, los elevadoristas dan testimonio del eventual descenso de este grupo en la nunca fácil convivencia vecinal.

A kind, routine greeting is followed by a trivial conversation. A button is pushed and in a few seconds the doors to the elevator open and give way to the tenants entering and leaving. Those who remain inside, the elevator operators of the President Alemán Urban Housing Complex, pass the time within this transportive metal box calmly. Elevator, the first documentary from Adrián Ortiz, takes the viewer on multiple vertical trips through testimonies and memories recovered from the interaction between passengers and operators of this emblematic apartment complex. The building, built for federal administration workers in the first half of the twentieth century and designed by architect Mario Pani, was intended to integrate commerce, living and recreation in the same space. With such a design, it was a symbol of modernity in Mexico’s capital. Over the years, elevator operators and residents, who discuss their roles in the withdrawal of federal support for the administration and maintenance of the apartment complex, remember this cement and brick monster, home to 5,000 people. If the public housing complex allowed federal workers to ascend the social ladder, the elevator operators attest to their eventual descent amid their never-easy coexistence with tenants. Jonathan Martell

47 INORI

Japón | 2012 | Japonés | Color | 73’

Dirección, dirección de fotografía y edición: Pedro González-Rubio Contacto | Contact Shinji Kitagawa Sonido: Osamu Takizawa, Uriel Esquenazi Nara, Japón Música: Héctor Ruiz T: +81 (0) 904847 2923 Producción: Naomi Kawase T: +81 (0) 74295 5780 [email protected] Coproducción: Syunji Dodo Compañía de producción: Comité Organizador del Festival Internacional de Cine de Nara

Festivales | Festivals Festival de Cine de Locarno, Viennale, Festival Internacional de Cine de Nara, Festival Internacional del Cine de Morelia, Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, Festival de Nuevo Cine de Montreal, Baja Festival Internacional de Cine, Festival de Cine de Derechos Humanos de Croacia.

Pedro González-Rubio (México, 1976). Su iniciación en las Artes Visuales fue a los die- ciseis años, cuando vivía en Nueva Delhi. Estudió Ciencias de la Comunicación en la ciudad de México antes de asistir a la Escuela de Cine de Londres. En 2005 codirigió Toro Negro. Durante su estadía en la península de Yucatán realizó su debut individual como director con Alamar (2009), ganadora de más de quince premios internacionales. Inori, su última película, fue producida por la cineasta japonesa, Naomi Kawase, para el proyecto NARAtive 2012.

Pedro González-Rubio (Mexico, 1976) began his work in visual arts at the age of sixteen while living in New Delhi. He studied communications in Mexico City before attending the London Film School. In 2005 he co-directed the documentary Toro negro. During his time in the Yucatan Peninsula, he completed his directorial solo debut Alamar (2009), which received more than fifteen prizes worldwide. Inori, his latest film, was produced by Japanese filmmaker Naomi Kawase for the project NARAtive 2012. P ULSOS 48 Los temas de las películas de Pedro González-Rubio han transitado de lo sórdido a lo sublime. En Toro PUL negro (2005) filmó junto con Carlos Armella la historia de un peculiar torero maya, violento y alcohólico, y la relación destructiva que mantenía con su pareja. Ambos cineastas fueron invitados por Alejandro González Iñárritu para hacer el making-of de Babel (2007). En Alamar (2009) González-Rubio capturó P ULSOS la conmovedora historia de un pescador que emprende con su hijo pequeño un viaje de despedida a través de parajes marítimos surrealistas, logrando escenas memorables, llenas de ternura y nostalgia. El nuevo documental de González-Rubio, producido por Naomi Kawase, se titula Inori, que en japonés significa oración o rezo. Se trata de un refinado y sutil ensayo audiovisual en torno a una pequeña aldea japonesa escondida en la montaña, habitada por una comunidad de ancianos; un lugar en el que aparentemente no sucede nada. Con una mirada paciente e inquisitiva, capta los ritmos de la naturaleza, se deja llevar por su lenta cadencia; el viento sopla tranquilo, el tiempo se desliza en medio de los árboles. Poco a poco descubrimos la vida espiritual de sus pobladores, hasta obtener un retrato abstracto pero íntimo de su mundo. González-Rubio observa con interés y respeto las costumbres y los rituales, siempre atento al detalle etnográfico en la cocina, los rezos o la medicina tradicional. Vemos imágenes de un puente colgante, símbolo recurrente, metáfora del umbral que separa la realidad exterior de esta aldea de ensueño. Inori puede verse como una meditación cinematográfica y antropológica sobre la vejez, sobre la cultura tradicional y la vida cotidiana en una de las pocas comunidades que permanecen relativamente aisladas del resto del mundo. Es una excelente expresión del nuevo cine contemplativo y multisensorial, de la afortunada articulación de estrategias documentales con la libertad creativa de las artes visuales, que provocan en el espectador una experiencia estética y una reflexión intercultural.

The themes of Pedro González-Rubio’s films range from the sordid to the sublime. He co-directed with Carlos Armella Toro negro (2005), a film about a peculiar Mayan bullfighter, both violent and alcoholic, and his destructive relationship with his partner. Alejandro González Iñarritu later invited both González-Rubio and Armella to direct the “making-of” of Babel (2007). In Alamar (2009), González-Rubio captured a moving story about a father and his young son who embark on a farewell journey together through surreal maritime settings, resulting in memorable scenes of tenderness and nostalgia. Inori, which means “prayer” in Japanese, is González-Rubio’s new documentary, produced by Naomi Kawase. The film is a refined and subtle audiovisual essay about a small Japanese village hidden in a mountain, inhabited by a community of elderly people, a place where aparently nothing happens. With a patient and inquisitive eye, the director captures nature’s rhythms and is carried away by its slow cadence; the wind blows and time slips through the trees. Little by little, we discover the spiritual life of the villagers, arriving at an abstract yet intimate portrait of their inner world. With interest and respect, González- Rubio observes their customs and rituals, always attentive to ethnographic detail in their food preparation, prayers and traditional medicine. We see images of a suspension bridge, a recurrent symbol and a metaphor of the threshold that separates exterior reality from this dream village. Inori can be watched as a cinematographic and anthropological meditation about old age, traditional culture and everyday life in one of the few communities that remains relatively isolated from the rest of the world. It is an excellent expression of the new multisensory and contemplative cinema as well as the favorable articulation of documentary strategies with the creative freedom of the visual arts, all of which

provoke an aesthetic experience and intercultural reflection in the viewer. Antonio Zirión

49 palabras mágicas (para romper un encantamiento) magic words (to break a spell) México–Guatemala | 2012 | Español | Color | 83’

Dirección, guion: Mercedes Moncada Rodríguez Contacto | Contact Jorge Sánchez Sosa Dirección de fotografía: Carlos F. Rossini, Leoncio Villarías Producciones Amaranta Edición: Mercedes Cantero Rep. de Uruguay 52, Centro Sonido: Lena Esquenazi México, D.F. [email protected] Música: Leoncio Lara Bon Producción: Mercedes Moncada Rodríguez, Jorge Sánchez Sosa Compañías de producción: Producciones Amaranta, Imcine-Foprocine, TVUNAM, Casa Comal

Festivales | Festivals Festival Internacional de Cine de San Sebastián, IDFA, DOK Leipzig, DocsDF, Festival de Cine de Guadalajara.

Mercedes Moncada (España). Nacida en una familia española-nicaragüense, Mercedes Moncada pasó la mitad de su vida entre los dos países antes de mudarse a México. Es socióloga de profesión con experiencia en periodismo e investigación de campo. En 1996 se involucró en la producción cinematográfica y desde entonces ha realizado películas de ficción y documentales entre los que destacan La pasión de María Elena (2003), Historia de dos hermanos–El inmortal (2005) y La sirena y el buzo (2009).

Mercedes Moncada (Spain). Born into a Spanish-Nicaraguan family, Mercedes Moncada spent half of her life living in both countries before moving to Mexico. She is a trained sociologist with experience in journalism and field research. In 1996 she became acquainted with film production, and she has since worked on several documentaries and narrative films such asLa pasión de María Elena (2003), Historia de dos hermanos–El inmortal (2005) and La sirena y el buzo (2009). P ULSOS 50 PUL

Palabras mágicas (para romper un encantamiento) es una película que evoca todos los sentidos. P ULSOS En uno de sus trabajos más poderosos y personales, Mercedes Moncada indaga en sus recuerdos de los eventos que ocurrieron después de la revolución sandinista en Nicaragua en 1979, cuando, en palabras de la directora, “cada uno de nosotros era la mejor versión de sí mismo”. Desafortunadamente, la brutalidad de la dictadura de Somoza fue reemplazada rápidamente por la corrupción y la demagogia de algunos líderes sandinistas, quienes traicionaron el espíritu de la revolución y los corazones de quienes creyeron en ella. Moncada entreteje sus propias memorias con material de archivo e imágenes deslumbrantes y sugerentes del paisaje que dan testimonio de su propio desencanto. Traza sorprendentes paralelos históricos con el contexto social contemporáneo, en secuencias extraordinarias de montaje e imágenes de protestas actuales, que son prácticamente idénticas. A través de esta introspección fílmica, Mercedes Moncada registra el desvanecimiento de los ideales que avivaron la lucha por la liberación y logra una reflexión catártica sobre la naturaleza cíclica de la historia. El contaminado lago de Managua se convierte en un trasfondo metafórico del estancamiento y la miseria que han permeado en el país, del podrido legado de los regímenes corruptos y del peso de las memorias acumuladas de Moncada. Es también un recordatorio del carácter monu- mental y eterno de la naturaleza, que contrasta con la existencia efímera del hombre.

Magic Words (To Break a Spell) is a film that addresses all the senses. It is one of Mercedes Moncada’s most powerful and personal works and perhaps her most ambitious. She revisits her memories of the sequence of events that followed the triumph of the 1979 Sandinista Revolution in Nicaragua, when, as Moncada puts it, “each of us was the best version of ourselves.” Then she meditates on the subsequent dissolution of the ideals that fueled the struggle for liberation in the first place. The brutality of the Somoza dictatorship was soon replaced by the corruption and demagoguery of power-hungry Sandinista leaders, who betrayed the spirit of the Revolution and the hearts of those who believed in it. Moncada weaves together her own recollections with archival footage and haunting images of the landscape that speak to her own experience of disillusionment. By drawing striking parallels to the contemporary social climate and brilliantly matching scenes from the past to the arsenal of images from present-day protests, she effects a cathartic reflection on the cyclical nature of history. The polluted Managua Lake serves as a backdrop and a metaphor for the stagnation and misery that have permeated the country, the rotten legacy of corrupt regimes and the weight of her own accumulated memories. It is also a reminder of the monumentality and timelessness of nature, which contrasts and bears witness to our ephemeral existence and shortsightedness. Elena Fortes

51 PARTES DE UNA FAMILIA | PARTS OF A FAMILY

México–Países Bajos | 2012 | Español | Color | 83’

Dirección, fotografía, producción: Diego Gutiérrez Contacto | Contact Diego Gutiérrez Edición: Danniel Danniel [email protected] Sonido: Mark Glynne www.partsofafamily.com Música: Tembembe Ensamble Continuo Ventas internacionales Deckert Distribution Compañías de producción: Bonanza Films, DocLab-Binger FilmLab, Imcine- Marienplatz 1, 04103 Foprocine, FICM Leipzig, Alemania T: +49 341 215 66 38 [email protected]

Festivales | Festivals Festival Internacional de Cine de Morelia.

Diego Gutiérrez (México, 1966) es cineasta, artista visual y fotógrafo. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en México y también en la Real Academia de Artes Visuales y el Binger Filmlab, ambos en los Países Bajos. En 1998 fundó El Despacho, una iniciativa que relaciona a artistas visuales con personas de otras disciplinas para desarrollar proyectos de cine documental por medio de procesos formativos lúdicos. Gutiérrez ha colaborado con artistas como Kees Hin y Yael Bartana, entre otros. Asimismo, ha recibido numerosos reconocimientos nacionales e internacionales.

Diego Gutiérrez (Mexico, 1966) is a filmmaker, visual artist and photographer. He studied visual arts at the National School of Arts in Mexico as well as at the Royal Academy of Visual Arts and the Binger Filmlab, both in the Netherlands. In 1998 he founded El Despacho, an initiative that seeks to bring together individuals from several disciplines to develop an alternative way of making documentary films by means of playful formative processes. Gutiérrez has collaborated with artists such as Kees Hin and Yael Bartana, among others. He has received various national and international awards and distinctions. P ULSOS 52 PUL Partes de una familia es un retrato impactante y elocuente de la relación de los padres del director Diego Gutiérrez. La pareja pertenece a cierta clase alta, rara vez retratada en el cine mexicano contemporáneo.

A pesar de ser incapaces de soportarse, los dos comparten un caserón en las afueras de la ciudad de P ULSOS México. Gutiérrez los sigue en sus actividades cotidianas, invitándolos a que reflexionen sobre sus vidas. La madre, quien dedicó su vida al cuidado de la casa y de los niños, vive relegada en su propia soledad y la nostalgia de su juventud. El padre, un doctor retirado, se dedica a escribir sus memorias y asegura que a sus ochenta años nunca había sido tan feliz. En un intento por definir los hechos y eventos que los distanciaron, el director entreteje fragmentos de la vida diaria de la pareja y del archivo fílmico de la familia con la leyenda mexica de los dos amantes convertidos en volcanes. En contraste con el Popocatépetl y el Iztaccíhuatl —que observan la casa, unidos eternamente por la geografía y la leyenda—, los padres de Diego parecen estar juntos por inercia y porque los limitan las paredes de su residencia. Primeros planos extremos, tomas desarticuladas y pantallas divididas emulan y reafirman su relación fracturada. Objetos irrumpen en el encuadre separándolos aún más. Sin embargo, la complejidad de la película va más allá de su construcción visual. Las palabras se revelan en fragmentos, las emociones quedan suspendidas en tensión y los silencios incómodos guían la narrativa de la película, que se interrumpe solo por puntuales y devastadores comentarios. Partes de una familia es un logro visual y narrativo, así como una generosa y sincera obra sobre la historia de una familia, compuesta “en partes”, a través de momentos íntimos que son profundamente conmovedores y estremecedores. Nos obliga a reflexionar sobre nuestras propias nociones míticas y románticas del amor y las aparentes trivialidades que atan las relaciones humanas.

Parts of a Family is an eloquent and powerful portrait of the relationship between director Diego Gutiérrez’s parents, who belong to a certain upper class rarely portrayed in contemporary Mexican cinema. They share an enormous house on the outskirts of Mexico City despite hardly being able to bear each other. Gutiérrez follows them as they go about their daily activities, encouraging them to reflect upon their lives. His mother, who devoted her life to taking care of the house and children, is now relegated to her solitude, nostalgic for the happiness that marked her early years. His father, a retired doctor, is now absorbed writing his memoirs and feels reborn at 80, claiming to never have been happier. In an attempt to single out the traits and events that led to their distancing, Gutiérrez intertwines archival footage of family history and fragments of the couple’s daily life with the Aztec legend of the two lovers who became volcanoes. In contrast to the volcanoes that overlook the house, bound together forever by geography and legend, Diego’s parents seem to be bound only by inertia and the walls of their house. Extreme close-ups, fragmented shots, and split screens emulate and reinforce their broken relationship. Commonplace objects disrupt the frames further separating husband and wife. But the film’s sophistication goes well beyond visual construction. Words are let out in bits, emotions are suspended in tension, and uncomfortable silences guide the film’s narrative, interrupted only by crushing remarks. Parts of a Family is a visual and narrative accomplishment as well as a generous, open-hearted work of family history brilliantly put together “in parts” through intimate moments that are both profoundly moving and quietly devastating. Ultimately, it forces us to reflect upon our own mythical notions of love and the apparent trivialities that bind human relations. Elena Fortes

53 LA PIEDRA AUSENTE | THE ABSENT STONE

México–Estados Unidos | 2012 | Español, inglés | Color, blanco y negro | 82’

Dirección, producción: Sandra Rozental, Jesse Lerner Contacto | Contact El Egipto Americano Dirección de fotografía, edición: Jesse Lerner 593 Glendale Blvd. Guion: Sandra Rozental Los Ángeles, CA 90026 Sonido: Michael Kowalski, Sara Harris Estados Unidos T: +1 213 413 1333 Música: José Chavarría [email protected] Compañías de producción: Foprocine, INAH, El Egipto Americano, S.A. [email protected]

Sandra Rozental (México, 1979), doctora en Antropología Social, ha trabajado como investigadora y curadora de museos de antropología y de cultura popular. Este es su primer documental y está basado en casi una década de investigación antropológica y de archivo. Jesse Lerner es cineasta, escritor y curador. Sus cortometrajes y largometrajes han ganado premios en festivales internacionales, y se han presentado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y la Bienal de Sydney, por citar algunos espacios. Como curador ha organizado exposiciones para importantes museos nacionales e internacionales.

Sandra Rozental (Mexico, 1979), Ph.D. in social anthropology, has worked as a researcher and curator of anthropology and popular culture museums. This is her first documentary, based on a decade of archival and anthropological research. Jesse Lerner is a filmmaker, writer and curator. His short films and features have received many awards at international film festivals and have been featured at the Museum of Modern Art in New York and the Sidney Biennale, among other venues. As a curator he has organized exhibitions for important national and international museums. P ULSOS 54 La piedra ausente combina de manera novedosa una reflexión antropológica, surgida de la investiga- ción exhaustiva de Sandra Rozental, con una narrativa lúdica y transgresora característica de la obra PUL del cineasta Jesse Lerner. El documental sigue la trayectoria de una piedra a través de la historia y el paisaje mexicano. Se trata de uno de los objetos más emblemáticos de la identidad nacional: un

enorme monolito que representa una deidad prehispánica de la lluvia. El monolito, que durante siglos P ULSOS permaneció en San Miguel Coatlinchan —un pueblo en el Estado de México—, fue declarado patrimonio nacional y trasladado al Museo Nacional de Antropología en 1964. Su llegada fue acompañada de una gran tormenta que inundó la urbe. La película nos transporta a un episodio poco conocido de la historia contemporánea de México: la expropiación de una piedra y los conflictos que suscitó. Se reconstruye el proceso de imposición, confrontación, resistencia y eventual asimilación de un pueblo que luchó por defenderla hasta que intervino el ejército. El relato polifónico se construye a partir de los recuerdos y la vida cotidiana de los pobladores actuales de Coatlinchan, e incluye además entrevistas con célebres arquitectos, arqueólogos y autoridades responsables de la operación, y la cobertura de los medios de comunicación de la época. Además de la filmación en 16 milímetros y animaciones realizadas por el colectivo Viumasters, los directores mezclan material de archivo de toda índole, haciendo gala de una extraordinaria recopilación iconográfica. La irreverencia del lenguaje audiovisual revela las discrepancias y contradicciones que existen entre la historia oficial y las memorias personales a nivel local. Los autores nos presentan su versión extraoficial sin la solemnidad y rigidez que suelen acompañar a la historia y las ciencias sociales; lanzan una mirada crítica a los usos y los juegos de poder en torno al patrimonio cultural; y confrontan la historia aprovechando la maleabilidad del pasado y la ambigüedad del presente.

The Absent Stone combines, in a novel way, anthropological reflection based on Sandra Rozental’s exhaustive research with a playful and transgressive narrative that characterizes the work of filmmaker Jesse Lerner. The documentary follows the journey of a stone through Mexico’s history and landscape. This is not just any stone but one of the most emblematic objects of national identity: an enormous monolith that represents a pre-Hispanic rain deity. The monolith, which was located for centuries in San Miguel Coatlinchan—a town in the State of Mexico— was declared national patrimony and moved to the National Museum of Anthropology in 1964. Its arrival was accompanied by a severe storm that flooded the metropolis. The film transports us to an unexplored episode of modern Mexican history: the expropriation of the stone and the conflicts it provoked. It reconstructs the process of imposition, confrontation and resistance, as well as the eventual defeat of the town, which had fought to defend it until the army intervened. The polyphonic account is built from the memories and everyday life of Coatlinchan’s inhabitants as well as from interviews with well-known architects, archaeologists and authorities in charge of the operation and its media coverage. In addition to the 16mm footage and a series of animations made by the collective Viumasters, the directors mix a myriad of archival material, creating an extraordinary iconographic compilation. The irreverence of this audiovisual language reveals the discrepancies and contradictions that exist between the official story and local, personal memories. The authors introduce us to their unofficial version without the solemnity and strictness that tend to accompany history and the social sciences. Instead, they critically approach the power games that seek to control cultural patrimony. They confront history, taking advantage of the malleability of the past and the ambiguity of the present. Antonio Zirión

55 QUEBRANTO | RUIN

México | 2012 | Español | Color | 95’

Dirección: Roberto Fiesco Contacto | Contact MIL NUBES – CINE Dirección de fotografía: Mario Guerrero Roberto Fiesco Edición: Emiliano Arenales Osorio T: +52 55 5598 9060 Guion: Julián Hernández, Roberto Fiesco [email protected] RUTA 66 Sonido: Omar Juárez Espino, Armando Narváez del Valle, Alejandro Zuno Hugo Espinosa Producción: Hugo Espinosa, Ernesto Martínez Arévalo [email protected] Compañías de producción: Mil Nubes-Cine, Foprocine, Ruta 66 con el apoyo del CUEC-UNAM, Fonca, Beca Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante

Roberto Fiesco (México, 1972) estudió en el Centro Universitario de Estudios Cinemato- gráficos (CUEC) y en la Escuela Nacional de Arte Teatral, ambas en México. Varias de las películas en las que trabajó como productor recibieron premios en distintos festivales del mundo. Además de impartir clases de producción en el CUEC, ha publicado diversos artículos y ensayos sobre cine. Fue becario en dos ocasiones del programa Jóvenes Creadores. Su cortometraje David (2005) ganó el premio al mejor cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

Roberto Fiesco (Mexico, 1972) studied at the CUEC film school and at the National School of Theatre, both in Mexico. Many of the movies in which he has worked as a producer have received awards in different international film festivals. In addition to teaching production at the CUEC, he has published various articles and essays about cinema. He has twice received the Young Creators Fellowship. His film David (2005) won the prize for best short at the Morelia International Film Festival. p ulsos 56 Habitante de un mundo de recuerdos, Coral Bonelli, la actriz y bailarina transgénero, evoca su BECA niñez y juventud como Fernando García “Pinolito”, en compañía de su madre, la también actriz Lilia Ortega. Remembranza de dos vidas hilvanadas, madre e hija recuperan del pasado la prometedora y fugaz carrera artística de Coral como imitador en las carpas urbanas y su debut como actor infantil en la película Caridad de Jorge Fons. La vida de Coral no puede pensarse sin la presencia de doña Lilia, una mujer fuerte y vital quien a sus ochenta años mantiene una lucidez y una picardía envidiables. En Quebranto, Roberto Fiesco expone a través de una puesta en escena casi teatral el contraste de un pasado de gloria efímera donde el peso de la identidad llevó a Coral a tomar la decisión de liberarse, con las consecuencias que esto implicó en su futuro, más allá de los éxitos y fracasos de una carrera ingrata. Testimonios conmovedores de dos mujeres que en complicidad han enfrentado una sucesión de pérdidas en su vida: el padre ausente, la familia quebrantada tras la muerte del hermano en el terremoto de 1985, la inexistente relación con la hermana y el cambio transgresor de la identidad de Fernando.

Del estrellato a la prostitución, las voces desgarradoras de estas dos actrices secundarias a m bula n te - m octezu a cuau h té m oc beca revelan un destino diferente al de sus sueños: ahora luchan por vencer los prejuicios y ambi- güedades de una sociedad reacia a entender que en las decisiones de la vida, la felicidad es lo más importante.

Transgender actress and ballerina Coral Bonelli inhabits a world of memories; she reminisces about her childhood and adolescence as Fernando García “Pinolito” alongside her actress mother Lilia Ortega. Reflecting on their intertwined lives, mother and daughter recall Coral’s promising yet fleeting artistic career as an urban and child actor in the Jorge Fons film Caridad. It is impossible to contemplate Coral’s life without recognizing doña Lilia’s strong presence. Even in her 80’s she maintains an enviable mischief and lucidity. In Quebranto, Roberto Fiesco uses theatrically staged scenes to expose an ephemeral, glorious past where identity’s heavy burden leads Coral to actively seek liberation, beyond the successes and failures of a thankless career. It is a moving testimony of two women who have endured a series of losses: an absent father, a family broken by the death of a son in the 1985 earthquake, a distant relationship with a sister and Fernando’s trans identity. From stardom to prostitution, the heartbroken voices of these two actresses reveal a destiny apart from dreams. They now struggle to overcome the prejudices and nuances of a society that refuses to understand that when making decisions in life, happiness is what matters. Jonathan Martell

57 EL SUEÑO DE SAN JUAN | dream of san juan

México-Polonia | 2012 | Español | Color | 45’

Dirección, guion, fotografía: Joaquín del Paso, Jan Pawel Trzaska Contacto | Contact Joaquín del Paso Edición: Irek Grzyb T: +48 515636380 Sonido: Jonathan Macías, Leszek Freund, Andrzej Kaczynski [email protected] Música: Marín del Paso Producción: Piotr Kempa Compañías de producción: DeLord, Jan Pawel Trzaska, Instituto Polaco del Cine

Festivales | Festivals Festival de Cine de Cracovia, Festival Internacional de Cine de Morelia.

Joaquín del Paso (México, 1986). Director y cinefotógrafo. En 2007 completó sus estudios de dirección y guion en el ICAIC en La Habana. Actualmente estudia en la Escuela de Cine de Lodz. Sus cortometrajes y documentales han sido presentados en festivales internacionales. Jan Pawel Trzaska (Polonia, 1983). Director, cinefotógrafo y fotógrafo graduado de la Escuela de Cine de Lodz y la Academia de Fotografía de Varsovia. Ha trabajado como director y director de fotografía en documentales, cortometrajes, programas de televisión y videoclips.

Joaquín del Paso (Mexico, 1986) is a film director and cinematographer. In 2007 he completed coursework in Film Directing and Scriptwriting at the State Film School in Cuba. He is currently studying at the Film School in Lodz. His short feature films and documentaries have been presented at film festivals worldwide. Jan Pawel Trzaska (Poland, 1983). A graduate of the Film School in Lodz and the Academy of Photography in Warsaw, Trzaska is a film director, cinematographer and photographer. As a director and director of photography he has worked on documentaries, short feature films, TV programmes and video clips. p ulsos 58 PUL

Un hombre sueña con el fin del mundo, con el día en que una enorme nube negra cargada de P ULSOS lluvia se acerque amenazante hacia él y su familia. En medio de esa apocalíptica oscuridad que convierte su sueño en pesadilla, abrazará a su esposa e hijos para esperar con resignación lo que tenga que suceder. A través de un discurso audiovisual casi minimalista, construido con imágenes de la vida cotidiana en la población rural de San Juan Ixtaltepec, Oaxaca, los documentalistas egresados de la Escuela Nacional de Cine de Polonia, el mexicano Joaquín del Paso y el polaco Jan Pawel Trzaska, retratan el infructuoso esfuerzo de sus pobladores por advertir a las autoridades gu- bernamentales sobre el grave peligro de deslaves que amenazan con destruir su comunidad durante la temporada de lluvias. A pesar de este trágico panorama, el trabajo de Trzaska y Del Paso consigue exponer con sutileza momentos bellos de una realidad permanente en la región de la sierra mexicana, donde a la carencia de recursos con los que sobrevive esta comunidad mixteca, se suman el miedo y la desesperanza de sus habitantes, quienes desde el anonimato imploran un estudio geológico de la zona de riesgo, en cuyo resultado confían encontrar la argumentación para ser reubicados. Mientras esperan la ayuda, el desastre es inminente.

A man dreams of the end of the world, of the day when a dark rain cloud will approach and threaten him and his family. In the middle of this apocalyptic darkness that turns his dream into a nightmare, he holds onto his wife and children, waiting for the inevitable. Through a minimalist audiovisual discourse constructed with images of everyday life in rural San Juan Ixtaltepec, Oaxaca, the Mexican filmmaker Joaquín del Paso and the Polish filmmaker Jan Pawel Trzaska, both graduates of the Polish National Film School, portray the rural community’s unsuccessful efforts to warn local authorities of the oncoming threat of landslides that the rainy season brings. Despite this tragic story, Tzaska and Del Paso’s work succeeds at subtly exposing the beautiful glimpses of the reality of the Mexican sierra. The inhabitants of the Mixtec community conduct an anonymous geological survey of the area, hoping to justify their relocation to safer grounds. In the meantime, they must survive with limited resources and in a state of constant fear and anxiety. They wait for assistance, in spite of the imminent disaster. Jonathan Martell

59 Fomenta y difunde la realización cinematográfica independiente para lograr que nuevos realizadores provenientes de diversos rincones de Latinoamérica cuenten sus historias desde una perspectiva cultural y estética única.

Dirección, guion: Carlos R. Rivero Uicab Dirección: Glenny G. Torres Canul Fotografía, producción: Nicolás Feldman Fotografía: Paloma Jesús Cituk Andueza Edición: Mayra P. Caal Gaspar Sonido: Ulsía Urrea Mariño Sonido: Carlos R. Rivero Uicab, Producción: María Beatriz Tzuc Dzib Mayra P. Caal Gaspar Colaboración de: Dana Silverman

Carlos, el director del documental, ha trabajado durante Ayudar para ser ayudado, así es como Víctor Ceba- cuatro años con la familia de Abraham, un menoni- llos concibe su labor: la preparación de un remedio ta que vive en la región de Campeche desde hace herbolario contra la mordida de serpientes venenosas más de una década. Su principal trabajo era la tala que aprendió desde niño como parte de una sabiduría de árboles para producir carbón. En la comunidad ancestral y secreta que se ha heredado en la familia maya no estuvieron de acuerdo con la tala de árboles Ceballos de generación en generación. y finalmente lograron que cesara esta actividad. Los “Helping in order to be helped,” this is how Víctor menonitas tenían miedo de los mayas, de igual manera Ceballos sees his work. He prepares an herbal que los mayas temían a los menonitas. Hoy estas cul- remedy to fight venomous snake bites, a skill he turas tan diferentes viven en paz. El documental retrata learned during childhood as part of the Ceballos el modo de vida de los menonitas desde el punto de family’s ancient wisdom that has been passed down vista de un director maya. for generations. Carlos, the director of the documentary, worked for four years with Abraham and his family of Mennonites who have lived in the Campeche region for over a decade. Abraham mainly worked cutting down trees to produce charcoal. The Mayan community, which does not agree with tree felling, finally put a stop to it. The Mennonites were once apprehensive and afraid of the Mayans, just as the Mayans were afraid of them. Today, these two very different cultures live in peace. This documentary portrays the Mennonites’ way of life from the point of view of a Mayan director.

campeche YUCATÁN

Producción: Natalia del Carmen Matus Yepes Sonido: Melissa Briseño allá m ás a m bula n te Asistente general: Anery Molina Jiménez Producción: Abimelec Arcos Asistente de dirección: Leonardo Alejo Evelia , Andrés y Tony tienen dos cosas en común: sus padres trabajan el campo y parte de sus vidas giran La reserva de la biósfera de Calakmul es una de las en torno al CECYT, un bachillerato cuyas carreras más importantes de México y la segunda más extensa técnicas no corresponden con la realidad rural de sus del continente después de la Amazonía, sin embargo comunidades. El documental aborda la incompatibilidad las autoridades y los habitantes no cuentan con un entre el perfil de las carreras técnicas que estos jóvenes manejo apropiado de los residuos sólidos. El docu- no tuvieron más remedio que elegir, y la realidad de mental aborda esta problemática a partir de la historia su ambiente rural, así como las frustraciones que se de Miguel, Armando y Víctor, tres niños que viven en generan cuando la vida no brinda las oportunidades el basurero municipal y se dedican a separar residuos necesarias para crecer como persona. para sobrevivir. Evelia, Andrés and Tony have two things in com- The Calakmul Biosphere Reserve is one of Mexico’s mon: their parents work the land and part of their most important and the second largest in the con- lives revolve around the CECYT, a high school with tinent after the Amazon. However, its authorities terminal technical degrees that do not correspond and inhabitants do not have adecuate solid waste with the realities of their rural communities. This management. This documentary approaches the is- documentary takes on the incompatibility between sue through Miguel, Armando and Víctor, three boys the technical programs, which are the only options who live in the municipal dump and work separating for these young people, and the reality of their rural waste in order to survive. environment. It also shows us the frustrations that arise when the opportunities you need to grow as a person are not available.

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63 GUARDIANES DEL MAYAB KOLTAVANEJ GUARDIANS OF MAYAB México | 2012 | Español | Color | 19’ México | 2012 | Maya | Color | 33’ Direccion: Concepción Suarez Aguilar Dirección: Jaime Magaña Fotografia: Maria Cameras Myers, Concepción Asistente de dirección y edición: Suarez Aguilar y Jaime Luis Mecias Deara Aurora Rubí Be Ciau Edicion: Maria Cameras Myers Fotografía: Giovani Balam Caamal Sonido: Juan Cristóbal Velasco eP rez Sonido: Eli Casanova y Concepción Suarez Aguilar Producción: María Bello Produccion: Gemma Estrella

Lucio Puc es un jmen (chamán) maya yucateco. Muere Rosa Lopez Diaz, mujer tsotsil, fue torturada durante y viaja a la dimensión de los siete cielos, ahí conoce a el embarazo para que se autoinculpara de un crimen los báalam (guardianes), y por medio de ellos obtiene del que se había declarado inocente. Conocio distintas el poder de la curación y la sabiduría, el cual utilizará caras de la violencia mucho antes de ir a prision. Desde cuando vuelva a la vida, para ayudar a sus semejantes. el Centro de Rehabilitación Social numero 5, en San Cristobal de Las Casas, Chiapas, su voz trasciende los Luis Puc is a Yucatecan Mayan jmen (shaman). muros y nos muestra su dignidad. He dies and travels to the dimension of the seven heavens where he meets the báalam (guardians). Rosa Lopez Diaz, a Tsotsil woman, was tortured Through them, he receives healing powers and during her pregnancy so that she would accept wisdom, which he uses to come back to life to help the blame for a crime for which she had pleaded his fellow man. innocent. She witnessed many forms of violence far before she went to prison. From cell number 5 in San Cristobal de Las Casas, Chiapas, her voice breaks through the walls and illustrates her dignity.

chiapas YUCATÁN

64 EL NAIL NO QUIERO DECIR ADIÓS México | 2012 | Tseltal | Color | 28’ I DON’T WANT TO SAY GOODBYE México | 2012 | Español | Color | 29’ Dirección, edición: Néstor A. Jiménez Díaz Fotografía: Juan Antonio Méndez Rodríguez Dirección: Ana Isabel Ramírez Guadarrama Sonido: Guillermo Gómez Sánchez Asistente de dirección: Xóchitl Alamilla Nandayapa y Marisela Sánchez Gómez Fotografía: Ángel López

Producción: Marisela Sánchez Gómez Edición: Madely Adylene Trujillo Ballinas allá m ás a m bula n te Sonido: Alfredo Vicente de la Torre González En el pueblo de Tenejapa se han perdido los rezos, no Producción: Blanca Olivia Hernández Hernández hay quienes pidan por la vida, han llegado las enferme- dades y los problemas. Los antiguos, los del costumbre, El 13 de enero de 2007 un suceso marca la vida de ya no son tomados en cuenta. Alonso Sántis López es doña Olga y de Ana Isabel, al enterarse de que una uno de los pocos rezadores tradicionales que tienen persona muy especial para ellas no regresa a su casa. tatuado el servicio al pueblo. Su trabajo consiste en pedir Este documental retrata el caso de Ana Laura, joven a los dioses por los bankilales (hermanos mayores) y presuntamente asesinada hace cinco años por uno de velar por la vida de la gente. Durante el carnaval, ritual sus maestros. Narrada por personas vinculadas a los en donde empieza el nuevo año y con ello un periodo hechos, la cinta sigue de cerca la lucha de doña Olga más del cargo en el costumbre, conoceremos a El Nail. y Ana Isabel para superar esa pérdida y conseguir que el caso no quede impune. The town of Tenejapa has lost its prayers; its people no longer pray for life, and illnes and hardship have arrived. January 13, 2007, was a day that doña Olga and The ancient ones, those who uphold Tenejapa’s Ana Isabel will never forget. It was the day they found traditions and customs, are no longer acknowledged. out that a loved one would not be coming home. Alonso Sántis López is one of the few traditional This documentary focuses on the case of Ana prayer men who serves the town. His work consists Laura, a young woman who was presumably mur- of praying to the gods for bankilales (elder brothers) dered five years ago by one of her teachers. It is and watching over the lives of the people. We meet narrated by the people who are involved and fol- El Nail during “el carnaval,” a ritual that marks the lows closely doña Olga and Ana Isabel’s fight to new year and the responsibility to preserve tradition. overcome their loss and assure that the crime is not left unpunished.

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65 SANJUANA TRAMAS Y TRASCENDENCIAS México | 2012 | Español | Color | 28’ RESILIENCE Guatemala | 2012 | Español | Color | 12’ Dirección: Victor Rejón Cruz Fotografía, producción: Rafael Heredia Abuxapqui Dirección: Flor de María Álvarez Medrano Edición: Danny Perera Sulub Fotografía: Loida Cúmez Sucuc Sonido: Rossana Ek Chable Edición: Loida Cúmez Sucuc y Flor de María Asistente general: Emmanuel Villanueva Hau Álvarez Medrano Sonido: Tomasa Atz Tomás Esta es la historia de Sanjuana, una mujer mexicana que ha intentado quitarse la vida cinco veces. Gracias Documental que muestra el trauma del abuso sexual a a su testimonio descubriremos poco a poco cómo salió través del testimonio de tres mujeres que relatan sus adelante después de numerosos cuadros depresivos. emociones y las creencias negativas que bloquean ¿Por qué ha intentado quitarse la vida en repetidas la relación entre su cuerpo y espíritu. El cortometraje ocasiones? ¿Cómo ha encontrado la motivación para muestra las tramas históricas o patrones traumáticos salir adelante? Sanjuana nos invita a volver a vivir con ella que se han heredado de generación en generación y momentos íntimos de su vida. Desenterrará recuerdos que impiden vivir la vida en plenitud, así como los pri- que han estado archivados durante mucho tiempo en su meros pasos para hacer algo en contra de esa realidad memoria y nos hará recordar que, al fin y al cabo, todos y conseguir transformarla. somos seres humanos buscando un motivo para vivir. A documentary that shows the trauma of sexual This is the story of Sanjuana, a Mexican woman abuse through the testimonies of three women who who has tried to end her life five times. Thanks to recount the emotions and negative thoughts that block her testimony, we discover, little by little, how she their relationships with their bodies and souls. This moved forward after numerous bouts of depression. short film shows the historical threads—or traumatic Why has she tried to end her life so many times? patterns— that have been inherited generation after How has she found the motivation to keep going? generation and that interfere with leading a full life. Sanjuana invites us to live intimate moments of her It also explores the first steps to fighting this reality life. She unearths events that have been filed away and finding a way to transform it. in her memory for many years, and she reminds us that, in the end, we are all human beings looking for a reason to live.

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66 ás allá m ás a m bula n te

67 OBSERVATORIO

Serie de documentales de vanguardia de todo el mundo que inspiran nuevas formas de pensar y de interpretar la realidad. 68 A series of cutting-edge documentaries from around the world that inspire new forms of thinking about and interpreting reality. ARGENTYNSKA LEKCJA | LECCIÓN ARGENTINA | ARGENTINIAN LESSON Polonia | 2011 | Polaco, español | Color | 59’

Dirección, fotografía, guion: Wojciech Staron Contacto | Contact Katarzyna Wilk Edición: Zbyszek Osinski, Wojciech Staron Krakow Film Foundation Música: Agata Steczkowska, Sergio Gurolla ul. Basztowa 15/8a Producción: Malgorzata Staron | 31-143 Cracovia, Polonia T: +48 12 294 69 45 Compañías de producción: Staron Film, TVP SA [email protected]

Festivales | Festivals RIDM, Silverdocs, Plus Camerimage, Dokufest Kosovo, Festival Internacional de Cine Noruego, Festival Internacional de Cine Documental Encuentros del Otro Cine.

Wojciech Staron (Polonia, 1973) es director y fotógrafo de cine. Graduado del departamento de cinematografía de la Escuela de Cine de Lodz, Staron ha filmado más de veinte documentales y largometrajes de ficción. Es miembro de la Academia Europea de Cine y de la Sociedad Polaca de Cinefotógrafos. Su debut como documentalista fue con la película The Siberian Lesson (1998), galardonada en Amsterdam (IDFA) y el Festival de Cine de Cracovia, entre otros. Recibió el premio Oso de Plata en la Berlinale 2011 por su trabajo como director de fotografía en la película El premio, dirigida por Paula Markovitch.

Wojciech Staron (Poland, 1973) is a cinematographer and film director. A graduate of the Cinematographic Department at the Film School in Lodz, he has shot over twenty documentaries and feature-length fiction films. Staron is a member of the European Film Academy and Polish Society of Cinematographers. He made his documentary debut with The Siberian Lesson (1998), which won awards in Amsterdam (IDFA) and the Krakow Film Festival, among others. He received the Silver Bear Award at Berlinale 2011 for his cinematography in El premio, directed by Paula Markovitch. OBSER V ATORIO 70 Una joven polaca llega a la taiga rusa, en la Siberia de los exiliados y deportados, para dar clases de polaco. Enviada por el gobierno de su país para resarcir un vínculo atravesado por guerras y crisis eco- nómicas, con ella también viaja su novio, Wojciech Staron, director y cinefotógrafo. Él captura y recrea las experiencias de la maestra en este territorio de vidas estoicas y frugales, en el documental titulado The Siberian Lesson (1998). Varios años más tarde, ya casados y con hijos, viajan a Argentina. El motivo es el mismo, enseñar la lengua a grupos de exiliados polacos y sus descendientes; el resultado, el conmovedor documental Lección argentina. Si bien ambos documentales están relacionados, el punto de vista cambia. En el primero, la maestra es el centro, mientras que en el segundo es el hijo de ocho años, Janek, a quien seguimos de cerca. Con estas dos obras Staron ha creado una amorosa genealogía cinematográfica de su familia, en la que imagen y sensación componen un engranaje perfecto —gracias a su destreza como cinefotógrafo— que muestra cómo cada traslado por el mundo se torna un aprendizaje complejo. El pueblo de Azara irrumpe en la cámara de Staron como un espacio en donde la pobreza y la naturaleza han creado una decadencia casi lírica. A su llegada, Janek conoce a Marcia, una niña argentina de ascendencia polaca. Con la cámara siempre a la altura de los ojos de los niños, vemos dos entendi- mientos y experiencias del mundo entremezclarse. Observamos a Marcia trabajar para ganar más dinero; a Janek explorar el nuevo territorio. A Marcia la niñez le confiere una dulzura apabullante y los problemas OBS de los adultos, una sabiduría precoz; su energía y decisión contrastan con el humor más silencioso de Janek. Más allá de la cercana relación entre los niños, este encuentro con la pobreza de Marcia y con el mundo que la rodea es todavía un rumor en Janek, una pregunta en ciernes. Finalmente, Lección argentina también es un retrato excepcional de dos familias en circunstancias distintas pero que buscan lo mismo: una mejor configuración del mundo que habitan. OBSER V ATORIO

A young Polish woman arrives in the Russian taiga, the Siberia of exiles and deportees, to teach Polish. Sent by her country’s government to mend a bond fractured by wars and economic crises, she travels with her boyfriend, the director and cinematographer Wojciech Staron. In the documentary The Siberian Lesson (1998) he, in turn, captures and recreates the teacher’s experiences in this land of stoicism and frugality. Several years later, now married and with children, the couple travels to Argentina. The purpose is the same: to teach the language to groups of Polish exiles and their descendants. The result is the moving documentary Argentinian Lesson. Although the two documentaries are related, the point of view is different. In the first film the teacher is the focus, while in the second, the protagonist is their eight-year-old son Janek, whom we follow closely. With these two pieces, Staron has created a loving cinematic genealogy of his family, where image and feeling meld perfectly, thanks to his cinematographic prowess, and reveal how each journey across the world becomes a complex learning process. The town of Azara emerges through Staron’s lens as a space where poverty and nature have created an almost lyrical decadence. Upon arriving, Janek meets Marcia, an Argentinan girl of Polish origin. The camera remains at the children’s eyelevel, revealing how two different experiences of the world intermingle. We see Marcia working to earn more money and Janek exploring the new territory. Childhood endows Marcia with an overpowering sweetness, but the adults’ troubles bring her precocious wisdom. Her energy and determination contrast with Janek’s silent mood. Janek is just beginning to understand Marcia’s poverty and the world in which she lives. Argentinian Lesson is an extraordinary portrait of two families enduring different

situations but sharing a purpose: to find a better configuration of the world they inhabit. Lorena Gómez Mostajo

71 FUTURE MY LOVE | FUTURO MI AMOR

Suecia–Escocia | 2012 | Inglés, sueco, noruego | Color, blanco y negro | 93’

Dirección, guion: Maja Borg Contacto | Contact Finlay Pretsell Dirección de fotografía: Minttu Mäntynen, Maja Borg SDI Productions Ltd. Edición: Colin Monie, Patricia Gomes [email protected] Sonido: Siri Rodnes, Mario Adamson, Jen Longhurst T: +44 131 6515873 Música: Per Störby Producción: Sonja Henrici, Lisbet Gabrielsson, Maja Borg Compañías de producción: SDI Productions Ltd., Lisbet Gabrielsson Film AB, Maja Borg Filmproduktion, SVT

Festivales | Festivals CPH:DOX, Festival Internacional de Cine de Edimburgo.

Maja Borg (Suecia, 1982) es una artista visual y directora de cine cuya obra desdibuja los límites del documental, la ficción y el cine experimental. Borg estudió Cine y Televisión en la Escuela de Arte de Edimburgo. Ha dirigido películas para la televisión y ha recibido comisiones de varias instituciones tanto en el Reino Unido como en Suecia. En 2007 realizó Ottica Zero (2007), trabajo aclamado y exhibido internacionalmente y que dio origen al desarrollo de su primer largometraje, Future My Love. Ha colaborado con otros cineastas, principalmente con Anna Linder y Carl-Henrik Svenstedt, como directora de fotografía y editora. Vive en Glasgow, Escocia.

Maja Borg (Sweden, 1982) is a visual artist and film director working across documentary, fiction and experimental film. Borg studied film and television at Edinburgh College of Art. She has made films for TV and has been commissioned by various funding bodies in the United Kingdom and Sweden. In 2007 she made the widely acclaimed and exhibited short Ottica Zero, which gave rise to her first feature, Future My Love. She has also collaborated as director of photography and editor with several filmmakers, notably Anna Linder and Carl-Henrik Svenstedt. She lives in Glasgow, Scotland. OBSER V ATORIO 72 Después de cinco años de diligente labor, la artista y cineasta sueca Maja Borg presenta un sorprendente primer largometraje: un oportuno, fascinante y poético “documental” que, como en la mayoría de sus cortometrajes, desafía los géneros al unir elementos de ficción y no ficción. Futuro mi amor ofrece una sofisticada contemplación del mundo en que vivimos —un mundo que canibaliza sus recursos y cuya economía monetaria ha puesto en bancarrota nuestras esperanzas y valores. Borg comenzó a trabajar el proyecto en 2007, poco antes de que la crisis económica provocara una conmoción alrededor del mundo. Su indagación resultó acertada: hizo preguntas puntuales y reunió las opiniones de los diseñadores e ingenieros que han dedicado su vida a imaginar un planeta sustentable. La capacidad de Borg para abstraer su experiencia íntima del amor hacia la problemática socio-económica constituye un original punto de entrada a su complejo argumento. El filme sobrepone la amenaza de un mundo en pleno modo autodestructivo en la historia de un rompimiento, mezclando estilos autobiográficos y ensayísticos dentro de una obra no dogmática, re- flexiva, reveladora y profundamente conmovedora, que cuestiona nuestro apego a políticas y sistemas que agotan nuestros recursos económicos y emocionales. Sus secuencias, elegantemente construidas, presentan una evocadora cinematografía en Súper 8, material de archivo, así como entrevistas con OBS notables pensadores. El análisis de Borg rehúye el idealismo ingenuo; constata la necesidad de llevar a cabo un gran esfuerzo colectivo para rehabilitar el pensamiento utópico, provocar un cambio positivo y alcanzar una economía basada en los recursos. Futuro mi amor rescata los hilos de un mundo en jirones y los entrelaza en una plataforma única que cuestiona de manera diferente y ve hacia adelante, recordándonos que el cine es una tecnología visual pero también visionaria. Más que diseñar un nuevo OBSER V ATORIO mundo feliz, la tarea se convierte en desafiar a este nuevo mundo.

After five years of diligent work, Scotland-based Swedish artist and filmmaker Maja Borg presents a stunning first feature: a timely, riveting and poetic “documentary” (though like most of her short films, it defies genres and enlists fiction and nonfiction elements to suit her chosen subject matter).Future My Love offers a sophisticated contemplation of the world we live in, a world that is cannibalizing its resources and whose monetary-based economy is bankrupting our hopes and values. Borg began working on this project in 2007, shortly before the economic crisis sent shockwaves around the globe. Her inquiry turned prophetic: she asked urgent questions and collected the insights of designers and engineers who have devoted their work to imagining a sustainable planet. The director’s capacity for abstracting her intimate experience of love from the current socio-economic problematic constitutes an original point of entry into its complex intellectual argument. The film transposes the threat of a world in self-destructive mode onto the story of a break-up, mixing autobiographical and essayistic modes into a non-dogmatic, reflexive, insightful and profoundly moving piece that questions our attachment to the policies and systems that deplete our economic and emotional resources. Its elegantly constructed sequences feature haunting Super 8 cinematography, archival material and interviews with notable thinkers. Borg’s analysis eschews naïve idealism. She is aware that rehabilitat- ing utopian thinking, catalyzing positive change and creating a sustainable economy requires widespread collective effort. Future My Love picks up the strands of a fraying world and weaves them into a unique platform for raising different questions and looking ahead, reminding us that cinema is both a visual and a

visionary technology. Rather than designing a brave new world, the task becomes braving up to the new world. Mara Fortes

73 LEVIATHAN | LEVIATÁN

Reino Unido–Francia–Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 87’

Dirección, fotografía, edición: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel Contacto | Contact [email protected] Sonido: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel, Jacob Ribicoff www.arretetoncinema.org Música: Ernst Karel Producción: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel Compañía de producción: Arrête Ton Cinéma

Festivales | Festivals TIFF, IDFA, RIDM, CPH:DOX, Festival de Cine de Locarno, Festival de Cine de Nueva York, FIC Valdivia, AFI Fest, Viennale, Festival Internacional de Cine de Vancouver, Festival Internacional de Cine de Chicago, Festival de Cine de Sevilla.

Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel son cineastas, artistas y antropólogos que trabajan en el Laboratorio Etnográfico Sensorial de la Universidad de Harvard. Su trabajo es parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York y del Museo Británico, y ha sido exhibido en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, el Centro Pompidou, el Museo de Arte de Berlín, entre otros espacios. Entre las películas previas de Paravel se encuentran Foreign Parts (con J.P. Sniadecki), Interface Series; y de Castaing-Taylor, Hell Roaring Creek, The High Trail (2010), Sweetgrass (con Ilisa Barbash) e In and Out of Africa (con Barbash).

Lucien Castaing-Taylor and Véréna Paravel are filmmakers, artists, and anthropologists, who are part of the Sensory Ethnography Lab at Harvard University. Their work is in the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York, and the British Museum and has been exhibited at London’s Institute of Contemporary Arts, the Centre Pompidou and the Berlin Kunsthalle, among other venues. Paravel’s previous films includeForeign Parts (with J.P. Sniadecki), Interface Series, and Castaing-Taylor’s Hell Roaring Creek, The High Trail, Sweetgrass (with Ilisa Barbash) and In and Out of Africa (with Ilisa Barbash). OBSER V ATORIO 74 Leviatán, un nuevo y premiado documental dirigido por Lucien Castaing-Taylor (Sweetgrass) y Véréna Paravel (Foreign Parts), es a la vez una mirada al mundo violento de la pesca comercial y una impresionante fusión de belleza y horror. La película retoma el antiguo relato de los pescadores y el mar; sin embargo, el avasallador lenguaje cinematográfico de los directores inyecta a la historia una experiencia emocional y sensorial que desafía nuestra percepción de lo familiar y cuestiona las estrategias del cine documental y etnográfico. Filmado por completo a bordo de un barco pesquero en la costa de New Bedford, Connecticut (el pueblo portuario en Moby Dick de Melville), la cámara se mueve continuamente entre los cineastas, los pescadores, los peces, el barco y el mar, lo que cambia constantemente el punto de vista de la película. Los efectos visuales de esta colaboración crean una desorientación gloriosa que nos deja, a nosotros los espectadores, sin aire y preguntándonos dónde estamos y quiénes somos. De pronto nos encontramos volando de cabeza al lado de las gaviotas; moviéndonos violentamente en la cubierta junto a los peces moribundos en espera de ser eviscerados; descuartizando la pesca del día hábilmente pero sin cuidado; y siempre, en el fondo, sentimos la presencia ominosa del mar, su peso sobre nosotros, y al bíblico Leviatán acechando en las profundidades. Leviatán es la última película del Laboratorio Etnográfico Sensorial de la Universidad de Harvard (SEL, por sus siglas en inglés), en donde Castaing-Taylor se desempeña como director y Paravel, como profe- OBS sora. SEL apoya obras innovadoras de no ficción que combinan el arte, el documental y la antropología, y que a la vez rechazan las convenciones de estas disciplinas. Leviatán es un ejemplo impresionante de este híbrido de ideas. Por su planteamiento y forma se trata de un documental liberador. Pero también es liberador para el espectador, puesto que cuando estamos en el cine, nos olvidamos de nuestra realidad actual: dejamos de estar en el aquí y el ahora, y estamos allá, a bordo del barco, inmersos en la lucha OBSER V ATORIO del hombre contra la naturaleza.

Leviathan, a new award-winning documentary directed by Lucien Castaing-Taylor (Sweetgrass) and Véréna Paravel (Foreign Parts), is both a glimpse into the violent world of commercial fishing and a breathtaking fusion of beauty and horror. The film speaks of the age-old tale of the fisherman and the sea, yet the directors’ forceful cinematographic language injects it with an emotional and sensory experience that challenges our perception of the familiar and questions the strategies of documentary and ethnographic filmmaking. Filmed entirely aboard a fishing boat off the coast of New Bedford, Connecticut, the port town in Melville’s Moby Dick, the camera continuously shifts between the filmmakers, fishermen, fish, ship, and sea, constantly changing the film’s point of view. The visual effects of this collaboration are gloriously disorienting, leaving us the viewers gasping for air and wondering where and who we are. We are at once flying upside-down with seagulls, thrashing around the deck with dying fish waiting to be gutted, and butchering the day’s catch, skillfully yet without care. And always in the background, we feel the ominous sea weighing down upon us, the biblical Leviathan lurking in its depth. Leviathan is the latest film to come out of Harvard’s Sensory Ethnographic Laboratory, where Castaing- Taylor is the director and Paravel is a faculty member. The SEL supports innovative nonfiction works that combine art, documentary and anthropology, while at the same time rejecting the conventions of those disciplines. Leviathan is a stunning example of this hybrid of ideas. In its approach and form, it is a liberating documentary, yet it is also liberating for the viewer. As spectators, at least for the time that we are in the cinema, we forget our present reality; we are no longer in the here and now, but we are there, onboard,

sensorially immersed in the struggle of man versus nature. Meghan Monsour

75 PLANET OF SNAIL | PLANETA DEL CARACOL

Corea del Sur–Japón–Finlandia | 2011 | Coreano | Color | 87’

Dirección, fotografía: Seung-Jun Yi Contacto | Contact Min-Chul Kim Edición: Simon El Habre, Seung-Jun Yi [email protected] Sonido: Sami Kiiski Catherine Le Clef Música: Min Seongki [email protected] Producción: Min-Chul Kim, Gary Kam, Janne Niskala, Imamura Ken-Ichi Compañías de producción: CreativEast, Vaski Filmi

Festivales | Festivals IDFA, RIDM, Hot Docs, Silverdocs, Tribeca, Sheffield Doc/Fest, Plus Camerimage, Festival Internacional de Cine de Nueva Zelanda, Festival de Cine One World.

Seung-Jun Yi (Corea del Sur) es uno de los directores más reconocidos en la escena del cine documental en su país. Ha dirigido más de una docena de documentales, entre los que destaca Children of God (2008), película sobre la difícil vida de un grupo de niños que viven en un crematorio de Catmandú, Nepal. El documental ganó el premio Netpac en el Festival Internacional de Cine de Chonju y el premio Telly por la mejor cinematografía. Se presentó en Hotdocs y en varios festivales internacionales. Seung-Jun siempre se ha enfocado en la vida de las minorías invisibles; éste se ha vuelto su estilo cinematográfico distintivo.

Seung-Jun Yi (South Korea) is one of the most renowned Korean directors in the world documentary scene. He has directed over a dozen documentaries, notably Children of God (2008), which captures the moments of harsh lives of children living at the crematorium in Kathmandu, Nepal. The film won the Netpac award at the Chonju International Film Festival and the Telly Award for best cinematography, and it has been presented at various international festivals including Hotdocs 2009. Seung-Jun’s interest has always focused on the life of so-called unseen minorities. This has become his signature style of filmmaking. OBSER V ATORIO 76 Para Young-Chan el mundo comienza en la punta de los dedos, se revela en pulsaciones y temperaturas, en pliegues y texturas, en oquedades y relieves. Para él, este es un nuevo planeta —de una temporalidad indescifrable—, cuya exploración solamente puede ocurrir en un ritmo pausado, con una cadencia distinta a la nuestra. Young-Chan se define como un astronauta, figura que usa como metáfora de su ceguera y sordera que lo hacen vagar por el mundo en constante descubrimiento. Hay algo poderoso en sus manos y todavía más en su imaginación; escribe poesía, una novela está en el horizonte de sus deseos y se encuentra montando una obra de teatro, que él mismo escribió, sobre un hombre ciego. Esta vida interior y su alegría de vivir se originaron gracias a la presencia y al amor de su pequeña esposa, Soon- Ho, quien también sufre una discapacidad. La complicidad entre Young-Chan y Soon-Ho es retratada con detalle. Parece que el director nos empuja a mirar de cerca para aprender a tocar, a recordar superficies. Soon-Ho se comunica con Young- Chan poniendo sus dedos sobre los de él y presionando a intervalos. Esta forma de hablar resulta tan poderosa como el sonido de las palabras. Ciego y sordo debido a una fiebre en la niñez, él aprendió a hablar antes de que el mundo se silenciara. Así, no duda en aprender un nuevo idioma, hebreo, con la ayuda de Soon-Ho. La presencia de ella ha desencadenado un mundo de hallazgos: la suave firmeza de los árboles y, por primera vez, el mar. El poder de estas escenas nos obliga a imaginar la sensaciones que Young-Chan está experimentando. Con elegancia y recogimiento, el director coreano Seung-Jun Yi registra el caso de un hombre que OBS sobreviene difíciles obstáculos de manera ejemplar, y nos muestra la singular experiencia del mundo de un grupo de personas invisibles para las pantallas cinematográficas y sociedades enteras. Gracias a la generosidad y ayuda de Young-Chan y Soon-Ho, este documental nos abre las puertas a un mundo distinto, al planeta del caracol. OBSER V ATORIO

For Young-Chan, the world begins at one’s fingertips: it is revealed in pulsations and temperatures, folds and textures and raised or hallowed surfaces. For him, this is a new planet of indecipherable temporality, whose discovery can only occur at a paused rhythm and a cadence different from our own. Young-Chan describes himself as an astronaut—a metaphor he uses to note how his blindness and deafness make him wander through the world in a constant state of discovery. There is something powerful in his hands and something even greater in his imagination. He writes poetry, hopes to someday write a novel and is currently staging a play he wrote about a blind man. He owes his rich life and vitality to the company and love of his wife, Soon-Ho, who is a little person. Young-Chan and Soon-Ho’s relationship is portrayed in quiet rhythms. The director seems to encourage us to take a closer look at the details, to learn to touch and remember surfaces. Soon-Ho communicates with Young-Chan by placing her fingers over his and pressing them at intervals, a form of speaking that is as powerful as the sound of words. Left deaf and blind due to a childhood fever, Young-Chan learned to speak before his world went silent. And so, with the help of Soon-Ho, he does not hesitate to learn a new language, Hebrew. Her presence has uncovered a world of revelations: the gentle firmness of the trees and, for the first time, the sea. These scenes are poignant and prompt one to imagine the different sensations Young-Chan is experiencing. With elegance and a tasteful restraint, Korean filmmaker Seung-Jun Yi recounts the history of a man who has courageously overcome difficult obstacles and gives us a glimpse of a unique world that usually remains unnoticed. He introduces a group of individuals who are often invisible on the big screen and in society at large. Thanks to the generosity of Young-Chan and Soon-Ho, this documentary opens the doors

to a different world: to the Planet of Snail. Lorena Gómez Mostajo

77 TCHOUPITOULAS

Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 81’

Dirección, fotografía, edición, producción: Bill Ross, Turner Ross Contacto | Contact Jim Dobson Sonido: Lawrence Everson Indie PR Compañías de producción: Epic Match Media, Court 13 Estados Unidos T: +1 323 896 6006 [email protected]

Festivales | Festivals SilverDocs, Hot Docs, SXSW, Festival de Cine Independiente de Ashland.

Bill y Turner Ross (EUA) se graduaron del Savannah College of Art and Design. Los documentales, largometrajes de ficción y cortometrajes multimedia de Bill Ross han sido seleccionados para distintos festivales como el Festival de Cannes y el Festival Internacional de Cine de Seattle. Bill Ross también ha trabajado como profesor de cine en primaria y secundaria. Turner Ross ha trabajado en los departamentos de arte de largometrajes producidos por grandes estudios como Déjà Vu, Skeleton Key, My Own Love Song e Idiocracy, así como para varias películas independientes. El primer largometraje documental de los hermanos, 45365, fue galardonado en distintos festivales.

Bill and Turner Ross (USA) both graduates from the Savannah College of Art and Design. Bill Ross’ documentary, fiction and multi-media short films have been featured at festivals including Cannes Film Festival and the Seattle International Film Festival. Bill Ross has taught filmmaking to students at the elementary and secondary level. Turner Ross has worked in the art departments of studio features such as Déjà Vu, Skeleton Key, My Own Love Song, and Idiocracy, as well as a handful of independent features. Their first feature length-film, 45365, received awards in many film festivals. OBSER V ATORIO 78 Tchoupitoulas, el segundo largometraje documental dirigido por Bill y Turner Ross, toma su nombre de una calle en Nueva Orleans que corre paralela al río Misisipi y de un famoso grupo de indios del Mardi Gras de los años setenta, los Tchoupitoulas Salvajes. El título expresa gran parte de la trayectoria narrativa de la película: al otro lado del río, en la ciudad, en medio de la fiesta, inmersos en la música. Los destellos iridiscentes se tornan un tema recurrente a medida que nos desplazamos entre los músicos de la calle Decatur, entre la cacofonía visual y auditiva de las tiendas en Canal Street y por los cabarets y el desenfreno de Bourbon Street. Sin embargo, este clásico viaje nocturno por la “ciudad del pecado” se relata desde una perspectiva inesperada. Captura el resplandor de las luces de neón, de las farolas y del fuego que baila en los ojos vidriosos de tres chicos que pasean solos por la noche. Los hermanos Ross, al querer hacer una película que reflejara sus propios recuerdos de la ciudad, encontraron sus álter ego en los hermanos Zanders. Al caer la tarde, William, un chico precoz de once años, Bryan de quince y Kentrell de dieciséis, abordan, con su perro Buttercup, el ferry rumbo al barrio francés. Conforme el cielo se oscurece y la ciudad se ilumina, comienza la hazaña artística de mezclar la realidad documental y la ficción, equiparando el asombro que provocan los deseos juveniles de los chicos (poder volar, hacer la mejor fiesta en una alberca que jamás haya habido) con su equivalente en la decadencia “adulta” (ostras crudas, heroína, Mardi Gras). El extraordinario trabajo de cámara y edición trazan y desdibujan las fronteras que separan los espacios para todo público de aquellos para las fantasías adultas. En esta película de contrastes —sombra OBS y luz, ruidosas bandas de metales y harmónicas solitarias, casinos y bolsillos sin un céntimo, pecado e inocencia— observamos a los tres chicos precoces navegar con agilidad por el umbral que separa ambos mundos. OBSER V ATORIO Tchoupitoulas, the second feature documentary directed by Bill and Turner Ross, takes its name from both a street in New Orleans that runs parallel to the Mississippi River and a famous group of Mardi Gras Indians (The Wild Tchoupitoulas) from the 1970s. The title conveys much of the film’s narrative trajectory: across the river, into the city, through the revelry and immersed in music. Colorful flares of reflected light become a recurring theme as we move through the visual and aural cacophony of the shops on Canal Street, the burlesque shows and debauchery of Bourbon Street and the musicians on Decatur. But this classic nocturnal journey through the so-called City of Sin is told from an unexpected perspective. It catches the sparkle of neon signs, street lamps and fire dancing in the glassy eyes of three young boys out on their own for the night. The Ross brothers, wanting to make a film that reflected their own childhood memories of this city, found alter egos in the Zanders brothers. As the sun goes down, a precocious eleven-year-old William, fifteen-year-old Bryan and sixteen-year-old Kentrell, with their dog Buttercup, board a ferry headed toward the French Quarter. As the sky darkens and the city lights up, the film sets out on its artistic feat of mixing documentary reality with the constructs of fiction, placing the wonderment of the boys’ youthful desires (pizza, being able to fly and throwing the biggest pool party ever) alongside the equivalent in “grown-up” decadence (raw oysters, heroin, Mardi Gras). The camera work and editing skillfully establish and then break the boundaries that divide the city’s all-ages public space from the private rooms of adult fantasy. In this film of contrasts—between shadow and light, thumping brass bands and melancholy harmonicas, casinos and penniless pockets, sin and inno- cence—we watch and listen as the three boys, already wise beyond their years, deftly navigate the threshold between those worlds. Misha Maclaird

Dirección, guion: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata Contacto | Contact Films Boutique Dirección de fotografía: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata, Rui Poças Köpenicker Strasse 184 Edición: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata, Raphaël Lefèvre 10997 Berlín, Alemania Sonido: Nuno Carvalho, Carlos Conceição, Leonor Noivo T: +49 30 695 378 50 www.filmsboutique.com Producción: João Figueiras, Daniel Chabannes, Corentin Sénéchal [email protected] Compañías de producción: Blackmaria, Epicentre Films

Festivales | Festivals TIFF, Doclisboa, Festival de cine de Locarno, Festival de cine de NY, Festival de cine de Vancouver, Festival de cine de Valdivia.

João Rui Guerra da Mata (Mozambique) y João Pedro Rodrigues (Portugal) se cono- cieron diecinueve años atrás, y en 1995 trabajaron juntos por primera vez en un proyecto cinematográfico. En 1997, Guerra protagonizó el primer cortometraje de Rodrigues. Desde entonces Guerra ha sido el director de arte en todas la películas de este último, colaborando también en el guion. João Rui Guerra dirigió el cortometraje China, China (2007), antes de coescribir To Die Like a Man (2009) dirigida por Rodrigues. Graduado de la Escuela de Cine de Lisboa, João Pedro Rodrigues trabajó de 1989 a 1996 como asistente de dirección y editor. Su cortometraje Parabéns (1997) recibió una mención especial en el Festival de Cine de Venecia, y su película Odete ganó numerosos premios, incluyendo la mención especial Cinémas de Recherche en la Quincena de Realizadores de Cannes.

João Rui Guerra da Mata (Mozambique) and João Pedro Rodrigues (Portugal) met nineteen years ago and worked together in cinema for the first time in 1995. In 1997, Guerra starred in Rodrigues’ first short. From then on, Guerra was the art director in all of Rodrigues’ films, working also on the scripts. João Rui Guerra directed China, China (2007), a short, before co-scripting Rodrigues’s To Die Like a Man (2009). João Pedro Rodrigues graduated from the Lisbon Film School and from 1989 to 1996 worked as an assistant director and editor. His short Parabéns (1997) received a special distinction of the Jury at the Venice Film Festival, and his film Odete won several awards, including a Cinémas de Recherche Special Mention at the Directors’ Fort- night in Cannes. OBSER V ATORIO 80 ¿Cómo retratar una ciudad enigmática? En La última vez que vi Macao los codirectores João Pedro Rodrigues y João Rui Guerra da Mata mezclan documental y ficción para llevar a sus espectadores en un viaje por el pasado colonial de Macao y su actual transición. Una carta en la que Candy —vieja amiga, travesti y cantante de un club nocturno— pide auxilio a João Rui Guerra da Mata, es la causa del regreso de éste último a Macao, una ciudad en la que no ha estado desde hace treinta años. Este viaje imaginado, reminiscente de Sans Soleil, la película ensayo de Chris Marker de 1983, pronto sufre un giro inesperado. A su llegada a Macao, Guerra da Mata se da cuenta rápidamente de que “cosas raras y escabrosas” están ocurriendo y de que la vida de su amiga corre un verdadero peligro. Una serie de crípticos correos electrónicos y mensajes de voz no contestados nos guían en un juego de pistas por la ciudad. Descubrimos que allí el tigre es rey, y rara la persona que habla portugués. Este no es el mismo Macao que João Rui Guerra da Mata dejó cuando era niño. Esta película, parte film noir parte cine ensayo, hace referencia al filme Macao de Josef von OBS Sternberg y Nicholas Ray de 1952, y nunca designa o nos obliga a creer que hay un protagonista único. Debido a que la mayor parte del drama ocurre fuera de la pantalla, el espectador puede contemplar el paisaje en ruinas de la excolonia portuguesa. Tan críptica como la ciudad y tan simbólica como Candy, quien vive bajo amenaza y en un estado de transición, La última vez que vi Macao se convierte en algo más que un diario de viajes; es un poético retrato de la ciudad y OBSER V ATORIO su riqueza histórica.

How do you capture the portrait of an enigmatic city? In The Last Time I Saw Macao co-directors

Festivales | Festivals João Pedro Rodrigues and João Rui Guerra da Mata combine documentary and fiction to take their TIFF, Doclisboa, Festival de cine de Locarno, Festival de cine de NY, Festival de cine de Vancouver, Festival de cine de Valdivia. viewers on a journey of Macao’s colonial past and transitioning present. Prompted by a letter of distress from his old friend, a transvestite nightclub singer named Candy, we follow the story of João Rui Guerra da Mata’s return to Macao, a city he has not been to in thirty years. This imagined journey, reminiscent of Chris Marker’s 1983 essay film,Sans Soleil, soon takes an unexpected twist. Upon his arrival to Macao, Guerra da Mata quickly realizes that “strange and scary things” are occurring and his friend’s life is in real danger. A string of cryptic emails and unanswered phone messages guide us on a scavenger hunt through the city. Here we discover that the tiger is king and rare is the person who speaks Portuguese. This is not the same Macao he left as a child. Part film noir, part essay film, with references to Josef von Sternberg’s and Nicholas Ray’s 1952 film Macao, this film never settles on a protagonist. The majority of the drama is played out off-screen so that the viewer can take in the deteriorating landscape of the former Portuguese colony. As cryptic as the city is and as symbolic as the transitioned and endangered Candy is, The Last Time I Saw Macao becomes more than just a travelogue. It sets itself as a poetic portrait of a city and its rich history. Brenda Contreras

81 Sección dedicada a los derechos humanos y la libertad de expresión, así como a distintas problemáticas vinculadas a la censura.

82 This section is devoted to films on human rights and freedom of speech as well as censored films and filmmakers AI WEIWEI: NEVER SORRY AI WEIWEI: NUNCA SE ARREPIENTE Estados Unidos–China | 2012 | Inglés, mandarín | Color | 91’

Dirección, fotografía: Alison Klayman Contacto | Contact Independent Edición: Jennifer Fineran 32 Tavistock Street Música: Ilan Isakov Londres, WC2E 7PB Producción: Alison Klayman, Adam Schlesinger Reino Unido T: +44 (0) 20 7257 8734 Compañías de producción: United Expression Media, [email protected] MUSE Film and Television

Festivales | Festivals Sundance, Festival Internacional de Cine de Berlín, Hot Docs, Festival Internacional de Cine de Helsinki, Festival Internacional de Cine de San Francisco.

Alison Klayman (EUA) documentalista y periodista freelance, creció en Filadelfia y se graduó de la Universidad de Brown en 2006. Durante sus estudios en esa institución recibió la beca C.V. Starr National Service y el premio Associated Press College Radio en la categoría de reportaje general. Mientras vivía en China, de 2006 a 2010, produjo reportajes de televisión y radio para PBS Frontline, la Televisión Pública Nacional y AP Televisión.

Alison Klayman (USA) is a freelance journalist and documentary filmmaker. She grew up in the Philadelphia area and graduated from Brown University in 2006. During her studies at Brown she was awarded the C.V. Starr National Service Fellowship and the Associated Press College Radio Award for General Reporting. While living in China from 2006 to 2010, she produced radio and television feature stories for PBS Frontline, National Public Radio and AP Television.

84 Tras años de registro que arrojaron más de cien horas de material, la periodista y documentalista Alison Klayman reúne hábilmente elementos de la vida, obra y activismo de Ai Weiwei, el artista contemporáneo chino con mayor reconocimiento a nivel internacional y con una extraordinaria presencia en las redes sociales. A partir de 2008, la directora sigue al artista en momentos clave como las Olimpiadas de Beijing y el desastroso terremoto de Sichuan. Después del trágico evento, que el gobierno chino pretendió encu- brir para no afectar el desarrollo de los Juegos Olímpicos, Ai Weiwei quiso hacer justicia a las víctimas. El artista publicó en su blog los nombres de cinco mil estudiantes que murieron debido a las malas condiciones de la escuela construida por el gobierno; acción que llevó a las autoridades chinas a cerrar su blog. Ai Weiwei: nunca se arrepiente nos acerca al trabajo del artista mientras prepara importantes exhibicio- nes, entre ellas la Tate Modern en 2010, año en que la represión de las autoridades chinas se incrementó. Ai Weiwei fue golpeado y su estudio destruido. A través de secuencias de su activismo intercaladas con escenas de sus procesos creativos, descubrimos también aspectos de su vida personal y ciertos secretos de familia: conocemos a su madre, a su esposa y al hijo que tuvo con otra mujer. El documental termina en 2011, después de su repentina desaparición y confinamiento forzado durante más de dos meses. Ai Weiwei, símbolo de la lucha contra la opresión, no puede salir de China. Sin embargo, su activismo a través de Twitter continúa intensamente, reclutando miles de seguidores por todo el mundo. Ai Weiwei utiliza su carisma e ingenio para movilizar a la gente y denunciar los excesos del control y la censura en China, siempre dispuesto a enfrentar dignamente las consecuencias, sin arrepentirse. Ganadora en varios festivales, esta ópera prima de Alison Klayman nos ofrece un acercamiento privilegiado a una figura ineludible del arte político y liberador de nuestros tiempos. DC

After years of filming that yielded more than one hundred hours of footage, the journalist and documentary filmmaker Alison Klayman has skillfully brought together elements of the life, work and activism of Ai Weiwei, a contemporary Chinese artist who is widely recognized on an international level and has an extraordinary presence in social networks. Beginning in 2008, the director followed the artist during key moments, such as the Beijing Olympics and the disastrous earthquake in Sichuan. After the tragic event, which the Chinese government tried to cover up so as to not affect the development of the Olympic Games, Ai Weiwei wanted justice for the victims. The artist published the names of the five thousand students who died due to the poor conditions of the government-constructed school on his blog, an act that brought Chinese authorities to close his site. Ai Weiwei: Never Sorry brings us closer to the artist’s work during his preparation for important exhibits, including one at the Tate Modern in 2010, a year in which repression from Chinese authorities increased: Ai Weiwei was beaten and his studio destroyed. Alternating between sequences of his activism and his creative processes, we also discover aspects of his personal life and certain family secrets: we meet his mother, his wife and the son he had with another woman. The documentary ends in 2011, after his sudden disappearance and forced confinement that lasted over two months. Ai Weiwei, a symbol of struggle against the oppression that exists in his country, does not currently have a passport. He is a prisoner in his own country; however, his activism through Twitter continues. Ai Weiwei uses his charisma and inventiveness to mobilize the people and denounce the excess of control and censorship in China, always willing to face the consequences with dignity and without regret. Awarded at numerous festivals, this debut film from Alison Klayman offers us a privileged approach to a figure of undeniable importance within contemporary art and politics. Marie-Ève Parenteau

85 CAMP 14 – TOTAL CONTROL ZONE | CAMPO 14 – ZONA DE CONTROL TOTAL

Alemania | 2012 | Coreano, inglés | Color | 104’

Dirección, guion: Marc Wiese Contacto | Contact Engstfeld Film GmbH Dirección de fotografía: Jörg Adams Gocherstraße 15a Edición: Jean-Marc Lesguillons 50733 Colonia, Alemania Sonido: Florian Kaltenegger, Karl Atteln T: +49 0221 120510 [email protected] Producción: Axel Engstfeld Compañía de producción: Engstfeld Film GmbH

Festivales | Festivals TIFF, IDFA, DOK Leipzig, Festival de Cine de Locarno, Festival Internacional de Cine de Varsovia, Festival Internacional de Cine de São Paulo, Festival Internacional de Cine de Estocolmo, Festival de Cine de Cambridge.

Marc Wiese (Alemania) ha filmado documentales para la televisión y el cine, a nivel mundial, durante más de quince años. Ha trabajado en varias zonas de guerra como Bosnia, Palestina e Irlanda del Norte. Wiese ha recibido numerosos premios internacionales por sus películas. Su filmografía incluyeDeath By Delivery (2001), Radovan Karadzic: Most Wanted? (2004), Warkids–Youth In Palestine (2005), Kanun–Blood For Honour (2007) y The Picture of the Napalm Girl (2010).

Marc Wiese (Germany) has been shooting documentaries for television and cinema around the world for more than fifteen years. He has worked in war zones such as Bosnia, Palestine, and Notrthern Ireland among others. He has received numerous international awards for his films. His filmography includesDeath By Delivery (2001), Radovan Karadzic: Most Wanted? (2004), Warkids–Youth In Palestine (2005), Kanun–Blood For Honour (2007) and The Picture of the Napalm Girl (2010).

86 Shin Dong-Huyk nació y creció en Campo 14, un campo de concentración de máxima seguridad en Corea del Norte que alberga más de 200 mil reclusos, principalmente disidentes y presos políticos. Además del trabajo forzado, los prisioneros deben acatar reglas muy estrictas: tienen prohibido comu- nicarse con los otros, emitir opiniones o escoger una pareja; el incumplimiento de esto implica tortura o ejecución pública inmediata. También están obligados a denunciar a otros presos —así sean sus propios familiares— cuando pretenden escapar o sublevarse; de lo contrario, son ejecutados junto con ellos. Sometido durante las primeras décadas de su vida a esta explotación física y psicológica, Shin Dong- Huyk milagrosamente logra escapar y experimentar por primera vez la libertad. Es entonces cuando el documentalista alemán Marc Wiese realiza con él una serie de entrevistas en las que narra detalladamente su historia, que ilustra con sugerentes animaciones y una fotografía sumamente evocativa. Wiese contrasta su historia con testimonios de autoridades del campo que confiesan los crímenes de lesa humanidad que se cometen allí. El documental registra la transformacion del protagonista en un activista que viaja por el mundo denunciando los abusos del gobierno de Corea del Norte. No obstante, lejos de vivir este proceso como una liberación, para Shin Dong-Huyk la adaptación a una realidad completamente distinta resulta tan complicada que, al poco tiempo, sorprendentemente, anhela su vida anterior. Sin duda, este documental nos obliga a replantear el concepto de libertad. ¿Realmente nos hace más libres actuar según nuestra propia voluntad? Este caso nos obliga a reconsiderar nuestras necesidades básicas y los límites a los que un humano puede llegar sin perder la vida. Campo 14 es un trabajo histórico e ineludible, proveniente de un país hermético; uno de los escasos DC testimonios que existen de las atrocidades y violaciones a los derechos humanos que se cometen en estos campos de terror y muerte.

Shin Dong-Huyk was born and raised in Camp 14, a maximum-security concentration camp in North Korea that houses over 200 thousand inmates, mainly political dissidents and detainees. In addition to forced labor, the prisoners must deal with very strict rules: they are prohibited from communicating with others, voicing opinions or choosing a partner. Defiance of these rules results in torture or immediate public execution. They are also obliged to report on other prisoners—even their own relatives—when they try to escape or revolt; if they do not, they risk being executed alongside them. Sentenced to this physical and psychological exploitation during the first decades of his life, Shin Dong-Huyk was miraculously able to escape and experience freedom for the first time. It is at this point that the German documentary filmmaker Marc Wiese carries out a series of interviews with him, carefully reconstructing his story with provocative animations and evocative photography. These elements are bal- anced by testimonies from authorities confessing the atrocious crimes they committed in the camp. The documentary bears witness to how the protagonist becomes an activist and travels the world reporting on the abuses of the North Korean government. Nevertheless, far from experiencing this process as liberation, adapting to a completely different reality ends up being difficult for Shin Dong-Huyk. All of a sudden, he shockingly begins to yearn for his previous life. This documentary addresses complex notions of liberty. Does the option to act on our own free will really makes us freer? This case forces us to reconsider our basic needs and the limits we are able to reach without losing our life. Camp 14 is a historic and unforgettable work from a hermetic country. It is one of the few testimonies that

exist of the unimaginable horrors and violations of human rights that are committed in these death camps. Marie-Ève Parenteau

87 campesinos | peasants CHIRCALES | BRICKMAKERS

Dirección, edición, producción: Dirección, guion y producción: Marta Rodríguez, Jorge Silva Marta Rodríguez, Jorge Silva Dirección de fotografía: Jorge Silva Dirección de fotografía: Jorge Silva Guion: Marta Rodríguez, Jorge Silva, Arturo Alape Sonido: Marta Rodríguez, Pierre Jacopin Sonido: Marta Rodríguez, Elmer Carrera Compañías de producción: Embajada de Francia, Compañía de producción: Fundación Cine Fundación Cine Documental Documental/Investigación Social Festivales | Festivals Festivales | Festivals Festival Internacional de Cine de Oberhausen, DOK Leipzig. Festival de Cine de Tampere, Festival de Cine de Grenoble. Contacto | Contact Marta Rodríguez Crr 8 #65–99 Apto. 101 | Bogotá, Colombia | T: +57 1249 4316 | [email protected] | www.martarodriguez.org

Marta Rodríguez (Colombia, 1938), antropóloga y cineasta, es considerada una de las pioneras del cine documental latinoamericano, y sus documentales han sido premiados en numerosas ocasiones en distintos festivales del mundo. Inició su carrera en 1960 y desde 1965 ha sido la directora de la Fundación Cine Documental/Investigación Social. Ha trabajado con movimientos agrarios, sindicales y estudiantiles, comunidades indígenas y culturas afrocolombianas. Alumna de Jean Rouch, Rodríguez ha creado una obra documental de suma importancia junto a Jorge Silva.

Marta Rodríguez (Colombia, 1938), anthropologist and filmmaker, is considered one of the pioneers of Latin American documentary film. Her documentaries have won numerous awards at different festivals around the world. She began her career in 1960, and since 1965 she has been the director of the Documentary Film/Social Research Foundation. She has worked with agrarian, union and student movements, and with indigenous communities and Afro-Colombian cultures. A student of Jean Rouch, Rodríguez has, along with Jorge Silva, created an extremely important body of work.

88 Los documentalistas colombianos Marta Rodríguez y Jorge Silva son destacados exponentes del Tercer Cine Latinoamericano, un cine político y de denuncia que tuvo su auge en los años sesenta y setenta. Comenzaron su trabajo conjunto con estas dos películas, que combinan una paciente mirada antropoló- gica y una aguda conciencia social sobre las problemáticas de desigualdad y explotación en Colombia. Chircales aborda la historia de la familia Castañeda, dedicada a la elaboración artesanal de tabiques a las afueras de Bogotá. Viven en pobreza extrema, en los llamados latifundios urbanos, oprimidos por un sistema económico que oscila entre un régimen de servilismo feudal y un capitalismo aún incipiente pero ya salvaje. Desde una perspectiva marxista, Rodríguez y Silva develan la explotación infantil, la do- minación política y la desigualdad social. La fotografía de Silva, en momentos surrealista, nos transporta a la cruda realidad del chircal y a la vida cotidiana de los obreros. Campesinos analiza el principal problema social colombiano: los usos y la distribución de la tierra. En colaboración con el historiador Arturo Alape, la película recupera la memoria de los campesinos sobre el trabajo extenuante y la esclavitud en las haciendas cafeteras en los años treinta. A diferencia de Chircales, este filme hace hincapié en el paso de la sumisión a la organización, mostrando a campesinos sometidos, pero dignos y rebeldes. CHIRCALES | BRICKMAKERS Según Rodríguez, el documental debe ser una plataforma de liberación y de concientización tanto para el espectador como para los sujetos participantes, así como una forma de recuperar y reconstruir la memoria colectiva. Muestra de ello es la creación del Sindicato Ladrillero después del rodaje de Chir- cales, o la recuperación de una historia acallada a partir de los testimonios recogidos en Campesinos. Además del análisis de las condiciones materiales de la vida de sus protagonistas, hay en ambos filmes una singular búsqueda estética, que los convierte en obras clásicas de un cine documental revolucionario DC en todos los sentidos.

The Colombian documentary filmmakers Marta Rodríguez and Jorge Silva are renowned exponents of Latin American Third Cinema, a politically engaged filmmaking movement that peaked in the 1960s and 1970s. They began their work together with these two films, which combine meticulous anthropological analysis and a sharp social consciousness regarding inequality and exploitation in Colombia. Chircales addresses the history of the Castañeda family, whose members are dedicated to artisanal brickmaking in the poor suburbs of Bogotá. They live in extreme poverty in the so-called urban estates, exploited by an economic system that oscillates between feudal servitude and an incipient yet savage capitalism. Rodríguez and Silva, using a Marxist framework, reveal exploitative child labor practices, political domination and social inequality on the outskirts of Bogotá. Silva’s photography, at times surrealist, immerses us in the crude reality of the chircal (small brick factory) and the daily life of its workers. Campesinos analyzes the major social problem of Colombia: land use and distribution. In collaboration with historian Arturo Alape, Rodríguez and Silva recover rural workers’ memory of slave-like conditions and exhausting work in the coffee plantations during the 1930s. In contrast to Chircales, this film emphasizes the transition workers made from submission to political mobilization, showing their exploitation but also their rebellion and dignity. According to Rodríguez, a documentary should be a platform for liberation and raising awareness–as much for the viewers as for the subject participants—as well as a way to recuperate and reconstruct collective memory. Evidence of this engagement is found in the creation of the brickmakers union after the making of Chircales and the recovery of a suppressed history through testimonies collected in Campesinos. In addition to an analysis of their protagonists’ material conditions, both films search for a singular aesthetic

that makes them classic works of the revolutionary genre in documentary film. David Wood y María Fernanda Carrillo

Dirección: Dror Moreh Contacto | Contact Dror Moreh Productions Dirección de fotografía: Avner Shahaf 1 Kikar Kedumim Edición: Oron Adar Jaffa, Israel Sonido: Amos Zipori, Alex Claude [email protected] Producción: Dror Moreh, Estelle Fialon, Phillipa Kowarsky Compañías de producción: Dror Moreh Productions, Le Films du Poisson, Cinephil, Wild Heart Productions, Mac Guff

Festivales | Festivals TIFF, IDFA, Festival de Cine de Nueva York, Festival de Cine de Telluride.

Dror Moreh (Israel) comenzó su carrera como director de fotografía y se convirtió en uno de los cinefotógrafos más destacados de Israel. Realizó la fotografía para varios documentales galardonados en Israel. Desde hace unos años se desempeña como director de documentales de tiempo completo. Entre sus películas destaca Sharon (2008), documental que trata sobre las razones por las que el ex primer ministro de Israel, Ariel Sharon, aceptó implementar el plan de retirada unilateral israelí.

Dror Moreh (Israel) began his career as a director of photography and became one of Israel’s leading cinematographers. He has worked as a cinematographer for many award-winning documentaries in Israel. Many years ago, Moreh began working full time as a director. His feature documentary, Sharon (2008), explores the reasons behind Prime Minister Ariel Sharon’s agree- ment to implement the Gaza Disengagement Plan.

90 Los guardianes ofrece un singular y crudo recuento de la historia reciente de Israel, contada por seis exdirigentes de la Agencia Israelí de Inteligencia, el Shin Bet. Que el director, Dror Moreh, reuniera a personajes de alto rango involucrados en una de las operaciones políticas más complejas del mundo, representa solo la mitad del logro de este filme. La honestidad brutal con la que estos hombres dan su opinión sobre décadas de agitación política, constituye un potente mensaje. ¿Qué es lo que lleva a seis expertos en seguridad y patriotas ejemplares a revelar las acciones confidenciales de la más alta inteligencia israelí? ¿Por qué discuten las atroces tácticas antiterroristas —desde la evaluación de daños colaterales hasta los asesinatos, métodos de tortura y técnicas cuestionables de interrogación? ¿Qué los motiva a admitir sus errores, algunos muy publicitados, y afirmar al mismo tiempo que “en la guerra contra el terror” no hay parámetros morales? El aspecto más perturbador del filme es que sus protagonistas coinciden en que el futuro no será brillante sino todo lo contrario; el extremismo de ambos bandos, la violencia extrema, las estrategias políticas fallidas y la corrupción generalizada van a aumentar todavía más. El agobiante pesimismo de los participantes resulta sorprendente si se considera la eficacia del Shin Bet (responsable de frenar el 90% de los intentos de ataques terroristas). Estos hombres son las únicas figuras públicas de la agencia que responden directamente al primer ministro, lo que los ha convertido en chivos expiatorios de “errores tácticos”. El filme combina entrevistas con un elaborado manejo de material de archivo y complejas simulaciones y reconstrucciones. El fascinante testimonio de los líderes del Shin Bet ofrece una dimensión crítica y nos obliga a reflexionar sobre un conflicto que ha tenido un fuerte impacto en la política global del último DC siglo. El filme, que ha sido seleccionado para competir por el Óscar, sigue provocando que los espectadores se retuerzan en sus butacas, ante la alarmante revelación de los secretos de estado de Israel.

Riveting and raw in its delivery, The Gatekeepers offers a singular account of Israel’s recent history, as told by six former heads of the Israel Intelligence Agency, the Shin Bet. Director Dror Moreh managed to bring together the highest-ranking insiders to discuss one of the world’s most complex and polemical political operations. This is half the film’s achievement; the urgency and brute honesty with which the men volunteer their opinion on decades of political turmoil is half the message. What drives six security experts and exemplary patriots to reveal the confidential actions of Israel’s elite intelligence operation? To discuss the unspeakables of counter-terrorist tactics—from assessing collateral damage and executing target assas- sinations to using torture and other interrogation techniques? To admit mistakes, some highly publicized, while conceding that “in the war against terror, there are no morals”? The film’s most disturbing message is that its subjects coincide on a tragic augury of the future: project- ing escalating extremism on both fronts, more senseless violence, aimless political strategy and widespread corruption. The interlocutors’ overwhelming pessimism is all the more shocking considering the efficacy of the Shin Bet (responsible for deterring 90% of attempted terrorist attacks). These men are the only public figures of the Shin Bet. They answer directly to the Prime Minister, which has also made them the scapegoats for “tactical errors.” The film balances interviews wth an elaborate use of archival material, simulations and reenactments. The gripping testimonies of Shin Bet leaders adds a layer of critical analysis and reflection to a conflict that has shaped global politics in the last century. It is timely and powerful in its impact, the ripples of which are just beginning to be felt. The film has made the Oscar shortlist and continues to cause spectators to shift

in their seats, gasp and tense up at the alarming disclosure of Israel’s state secrets. Mara Fortes

Dirección, fotografía, edición, sonido: Sylvain George Contacto | Contact Independencia Distribution Música: Archie Shepp 29 rue Etienne Dolet Producción: Noir Production 75020 París, Francia Compañías de producción: CNC, Fondation Abbé Pierre, [email protected] Coopérative Pionnière (Libre)

Festivales | Festivals FID Marsella, BAFICI, RIDM, Fidocs Chile, DocLisboa, FICUNAM.

Sylvain George (Francia, 1968). Aunque cuando tenía dieciocho años decidió hacer cine, no fue sino hasta los treinta y ocho que Sylvain George tomó una cámara. George se volcó al cine para abordar temas que consideraba cruciales para la época. Para él, el cine fue la mejor herramienta para posicionarse políticamente y para relacionarse con el mundo. Combinando hábilmente la estética y la política, el director francés se ha convertido en un equipo de cine de un solo integrante. Su llegada al mundo cinematográfico ha sido significativa: estrenó su primer filme en 2009 y desde entonces ha recibido numerosos reconocimientos y se han organizado retrospectivas de su trabajo en distintos países.

Sylvain George (France, 1968). Although he decided to make films when he was eighteen years old, Sylvain George didn’t pick up a camera until he was thirty-eight. George turned to film to address subjects that he felt were crucial. For him, cinema was a better tool for positioning himself politically and for relating to the world. Artfully combining aesthetics and politics, George has become a one-man filmmaking team whose arrival to the film world has been extremely powerful. His first film premiered in 2009, yet he has already been the subject of numerous retrospectives and has received a number of prestigious awards.

92 En Que descansen en rebelión, el director francés Sylvain George nos transporta al corazón de la lucha migratoria en Calais, Francia, puerto por donde cada año miles de personas intentan ingresar a Inglaterra. Con su cámara situada en la trinchera, George filmó durante tres años la batalla cotidiana de estos hombres en contra del Estado. A través de poéticas imágenes en blanco y negro, integradas a un cine militante, experimental y realista, atestiguamos la forma en la que los migrantes son forzados a sobrellevar sus vidas en público. Las rígidas políticas de migración los privan de su dignidad y derechos. El compromiso de George por revelar su individualidad, en lugar de tratarlos como una categoría, los libera de la opresión de los estereotipos y subvierte el prejuicio social. Aunque su inclinación política es evidente, el filme no cae en lo didáctico o lo sentimental. Los protagonistas nunca son retratados como víctimas para provocar un sentimiento de compasión; el director otorga el mismo peso a la poesía de las imágenes y a la rebelión de los hombres en contra de las crudas leyes discriminatorias. En una de las escenas más poderosas del documental, varios hombres se queman las palmas y las puntas de los dedos para dejarlas irreconocibles. Las imágenes aluden a los rituales de algunas tribus africanas en los que se provocan cicatrices para marcar la identidad. Sin embargo, los protagonistas de Que descansen en rebelión laceran sus manos por la razón contraria, para borrar su identidad, el DC precio a pagar por la libertad y un mejor futuro. A pesar de que este conflicto sucede en Francia, es emblemático de la lucha de millones de migrantes alrededor del mundo y un retrato de la realidad de ser una no persona en un no lugar.

In May They Rest in Revolt, French director Sylvain George takes us to the heart of the immigration struggle in Calais, France, the port town through which thousands of immigrants attempt to enter England each year. Over the course of three years, George filmed the men living there, positioning himself and his camera on the frontline of their everyday battle with the state. Through poetic black and white visuals and with a skillful blend of militant, experimental and vérite cinema, we bear witness to how the immigrants are forced to live their lives in public. Strict immigration policies deny them their dignity and deprive them of the most basic human rights. George’s commitment to revealing the individuality of his subjects, rather than treating them as a category of immigrants, liberates them from the oppression of stereotypes while subverting societal prejudice. Although his political stance is evident, the film is neither didactic nor sentimental. Subjects are never portrayed as victims to provoke our pity; instead, the film gives equal weight to the poetry of the images and the men’s rebellion against the discriminatory laws that have caused this terrible reality. In one of the film’s most powerful scenes, we see several men burning their fingers and palms with scorching hot nails in order to make their fingerprints unrecognizable. The images bring to mind some African tribal rituals in which scarring is used to convey one’s identity. Yet the men in May They Rest in Revolt scar themselves for the opposite reason: to erase who they are. This is the cost of freedom and a better future. Even though this particular conflict takes place in France, the film is emblematic of the struggles of millions of immigrants throughout the world and a reflection of the reality of being non-people in a non-place. Meghan Monsour

93 WINSURTERVI,V GINGO A PWROAYG!RESS | INVIERNO | SOBREVIVIENDO, ¡lárgate! AL PROGRESO RusiaCanadá | 2012 | | 2011Ruso | InglésColor || 79’Color | 86’

Dirección, fotografía: Elena Khoreva, Denis Klebleev, Dmitry Kubasov, Contacto | Contact Rise and Shine Askold Kurov, Nadezhda Leonteva, Anna Moiseenko, Madina Mustafina, Schlesische Str. 29/30 Sofia Rodkevich, Anton Seregin, Alexey Zhiryakov 10997 Berlín, Alemania Dirección de arte, producción: Marina Razbezhkina T: +49 30 47372980 [email protected] Edición: Yuri Geddert, Elena Khoreva, Dmitry Kubasov, Askold Kurov, Madina Mustafina Sonido: Yuri Geddert Compañía de producción: Marina Razbezhkina Studio

Festivales | Festivals IDFA, DOK Leipzig, Festival de Cine de Locarno, Festival de Cine de Cottbus, Festival de Cine de Lisboa y Estoril, Festival de Cine de Torino, Festival Internacional de Cine Watch Docs.

Los directores son graduados de la Escuela de Cine Documental y Teatro de Marina Razbezhkina y Mikhail Ugarovn: Elena Khoreva, Denis Klebleev, Dmitry Kubasov, Askold Kurov, Nadezhda Leonteva, Anna Moiseenko, Madina Mustafina, Sofia Rodkevich, Anton Seregin y Alexey Zhiryakov. Los diez filmaron, durante dos meses, las protestas contra el gobierno ruso en tiempos de las elecciones presidenciales.

The directors are ten graduates of Marina Razbezhkina and Mikhail Ugarov’s Documentary Filmmaking and Theater School: Elena Khoreva, Denis Klebleev, Dmitry Kubasov, Askold Kurov, Nadezhda Leonteva, Anna Moiseenko, Madina Mustafina, Sofia Rodkevich, Anton Seregin and Alexey Zhiryakov. Over two months they filmed the anti-government protests during the Russian presidential elections.

94 En una Rusia que históricamente arrastra tendencias antidemocráticas, acostumbrada a vivir en la inmo- vilidad y aparentemente resignada a que la voluntad popular sea ignorada, las elecciones parlamentarias de 2011 motivaron que, por primera vez en veinte años, el descontento ciudadano generara una con- vulsión social de gran escala. Hubo numerosas denuncias de fraude ante unos comicios evidentemente viciados, y el cinismo de algunos políticos provocó el enojo de la población, que comenzó a manifestarse enérgicamente en las calles. Las protestas, que se prolongarían hasta las elecciones presidenciales de marzo de 2012, estaban dirigidas principalmente al candidato Vladimir Putin, que en trece años ha sido ya dos veces presidente de Rusia y otras dos, primer ministro. En medio de un crudo invierno, con temperaturas de hasta veinte grados bajo cero, vemos cómo las calles de Moscú se llenan de jóvenes activistas, de periodistas que intentan salvar las cortapisas impuestas por las autoridades recelosas, y de artistas improvisados que recitan poesía caminando en sentido contrario en medio de una calle atestada de tráfico. También somos partícipes del famoso acto de las Pussy Riot, por el que sufrieron una desmedida represión por parte del sistema judicial. Mientras tanto, dos hombres discuten sobre política mientras beben vodka en horas de trabajo, y concluyen que los gobernantes se olvidan casi siempre del pueblo al que representan y que los verdaderos héroes son otros; la única figura rusa que ha merecido su respeto es el cosmonauta Yuri Gagarin. Invierno, ¡lárgate! es una vívida crónica de este período de liberación, de las movilizaciones más DC intensas que se han suscitado en Rusia en la era postsoviética. Se trata de un excepcional documental comisionado por el periódico independiente Novaya Gazeta, filmado por diez graduados de la Escuela de Cine Documental y Teatro de Marina Razbezhkina y Mikhail Ugarov, que decidieron retratar el despertar de una sociedad esperanzada ante la posibilidad de un futuro diferente.

In Russia, a country with anti-democratic tendencies, a lack of social mobility and with a population whose will is regularly ignored, the 2011 parliamentary elections generated, for the first time in twenty years, large-scale social unrest. There were numerous reports of fraud against the obviously corrupted elections, and the cynicism of several politicians provoked public outcry. People protested energetically in the streets through the March 2012 elections, directing their anger, above all, toward candidate Vladimir Putin who over a span of thirteen years has served twice as president and prime minister. In the middle of a harsh winter that registered temperatures as low as -20 °C, we see the streets of Moscow filled with young activists, journalists who try to overcome restrictions imposed by suspicious authorities, and impromptu artists who recite poetry while walking against the flow of traffic. We become participants of the famous Pussy Riot concert, which suffered violent repression from the judicial system. Meanwhile, two men argue about politics while drinking vodka during their working hours. They conclude that the politicians almost always forget their constituents and that other people are the true heroes. The only Russian figure that has deserved their respect is the cosmonaut Yuri Gagarin. Winter, Go Away! is a vivid chronicle of these months of liberation, a period marked by the most intense mobilizations in Russia since the collapse of communism. It is an exceptional documentary commissioned by the independent newspaper Novaya Gazeta and filmed by ten graduates of the Marina Razbezhkina and Mikhail Ugarov School of Documentary Film and Theatre who decided to portray the awakening of a

generation searching for a different future. Noemi Cuetos

95 INJERTO

Videos y películas experimentales realizados por artistas y cineastas que se alejan de las convenciones del género.

96 Experimental films and videos made by artists and filmmakers who depart from the conventions of the genre. CINEMA 16: SUBVERSIÓN Y POSIBILIDAD RADICAL AMBULANTE 2013

Curaduría de Garbiñe Ortega y Mara Fortes

La enormidad del caos requiere enormidad de medios artísticos para retratarlo y disolverlo. Amos Vogel, El cine como arte subversivo

El cine nos abre la cabeza por mil y un sitios. Nos educa, El ciclo dedicado a CINEMA 16 tiene dos ejes, nos inspira, nos hace más humanos, nos lleva a otras uno retrospectivo y otro contemporáneo, y consta realidades desconocidas, nos hace sentirnos parte de 5 programas temáticos. Por una parte, se explora de un mundo en colectividad; nos incita a emprender la historia de la vanguardia cinematográfica clásica caminos de autodescubrimiento, orientando nuestros a través de las películas favoritas de este cineclub, sentidos a las posibilidades radicales de la imagen como son La ópera Mouffe, de Agnès Varda, La vida y el sonido; nos ofrece vías imposibles tornándolas privada de un gato, de Maya Deren y Alexander Ham- posibles. CINEMA 16 fue una organización que tra- mid, y La sangre de las bestias de Georges Franju. bajó de forma pionera en esta dirección, dando a su Por otra parte, nos planteamos la pregunta de qué audiencia la oportunidad de crecer y de agudizar su programaría CINEMA 16 hoy. Inspirados por su filosofía sentido crítico, para apreciar las múltiples expresiones de subversión y experimentación, y su necesidad de del cine, su trascendencia y el alcance de nuestra eclecticismo, seleccionamos películas que exigen experiencia y conocimiento del mundo. estados de contemplación e inquietud, cintas que En el año 1947 Amos y Marcia Vogel, inmigrantes subvierten la relación del cine con la narrativa, el austriacos con base en Nueva York, emprenden esta realismo y el ilusionismo; películas que nos seducen aventura personal llamada CINEMA 16 con el generoso y nos emocionan; trabajos que trazan la arquitectura objetivo de mostrar las películas que les gustaría ver de mundos posibles. Al acercarnos a la obra de gran- en la pantalla grande. En los años cincuenta eran más des artistas como Naomi Uman, Helen Hill, Barbara de siete mil socios, y la escena cultural neoyorkina al Hammer, Jennifer Reeves y Marjorie Keller, entre otros, completo formaba parte de este club: Maya Deren, John esperamos destacar el legado de CINEMA 16 en el Dos Passos, Leonard Bernstein, Jonas Mekas, John cine de vanguardia contemporáneo. Lennon… Esta iniciativa atrajo a miles de personas Este ciclo es un merecido tributo y una celebración a las salas, las educó en valores progresistas y dio a del importante papel que desempeña la programación conocer a artistas que hoy pertenecen a la historia del cinematográfica y de las aportaciones fundamentales cine. La comunidad fílmica se convirtió en el lugar de de CINEMA 16, en especial de su pensador, Amos exhibición más influyente de Estados Unidos, cambiando Vogel. El cine genera una nueva conciencia del mundo. el rumbo del cine independiente y alternativo, y de la CINEMA 16 lo sabía, así como AMBULANTE lo sabe programación cinematográfica. y lo difunde hoy. I N JERTO 98 CINEMA 16: SUBVERSION AND RADICAL POSSIBILITY AMBULANTE 2013

Curated by Garbiñe Ortega and Mara Fortes

The enormity of chaos has necessitated enormity of artistic means to portray and dissolve it. —Amos Vogel, Film as Subversive Art

Cinema probes our minds in a thousand and one ways. It nized into five programs: On the one hand, we explore educates us, inspires us, makes us more human, trans- the history of avant-garde cinema through some of ports us to unknown realities, and makes us feel that we the cine-club’s favorite films, includingL’Opéra-Mouffe are part of a great community; it presents improbable (Agnès Varda), The Private Life of a Cat (Maya Deren & avenues to self-discovery by tuning our sensorium to the Alexander Hammid) and Blood of the Beasts (Georges radical potential of image and sound. CINEMA 16 was Franju). On the other, we respond to the question of what a society which pioneered the liberating possibilities of CINEMA 16 would program today. Prompted by the film cinema by offering viewers the opportunity to fine-tune society’s philosophy of subversion and experimentation, INJ their critical skills, to appreciate the range of cinema we selected films that shock, that demand restless poetics, the scope of the medium, and conversely, the contemplation, and that reinvent cinema’s relation to

scope of their understanding and experience of the world. narrative, realism and illusionism. We chose films that I N JERTO In 1947, Amos and Marcia Vogel, Austrian immigrants seduce and excite and films that sketch the architecture based in New York, embarked on this personal adventure of a different world. Featuring work by Naomi Uman, they called CINEMA 16 with the generous mission to Helen Hill, Barbara Hammer, Jennifer Reeves and show the films they wanted to see on the big screen. Marjorie Keller, among others, we hope to highlight the In the 1950s, the film society had more than 7000 legacy of CINEMA 16 in the contemporary cinematic members, including many noted figures of New York’s avant-garde. vibrant cultural scene: Maya Deren, John Dos Passos, This series is a long-awaited tribute and celebration of Leonard Bernstein, Jonas Mekas, John Lennon…This the crucial role of film programming and the contributions personal initiative attracted thousands of people to of CINEMA 16, particularly those of its founder, Amos the theaters, educated them in progressive values and Vogel. CINEMA 16 understood that film could yield a discovered artists who now have a consecrated place new consciousness of the world—a belief it cultivated in film history. It became the most influential exhibi- then, as AMBULANTE does today. tion space in the United States, changing the course of independent and alternative cinema as well as the philosophy behind film programming. This series dedicated to CINEMA 16 has two axes: a retrospective one and a contemporary one. It is orga-

Duración total: 66’

Este programa reúne las películas favoritas del This program is a compilation of Cinema 16 audi- público y de los curadores de CINEMA 16. Agnès ences’ and curators’ favorite films. Agnès Varda Varda estrenó La ópera Mouffe (“diario de una mujer premiered L’Opéra Mouffe (“diary of a pregnant embarazada”), en el teatro de Amos y Marcia Vogel woman”) in Amos and Marcia Vogel’s theater, and con tal éxito que formó parte de la programación the film became a staple of their programming. en numerosas ocasiones. La vida privada de un The innocent The Private Life of a Cat, by the INJ gato, de la gran cineasta Maya Deren en colabo- great Maya Deren in collaboration with Alexander ración con Alexander Hammid, se convirtió en una Hammid, became a frequently cited film at the time, referencia de la época ya que fue censurada por after being censored for “inappropriate content.” I N JERTO “contenido inapropiado”. La cama, del californiano The Bed, by California filmmaker James Broughton, James Broughton, es una celebración de cuerpos is a celebration of naked bodies around a bed—a desnudos en torno a una cama, un divertido canto delightful ode to freedom and very much a product a la libertad muy propio de la época. Radicales of the era of sexual liberation. Free Radicals, by libres de Len Lye y La habitación de Carmen Len Lye, and The Room, by Carmen D’Avino, are D’Avino son dos clásicos de la programación de two classics of Cinema 16 and examples of the CINEMA 16, y ejemplos del interés este grupo por society’s support for experimental animation. exhibir obras de animación experimental.

Duración total: 58’

Probablemente CINEMA 16 no podría haber nacido Cinema 16 probably could not have emerged in any en ninguna otra ciudad más que en Nueva York, other city but New York—that city whose avenues, esa urbe cuyas avenidas, puentes, metro, peatones bridges, subway, residents and tourists of every y turistas de todas las épocas han sido retratados era have been captured countless times in cinema. innumerables veces en el cine. Los cineastas de The filmmakers in this program offer their unique este programa ofrecen su visión personal de esta vision of this metropolis: the renowned “father of INJ metrópoli. Robert Flaherty, considerado el padre documentary” Robert Flaherty creates his own city del cine documental, crea su propia sinfonía de la symphony with Twenty-Four Dollar Island—one of ciudad en La isla de los veinticuatro dólares. Stan the lesser-known films of his career. Stan Brahkage, I N JERTO Brakhage, el cineasta de vanguardia más relevante perhaps the most important avant-garde filmmaker de Estados Unidos, realiza El anillo del asombro in the U.S., made The Wonder Ring on commission por encargo de Joseph Cornell, quien hizo Gnir from artist Joseph Cornell, who in turn made Gnir Rednow —“Wonder Ring” escrito al revés— con Rednow (“Wonder Ring” spelled backwards) using escenas rescatadas del mismo material. La cineasta outtakes from the same material. Filmmaker Shirley Shirley Clarke retrata los puentes que unen la isla Clarke portrays the bridges that join the island of de Manhattan en su obra Los puentes giran. Un Manhattan in her piece Bridges-Go-Round. An fragmento de la obra Perdido, perdido, perdido excerpt of Jonas Mekas’ work Lost, Lost, Lost, set del artista Jonas Mekas, muestra su estilo de diario during the years of protest against the war conveys personal en los años de protesta contra la guerra. his characteristic diary style. Sunday by Dan Drasin Domingo de Dan Drasin es una reflexión sobre la is also a meditation on civil protest, focusing on a protesta ciudadana, enfocada en una plaza durante gathering in a plaza over a long Sunday morning. una mañana de domingo.

103 104 PROGRAM INJERTO PROGRAMA 3: FILM 3: EL AS CINE A SUBVERSIVE COMO ARTE ART

SUBVERSIO

Duración total: 56’

Repulsión, asombro, éxtasis, erotismo, destrucción: Revolt, wonder, ecstasy, eroticism, destruction: this esta serie muestra las expresiones más radicales series features cinema’s most radical expressions del cine a través de la obra de nuevos directores y through the work of renowned avant-garde filmmak- de figuras consagradas del cine de vanguardia. Las ers and new directors. The films adopt dynamics of cintas adoptan dinámicas de contraste con el fin de contrast to animate and expose the human condition. animar y exponer la condición humana. Exploramos We explore the everyday horror of Parisian slaugh- el horror cotidiano de los mataderos de París en el terhouses in Georges Franju’s poetic essay Blood INJ poético cine ensayo de Georges Franju, La sangre of the Beasts; we enter ominous atmospheres in de las bestias; atravesamos atmósferas ominosas Fear of Blushing, a stunning example of hand-made

en Miedo a sonrojarse, un majestuoso ejemplo de cinema by Jennifer Reeves; and enjoy Bruce Conner’s I N JERTO cine “hecho a mano” a cargo de Jennifer Reeves, y explosive collage Cosmic Ray, a classic example nos enfrentamos al explosivo collage Rayo cósmico of found footage filmmaking. In Fireworks, a film de Bruce Conner, pionero del cine de found foota- that shook the conservative establishment when ge. En Fuegos artificiales, película que sacudió al it premiered in 1948 and became the subject of a sector conservador cuando se estrenó en 1948 y long obscenity trial, we delve into a homoerotic and desató un juicio épico en torno a la “obscenidad“, sadomasochistic imaginary. In Neighbours, a short nos adentramos en un imaginario homoerótico y parable made by renowned Canadian animator Nor- sadomasoquista. Vecinos, del reconocido anima- man McLaren, the passive-aggressive encounter dor Norman McLaren, es una breve parábola que between two men transforms the idyll of suburbia retrata un encuentro pasivo-agresivo entre vecinos, into a battlefield. Ximena Cuevas pays tribute to transformando el idilio del suburbio en un campo de Luis Buñuel while registering post-September 11th batalla. En menos de dos minutos, Ximena Cuevas paranoia in her short piece Rehearsal for a Crime. rinde homenaje a Luis Buñuel y capta el ambiente Bruce Baillie invites us on a meditative journey that de paranoia tras los ataques del 11 de septiembre evokes nostalgia and delight, echoing McLaren in a (Ensayo de un crimen). Bruce Baillie nos invita a un single tracking shot of a dilapidated fence in rural recorrido meditativo, que evoca nostalgia y regocijo, America (All My Life). y hace eco de McLaren con una sola toma de una barda dilapidada a la mitad del campo en Toda mi vida.

Duración total: 67’

Cinema 16 proponía expandir las fronteras del Cinema 16 sought to expand cinematic frontiers cine y la mente del espectador. Este programa está and the spectator’s consciousness. This program is inspirado en la búsqueda de nuevas expresiones inspired by the search for new erotic modalities that eróticas que rompen las convenciones sociales y defy social conventions and normative standards and estándares de normalidad, y sugieren nuevas mo- that suggest new forms of loving while reconceptu- dalidades de amar y de reconceptualizar el cuerpo y alizing bodies and desire. Two pioneers of feminist INJ el deseo. Dos grandes figuras del cine experimental cinema, Carolee Schneemann and Barbara Hammer, feminista, Carolee Schneemann y Barbara Hammer, meld the physicality of bodies with the materiality of mezclan la fisicalidad del cuerpo con la materialidad the medium in kaleidoscopic, colorful and subversive I N JERTO del celuloide en caleidoscópicas, coloridas y sub- expressions of sexuality. Joseph Cornell and Naomi versivas manifestaciones de la sexualidad. Uman rehabilitate recycled films—B-movie East of Joseph Cornell y Naomi Uman rehabilitan película Borneo (George Melford, 1931) in Cornell’s case reciclada —la película de serie B East of Borneo and vintage porn in Uman’s—highlighting the female (George Melford, 1931) en el caso de Cornell, y image in cinema as an ex-centric nucleus of fantasy cine porno vintage en el de Uman— destacando la and desire. Jean Painlevé’s work employs accidental imagen femenina en el cine como núcleo excéntri- surrealism, inviting us to witness unexpected encoun- co de fantasía y deseo. Jean Painlevé moviliza un ters in the strange animal world, and especially, with surrealismo accidental, invitándonos a presenciar the desmodus rotundus bat. . . encuentros inesperados en el extraño mundo animal y en especial, con el murciélago desmodus rotundus. . .

Duración total: 78’ Cine poético, especulativo, meditativo, intimista, This is poetic, speculative, meditative, intimistic, satírico, autoreflexivo, anclado en la primera persona; satiric, self-reflexive cinema anchored in the first cine que adopta la subjetividad como base de la person, cinema that adopts subjectivity as the basis experiencia y del discurso. Las películas que con- of experience and discourse. The films that make up forman este programa ejercen un diálogo a través this program animate a dialogue through time and del tiempo y la memoria, extraen lo inquietante y memory, and they extract the disturbing and mysteri- misterioso de lo cotidiano y familiar, y se valen de ous embedded in the everyday and the familiar. They un rico lenguaje visual para orientar nuestra atención employ a rich visual language to direct our attention to hacia los diversos ritmos de la realidad. En hijas del the diverse rhythms of reality. In Daughters of Chaos caos, un boda se convierte en el prisma que refleja a wedding becomes the prism that activates a double INJ una doble mirada: niñas que anhelan convertirse en gaze: girls who long to become women, and women mujeres, y mujeres que recuerdan su infancia, en who look back on their childhood, in the context of a

el contexto de una cultura patriarcal. Efectuando patriarchal culture. Effecting a similar archaeology of I N JERTO también una arqueología de la memoria, a través memory through home movies, animated sequences, de imágenes de películas caseras, secuencias and films rescued after the devastating Hurricane animadas y películas rescatadas tras el devastador Katrina, The Florestine Collection focuses on an huracán Katrina, La colección de Florestine retrata elderly seamstress who left an extraordinary collection a una costurera de Nueva Orleans que dejó una of dresses. Andrea Callard infuses her characteristic colección impresionante de vestidos. Andrea Ca- sense of humor in a brief meditation on inspiration, llard imprime su característico humor en una breve the Yellow Pages, and taxi cabs (11 Thru 12). Julian meditación sobre la inspiración, la “sección amarilla” Grey collaborates with Billy Collins in the animated y los taxis (De 11 a 12). Julian Grey colabora con poem Forgetfulness. In Limits: 1st Person, León Billy Collins para ofrecernos un poema animado en Siminiani analyzes the elements of realism and il- Despiste. León Siminiani analiza los elementos del lusionism parting from a unique love story—as the realismo y el ilusionismo a partir de una singular voice-off reminds us, “where there is love, there is historia de amor—como nos recuerda la voz en off, cinema.” The calm lyricism of Song Before Dying “donde hay amor, hay cine”, en Límites: 1ª persona. takes us on a cool walk through nature and in Super La lírica calma de Canción del antes de morir nos 8, allowing the journeys and emotions stirred by the brinda reposo en un paseo frío por la naturaleza films in the program to find their place. en Súper 8 para que todas las emociones y viajes interiores vividos en el programa encuentren su lugar.

109 sonidero

Producciones sobre diversas corrientes musicales, desde propuestas con contenido social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores.

110 Film productions about different music trends, from documentaries with social and political content to exhilarating concerts for thousands of avid fans. 111 BEWARE OF MR. BAKER | CUIDADO CON EL SR. BAKER

Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 94’

Dirección, guion: Jay Bulger Contacto | Contact Zara Duffy Dirección de fotografía: Eric Robbins Insurgent Media Edición: Abhay Sofsky [email protected] Sonido: Jacob Ribicoff, Reilly Steele T: +1 347 844 9868 Producción: Andrew S. Karsch, Fisher Stevens, Erik H. Gordon Compañías de producción: Insurgent Media, Pugilist At Rest Productions

Festivales | Festivals SXSW, Silverdocs, Festival Internacional de Cine de Londres, Festival Internacional de Seattle.

Jay Bulger (EUA, 1982), exboxeador y exmodelo, realizó sus estudios en la Universidad de Fordham. Después de librar una batalla de dos años contra el cáncer, se dedicó a dirigir y a escribir. Desde entonces sus artículos han aparecido en Rolling Stone y la revista New York, entre otras publicaciones. Ha dirigido comerciales para distintas bandas, sellos discográfi- cos y marcas. Para su artículo “En busca de Ginger Baker”, pasó tres meses en Sudáfrica viviendo con Baker. El artículo y las numerosas horas de entrevistas que Jay grabó, fueron la premisa para Cuidado con el sr. Baker. En el verano de 2010 regresó a Sudáfrica para completar la película.

Jay Bulger (USA, 1982), former boxer and fashion model, attended Fordham University. After a two-year bout with cancer, he dedicated himself to writing and directing and has since published feature articles for Rolling Stone, New York magazine and many other publications. He has directed music videos and commercials for different bands, labels and brands. Bulger spent three months living with Ginger Baker in South Africa for his article “In Search of Ginger Baker,” and the numerous hours of interviews Jay captured on film became the premise for Beware of Mr. Baker. In the spring of 2010, he returned to South Africa to finish the film. so n idero 112 Al momento de reflexionar sobre su vida, un hombre voltea a ver el camino recorrido, cuenta sus logros y disfruta lo que ha cosechado. ¿Pero qué pasa cuando a un hombre el mundo le ha dado la espalda, ha vivido huyendo, autoexiliado, sin rastro de lamento? A sus setenta y tres años, Ginger Baker, legendario baterista de la banda Cream, considerado por muchos el mejor del mundo, resume su momento actual con esta frase: “Dios me está castigando por mi maldad, dejándome vivo y con tanto dolor como le es posible”. Jay Bulger, intrépido y tenaz documentalista, nos presenta la vida de este egocéntrico genio de la batería en un relato audiovisual construido mediante numerosas imágenes de archivo inéditas de la vida de Baker a lo largo de más de cuarenta años de trayectoria. Figuras épicas, como Eric Clapton, Jack Bruce, Art Blakey y Fela Kuti acompañan la historia de Ginger Baker. A través de sus testimonios se consolida como una figura fundamental en la transformación musical de finales del siglo XX. En este relato bifurcado entre Baker y aquellos que lo han conocido, viajamos por el mundo siguiendo los pasos del polémico baterista, desde California hasta Sudáfrica, desde sus inicios en el jazz hasta su autodestrucción social. Observamos su búsqueda por innovar su sonido, no parte de parámetros previos, sino que impone los propios como un reto a sus sucesores. Este trabajo provocará en el espectador complejas sensaciones, empatía, admiración, desagrado y repulsión, que le harán comprender la vida enloquecida del virtuoso Ginger Baker.

In a typical moment of retrospection, a man turns back to see the path taken, remembers his achieve- ments and enjoys what he has accomplished. But what happens to a man when the world has turned its back on him? A man who lives in self-imposed exile, with no regrets, secluded from life? SND At the age of seventy-three, Ginger Baker, the legendary drummer of the band Cream, summarizes his current moment with this phrase: “God is punishing me for my past wickedness by keeping me alive and in as much pain as He can.”

The intrepid and determined documentary filmmaker Jay Bulger presents us with the life of this so n idero egocentric percussion genius in an audiovisual story created through numerous images of unpublished archival material that represents more than forty years of Baker’s career. Epic figures such as Eric Clapton, Jack Bruce, Art Blakey and Fela Kuti accompany the story of Ginger Baker, and through their testimonies he is portrayed as a fundamental figure in the musical transformation of the end of the twentieth century. This is a twofold story about Baker and those who knew him from his beginnings in jazz to his social self-destruction. We follow the steps of this controversial drummer traveling the world, from California to South Africa, on his search to innovate his sound. Rather than abiding by the rules of his predecessors, he challenges them by imposing his own. This documentary will elicit a complex set of emotions –empathy, admiration, displeasure and repulsion–inviting us into the wild life of the virtuoso Ginger Baker. Judith Guzmán

113 THE CHEMICAL BROTHERS: DON’T THINK

Japón–Reino Unido | 2012 | Inglés | Color | 88’

Dirección: Adam Smith Contacto | Contact James Dobbin Dirección de fotografía: Iain Finlay, Marc Swadel Omniverse Vision Edición: Jono Griffith, Mark Whelan 10 South Molton Street Sonido: Mark Paterson, The Chemical Brothers Londres W1K 5QJ Reino Unido Música: The Chemical Brothers T: +44 207 499 0088 Producción: Lee Groombridge, Marcus Lyall [email protected] Compañías de producción: RSA, Black Dog Films www.omniversevision.com

Festivales | Festivals Sónar Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art de Barcelona.

Adam Smith dirigió el drama de época Little Dorrit, ganador de un Emmy, los primeros episodios de Doctor Who con Matt Smith y varios capítulos de la innovadora serie Skins. Su trabajo visual para los Chemical Brothers ha sido descrito previamente en la prensa como “una suerte de Alicia a través del espejo intergaláctica” (Times) y “como si Henri Matisse y Pablo Picasso hubieran hecho animación para MTV” (Dallas Morning News). Actualmente se encuentra desarrollando proyectos cinematográficos con Scott Free, Film Four y el Instituto de Cine Británico.

Adam Smith has previously directed the Emmy Award winner period drama Little Dorrit, the first Doctor Who episodes with Matt Smith and several episodes of the ground-breaking series Skins. His visual work for The Chemical Brothers has been described alternately as looking like “a sort of intergalactic Alice Through the Looking Glass” (Times) and as if “Henri Matisse and Pablo Picasso did animation for MTV” (Dallas Morning News). He currently has film projects in progress with Scott Free, Film Four and the BFI. so n idero 114 Cuando estamos en un espectáculo musical en vivo, una parte de lo que somos desaparece. La mágica combinación de sonido, noche y desenfreno nos seduce; abandonamos nuestros cuerpos y nos dejamos llevar por los ritmos que los músicos en el escenario nos ofrecen. Así es como este documental presenta su narrativa ecléctica: más allá de contar una historia, nos hace vivir una experiencia colectiva. Rodeados de espectadores desconocidos, dejamos de ser nosotros mismos y nos volvemos presas de una serie de momentos únicos que configuran la noche. Enfocamos ojos y oídos en el mundo imaginario que los Chemical Brothers nos proponen. El título del filme, Don’t Think, refleja la emoción provocada por el concierto de este dúo británico en el festival Fuji Rock 2012, en Japón. Lejos de transmitir información, este documental genera miles de sensaciones en el espectador, incitándolo a mover la cabeza, marcar el ritmo con el pie o incluso bailar en su asiento, animado por los sonidos que emanan de la pantalla. Filmadas en un vívido formato HD, destellantes imágenes psicodélicas y sofisticados efectos visuales nos hacen surfear entre la masa humana congregada en plena veneración de esta gran fiesta. Por momentos, seguimos de cerca al público asistente, incluso afuera del concierto. El director Adam Smith —quien ha trabajado como artista visual con los Chemical Brothers desde hace dieciocho años— apuesta por recrear cinematográficamente este momento catártico de la música electrónica. Con veinte cámaras que documentan tanto el concierto como la multitud entregada devotamente a los músicos, Smith consigue un filme sumamente estimulante que nos ofrece una experiencia transformativa y multisensorial en medio de payasos, robots y tigres que deambulan por el lugar.

When we step into the atmosphere of a live music show, a part of ourselves vanishes. The magic SND combination of sound, nightlife and self-abandon entices us; we shed our bodies and dissolve into the rhythms set by the musicians onstage. This is how this documentary presents its eclectic narrative: beyond telling a story, the film invites us to live a collective experience. Surrounded by unknown spectators, we cease to be ourselves and become prey to a series of so n idero unique moments that make up the night. We focus our eyes and ears on the imaginary world The Chemical Brothers create. The film’s provocative title, Don’t Think, captures the thrill of a concert by this iconic British duo during the Fuji Rock Festival in Japan. Far from being a mere factual account, the documentary induces a myriad of sensations, prompting viewers to nod their heads, tap their feet, and dance in their seat, animated by the sounds bursting from the screen. Shot in lush high-definition format, its dazzling psychedelic images and sophisticated visuals send us surfing through the masses congregated in veneration of this great party. At times, we follow the concert- goers closely, even outside the show. Director Adam Smith—a visual artist who has worked with The Chemical Brothers for eighteen years—delivers a masterful cinematographic recreation of this epic moment in electronic music history. Using twenty cameras that register both the action onstage and the audience’s devotion to the music, Smith achieves a captivating film that offers us a multi-sensory and transformative

experience amongst the clowns, robots and tigers that roam the venue. Judith Guzmán

115 DON’T STOP BELIEVIN’: EVERYMAN’S JOURNEY

Estados Unidos | 2012 | Inglés | Color | 104’

Dirección, guion: Ramona S. Diaz Contacto | Contact Visit Films Dirección de fotografía: Julia Dengel, Vicente Franco, Gabriel Goodenough 173 Richardson Street Edición: Leah Marino Brooklyn, NY, 11222 Sonido: Jim Jung Choi, Adriano Bravo, Ray Sinithinithet, JT Mueller Estados Unidos T: +1 718 312 8210 Producción: Capella Fahoome Brogden [email protected] Compañías de producción: CineDiaz, Defining Entertainment www.visitfilms.com

Festivales | Festivals Silverdocs, Festival de Cine de Tribeca, Festival Internacional de Cine de San Francisco, Festival Internacional de Cine de Dubai, Festival de Cine de Filadelfia, Festival de Cine de Traverse City.

Ramona S. Diaz (Filipinas) estudió una maestría en Comunicación en la Universidad de Stanford. Ha dirigido Spirits Rising, una película sobre el papel de las mujeres filipinas en la Revolución del Poder Popular de 1986; Imelda, su primera película de ficción sobre la ex primera dama filipina; y The Learning, una crónica sobre los sacrificios que realiza un grupo de maestros filipinos en Baltimore. Además de numerosos premios, sus películas han recibido el apoyo del Festival de Cine de Sundance y del Servicio de Televisión Independiente.

Ramona S. Diaz (Philippines) has filmedSpirits Rising, a documentary about the role of women in the 1986 People Power Revolution in the Philippines; Imelda, her first feature-length film about the former First Lady of the Philippines; and The Learning, a documentary film that chronicles the sacrifices several Filipino teachers make in Baltimore. Her movies have received many awards and have been funded by Sundance and ITVS. so n idero 116 Siendo todavía un niño, Arnel Pineda perdió a su madre, se quedó sin casa, se vio obligado a dormir en las bancas de un parque y a cantar en sitios impensables para poder comer. Sin embargo, para Arnel, la música no solo ha sido su modo de subsistencia, ha sido su motor en la vida. Tras más de veinticinco años de carrera, después de probar suerte con múltiples bandas en su país natal, Arnel es finalmente descubierto por la industria musical estadounidense. En 2007, la legendaria agrupación Journey buscaba un vocalista para la grabación de su nuevo álbum y la consecuente gira. Una casualidad hizo que Neal Schon, guitarrista principal, encontrara en YouTube un video de Arnel interpretando temas de la banda. Arnel no solo proyectaba un gran talento sino que lograba emular la peculiar voz de Steve Perry, protagonista de las canciones más exitosas del grupo. Decidieron invitarlo a hacer una audición a pesar de que vivía en Manila, Filipinas. Arnel logró cautivar a la banda y rápidamente se integró al conjunto como vocalista. Este documental lo sigue de cerca mientras intenta adaptarse no solo a la banda, a sus compañeros y a la gira, sino a un estilo de vida completamente diferente como estrella de rock en Estados Unidos. Don’t Stop Believin’ relata el cuento de hadas que ha vivido Arnel desde entonces, y a la vez retrata el choque entre dos mundos diametralmente opuestos. Nos muestra la fragilidad del éxito y lo fácil que es caer una vez que se llega a la cima. En palabras del propio Arnel, “pierdes, ganas, ganas, pierdes; así es la vida”. Al igual que en Imelda (2003), la documentalista Ramona S. Diaz vuelve a poner la mirada en el auge de una figura filipina y lleva al espectador de la mano de Arnel en su trato cotidiano con la fama. Al mismo tiempo, nos invita a disfrutar de la música de Journey, la banda creadora de uno de los temas .más descargados en la historia de iTunes, mismo que le da título a este flme

When Arnel Pineda was a child, he lost his mother and was left homeless. He was forced to sleep on a park SND bench and sing in unimaginable places in order to eat. Yet music, for Arnel, has been not only his means of subsistence but also his life motivation. After more than twenty-five years trying his luck in numerous bands in his native country, Arnel was discovered by the U.S. music industry. In 2007 the legendary group Journey was looking for a lead singer for the recording of their new album so n idero and their subsequent tour. By chance, the lead guitarist Neal Schon found a YouTube video of Arnel singing some of the band’s songs. Arnel not only seemed to have great talent but also managed to emulate the peculiar voice of Steve Perry, the lead singer of the band’s most successful songs. They decided to invite him for an audition despite the fact that he lived in Manila, Philippines. The band loved Arnel, and he soon became their lead singer. This documentary follows him closely as he attempts to get along with his bandmates and adapt to both life on tour and lifestyle of a rockstar in the United States. Don’t Stop Believin’ tells the fairy tale Arnel has lived and depicts at the same time the clash of two completely different worlds. It shows us the precaciousness of fame and how easy it is to fall once one gets to the top. In Arnel’s own words, “You lose, you gain, you gain, you lose; that’s how life is.” As in Imelda (2003), documentary filmmaker Ramona S. Diaz focuses on the success of a Philippine figure and immerses the viewer in Arnel’s daily struggle with celebrity. She simultaneously invites us to enjoy the music of Journey, the band that wrote one of the most-downloaded iTunes songs of all time—the

same song that provides the title of this film. Julieta Cuevas

Dirección: Pierre-Henry Salfati Contacto | Contact Elodie Dupont Dirección de fotografía: Andrey Lebedyanski, Lionel Perrin The Festival Agency Edición: Bénédicte Brunet, Pascale Hannoyer 14 rue des Jeuneurs Guion: Pierre-Henry Salfati, Marianne Anska 75002 París, Francia T: +33 95 490 4863 Sonido: Arnaud Rolland, Francis Wargnier Música: Mathieu Dugelay Producción: Miriana Bojic Walter Compañías de producción: Zeta Productions, ARTE France Cinéma, INA

Festivales | Festivals CPH: DOX, In-Edit Festival Internacional de Cine Documental Musical de Barcelona, Festival Internacional de Cine de Melbourne, Festival de Cine de Milán, Festival Internacional de Cine de Vancouver, Distrital, Festival de Cine de Taipei Golden Horse.

Pierre-Henry Salfati comienza su carrera cinematográfica en la década de 1980. En 1989 termina Tolerancia, protagonizada por Rupert Everett, película con la que obtuvo una nominación al César por la mejor ópera prima. En 1995 filma su doceavo largometraje de ficciónZadoc et le bonheur. Al paso de unos años, Salfati cambia la ficción por el documental. En 1998 dirige su primer documental, un filme sobre grandes pianistas del siglo XX. Entre sus películas se encuentran The Jazzman from the Gulag (1999), Golem, Golems (2002), The Ninth (2004) y Talmud (2007), estos tres últimos documentales para la televisión.

Pierre-Henry Salfati started his film career in the 1980s. In 1989 he finishedTolérance , starring Rupert Everett, a film for which he obtained a Cesar nomination for best first feature. In 1995 he filmed his twelfth feature narrativeZadoc et le bonheur. A few years after, Salfati switched from fiction to documentary. In 1998 he directed his first documentary, a film about great twentieth- century pianists. His filmography includesThe Jazzman from the Gulag (1999), Golem, Golems (2002), The Ninth (2004) and Talmud (2007), the last three made for television. so n idero 118 Al cabo de una investigación de más de tres años, Pierre-Henry Salfati revive en este documental a uno de los cantautores franceses más emblemáticos de la década de los setenta. En esta íntima y biográfica película, Serge Gainsbourg, rodeado siempre de bellas mujeres —su fuente de inspiración—, nos habla en primera persona, sin reconstrucciones de su pasado ni voice over. Se trata de un artista inclasificable que incursionó en casi todas las vertientes del campo musical, desde su debut con la chanson française, influido por su mentor, el escritor Boris Vian, pasando por el rock (Rock Around the Bunker), el reggae (La Marseillaise) y el jazz. El documental, retrato profundo y conmovedor de este versátil artista, compuesto por diversos materiales de archivo, entrevistas, conciertos, imágenes y videos de sus amigos y vida familiar, nos acerca a Gainsbourg; o él mismo se nos acerca, gracias a un hábil trabajo de recopilación y edición. Con una profundidad nunca antes lograda, revisamos y compartimos sus orígenes, su juventud, la relación con las mujeres y su padre, sus deseos, así como sus propias reflexiones en torno al éxito en su carrera. Gracias a este talentoso trabajo de Salfati, Serge Gainsbourg vuelve para guiarnos a lo largo de su vida y su prolífica obra. Un apasionado y logrado montaje, así como el valioso legado de un personaje trascendente, permite sumergirnos en las facetas más íntimas de este artista francés que sin duda permanecerá siempre vivo.

Pierre-Henry Salfati brings one of the most emblematic French singer-songwriters of the 1970s in his documentary, Gainsbourg by Gainsbourg: An Intimate Self-Portrait. In this intimate biographical film, Gainsbourg speaks to us in first person; there are no voice-overs or reconstructions of his past. Gainsbourg was an unclassifiable artist who dabbled in diverse musi- SND cal genres—from his debut work in chanson française, influenced by his mentor Boris Vian to rock (Rock Around the Bunker), reggae (La Marseillaise) and even jazz. He was constantly surrounded by beautiful women, who served as a source of inspiration.

The film, composed of different archival materials such as interviews, concerts as well as im- so n idero ages and videos of his friends and family life, is a profound and moving portrait of a versatile artist. Through skillful compilation and editing, the documentary provides an up-close and personal portrait of Gainsbourg. With unprecedented access, we learn about his origins, his youth, his relationship with women and his father, his desires and his reflections on his professional success. Thanks to Salfati’s brilliant work, Gainsbourg returns with his own voice to guide us through his life and prolific career. A passionate and well-assembled montage, as well as a valuable legacy of a transcendent figure, the film allows us to immerse ourselves in the most intimate facets of an artist who will undoubtedly live on. Marie-Ève Parenteau

119 ORNETTE: MADE IN AMERICA

Estados Unidos | 1985 | Inglés | Color, blanco y negro | 77’

Dirección: Shirley Clarke Contacto | Contact MILESTONE FILMS Dirección de fotografía: Ed Lachman PO Box 128 Edición: Iris Cahn, Shirley Clarke Harrington Park, NJ 07640 Sonido: Sanford Rackow Estados Unidos T: +1 201 767 3117 Música: Ornette Coleman [email protected] Producción: Kathelin Hoffman Gray www.milestonefilms.com Compañía de producción: Caravan of Dreams

Festivales | Festivals Festival Internacional de Cine de Berlín, Festival Internacional de Cine de Edimburgo, Festival Internacional de Cine de San Francisco, Festival Internacional de Cine Lone Star.

Shirley Clarke (EUA, 1919-1997) fue una de las cineastas más importantes del movimiento cinematográfico de posguerra en Nueva York y la única mujer en firmar el manifiesto del New American Cinema en 1961. Clarke estudió danza con Martha Graham y cine con Hans Richter. Inspirada por las ideas de Maya Deren sobre el movimiento natural del hombre como una forma de danza, Clarke filmó Paris Parks (1954). Entre sus películas destacan Skyscraper (1958), The Connection (1962) y Portrait of Jason (1967), considerada su obra maestra. Resulta sorprendente que a pesar de su influencia en varias generaciones de cineastas, hasta ahora su obra no ha sido reconocida en el canon de la historia del cine.

Shirley Clarke (USA, 1919-1997) was one of the most important filmmakers of the post-war American film movement; she was the only female to sign the New American Cinema manifesto in 1961. Clarke studied dance with Martha Graham and film with Hans Richter. Influenced by Maya Deren’s ideas about seeing natural human movement as a form of dance, Clarke filmed Paris Parks (1954). Among her most notable films are Skyscraper (1958), The Connection (1962) and Portrait of Jason (1967), this last one considered her masterpiece. Acknowledged by dozens of filmmakers as a major influence, the most shocking aspect of her career is her lack of recognition in the canon of fim history. so n idero 120 ¿Hasta dónde una equivocación puede trascender sus propios límites y con el paso del tiempo volverse una revolución? Ornette: Made in America, la última película que la célebre cineasta independiente neoyorquina Shirley Clarke realizara antes de morir, nos acerca, a través de una propuesta visual inusitada para su época, al mundo de Ornette Coleman, controvertido saxofonista y pionero de la música free jazz. La lectura equivocada que Ornette hizo de la clave del compás por un tercio y la consecuente confusión de la nota do por la, fue un elemento importante de la potente semilla que durante la década de 1960 sentaría las bases de una propuesta sonora agresiva y elocuente. Además de contribuir al desarrollo posterior del jazz, la música de Ornette influyó en la escena del punk rock y en el surgimiento de figuras clave como Steve McCay y Lou Reed, por mencionar solo algunas. Más allá de una apología de este músico revolucionario, el filme es una suerte de ensamblaje y recreación de su vida y su pensamiento. La mayor parte del documental se concentra en la segunda etapa de su amplia carrera musical al lado de su hijo, el baterista Denardo Coleman, y de Prime Time, la agrupación que lideró por años. Las escenas nos transportan a Fort Worth, Texas, ciudad natal de Ornette, y al Caravan of Dreams, un bar de jazz hoy desaparecido en cuyo escenario William Burroughs recitaba sus poemas. En 1973, el legendario poeta beatnik y Coleman hicieron un viaje a las montañas del norte de Marruecos para convivir con los aclamados Master Musicians of Jajouka; fue tal el impacto que los Jajouka causaron en Ornette que con los años colaborarían en varios proyectos musicales. Es importante pensar en el free jazz de Ornette como algo más que música. Además de su fuerza expresiva, es un reflejo de la búsqueda intrínseca de aquello que Ornette llamaba “el ciclo humano”, un espacio sonoro en el que la imaginación de cada ser encuentra su propia sintonía.

At what point does a mistake transcend its own limits and, as time goes by, become revolutionary? Ornette: SND Made in America, the last film the famous New York filmmaker Shirley Clarke would make before her death, presents a unique visual discourse to familiarize us with the world of Ornette Coleman, the controversial saxophonist and pioneer of free jazz. Coleman “misread” the key by a third, which resulted in confusing the C key for the A key. This one mistake planted the potent seed that during the 1960s became the basis of an so n idero aggressive and eloquent musical style that, in addition to contributing to the development of jazz, influenced punk rock and key musicians such a Steve McCay and Lou Reed, to name a few. Rather than being a straightforward biopic, the film is an assemblage and recreation of his life and thought. Most of the documentary focuses on the second period of his lengthy musical career, a period in which he played alongside his son, the drummer Denardo Coleman, and was the leader of the band Prime Time. The film takes us to the musician’s hometown of Fort Worth, Texas, and its since-closed jazz bar Caravan of Dreams, where the beatnik William Burroughs used to read his poems. In 1973 the legendary poet and Coleman took a trip to the mountains of northern Morocco to live with the acclaimed Master Musicians of Jajouka. Their influence on Coleman was so strong that he collaborated with them on various musical projects over the years. It is important to think of Coleman’s free jazz as something that transcends music. In addition to being an expressive force, free jazz is valuable as an intrinsic reflection of what Coleman called “the human cycle,”

a soundscape in which the imagination of each person finds its own harmony. Anahí Luna

121 PAULMAJA SIM BORON:G UNDER AFRICAN SKIES Estados Unidos | 2012 | Inglés, afrikáans, zulú | Color, blanco y negro | 101’

Dirección: Joe Berlinger Contacto | Contact @Radical.Media Dirección de fotografía: Bob Richman 435 Hudson Street Edición: Joshua L. Pearson New York, NY 10014 Sonido: Eddie O’Connor Estados Unidos T: +1 212 462 1500 Producción: Jon Kamen, Justin Wilkes Compañías de producción: A&E IndieFilms, @Radical.Media, Sony Music Entertainment’s Legacy Recordings

Festivales | Festivals Sundance, SXSW, Festival de Cine Documental Full Frame, Festival de Cine de Sidney, Festival Internacional de Cine Documental Sudafricano Encounters, Sundance Londres, World Cinema Showcase, Festival Internacional de Cine de Santa Barbara.

Joe Berlinger. Aclamado director cuya obra incluye los documentales Brother’s Keeper, Paradise Lost y Metallica: Some Kind of Monster. Ganadora de varios premios Emmy, la serie Paradise Lost de HBO ayudó a generar un movimiento mundial para liberar a los “Tres de West Memphis” de injustas condenas por homicidio. Crude, filme sobre la contaminación de la selva amazónica por petróleo, ganó numerosos reconocimientos. Berlinger ha recibido premios del Directors Guild of America, así como de los Independent Spirit Awards, entre otros. Asimismo, ha dirigido y producido cinco temporadas de la aclamada serie Iconoclastas.

Joe Berlinger. Acclaimed director of the documentaries Brother’s Keeper, Paradise Lost, and Metallica: Some Kind of Monster. His multiple Emmy-winning Paradise Lost series for HBO helped spawn a worldwide movement to free “The West Memphis Three” from wrongful murder convictions. Crude, a film about oil pollution in the Amazon Rainforest, won numerous awards. Berlinger has also received multiple awards from the Directors Guild of America and the Indepen- dent Spirit Awards, among others. In addition to his feature documentary work, Berlinger directed and produced five seasons of the acclaimed series Iconoclasts. so n idero 122 Paul Simon regresa a Sudáfrica para conmemorar los veinticinco años de la grabación y la gira mundial de Graceland, disco que obtuvo el Grammy al mejor álbum del año en 1987 y vendió millones de copias por todo el mundo. Simon se reencuentra con los músicos que participaron en esta aventura, recuerdan el pasado, reaniman su amistad y ensayan para presentarse en vivo nuevamente, un cuarto de siglo después. Graceland es un disco clásico que impactó a varias generaciones e influyó en diversas corrientes musicales, trazando el destino de la producción musical en la era global. Es resultado de un experimen- to artístico intercultural novedoso para su época: se fusionaron genuinamente tradiciones musicales distintas —pop norteamericano con ritmos africanos— creando un sonido nuevo y una revolución en el gusto popular. Es una obra significativa también por el contexto histórico y político en que se gestó, marcado por la lucha contra el apartheid en Sudáfrica y el boicot cultural impuesto por la ONU contra el gobierno racista, mismo que Simon desafió, generando una enorme controversia en torno a su proyecto. Eventualmente, Graceland sería reconocido por el propio Mandela como un factor clave para la apertura cultural y la liberación de los sudafricanos. En Paul Simon: Under African Skies, el aclamado documentalista estadounidense Joe Berlinger nos permite conocer de cerca la historia detrás de este emblemático álbum; revela los pormenores de su grabación y el proceso creativo de cada una de las canciones, permitiéndonos revivirlas y constatar su vigencia. Escuchamos a figuras como Paul McCartney, Philip Glass, David Byrne y Peter Gabriel, cuyos testimonios rinden homenaje al disco, a los artistas involucrados y a quienes lucharon por la transformación de Sudáfrica. Este documental nos muestra cómo algunas obras se arraigan firmemente en la memoria colectiva y se adentran en la dimensión política del arte —sobre todo la música— como un potente instrumento de liberación.

Paul Simon returns to South Africa to commemorate the twenty-fifth anniversary of the recording and world tour of Graceland, an album that has sold millions of copies worldwide and won album of the year SND at the Grammys in 1987. A quarter-century later Simon reunites with the musicians that participated in the adventure. They remember the past, rekindle their friendship and rehearse for their reunion concert. Graceland is a classic album that has influenced several generations and diverse musical currents, pre- figuring the path for musical production in the global era. It is the result of an intercultural artistic experiment so n idero innovative for its time. It fused distinct musical traditions—American pop and African rhythms—creating a new sound and revolutionizing popular taste. It is also a significant work because it emerged within the historical and political context of the struggle against apartheid in South Africa and the UN’s cultural boycott against the racist government. In making Graceland Simon challenged the boycott, generating controversy over his project. Eventually, Graceland would be recognized by Mandela himself as a key factor in the cultural opening of South Africa and the liberation of its people. In Paul Simon: Under African Skies, the acclaimed American documentary filmmaker Joe Berlinger shares with us the story behind this emblematic album. He reveals the details of its recording and the creative process of each song, allowing us to relive them and recognize their significance. We hear from musicians such as Paul McCartney, Philip Glass, David Byrne and Peter Gabriel, whose testimonies pay tribute to the album, the artists involved and to those who struggled for social change in South Africa. This documentary shows us how some works are firmly rooted in collective memory and penetrate the politics of art—above

all, music—as a potent instrument of liberation. Antonio Zirión

123 SEARCHING FOR SUGAR MAN | BUSCANDO A SUGAR MAN

Suecia–Reino Unido | 2012 | Inglés | Color | 82’

Dirección, edición, guion: Malik Bendjelloul Contacto | Contact Samantha Soto Dirección de fotografía: Camilla Skagerström Sony Pictures Classics Sonido: Per Nyström 550 Madison Avenue, 8th Floor Música: Sixto Rodriguez New York, NY 10022 Estados Unidos Producción: Simon Chinn, Malik Bendjelloul T: +1 212 833 8842 Compañías de producción: Red Box Films/Passion Pictures [email protected]

Festivales | Festivals Sundance, Festival de Cine de Tribeca, Sheffield Doc/Fest, Festival Internacional de Cine de Moscú, Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, Festival de Cine de Sarajevo, Festival Internacional de Cine de Durban, Festival Internacional de Cine de Guanajuato, Festival Internacional de Cine de Melbourne, Nordisk Panorama, IDFA, Panorama de Cine Europeo.

Malik Bendjelloul (Suecia, 1977) ha dirigido documentales durante doce años, principalmente sobre músicos. En 2001 filmó el primer documental sobre Kraftwerk, el grupo alemán pionero de la música electrónica. Ha realizado series de documentales sobre la historia del heavy metal, así como documentales sobre Björk y Sting, entre otros. Bendjelloul también ha trabajado como director y productor creativo para “Kobra”, programa de cultura de la televisión sueca. Asimismo, ha dirigido videos musicales y comerciales, además de diseñar y dirigir secuencias de títulos para varios programas de televisión suecos.

Malik Bendjelloul (Sweden, 1977) has been directing documentaries, primarily about musicians, for twelve years. In 2001 he directed the first ever documentary about the German electronic music pioneers Kraftwerk. He made a documentary series about the history of heavy metal as well as several documentaries about Björk and Sting, among others. Bendjelloul has worked as the director and creative producer for Swedish Television’s cultural show Kobra. He has also designed and directed title sequences for several Swedish TV shows and has directed music videos and commercials. so n idero 124 ¿De qué depende que un artista sea famoso y popular o pase completamente desapercibido? Sin duda entran en juego múltiples factores, así como una buena dosis de azar. Buscando a Sugar Man, el primer largometraje documental del sueco Malik Bendjelloul, narra la singular historia de Sixto Rodriguez, quien curiosamente corrió con ambas suertes. Poeta y compositor de origen mexicano-americano, personaje oscuro y enigmático, profeta urbano de bajo perfil, cantaba canciones simples pero profundas, con letras complejas, llenas de ironía y una sutil pero aguda crítica social. Según los productores que lo descubrieron cantando de espaldas al público en un bar de mala muerte en Detroit, tenía tanto talento y potencial como Bob Dylan. No obstante, sus canciones fueron completamente ignoradas en Estados Unidos, donde se estima que no vendió ni diez copias de los dos álbumes que grabó a principios de los años setenta. Tras su aparente fracaso, Rodriguez desapareció sin dejar huella, sin imaginar que un disco suyo llegaría a Sudáfrica, donde varias de sus canciones se volverían grandes éxitos con un impacto rotundo en toda una generación, convirtiéndose incluso en himnos de las protestas contra el apartheid. En la historia de la música en Sudáfrica, según especialistas, Sixto Rodriguez ocupa un sitio más importante que Elvis Presley. Todo esto sin que el propio Rodriguez se enterara hasta pasados treinta y cinco años. Este aclamado y multipremiado filme, al mejor estilo de unthriller documental, relata los pormenores de la investigación detectivesca que condujo al resurgimiento de un artista desconocido. Buscando a Sugar Man es una clara muestra de cómo el arte, en este caso la música, puede cobrar vida propia, liberarse de su autor, trascender su contexto y su época; puede olvidarse y luego reaparecer con diferentes significados, ya sea al otro lado del mundo o varias décadas más tarde. SND Why do some artists become famous and popular while others go completely unnoticed? There are undoubtedly many factors involved, including a good dose of chance. Searching for Sugar Man, the first documentary by Swedish filmmaker Malik Bendjelloul, narrates the unique story of the dark and enigmatic Sixto Rodriguez, who, strangely enough, suffered both fates. A Mexican–American poet, composer and low-profile urban so n idero prophet, Sixto Rodriguez sang simple yet profound songs with complex lyrics full of irony and a subtle but incisive social critique. According to the producers, who discovered him in a Detroit dive bar singing with his back turned to the public, he had as much talent and potential as Bob Dylan. Nonetheless, his songs were completely ignored in the United States, where it is estimated that he sold fewer than ten copies of each of the albums he recorded in the early 1970s. After his apparent failure, Rodriguez vanished without a trace. For close to thirty-five years he was unaware that one of his records soon arrived to South Africa where many of his songs became huge hits, had an enormous impact on an entire generation and served as inspiration for protests against apartheid. In South Africa’s music history, according to experts, Sixto Rodriguez is more important than Elvis Presley. In the best style of a documentary thriller, this acclaimed and award-winning film tells the story of the detective work that led to the revival of an unknown artist. Searching for Sugar Man is a clear example of how art, in this case music, can take on a life of its own, be liberated from its author, transcend its context

and time, and be forgotten, only to reappear with different meanings on other side of the world decades later. Antonio Zirión

125 Ambulante agradece el apoyo de SIGE Producciones en el doblaje de las películas de esta sección. Ambulante would like to thank SIGE Producciones for dubbing the films in this section.

AMBULANTITO

Programa de cortometrajes (documentales y animaciones) destinado principalmente a niños, adolescentes y jóvenes. Program of short documentaries and animations for the young and not so young. Este año, Ambulantito se enfoca en la magia y la ilusión del cine. Una fábrica de sueños, fantasías, historias y mundos inmateriales, el cine nos ha deleitado con su capacidad para reconfigurar el tiempo y el espacio. Este programa explora un siglo de las transformacio- nes alquímicas y la fuerza subliminal de la imagen en movimiento. Desde los imaginativos cortos de Segundo de Chomón y de Buster Keaton hasta animaciones Alouette contemporáneas visualmente fascinantes, esto es cine Norman McLaren, René Jodoin | Canadá | 1944 | Sin diálogos en su modalidad más visionaria. | Animación | 2’

This year Ambulantito focuses on magic and illusion in Norman McLaren y René Jodoin crearon esta versión ani- cinema. A factory of dreams, fantasies, stories and im- mada de la popular canción francesa usando recortes de material worlds, film has delighted us with its capacity papel. La letra de la canción baila en la pantalla alentando to reconfigure time and space. This program explores a a la audiencia a cantar a coro. century of the moving image’s alchemical permutations Norman McLaren and René Jodoin created this animated and subliminal force. From Segundo de Chomón’s and version of the popular French song, using single-frame Buster Keaton’s whimsical shorts to visually enthralling animation and paper cutouts. The lyrics dance on the contemporary experimental animations, this is cinema screen, encouraging the audience to sing along. at its most visionary.

A M BULA N TITO Bill Plympton | Estados Unidos | 2010 | Sin diálogos | Un día al año los toros corren libres en las calles de Animación | 6’ Pamplona, España. Usando técnicas artesanales de filma- La vaca que quería ser hamburguesa es una fábula infantil ción, el artista con sede en Montreal, Steven Woloshen, sobre el poder de la publicidad, el sentido de la vida y el crea una colorida animación musical de la estampida. amor de una madre. For one day each year, bulls run wild on the streets of The Cow Who Wanted to Be a Hamburger is a children’s Pamplona, Spain. Using artisan filmmaking techniques, tale about the power of advertising, the meaning of life Montreal-based artist Steven Woloshen creates a colorful and a mother’s love. animated musical of what the stampede would look like.

La inspiración para este corto fue el tema “Interlude” de la Segundo de Chomón | Francia | 1907 | Sin diálogos | Blanco y banda británica Manyfingers. Esta obra meditativa muestra negro, pintada a mano | 3’ a un grupo de peces jorobados, mientras nadan a través De uno de los primeros maestros de los efectos visuales de capas químicas de película en blanco y negro de alto del cine, Segundo de Chomón, este es un corto clásico contraste y procesada a mano. de 1907 sobre unos acróbatas japoneses que realizan The inspiration for this short film was the music track “In- trucos extraordinarios. terlude” by the British band Manyfingers. This meditative This 1907 vintage short of Japanese acrobats perfor- short shows a group of “Look-Downs” (fish) that swim ming extraordinary tricks comes from one of the first through chemical layers of hand-processed, high-contrast masters of visual effects in cinema, Segundo de Chomón. black and white film stock.

amb One Week | una semana Ten Minutes Older Buster Keaton, Edward F. Cline | Estados Unidos | Intertítulos diez minutos mayor en inglés | Blanco y negro | 1920 | 20’ Herz Frank | Letonia | 1978 | Sin diálogos | Blanco y negro | 10’ A M BULA N TITO Dos recién casados reciben una casa del tipo “hágalo En solo una toma que dura diez minutos, la cámara observa usted mismo” como regalo. La casa puede ser construida a un niño mirando un espectáculo de marionetas. Mientras en una semana pero el proceso conduce a problemas y los títeres pelean en el escenario, la cara del niño refleja risas cuando un expretendiente de la novia intercambia la eterna batalla entre el bien y el mal. las partes de la casa para vengarse de la feliz pareja. In just a single ten-minute take, the camera observes a Two newlyweds receive a build-it-yourself house as a child watching a puppet show. While on stage puppets gift. The house can be built in one week, but trouble and fight, the child’s face reflects the eternal battle between laughter ensue when the bride’s former suitor switches good and evil. around the parts to get his revenge on the happy couple.

129 ENFOQUE: CINE SOBRE CINE

Sección dedicada al cine que se mira y se piensa a sí mismo, que cuestiona sus límites y alcances, que experimenta con el medio y el mensaje. 130 This section is dedicated to self-reflexive films that question their own boundaries and scope, and experiment with both medium and message. 131 EMAK BAKIA BAITA | LA CASA EMAK BAKIA | THE SEARCH FOR EMAK BAKIA

España | 2012 | Español, euskera, francés, italiano | Color, blanco y negro | 84’

Dirección, fotografía, guion, edición, producción: Oskar Alegria Contacto | Contact Oskar Alegria Sonido: Abel Hernández [email protected] Música: Leinua dontza taldea, Emak Bakia, El Hijo, Abel Hernández, T: + 34 687 525 928 Richard Griffith, Ruper Ordorika, Mursego

La casa Emak Bakia se proyectará junto con: EMAK BAKIA

Francia | 1926 | Sin diálogos | Blanco y negro | 16’ Dirección: Man Ray

Festivales | Festivals Festival de Cine de San Sebastián, RIDM, Doclisboa, BAFICI, Festival Internacional de Cine de Edimburgo, Festival de Cine de Telluride, FIC Valdivia, Festival Internacional de Cine de Morelia, Distrital.

Oskar Alegria (España, 1973). Periodista de formación, comenzó trabajando de reportero en Madrid en los informativos de Canal Plus y CNN+. Ha sido redactor en programas culturales y coordinador de espacios dedicados a la literatura en los canales de televisión Telemadrid y Euskal Telebista. Profesor de guion de documentales en el Master de Guion Audiovisual de la Universidad de Navarra, escribe desde hace diez años reportajes de viajes en el suple- mento “El Viajero” de El País y es autor de un proyecto artístico de fotografía llamado “Las ciudades visibles”.

Oskar Alegria (Spain, 1973) started working as a professional journalist in Madrid for Canal Plus and CNN+ news. He has worked as a scriptwriter for cultural programs and as a coordinator of TV segments dedicated to literature for Telemadrid and Euskal Telebista channels. He teaches documentary screenwriting at the University of Navarra for the master’s degree in Audiovisual Screenwriting. He writes travel chronicles for “El Viajero,” a suplement of El País. He is the author of a photo art project named “Visible Cities.” e n fo q ue 132 Dejándose llevar por la obsesión de ponerle una zancadilla lingüística al tiempo, Oskar Alegria quiso crear una película a partir de una expresión vasca fuerte y casi violenta: emak bakia (déjame en paz). Así inicia un viaje en busca del azar que descubre grupos de música alternativos, tiendas vintage francesas y colec- tivos artísticos ochenteros a los que el término bautizó en euskera. Pero sobre todo busca la casa, causa y consecuencia de este documental, que fue escenario en 1926 de la película Emak Bakia de Man Ray. Inspirado por el mismo espíritu libre que guiaba la obra del ícono del cine surrealista de los años veinte, la ópera prima del director navarro recorre la costa de Lapurdi (País Vasco francés) sin marcarse un rumbo fijo. La intención es clara y declaradamente anárquica: contar su historia en curvas, de forma desordenada y sin atajos. Es precisamente esa imperfección deliberada la culpable de que la búsqueda se sienta real y emocionante. No hay artificios ni pretensiones. Se trata de un cine accidental y mágico en el que los personajes encuentran la cámara de manera natural. Fotografías que se miran por el reverso, manos de plástico cómplices del viento cortejando servilletas, y princesas rumanas nonagenarias que coleccionan sellos y figuras de elefantes y son primas de Nabokov. La casa Emak Bakia revela un profundo amor por la lengua y por el cine, y celebra el accidente como aliado imprescindible del realizador a la hora de documentar. El cineasta se pregunta a dónde van las palabras viejas cuando mueren y –como decía el escritor gallego Álvaro Cunqueiro– por qué muchas de las cosas enterradas no están muertas, en una película tan introspectiva como extravagante que él mismo define como un cúmulo de resurrecciones. En este singular filme, el documental contemporáneo se reencuentra con el cine experimental y las vanguardias artísticas de hace un siglo. Al igual que Man Ray, y como un homenaje a él, Oskar Alegria también quiso que le dejaran en paz y creó un cine-poema arrítmico, hecho a trompicones y maravillo- samente impecable en su imperfección.

Driven by the obsession of tripping time through language, Oskar Alegria decided to create a film inspired by the forceful Basque expression: “emak bakia” (leave me alone). Thus begins a journey in search of chance that leads us to alternative music bands, French vintage stores and 1980s artists’ collectives baptized by the Euskera expression. But the Spanish director’s main search is for the house that is the cause and consequence of his documentary—a house that served as the setting for Man Ray’s 1926 filmEmak Bakia. Drawn to the same free spirit that characterized the icon of 1920s surrealist cinema, Alegria’s first feature traverses the Lapurdi coast (Basque Country in France) without settling on a fixed route. The intention is clear and avowedly anarchic: to tell its story in detours, in no particular order, and without short cuts. It is precisely this deliberate “imperfection” that turns the search into something that feels real and excit- ENF ing. There is no artifice or pretention. It is cinema at its most accidental and magical; the characters find the camera naturally. Photographs that are looked at backwards, a plastic hand flirting with a wind-blown napkin, and a nonagenarian Romanian princess who collects seals and elephant figures and happens to be Nabokov’s cousin. The Search for Emak Bakia reveals a profound love for language and cinema and celebrates the accident as a filmmaker’s essential ally in the effort to document. The filmmaker asks himself where do old words go when they die and why many buried things are not dead, as the Galician writer Alvaro Cunqueiro

said. It is a film so introspective and extravagant that he himself defines it as a gathering of resurrections. ci n e sobre ci n e e n fo q ue: In this singular film, contemporary documentary meets experimental cinema and century-old artistic vanguards. Like Man Ray and as tribute to him, Oskar Alegria wanted to be left alone, and he created an

arrhythmic film poem, made in fits and starts, that is marvelously impeccable in its imperfection. Noemi Cuetos

133 LOVE | AMOR

Estados Unidos | 2003 | Inglés | Color, blanco y negro | 20’

Dirección: Tracey Moffatt Contacto | Contact Kristen Fitzpatrick Edición: Gary Hillberg [email protected]

Festivales | Festivals Festival de Cine de Adelaide, Festival Internacional de Cine de Mujeres de Dortmund.

Tracey Moffatt (Australia, 1960) es muy reconocida en el campo de la experimentación formal y estilística tanto en cine, como en fotografía y video. Su trabajo se nutre de la historia del cine, el arte y la fotografía, así como de la cultura popular y de sus recuerdos y fantasías de la infancia. Moffatt estudió Comunicación Visual y dirigió documentales y videos musicales para la televisión en los años ochenta. Su obra es una mezcla sorprendente de lo indeterminado y lo preciso, lo intemporal y lo contemporáneo. Como resultado, sus películas siempre son contundentes y provocadoras.

Tracey Moffatt (Australia, 1960) is highly regarded for her formal and stylistic experimentation in film, photography and video. Her work draws on the history of cinema, art and photography as well as popular culture and her own childhood memories and fantasies. She studied visual communications and worked as a director on documentaries and music videos for television in the 80’s. Her work appears as a surprising mix of the indeterminate and the brutally precise, the timeless and the contemporary. The result is a taut, sometimes disturbing body of work. e n fo q ue 134 Amor es un estimulante cortometraje de la artista visual australiana Tracey Moffatt, realizado en colaboración con el editor y productor Gary Hillberg. La obra de Moffatt explora las intersecciones entre la historia del cine, el feminismo, el pensamiento postcolonial, el arte y la cultura popular. Amor es resultado de una extraordinaria labor de selección, desmontaje y reedición de cientos de escenas de películas, para hacer evidentes los clichés y estereotipos del amor romántico según Hollywood. Así, revisitamos clímaxes cinematográficos representativos de las distintas facetas del amor: imágenes de seducción, diálogos apasionados, besos, llanto y cachetadas; vamos de los rituales de cortejo y enamoramiento al desencanto, el engaño, los celos y la violencia. Los autores extraen estos momentos fílmicos con una mirada crítica y gran sentido del humor, los liberan de sus contextos originales y les dan un nuevo significado, los convierten en la materia prima de una parodia y un homenaje al cine mismo, y los encauzan hacia un agudo cuestionamiento de los mitos e ideologías de nuestra sociedad contemporánea.

Love is a short, visually stimulating film by Australian artist Tracey Moffatt, made in collaboration with editor and producer Gary Hillberg. Moffatt’s work is widely recognized for exploring the intersections of cinema history, feminism, postcolonial thought, art and popular culture. Love is the result of an extensive labor process, one of selecting, editing and re-releasing hundreds of movie scenes in an attempt to reveal Hollywood’s clichés and stereotypes of romantic love. We are thus able to revisit cinematic climaxes representative of the different facets of love. We are shown images of seduc- tion, passionate dialogue, kisses, tears, and slaps, and we are taken from the rituals of courtship and romance to disenchantment, adultery, jealousy and violence. Moffatt and Hillberg appropriate these scenes both critically and humorously, liberating these cinematic moments from their original meaning and reinventing them as raw materials that both parody and pay homage to film. The filmmakers also use them to question myths and ideologies of contemporary society.

ENF e sobre ci n e sobre ci n e e n fo q ue: Antonio Zirión

135 THE PERVERT’S GUIDE TO IDEOLOGY | LA GUíA DE IDEOLOGÍA DEL PERVERTIDO

Reino Unido–Irlanda | 2012 | Inglés | Color | 133’

Dirección: Sophie Fiennes Contacto | Contact P GUIDE LTD Dirección de fotografía: Remko Schnorr Mount Pleasant Studios Edición: Ethel Shepherd 51-53 Mount Pleasant Guion: Slavoj Žižek Londres WC1X 0AE Reino Unido Sonido: Steve Fanagan T: +44 020 3119 1008 Música: Magnus Fiennes [email protected] Producción: Martin Rosenbaum, James Wilson, Katie Holly Compañías de producción: P Guide LTD, Blinder Films, Bord Scannán Na Héireann/The Irish Film Board, Film4, British Film Institute Film Fund, Rooks Nest Entertainment Festivales | Festivals TIFF, CPH: DOX, Festival de Cine de Londres, Muestra Internacional de Cine de São Paulo, Festival Internacional de Cine de Estocolmo, Doc NYC, Festival de Cine de Torino.

Sophie Fiennes empezó a filmar películas en 1998. Ha sido reconocida por su particular ojo analítico y su gran sentido de la forma cinematográfica. Fiennes suele emprender proyectos de colaboración cinematográfica; sus películas, por lo tanto, son poderosos retratos de algunos de los más icónicos individuos de hoy. Sus filmes se han exhibido en cine, televisión y festivales alrededor del mundo. Su filmografía incluyeBecause I Sing (2001), The Pervert’s Guide To Cinema (2006) y Over Your Cities, Grass Will Grow (2010). Recientemente, completó su primer corto de ficción titulado First Row Orchestra.

Sophie Fiennes began making films in 1998. She is widely acclaimed for her unique analyti- cal eye and strong sense of cinematic form. Fiennes often employs a collaborative approach to filmmaking. Her films therefore also act as powerful portraits of some of today’s most iconic individuals. Fiennes’ films have screened in theaters, on television and in festivals around the world. Her filmography includesBecause I Sing (2001), The Pervert’s Guide to Cinema (2006), Over Your Cities and Grass Will Grow (2010). She has recently completed her first short film entitled First Row Orchestra. e n fo q ue 136 Seis años después de The Pervert’s Guide to Cinema (2006), una fascinante interpretación psicoana- lítica de algunos clásicos del cine, el filósofo Slavoj Žižek y la documentalista Sophie Fiennes vuelven a emprender una travesía cinematográfica, pero esta vez con el ojo puesto en la ideología. Según Žižek, la sociedad solo demanda pequeños cambios al sistema pero no cuestiona la gran estructura. No nos detenemos a pensar en cómo la ideología influye en nuestras acciones, creencias e incluso en nuestros sueños. Esta crítica a la sociedad contemporánea es un rasgo esencial y constante en la obra de Žižek, uno de los intelectuales más famosos y polémicos de la época, que rescata y replantea radicalmente el pensamiento de autores clásicos. A lo largo del documental, Žižek explica su concepto de ideología, las tecnologías que la ejercen y los efectos, conscientes o no, que tiene sobre cada persona. Las películas por las que Žižek discurre son los escenarios de la disertación. Fiennes recrea las locaciones de varias escenas emblemáticas —desde un bote salvavidas en Titanic hasta la cama del personaje de Robert De Niro en Taxi Driver— y ubica allí a nuestro protagonista, quien reflexiona sobre y a partir de las películas, con gran lucidez y extraordinaria soltura. En algunos casos, Žižek enaltece la genialidad de los cineastas; en otros, se burla de los directores que en sus filmes sucumbieron a las recetas de Hollywood y perpetuaron la ideología dominante. Pero no solo se vale del cine para ilustrar el funcionamiento de la ideología en nuestros días; también analiza acontecimientos históricos, obras musicales e incluso campañas publicitarias. Al ver La guia de ideología del pervertido, el espectador no solo recordará varios momentos clave en la historia del cine y conocerá de primera mano las ideas de Žižek sobre la ideología; también dis- frutará del personaje en la pantalla, de su peculiar acento, sus constantes ademanes y su característico sentido del humor.

Six years after The Pervert’s Guide to Cinema (2006)—a fascinating psychoanalytic interpretation of a number of classic movies—philosopher Slavoj Žižek and documentary filmmaker Sophie Fiennes team up again to embark on a cinematographic journey, this time with their lens set on ideology. According to Žižek, society demands small changes in the system but rarely questions its overarching structure. We never pause to think of how ideology influences our actions, beliefs or even our dreams. This profound critique of contemporary society is an enduring and essential motif in Žižek’s work, which, along ENF with the philosopher’s efforts to rescue and re-invigorate the thought of classic authors, has made him one of the most celebrated and polemical intellectuals of our time. In this documentary, Žižek explains his concept of ideology, the technologies that sustain it and the effects —conscious and unconscious— it has on individuals. The stage for his argument is comprised of the films he analyses. Fiennes recreates the locations of various iconic films—ranging from a lifeboat fromTitanic to Robert De Niro’s bed in Taxi Driver—and situates our interlocutor in the midst of familiar scenes, where he reflects freely and insightfully on the nature of ideology. His discourse, however, is not restricted to cinema:

he uses the films as a springboard to examine historical events, musical pieces and even publicity campaigns. ci n e sobre ci n e e n fo q ue: In watching The Pervert’s Guide to Ideology, viewers will not only recognize key moments in film history and have first-hand access to Žižek’s theorizing but will also enjoy Žižek’s character onscreen: his peculiar

accent, quirky gestures and idiosyncratic sense of humor. Julieta Cuevas

137 WHAT IS THIS FILM CALLED LOVE? | ¿QUÉ ES ESTA PELÍCULA LLAMADA AMOR?

México–Estados Unidos–Reino Unido–Canadá–Alemania | 2012 | Inglés | Color | 81’

Dirección, fotografía, guion: Mark Cousins Contacto | Contact HanWay Films Edición: Timo Langer 24 Hanway Street Sonido: Ali Murray Londres, W1T 1UH Producción: Catherine Aitken and Mark Cousins Reino Unido T: +44 0 207 290 0750 Compañía de producción: 4Way Pictures (Scotland) Ltd

Festivales | Festivals CPH:DOX, Festival de Cine de Edimburgo, Festival de cine de Telluride, Festival de Cine de Torino, Festival Internacional de Cine de Bratislava, Festival Internacional de Cine de Morelia.

Mark Cousins (Irlanda) es guionista, director y curador. Recibió una licenciatura en Estudios de Cine y Medios y otra en Bellas Artes por la Universidad de Stirling, donde ahora es acadé- mico honorario. En 1991 inició una colaboración de cinco años con el Festival Internacional de Cine de Edimburgo, primero como programador y después como director. Ha impartido clases sobre historia del cine y sus escritos han sido publicados en varios idiomas. Cousins ha realizado una docena de documentales sobre arte y política, y trabaja como consultor de estrategias para cine.

Mark Cousins (Ireland) is a film writer, director and curator. He received a degree in Film and Media Studies and Fine Art from the University of Stirling, where he is now Honorary Lecturer. In 1991 he began a five-year collaboration with the Edinburgh International Film Festival, first as a programmer then as director. He has lectured on film history, published internationally, made a dozen documentaries on arts and political themes, and consulted on film strategy. e n fo q ue 138 Cuando Mark Cousins presentó su película en el Festival de Cine de Telluride en 2012, contó que un amigo le sugirió de broma que debería nombrar el proyecto ¿Qué es este amor llamado cine? Efectivamente, lo que anima su última película es una pasión contagiosa por el cine que también está presente en su trabajo como escritor, crítico y cineasta. Este diario de viaje cinema- tográfico, ensayo, poema, cuaderno de apuntes (que Cousins describe como una improvisación después de su épica película de quince horas, The Story of Film) fue filmado en tres días con una videocámara flip. En un viaje por las calles de la Ciudad de México (con paradas en Escocia, Morelia y el suroeste de Estados Unidos), Cousins rememora la felicidad, la soledad, la gente, los lugares, el baile, el sueño y los gozos que la urbe provoca. Su compañero de viaje e interlocutor elegido, Sergei Eisenstein (a quien entrevemos gracias a una fotografía que el director sostiene en frente de la cámara), provee el punto central de reflexión durante la caminata por la Ciudad de México. El diálogo de Cousins con Eisenstein y la fascinación del director soviético por Mé- xico transforman el anónimo paisaje citadino en una escena de intercambios íntimos, donde la gente y las cosas que normalmente se esfuman en las texturas de cada día, hacen una emotiva meditación sobre el cine y la naturaleza de la felicidad. Realizada con un presupuesto de veinte dólares, la estética low-tech de la película no es un obstáculo para la destreza de Cousins: sus secuencias, de cuidadosa elaboración y ritmo preciso, crean una sensación de espontaneidad al tiempo que revelan una intuitiva mirada para la composi- ción, la gente y los lugares. La música de PJ Harvey, Johnny Cash y Bernard Hermann establecen el tono de un viaje que nos invita a permanecer abiertos a la posibilidad de nuevos encuentros.

When introducing his film at the 2012 Telluride Film Festival, Mark Cousins mentioned that a friend had jokingly suggested he ought to call the project What is this love called film? And indeed, what animates his latest film is the contagious passion for cinema that runs through his work as a writer, critic and filmmaker. This cinematic travelogue, essay, poem and diary of sorts (what Cousins describes as an ad-lib to his previous and epic fifteen hour film The Story of Film) was shot over three days with a Flip camera. Taking us on a journey through Mexico City streets (with stops in Scotland, Morelia and the U.S. Pacific Southwest), Cousins reminisces about happiness, solitude, people, places, dancing, sleeping and the ecstasies they evoke. His chosen travel companion and ENF interlocutor, the Soviet director Sergei Eisenstein, whom we glimpse throughout in a laminated photograph held by the filmmaker, provides a central node of reflection in the walking tour of Mexico City. Cousins’ dialogue with Eisenstein and his famed fascination with Mexico de-familiarizes and transforms the anonymous cityscape into a scene of intimate exchanges, where the people and things that normally recede into unremarkable textures of the everyday index a moving meditation on cinema and the nature of happiness. Made with a budget of twenty USD, the film’s low-tech aesthetics do not detract from Cousins’

directorial prowess. Its carefully crafted and expertly paced sequences retain a sense of spontane- ci n e sobre ci n e e n fo q ue: ity while revealing an intuitive eye for composition, people and places. A soundtrack featuring PJ Harvey, Johnny Cash and Bernard Hermann sets the tone of a journey that invites us to be open

to the chance of new encounters. Mara Fortes

139 WHERE THE CONDORS FLY | DONDE VUELAN LOS CÓNDORES

Suiza–Alemania–Chile | 2012 | Inglés, ruso, español, alemán | Color | 90’

Dirección, fotografía: Carlos Klein Contacto | Contact Marija Knezevic Edición: Carlos Klein, Beatrice Babin, Vadim Jendreyko Taskovski Acquisitions Música: Daniel Almada, Martin Klingeberg, Carlos Klein [email protected] Sonido: Mario Díaz, Patrick Becker, Rafael Huerta, Huang Xun Producción: Vadim Jendreyko Compañías de producción: Mira Film, TM Film, CK Films

Festivales | Festivals IDFA, RIDM, Visions du Réel, Dokufest Prizren, Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIC Valdivia, DMZDocs Festival Internacional de Cine Documental de Korea, Festival Internacional de Cine de Taiwan.

Carlos Klein (Chile, 1972) estudió cine en Chile, Cuba y el Reino Unido. En 1994 participó en el taller “Cámara” en San Diego de los Baños, y de 1995 a 1996 estudió en el London College of Printing and Distributive Trades. Ha recibido sendos premios en el Festival Interna- cional de Documentales de Santiago: por su cortometraje documental Ibycus: un poema de John Heath-Stubbs (1997) y por su primer largometraje documental, Tierra de Agua (2004). Klein vive en Santiago de Chile donde también se dedica a la música.

Carlos Klein (Chile, 1972) studied filmmaking in Chile, Cuba and London. In 1994 he took part in the workshop “Camera” in San Diego de los Baños, and from 1995 to 1996 he studied at the London College of Printing and Distributive Trades. His documentaries Ibycus: a poem by John Heath-Stubbs (1997) and Tierra de Agua (2004) have received awards at the Santiago International Documentary Film Festival. He lives in Santiago, Chile and also works as a musician. e n fo q ue 140 El documentalista chileno Carlos Klein nos muestra el proceso creativo del cineasta ruso Victor Kossa- kovsky —famoso por sus experimentos documentales—, durante la filmación de su más reciente película ¡Vivan las antípodas! Kossakovsky expone a cuadro su premisa esencial sobre el cine documental: “la vida es mucho más que la verdad”, desafiando de inicio el registro minucioso que realiza Klein sobre él y su trabajo. El encuentro entre ambos cineastas logra ser en sí una metáfora de las antípodas que tanto inquietan a Kossakovsky, no solo por sus orígenes diametralmente opuestos —ruso y chileno—, sino sobre todo por sus distintas formas de concebir el cine. Este diálogo, no siempre armónico, nos invita a reflexionar acerca de las fronteras difusas entre la ficción y el documental, y sobre cómo se abren múltiples posibilidades en la expansión de los límites de estos géneros. El espectador se involucra en la catarsis fílmica y personal de ambos directores. Por un lado, el documental captura la sensibilidad de Kossakovsky y su insistencia en hacer del cine algo extraordinario, restaurando nuestra capacidad de asombrarnos con una araña o seduciéndonos con un camino cubierto de nieve, elevando el poder de la imagen más allá de las palabras. Por otro lado, revela el espíritu reflexivo y autoreflexivo de Klein, quien nos hace partícipes de los pormenores y el proceso de una singular película; nos muestra los cambios de lente y la limpieza del mismo, recordándonos que siempre existe una cámara de por medio en nuestra experiencia con las imágenes. Donde vuelan los cóndores es más que el retrato de un importante cineasta contemporáneo y que el making-of de uno de los documentales más premiados y aclamados de los últimos años; es un excepcional ensayo audiovisual sobre el cine mismo, una road movie de escala global cuyo hilo conductor es la pasión del documentalista por el mundo.

Chilean documentary filmmaker Carlos Klein shows us the creative process of Russian filmmaker Victor Kossakovsky—famous for his documentary experiments—during the production of his latest filmLong Live the Antipodes! Speaking directly to the camera, Kossakovsky reveals his take on the essence of documentary cinema: “life is much more than truth,” thus challenging from the start the thorough register Klein makes of his life and work. The encounter between the two filmmakers becomes a metaphor for the antipodes that fascinate Kossakovsky—not merely because of their diametrically opposed origins (Russian and Chilean) but because of their radically different ways of understanding cinema. This dialogue —not always harmonious— invites us to reflect on the blurred boundaries between fiction and documentary and on the ways in which expanding ENF the scope of these genres opens up numerous possibilities. The film draws the spectator into the personal and filmic catharsis experienced by the directors. On the one hand, it captures Kossakovsky’s sensibility and his insistence on making cinema extraordinary: he restores our capacity to be astonished by a spider, seduces us with a snow-blanketed road and elevates the power of images beyond words. On the other hand, it reveals the reflexive and self-reflexive spirit of Klein, who makes us privy to the details and process behind a singular film, showing us the ins and outs of lens changes and cleaning and reminding us that there is always a camera mediating our experience of images. Where the Condors Fly is more than a portrait of one of contemporary cinema’s great masters and e sobre ci n e sobre ci n e e n fo q ue: more than the making-of of one of the most acclaimed and award-winning documentaries in recent years. It is an exceptional film essay about cinema itself, a road movie of universal reach whose driving thread is

a documentary filmmaker’s passion for discovering the world. Karla Castro

141 RETROSPECTIVA CHRIS MARKER

142 143 Al descubrimiento de Chris Marker

Jean-Christophe BERJON agregado audiovisual de la embajada de francia en méxico

Chris Marker es uno de los más grandes innovadores se adhirió a causas sociales y participó en todos los en la historia del cine mundial; sin embargo, aún re- debates y luchas de su época. Asimismo, colaboró sulta desconocido para muchos. Tras años de crear con los más grandes pensadores y cineastas de su películas de excepcional factura e imaginación, Marker tiempo: André Bazin, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, permaneció invisible detrás de su obra proteica hasta Jean Rouch, Edgar Morin, Joris Ivens, Agnès Varda, que el gran público supo de su existencia gracias a Jorge Semprún, William Klein, Andreï Tarkovsky, Yves otro cineasta, Terry Gilliam, quien se inspiró en la obra Montand, Akira Kurosawa y Fidel Castro. emblemática de Marker, La jetée, para su película 12 Marker es autor de un apasionante y vasto material monos (1995). documental, en su mayoría desconocido en México, Marker, autor marginal y pensador influyente de la que constantemente buscó nuevas representaciones nueva ola francesa, dedicó su carrera a encontrar la de la realidad. AMBULANTE quiso reconocer a este mejor forma de plasmar un testimonio fiel y preciso de artista esencial y singular. Su muerte, acaecida durante las preocupaciones políticas, culturales y sociales de los preparativos de este homenaje, lo hacen aún más sus contemporáneos. Viajero incansable, filmó varios pertinente. Este tributo incluye la publicación de una documentales de temas políticos y sociales alrededor obra colectiva que reúne reflexiones y testimonios que del mundo. Además de poeta y visionario de la forma celebran el legado de Marker. —todas sus películas son verdaderos “cine ensayos”—,

Chris Marker (Francia, 1921-2012) comenzó su carrera como parte del grupo de la rive gauche francesa, paralelo pero independiente a la nouvelle vague. A lo largo de su vida, colaboró con cineastas de la talla de Joris Ivens, Alain Resnais, Agnès Varda, Jean-Luc Godard y Costa-Gavras. Su trabajo se caracterizó por mantener una libertad total en cuanto a forma, contenido y cometido, y por su firme compromiso político, que ha sido descrito como un canto a la insumisión y a la rebelión en contra del cinismo de la sociedad. El suyo es un cine de ideas que a menudo recurre al formato de video diario, por lo que se le atribuye la invención del “documental subjetivo”. A través de sus ensayos fílmicos salvó del olvido las imágenes de varias generaciones, preservando la memoria colectiva y mezclándola con la propia. El espíritu de una obra que pretende sacudir y cuestionar la mirada del espectador, refleja a la perfección el concepto de liberación, eje central de la programación de la Gira de Documentales 2013. Marker promueve una liberación del lenguaje cinematográfico y concibe el cine como el arte de liberar las imágenes de un ámbito particular, reinventando su significado y cuestionando profundamente la verdad que contienen. El cine de Chris Marker es un ejemplo brillante del documental libre y liberador.

retros p ecti v a 144 Discovering Chris Marker

audiovisual attaché • embassy of france, mexico

Chris Marker was undoubtedly one of the greatest of his time and collaborated with many of the greatest innovators in the history of world cinema, but he is still contemporary thinkers and filmmakers of his era such very much unknown. Despite years of creating innumer- as André Bazin, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Jean able and imaginative masterpieces, Marker remained Rouch, Edgar Morin, Joris Ivens, Agnès Varda, Jorge an obscure figure until filmmaker Terry Gilliam, who Semprún, William Klein, Andreï Tarkovsky, Yves Montand, drew inspiration for his 1995 film 12 Monkeys from Akira Kurosawa, and Fidel Castro. Marker’s emblematic work La jetée, introduced him to As the author of several fascinating hours of docu- a broader audience. mentary material (mostly unreleased in Mexico), Chris Marker, a marginal auteur and influential thinker of Marker constantly sought a new representation of reality. the French Nouvelle Vague, dedicated his career to Thus, AMBULANTE has turned its attention to such a searching for adequate ways to offer the most precise uniquely essential artist. Marker’s death, which occurred and faithful testimony of the political, cultural and social during the preparation of this tribute, makes it all the concerns of his contemporaries. An untiring traveler (he more relevant. The tribute will include the publication of filmed several transnational political documentaries), a collective work containing reflections and testimonies poet, and researcher—all of his films are true “essay celebrating Marker’s legacy. films”—Marker engaged in every debate and struggle

Chris Marker (France, 1921-2012) began his career as a member of the French cinema group Left Bank, parallel to but independent of the New Wave. During his career, he collaborated with important filmmakers such as Joris Ivens, Alain Resnais, Agnès Varda, Jean-Luc Godard and Costa-Gavras. Chris Marker’s work was characterized by a total freedom of form, content and vision, as well as a strong political commitment, and has been described as a song of disobedience and rebellion against society’s cynicism. His cinema is reflexive and speculative and often uses the video diary format of the video diary. A pioneer of “subjective documentary,” Marker rescued from oblivion the images of many generations, preserving collective memory and mixing it with his own RTR in ellaborate film essays. The spirit of an oeuvre that seeks to disrupt and question the spectator’s gaze perfectly reflects the concept of liberation, a cornerstone of the program for Ambulante 2013. Marker promotes liberation through film language and conceives cinema as the art of liberating images from a particular domain, thereby re-signifying them and posing profound questions about the truth they contain. Marker’s work is a brilliant example of free and liberating documentary making. ris m arker c h ris retros p ecti v a:

145 ... À VALPARAISO A VALPARAÍSO VALPARAISO Dir. Joris Ivens | Guion: Chris Marker | Chile-Francia | 1965 | Francés, español | 34’ A.K. Francia-Japón | 1985 | Francés, japonés | 75’ Realizada en colaboración con Joris Ivens, ...A Valpa- raíso (1963) refleja la pasión de ambos cineastas por Tributo de Marker al legendario cineasta japonés Akira su viaje a Chile. Los directores de la película, quizás Kurosawa. El escenario es la filmación de la épica cinta atraídos por la peculiar historia colonial de Valparaíso, Ran. Marker capta la personalidad y visión de Kurosawa rinden homenaje a esta pequeña ciudad chilena con —frente y tras la cámara–que definen su proceso de trabajo, humor, poesía y cierta melancolía. El ambiente, la gente, así como las imágenes y los temas que trazan los ejes el clima y hasta la economía quedan plasmados en el de su obra. Más allá de ser un retrato, este filme es un filme; Ivens y Marker logran transmitirnos su entusiasmo comentario sobre el cine mismo, la memoria, el diálogo por este lugar. entre la imagen y la realidad, y la fascinación de Marker por la cultura japonesa. Filmed in collaboration with Joris Ivens, ...Valparaiso (1963) reflects Ivens’ and Marker’s passion for their trip This film is Marker’s tribute to Japanese filmmaker Akira to Chile. The directors, attracted to Valparaiso’s peculiar Kurosawa. The setting is the filming, on location, of the epic colonial history, make a humorous, melancholic and poetic movie Ran. Marker captures the personality and vision that homage to this small Chilean city located on the central frames Kurosawas’ work process —in front of and behind coast of the country. The film captures the environment, the camera— as well as the images and themes that define the people and the economy. Ivens and Marker transmit his work. More than a portrait, it is a commentary on cinema to us their enthusiasm for this place. itself, memory, the dialogue between image and reality, and Marker’s own fascination with Japanese culture. retros p ecti v a 146 le fond de l’air est rouge EL FONDO DEL AIRE ES ROJO a grin without a cat Francia | 1977 | Francés, español, inglés, alemán | 177’ Película restaurada por los Archivos Fílmicos Franceses, en el marco LA JETÉE del plan de rescate de películas antiguas del Ministerio de Cultura. EL MUELLE THE PIER Francia | 1962 | Francés, alemán | 28’ ¿Por qué a veces las imágenes comienzan a temblar? Chris Marker formula esta pregunta en su épica crónica de La Jetée es un clásico indiscutible del cine experimental, la Nueva Izquierda y de las protestas que conmocionaron muy cercano al cine y a la literatura de ciencia ficción. Esta al mundo en los años sesenta y setenta. La pregunta hace cinta, que podría definirse como un cine ensayo o una referencia a las manos temblorosas del camarógrafo en fotonovela, relata un viaje en el tiempo a un mundo futurista, el momento de registrar “eventos históricos” en medio postapocalíptico, narrado a partir de incontables fotos fijas del caos social. La pregunta también alude a la inestabi- en blanco y negro. Es una de las películas más radicales lidad de cualquier movimiento social y a la ideología que e influyentes de Marker: inspiró filmes como12 Monkeys subyace en las luchas revolucionarias. Marker intercala de Terry Gilliam y ha sido evocada en populares videoclips ficción y material de archivo, y hace uso de múltiples como Jump They Say de David Bowie. Es sin duda una narradores para crear un montaje explosivo. Este filme obra icónica y un referente fundamental en el imaginario es una poderosa meditación sobre la memoria cultural, underground y en la cultura audiovisual contemporánea. la atrofia de imaginarios utópicos y la emergencia de una La Jetée is an irrefutable classic of experimental ci- nueva consciencia política. nema, closely tied to science fiction literature and film. Why is it that sometimes images begin to tremble? Chris This work, which could be considered an essay film or Marker raises the question in his epic chronicle of the New a photonovel, narrates a trip through time to a futuristic, Left and the protests that shook the world in the 1960s post-apocalyptic world by way of innumerable black and RTR and 70s. Referencing the cameraman’s shaky hands when white still photographs. It is one of Marker’s more radical recording “historical events” in the midst of social upheaval and influential films; it inspired films such as Terry Gilliam’s and chaos, the question also points to the instability of any 12 Monkeys and has been invoked in popular music videos militant movement and of the ideological basis underlying such as David Bowie’s Jump They Say. It is without a revolutionary struggles. Marker intercuts archival footage doubt an iconic work and a fundamental point of referen- with fiction film and recruits multiple narrators to create an ce in both the underground imaginary and contemporary explosive montage. This film is a powerful meditation on audiovisual culture. cultural memory, the atrophy of utopian imaginaries and the emergence of a new political consciousness. ris m arker c h ris retros p ecti v a:

147 LE JOLI MAI EL hermoso MAYO BEAUTIFUL MAY Dir. Chris Marker, Pierre Lhomme | Francia | 1963 | Francés | 165’

Película restaurada por los Archivos Fílmicos Franceses, en el marco del plan de rescate de películas antiguas del Ministerio de Cultura. UNE JOURNÉE D’ANDREI ARSENEVITCH UN DÍA EN LA VIDA DE ANDREI ARSENEVITCH A DAY IN THE LIFE OF ANDREI ARSENeVICH En mayo de 1962, durante los primeros días de los Francia | 1999 | Francés | 56’ Acuerdos de Evian que pusieron fin a la terrible Guerra de Argelia, Marker pasea por las calles de París. Toma Originalmente un episodio de la serie francesa de docu- el pulso de sus ciudadanos y su cámara se convierte en mentales “Cineastas de nuestros tiempos”, Une journée un lugar de diálogo con las personas que se encuentra. d’Andrei Arsenevitch es un homenaje al cineasta ruso Le joli mai plasma con excepcional habilidad, alternando Andrei Tarkovsky, y una reflexión de su vida y obra. Marker entrevistas y una narración poética, la cotidianidad de trata de vislumbrar a Tarkovsky en sus películas, en un la ciudad a finales de la Segunda Guerra Mundial. Este intento por entender al misterioso director, entretejiendo largometraje de Chris Marker, realizado en colaboración personajes y escenas de las películas del realizador ruso, con Pierre Lhomme, es una de sus obras más importantes. además de tomas en video registradas durante los últimos días de su vida. In May 1962, during the first days of the Evian Agreements that ended the terrible Algerian War, Marker strolls through Originally an episode of the French documentary film the streets of Paris to take the pulse of its citizens. His series Cinéastes de notre temps, Une journée d’Andrei camera becomes a point of encounter and exchange for Arsenevitch is a homage to the Russian filmmaker Andrei the people he runs into. Le joli mai skillfully captures the Tarkovsky and a reflection on his life and work. Marker tries everyday life of the city after the Second World War by to find Tarkovsky in his films in an attempt to understand alternating interviews with a poetic narrative. Marker’s this mysterious director, interweaving characters and scenes feature film, made in collaboration with Pierre Lhomme, from Tarkovsky’s films, video shot in the final days of his is certainly one of his most important works. life and Marker’s own observations. retros p ecti v a 148 LOIN DU VIETNAM LEJOS DE VIETNAM FAR FROM VIETNAM Dir. Chris Marker, Joris Ivens, William Klein, Claude Lelouch, LEVEL 5 | NIVEL 5 Agnès Varda, Jean-Luc Godard y Alain Resnais | Francia | Francia | 1997 | Francés, japonés, inglés | 106’ 1967 | Francés | 115’

Filmada hace más de 16 años, Level 5 es una ingeniosa Película restaurada por los Archivos Fílmicos Franceses, en el marco del plan de rescate de películas antiguas del Ministerio de Cultura. exploración del mundo de las computadoras y video juegos, y su relación con la historia y la cultura. Marker equipara el desarrollo de un video juego con la invasión de la isla Clásico del cine documental y agitprop, Loin du Vietnam es japonesa de Okinawa durante la segunda guerra mundial. resultado de la colaboración entre Chris Marker, Agnès En esta extraña pero sugerente asociación de ideas, el Varda, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Joris Ivens, William director también incluye las opiniones de Nagisa Oshima Klein y Claude Lelouch, y una postura de protesta hacia sobre las batallas en Hiroshima y Okinawa. Aunque se la guerra en Vietnam, el imperialismo estadounidense y trate de uno de los pocos trabajos de ficción de Marker, la devastación de los enfrentamientos bélicos. Impera la Level 5 comparte una forma similar con otros de sus cine convicción de Chris Marker de generar “contra-información” ensayos, sobre todo por el uso de un collage de imáge- para contrarrestar la propaganda y la falsa información que nes y un narrador cuyas observaciones sirven como un contribuyen a justificar un genocidio. Este manifiesto fílmico metadiscurso sobre la realidad. ofrece un análisis complejo sobre la memoria histórica, la crueldad humana, las perversiones del imaginario político, Filmed more than sixteen years ago, Level 5 is a clever pero, sobre todo, demuestra el poder del cine como exploration of the world of videogame and computers, instrumento de concientización. and its relation to history and culture. Marker equates the development of a video game with the invasion of the A classic work of documentary and agitprop cinema, Loin Japanese island of Okinawa during the Second World du Vietnam is a collaboration between Chris Marker, Agnès War. In this strange but evocative association of ideas, Varda, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Joris Ivens, William RTR the director also includes Nagisa Oshima’s opinions on Klein and Claude Lelouch. It constitutes a protest against the battles of Hiroshima and Okinawa. Although it is one the Vietnam War, US imperialism and the devastation of of Marker’s few works of fiction,Level 5 is similar in form war. Marker generates “counter-information” to counteract to his other essay films, primarily because of its use of propaganda and the false information that contributed to fragmented images and a narrator whose observations the justification of genocide. This film manifesto offers a serve as a meta-discourse on reality. complex analysis of historical memory, human cruelty, the perversions of political discourse, while upholding cinema’s capacity to create alternative consciousness. ris m arker c h ris retros p ecti v a:

149 le SOUVENIR D’UN AVENIR RECUERDOs DEL PORVENIR REMEMBRANCE OF THINGS TO COME Dir. Chris Marker, Yannick Bellon | Francia | 2003 | Francés | 42’ SANS SOLEIL | SIN SOL | SUNLESS Yannick Bellon y Chris Marker colaboran en este retrato de Francia | 1983 | Francés, japonés, inglés | 104’ la célebre fotógrafa Denise Bellon. Con el característico Sans Soleil es una de las películas más conocidas de sello poético y reflexivo de Marker, el cine ensayo plantea Chris Marker, y una de las más revolucionarias en la his- diversos itinerarios a través de la vida de la fotógrafa. toria del cine; rompe esquemas, abarca distintos géneros La protagonista se transforma en la crónica de una época: y se libera totalmente de las formas convencionales del los inicios del cine, las vanguardias artísticas que dibu- lenguaje audiovisual. Puede verse como el diario de un jaron la historia del siglo XX, la ocupación de Francia y viaje imaginario por África y Japón, construido a partir de la los momentos que truncaron ilusiones. Fiel a la labor de correspondencia entre personajes ficticios que recuerdan una fotógrafa que se dedicó a coleccionar vidas y aven- aspectos significativos de sus experiencias interculturales. turas, Le souvenir d’un avenir rescata las historias que El resultado es un extraordinario ensayo fílmico sobre el hacen el pasado inteligible y nos recuerda aquellas que tiempo, la memoria y la cultura, que cuestiona los para- crean futuros posibles. digmas de la representación y los estereotipos sobre la Yannick Bellon and Chris Marker collaborate in this portrait alteridad. Es un cine sumamente personal y subjetivo, que of the famous photographer Denise Bellon. With Marker’s no por ello deja de tener un fuerte carácter documental. characteristic poetic and reflexive style, this essay film Sans Soleil is arguably Chris Marker’s most well-known film presents diverse points in Bellon’s life. The protagonist and a revolutionary contribution to the history of cinema. A becomes the chronicle of an entire period: the beginnings travelogue of an imaginary trip through Africa and Japan, of cinema, the artistic vanguards that portrayed the history constructed from the correspondence between fictitious of the twentieth century, the French Occupation and the characters who recall important aspects of their intercultural events that truncated collective hopes. Faithful to the work experiences, the film questions representational paradigms of a photographer who dedicated herself to compiling lives and stereotypical notions of the exoticized Other. The result and adventures, Le souvenir d’un avenir rescues the stories is an extraordinary essay about time, memory, and culture that made the past comprehensible and reminds us about that crosses genres and breaks with aesthetic conventions. those stories that create possible futures. retros p ecti v a 150 LE TRAIN EN MARCHE On vous parle du Chili: Ce que disait EL TREN EN MARCHA Allende THE TRAIN ROLLS ON REPORTE deSDE Chile: Lo que dijo Allende Report on Chile: What Allende Said Francia | 1973 | Francés | 31’ Francia | 1973 | Francés, español | Blanco y negro | 16’ En Le train en marche, Marker retrata a Alexander Ivanovich On vous parle du Brésil: Tortures Medvedkin y su cine-tren de los años treinta. En la película, REPORTE DESDE Brasil: Torturas Marker intercala material de archivo, fotografías y una Report on Brazil: Tortures entrevista con el director ruso. Medvekin diseñó un tren Francia | 1969 | Francés, portugués | Blanco y negro | 20’ que sirvió de laboratorio fílmico, cuarto de edición y sala de proyección, que viajaba a diferentes pueblos de la Unión Chris Marker, fiel aliado del tiempo y con la intuición de Soviética. Interesados en crear un cine propagandístico, anticipar y presenciar la historia, dirigió entre 1969 y 1973 él y su equipo filmaban e inmediatamente procesaban el On vous parle de..., una serie de cortos realizados con el material para proyectarlo en las comunidades. Su idea era fin de captar de manera inmediata los eventos importantes ayudar a las personas a construir un nuevo mundo a partir que sucedían en el mundo, y plasmarlos en la pantalla de las películas que habían creado juntos. El cortometraje grande, ofreciendo una visión distinta a la oficial y repor- se realizó originalmente como un prefacio de la película tando los hechos con la inmediatez de su tiempo. En esta Bonheur (Felicidad) de Medvedkin, pero desde entonces ocasión, presentaremos On vous parle du Chili: Ce que se ha vuelto uno de los trabajos más notables de Marker, disait Allende una larga entrevista con Salvador Allende presentando a su mentor a una audiencia más amplia. a unos días de su muerte, sobre su proyecto socialista y On vous parle du Brésil: Tortures, testimonios de jóvenes In The Train Rolls On, Marker turns his camera to Alexan- revolucionarios durante la dictadura militar brasileña. der Ivanovich Medvedkin and his Cine-Train of the 1930s, interweaving archival footage, photographs, and an interview Chris Marker—time’s faithful ally with an unerring instinct with the Russian director. Medvedkin traveled all over the to anticipate and witness history— directed On vous parle Soviet Union on a train of his own design, which served as de...(1969-1973), a series of short films that sought to a film laboratory, as well as an editing and projection room. capture important world events in rapid succession, and Interested in making propaganda films, he and his crew provide “news coverage” from a perspective that differed RTR would shoot film and immediately process it in order to from the official one. We will present two of these shorts: screen it in different villages. His idea was to film people, On vous parle du Chili: Ce que disait Allende (1973), and then show them the films they created together, in order a long interview with Salvador Allende about his socialist to help them envision a new world. The short was originally project days before his assassination, and On vous parle made as a preface to Medvedkin’s filmHappiness but has du Brésil: Tortures (1970), testimonies of young revolu- since become one of Marker’s most noted films and one tionaries during the Brazilian military dictatorship. that introduced his lesser-known mentor to a larger public. ris m arker c h ris retros p ecti v a:

151 El cine de Chris Marker ha resultado sumamente influyente e inspirador. Además de mostrar sus películas más representativas, presentamos trabajos realizados por otros autores, que con estilos diferentes rinden homenaje y elaboran un retrato íntimo de este cineasta, y nos permiten conocer mejor su enigmática personalidad y la complejidad de su obra.

Chris Marker’s cinema has influenced several generations of filmmakers. Besides featuring his most representative work, this retrospective includes films by various directors who create intimate portraits of, and pay tribute to, the renowned auteur. Their individual visions and different styles offer a glimpse into Marker’s enigmatic personality LAS VARIACIONES MARKER and the complexity of his work. THE MARKER VARIATIONS Dir. Isaki Lacuesta | España | 2008 | Español | 34’

Las variaciones Marker son una serie de cortometrajes del cineasta español Isaki Lacuesta, en los que retoma y resignifica imágenes de varias películas de Marker, rindiéndole un homenaje experimental. La serie inicia con el permiso explícito de Marker: “como podrán suponer, jamás me opongo a los experimentos. Si Isaki Lacuesta desea usar fragmentos de mis películas, que así sea. Yo mismo practico tanto la piratería, que sin duda disfruto de ser pirateado”. Además de las imágenes de Marker, escuchamos reflexiones subjetivas y crónicas de viajes imaginarios en voz de Lacuesta —muy a la Marker— entre- veradas con mitos, leyendas y otras ficciones que hacen referencia tanto la realidad que traslucen las películas de DANS L’ATELIER DE CHRIS MARKER Marker, como a la propia figura de este enigmático cineasta. EN EL ESTUDIO DE CHRIS MARKER The Marker Variations is a series of short films by the AGNÈS VARDA IN CHRIS MARKER’S ATELIER Spanish filmmaker Isaki Lacuesta who appropriates and Dir. Agnès Varda | Francia | 2011 | Francés | 10’ re-signifies images from a number of Marker’s films, as an experimental homage. The series begins with Marker’s Retrato elaborado por Agnès Varda, colega y amiga de explicit approval: “As you can imagine, I am never opposed Marker, precursora de la nueva ola francesa, quien evoca to experiments. If Isaki Lacuesta wishes to use footage a Marker y lo rastrea en cada rincón de su estudio, una from my films, so be it. As I myself indulge in piracy, I un- suerte de laboratorio espacial atiborrado de imágenes. doubtedly will enjoy being pirated.” Layered over Marker’s Portrait of Marker by Agnès Varda, Marker’s colleague images are personal reflections and chronicles of imaginary and friend, and important precursor of the French New journeys interspersed with myths, legends and other fictional Wave. Varda evokes Marker and searches for him in every accounts that reference both the reality that Marker’s films corner of his studio—an idiosyncratic laboratory space reveal and his enigmatic cinematic presence. saturated with images. retros p ecti v a 152 RTR ris m arker c h ris retros p ecti v a:

153 imperdibles

Amplia variedad de actividades y presentaciones: obras de teatro, conciertos, instalaciones, presentaciones de documentales en vivo, auto-cinemas, talleres y proyecciones exclusivas.

154 A wide range of activities and presentations: live documentary presentations, plays, concerts, installations, drive-in cinemas, workshops and special screenings.

155 Actividades y presentaciones especiales

Con el fin de explorar la maleabilidad del género Además, en los once estados que conforman nues- documental, así como de ampliar la concepción y en- tro recorrido en esta edición, habrá auto-cinemas, tendimiento del mismo, desde el 2011 AMBULANTE proyecciones especiales, cine a mano —arte efímero se propuso complementar su programación con una que reta la concepción del cine como registro haciendo serie de actividades Imperdibles que destacan por su uso de la tinta china o del bicarbonato de sodio para variedad y originalidad. dibujar historias en pantalla grande—, paneles con Por tercera ocasión y tras el éxito obtenido en las profesionales de la industria cinematográfica, talleres previas ediciones, AMBULANTE renueva su colabo- de producción documental para niños, proyecciones ración con el Vive Latino, el Festival Iberoamericano con musicalización en vivo, entre otros eventos. de Cultural Musical, que tendrá lugar del 15 al 17 de Para no perderse ninguno de estos eventos, AM- marzo en el Foro Sol de la Ciudad de México. Como BULANTE contará con una amplia cobertura de las novedad para el 2013, durante esos tres días la Car- actividades en distintos estados a través de su plata- pa AMBULANTE, oasis bajo el sol, contará con la forma en línea (www.ambulante.com.mx), que podrán presencia de reconocidos artistas que harán a la vez ser vistos casi de manera simultánea. de curadores y presentadores de los documentales.

156 Special screenings and parallel activities

With the hope of exploring the possibilities of the docu- Moreover, in the eleven states that comprise our mentary genre and of expanding our conception and documentary tour, we will host drive-in cinemas, special understanding of documentary culture, Ambulante screenings, handmade cinema (an ephemeral art practice decided to add, beginning with its 2011 edition, a series that employs ink and baking soda to reveal a different of activities called IMPERDIBLES. These activities kind of live cinema and trace stories on the big screen), complement the festival’s program and stand out for panels with industry professionals, documentary film their original and varied approach to documentary film. workshops for children and screenings with live musical Given the success of previous editions, AMBULANTE, accompaniment, among other events. for the third time in a row, renews its collaboration with AMBULANTE will provide extensive coverage of Vive Latino, the renowned Ibero-American Culture and these activities and their different venues on its online Music Festival, which will take place this year from platform www.ambulante.com.mx where viewers all March 15th-17th at the Foro Sol in Mexico City. As over the world will be able to access them. an added feature to this edition, the Ambulante Stage will bring celebrated artists who will both curate and present the films.

IMP i mp erdibles 157 internacional

Desde 2007, AMBULANTE ha presentado selecciones de documentales en más de 33 ciudades en 15 países en colaboración con distintos festivales, organizaciones, exhibi- doras e instituciones. AMBULANTE ha viajado a Argentina, Australia, Canadá, Colombia, Cuba, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, Nicaragua, Noruega, Sudáfrica, Suecia, Tanzania y Kosovo.

158 Since 2007, AMBULANTE has presented selections of documentaries in more than 33 cities in 15 counties in collaboration with different festivals, organizations, exhibitors and institutions. AMBULANTE has traveled to Argentina, Australia, Canada, Colombia, Cuba, El Salvador, Spain, the United States, Guatemala, Nicaragua, Norway, South Africa, Sweden, Tanzania and Kosovo.

159

Ambulante ante la crítica ambulante: a critical review

161 AMBULANTE ANTE LA CRíTICA

Articulada alrededor de la idea de liberación ca, debemos enfrentar y descifrar día tras día. y su relevancia en distintos niveles, desde el Para sumarse al viaje liberador que Ambulante sociopolítico hasta el estético, la octava edi- ha preparado en 2013, Letras Libres invitó a ción de Ambulante coincide con el quinto año cuatro autores que exploraron las películas del vínculo estrecho y fecundo que la revista incluidas en varias secciones del programa. Así, Letras Libres ha creado con esta magnífica gira Rafael Aviña aborda Pulsos, que muestra la pro- de documentales. Desde 2009, Letras Libres se ducción documental mexicana más reciente; ha propuesto integrar anualmente un coro Bernardo Esquinca se ocupa de Sonidero, que de voces críticas y literarias de reconocido da cabida a múltiples e innovadoras corrientes prestigio que puedan dialogar y reflexionar musicales; Verónica Gerber Bicecci se adentra sobre el género cinematográfico para el que en Injerto, que reúne trabajos experimentales Ambulante erige, con indudable eficacia, un alejados de las convenciones del propio género hogar cada vez más sólido que le garantiza documental, y Mauricio Montiel Figueiras una presencia negada en buena medida por examina la obra inquieta y multifacética del las grandes cadenas de exhibición en México. cineasta francés Chris Marker (1921-2012), Liberado de las ataduras que impone el cine de a quien se dedica una amplia retrospectiva a ficción hecho con los moldes de Hollywood, manera de homenaje. Cinco años después de el documental ha sabido incorporar, todo un iniciar su fructífera relación con Ambulante, arsenal de mecanismos y recursos fílmicos que Letras Libres continúa aportando lecturas que le permiten cumplir con su objetivo principal: confirman la libertad con que el documental consolidar un registro fiel de la realidad que, crece y madura en nuestra época. por más ilusoria o descabellada que nos parez-

162 AMBULANTE: A CRITICAL REVIEW

Organized around the concept of liberation authors to explore the films included in each and its relevance on levels ranging from the so- section. Rafael Aviña addresses Pulsos, which ciopolitical to the aesthetic, the eighth edition features the latest Mexican documentaries; of the Ambulante Documentary Film Festival Bernardo Esquinca writes about Sonidero, also celebrates the fifth year of its strong and which includes a number of innovative musi- fruitful association with the magazine Letras cal trends; Verónica Gerber Bicecci explores Libres. Since 2009, Letras Libres has invited an Injerto, which brings together experimental array of prestigious critical and literary voices works unconstrained by the conventions of to discuss and reflect on the documentary the documentary genre; and Mauricio Montiel genre for Ambulante’s festival, a magnificent Figueiras examines the lively and multifaceted event that provides an increasingly healthy work of French filmmaker Chris Marker (1921- home for works often denied a presence in 2012), to whom the festival pays tribute with a Mexico’s commercial cinemas. Freed from the lengthy retrospective. Five years after starting constraints of the conventional Hollywood its fertile relationship with Ambulante, Letras mold, documentaries have incorporated an Libres continues to contribute readings that arsenal of tools and resources that enable the reaffirm the freedom through which documen- genre to fulfill its main objective: to establish taries grow and mature in our times. a faithful record of the reality that we must face and decipher day after day, no matter how fantastic and absurd it may seem. Joining this liberating journey that Ambulante has planned for 2013, Letras Libres has invited four

163 Materiales de archivo, materiales peligrosos

pulsos

Rafael Aviña

El otro cine mexicano es aquel que rechazan mento de apoyo sino como un instrumento los medios. Es el cine sin glamour, sin estrellas, dramático, incluso moral. sin la burocracia ni las posiciones triunfalistas Tanto La piedra ausente (2012), de Jesse Ler- de las instituciones. Es un cine que sobrevive ner y Sandra Rozental, como Palabras mágicas por lo general sin apoyos oficiales y que surge (2012), de Mercedes Moncada, y en menor gracias al tesón, el entusiasmo y la inventiva medida, aunque no por ello con menor impor- de jóvenes directores que han encontrado en tancia, Partes de una familia (2012), de Diego el documental y en las nuevas tecnologías Gutiérrez, utilizan imágenes de archivo de digitales —sin descartar el formato en 35 diversas fuentes: noticieros cinematográficos, mm— una manera de levantar proyectos en reportajes televisivos, escenas promocionales o la capital o el interior del país. En el México películas caseras; descriptores que sirven para del nuevo milenio, el cine documental se erige enfatizar y crear atmósferas emocionales o como una alternativa inteligente ante las fór- puentes imaginarios con el espectador. Son, en mulas trilladas y los argumentos repetitivos todo caso, imágenes de indudable sostén que que ofrece la cartelera comercial. al mismo tiempo pueden resultar peligrosas En ese sentido Ambulante Gira de docu- e incontrolables. mentales aparece como una extensión de tal Aunque Partes de una familia prescinde de libertad creativa, una suerte de cómplice que los típicos materiales de archivo, los breves ha crecido a la par de las propuestas cada vez fragmentos de escenas caseras filmadas en 8 más crípticas de un cine que ha alcanzado una mm en los años sesenta que el director inserta madurez y una especialización en su propia de manera fugaz consiguen transmitir no sólo etapa de experimentación. En esta ocasión, una terrible sensación de nostalgia y tristeza, la sección Pulsos propone en la mayoría de sino que se convierten en apuntes dramáticos sus relatos el inquietante uso de materiales de enorme fuerza para narrar la historia de de archivo: el stock shot no sólo como un ele- un matrimonio que luego de cincuenta años

164 Archive Materials, Dangerous Materials pulsos

The other Mexican cinema is the one the Absent Stone (2012), Mercedes Moncada’s media rejects. It is the unglamorous cinema, Magic Words (2012), and to a lesser degree but without stars, with neither the bureaucracy equally important Diego Gutiérrez’s Parts of a nor the triumphalist attitudes of institutions. Family (2012) use archival footage from vari- It is a cinema that generally survives without ous sources: newsreels that were shown before official sponsors. It survives thanks to the films in Mexico, TV programming, scenes determination, enthusiasm and inventiveness from commercials and home movies. These of young directors who have discovered in the elements create and emphasize emotional documentary genre and new digital technolo- atmospheres or imaginary bridges connect- gies—without discarding the 35mm format—a ing the films with the audience. The images, way to produce films in Mexico City or other in any event, support the narrative, but they states across Mexico. In this new millennium, can also be dangerous and uncontrollable. documentaries are an intelligent alternative Although Parts of a Family does not use to the old formulas and ideas of commercial typical archival materials, the brief fragments films in Mexico. from 1960s 8mm home movies that the direc- In this sense, Ambulante is an extension of tor fleetingly interpolates not only convey this creative freedom. It has grown in tandem a deep feeling of nostalgia and sadness but with the increasingly sophisticated proposals also become strong dramatic lines. They help of a cinema that has matured and specialized tell the story of a married couple that, after in experimentalism. This year, the majority fifty years, has almost completely lost the of the stories in the Pulsos section bring the motivation they once had to forge a life and unsettling use of archival footage and the a family together. More intriguing is that the stock shot, not only as support material but son, Diego Gutiérrez, is the one narrating the also as a dramatic instrument, or even a moral relationship’s collapse: the decline of his own one. Jesse Lerner and Sandra Rozental’s The parents’ marriage. The filmmaker becomes at

165 ha perdido casi por completo el ímpetu que lo la ciudad de México. La piedra ausente retrata llevó a formar una vida en común y construir los intentos de los habitantes de San Miguel una familia. Intriga aún más el hecho de que Coatlinchan por recuperar el monolito y su ob- sea el hijo, Diego Gutiérrez, quien se encargue sesión por él traducida en decenas de réplicas; de narrar el desmoronamiento de esa relación: el impresionante desplazamiento del ídolo y la de sus propios padres. Aquí el realizador se la brutal globalización contra la que el pueblo vuelve testigo y cómplice; cuestiona y observa; lucha para mantener la tradición; los conflictos traduce en imágenes su propio desasosiego y en torno del patrimonio de los objetos del el de sus padres y lo hace de forma imparcial pasado y la propiedad cultural. Lerner y Ro- y sensible a la vez. El enorme y lujoso caserón zental proponen un documental-performance donde Gina y Gonzalo viven por separado, en el que caben diversos recursos —el saqueo en compañía de la vieja nana y sirvienta, es de imágenes e historietas, los testimonios testigo mudo de esa indiferencia y falta de de especialistas e involucrados, los dibujos interés mutuos. Especie de fortaleza rodeada animados en tono de farsa posmoderna— y de bardas electrificadas, con múltiples habi- que se sumerge en un relato con el que abre y taciones y un jardín impactante, la casona cierra Vaho (2009), filme de ficción del joven que guarda a esa pareja madura testifica el realizador Alejandro Gerber. proceso de incomunicación y el hastío como En 2003 la cineasta de origen nicaragüense en una home movie imaginada por el primer Mercedes Moncada, estudiante del Centro de Atom Egoyan, bajo la metáfora del Popoca- Capacitación Cinematográfica (CCC), debu- tépetl y el Iztaccíhuatl que el joven cineasta taba en México con La pasión de María Elena: se empeña en intercalar como recuerdo de lo el rescate de una mujer rarámuri de la Sierra que alguna vez fue: una historia de amor ideal Tarahumara que es rechazada y tratada con en un enigmático documental. desconfianza por los suyos por vivir separada Jesse Lerner y Sandra Rozental emplean del padre de sus hijos y cuyo hijo menor, falle- las imágenes triunfalistas que Cinemundial y cido en un accidente vial, se vuelve otro motivo Cinescopio registraron durante la fase de salida de suspicacia. A esta película le seguirían tres del lopezmateismo, para tramar la historia de relatos más filmados en Nicaragua: El inmortal “la piedra ausente” de San Miguel Coatlinchan, (2005), La sirena y el buzo (2008) y Palabras pueblo del Estado de México; una historia mágicas (2012), un recuento de los horrores y inquietante que tiende al caos al ser observada las corruptelas de las dictaduras de Anastasio desde diversas posturas sin concentrarse pro- Somoza y del propio Frente Sandinista de piamente en alguna. La piedra en cuestión es el Liberación Nacional. Libertadores trocados colosal monolito prehispánico que representa en dictadores son captados por una narración a Tláloc, dios de la lluvia, y que en abril de en primera persona que fluye entre el sueño y 1964 fue trasladado de manera espectacular al la memoria, entre la fantasía mágico-telúrica Museo Nacional de Antropología e Historia en y un realismo despiadado.

166 once a witness and an accomplice. He ques- sive removal of the idol, the town’s struggle tions and observes, translates his own and his to maintain their traditions, and the conflicts parents’ despair into images, and he does it in surrounding historical patrimony. Lerner and a way that is both impartial and tactful. The Rozental present a documentary-performance luxurious, enormous house in which Gina that uses different resources—appropriated and Gonzalo live estranged, along with the images and comic strips, cartoons in the vein old babysitter and maid, are silent witnesses of a postmodern farce, as well as testimonials to their indifference and mutual lack of in- from specialists and people involved in the terest for each other. It resembles a fortress, conflict—to tell a tale that opens and closes surrounded by electrified gates with multiple Becloud (2009), a fictional film by the young bedrooms and an impressive garden. This director Alejandro Gerber. fortress attests to the couple’s weariness and In 2003, the Nicaraguan filmmaker Mer- their lack of communication, as in a home cedes Moncada, a student at the Centro de movie imagined by Atom Egoyan. The young Capacitación Cinematográfica (CCC), debuted filmmaker interweaves the metaphor of two in Mexico with The Passion of María Elena. The volcanoes in love, the Popocatépetl and Iztac- film tells the story of the rescue of a Rarámuri cíhuatl, with his memory of what once existed: woman, from the Tarahumara mountains, who a great love story. is rejected and treated with suspicion by her Without crediting the myriad magazines own community because she lives separately such as Cine Mundial or Cinescopio that they from the father of her children. Her youngest integrate into their film, Jesse Lerner and son’s death is another reason for mistrust. The Sandra Rozental use the triumphalist images director went on to shoot three more films in that they recorded during the last phase of Nicaragua: The Immortal (2005), The Mermaid president Adolfo López Mateos’s government and the Diver (2008), and Magic Words (2012), to tell the story of “the absent stone” from an account of the horrors and corruption of San Miguel Coatlinchan, a town in the State Anastasio Somoza’s dictatorship and even of of Mexico. It is a disturbing and chaotic story the Sandinista National Liberation Front. In told from different angles but without focusing Magic Words Moncada captures how liberators on any specific one. The stone is actually the turned into dictators with a first-person narra- colossal pre-Hispanic monolith representing tive that flows between dreams and memories, Tláloc, the god of rain, which was moved, magic-terrestrial fantasy and ruthless realism. with much drama, to the National Museum Brutal images such as a soldier cowardly of History and Anthropology in Mexico City shooting a man contrast with the images de- in 1964. The Absent Stone documents the ef- picting Nicaragua as a kind of fairy tale, an forts of the residents of the village to recover idyllic country as imagined by the United the monolith as well as their obsession with States. Such violent images also clash with the scores of replicas they have, the impres- allegorical images depicting the true spirit of

167 Imágenes brutales como la del soldado que igualmente joven de Playa del Carmen (Alamar, dispara cobardemente contra un hombre con- 2009, cinta que mezcla ficción y documental). trastan con las que presentan una Nicaragua Inori, por su parte, se ubica en Kannogawa, de cuento de hadas, un país idílico imaginado pequeño poblado de la prefectura de Nara que por los Estados Unidos, y con las que ofrecen parece un modelo de perfección, una especie alegorías sobre el verdadero espíritu del puede set de película japonesa que contrasta con blo: hombres ingenuos y valerosos, mujeres y el caos y la destrucción de los pueblos de adolescentes que dejaron la vida o los ideales Nicaragua. Allí, en esa localidad de ensueño en la tierra de Augusto César Sandino, cuyas rodeada de montañas y vegetación, la cámara cenizas flotan misteriosamente en el lago de de González-Rubio inspecciona los rostros Nicaragua, observado por una figura mística de varios ancianos que se antojan surgidos que acompaña a esa gente en su dolor y sus de un filme de Akira Kurosawa (Vivir, 1952) traiciones. Palabras mágicas es un documental o Shôhei Imamura (La balada del Narayama, que mantiene varios puntos de contacto con 1983). Hombres y mujeres octogenarios en cintas como El lugar más pequeño (2011), de su mayoría que llevan a cabo los rituales de Tatiana Huezo, cineasta salvadoreña también su vida cotidiana: rezar, preparar alimentos, egresada del CCC, sobre un poblado de San visitar al médico y trabajar en el campo, en una Salvador que ha dejado atrás el horror de la comunidad de la que las nuevas generaciones guerra civil para sanar sus heridas, dialogando han emigrado hacia los asentamientos urbanos. con la vida y no con la muerte; El cielo abierto Los sueños y las ilusiones de estos ancianos (2011), de Everardo González, y Lecciones para son cada día más efímeros. Están anclados una guerra (2012), de Juan Manuel Sepúlve- al pequeño universo que habitan gracias a da, sobre la realidad histórica salvadoreña y sus recuerdos y sus muertos; la línea que los guatemalteca, respectivamente. separa de este mundo es tan endeble como la Por último está Inori (2012), que al igual neblina que cubre ese lugar que evoca belleza y que Partes de una familia toca el tema de la tristeza al mismo tiempo. Filme ganador en el vejez y la muerte y que resulta una extra- Festival de Locarno, Inori intenta abordar con ña incursión para un cineasta como Pedro decoro el cosmos de la vejez y algunos grandes González-Rubio, cuya obra se caracteriza por temas de la humanidad: el amor, la confianza, explorar realidades cotidianas: sea el retrato la supervivencia, la dignidad, la compasión y de la vida brutal de Fernando Pacheco, joven el olvido que se niega a desaparecer. torero de la región maya con antecedentes de alcoholismo y violencia intrafamiliar que busca cumplir sus sueños (Toro negro, 2005, documental codirigido con Carlos Armella), o bien el calculado estudio didáctico-antropológico alrededor de Jorge Machado, un pescador

168 the people: brave and naïve men, women and model of perfection, a sort of Japanese movie teenagers who gave their lives or ideals to the set that contrasts sharply with the chaos and land of Augusto César Sandino, whose ashes destruction of Nicaragua. In this dream world mysteriously float in Lake Nicaragua. All of surrounded by mountains and vegetation, this is observed by a mystical figure who ac- González-Rubio’s camera inspects the faces companies these people through their pain of old people, faces that seem to come from and betrayals. Magic Words is a documentary a film by Akira Kurosawa (Ikiru, 1952) or by that shares many attributes with films like The Shôhei Imamura (The Ballad of Narayama, Tiniest Place (2011), The Open Sky (2011), and 1983). They are octogenarian men and women, Lessons for a War (2012). The Tiniest Place, a film most of whom carry on with the rituals of by Tatiana Huezo—a Salvadorian filmmaker everyday life: praying, cooking, visiting the who also graduated from the CCC—is about doctor, and working the land in a community a town in El Salvador whose inhabitants have in which new generations have emigrated recovered from the horrors of the civil war toward urban areas. and healed their wounds by conversing with The dreams and hopes of these octogenar- life rather than death. The Open Sky (2011) ians become more ephemeral with each day. by Everardo González and Lessons for a War They are anchored to the small universe they (2012) by Juan Manuel Sepúlveda deal with inhabit thanks to their memories and their historical reality in El Salvador and Nicaragua, deceased. The line that separates them from this respectively. world is as precarious as the fog that envelops At last there is Inori (2012), which like the community, evoking beauty and sadness Parts of a Family, deals with aging and death, at the same time. Winner at the Locarno Film and which represents an odd departure for a Festival, Inori approaches decorously old age filmmaker like Pedro González-Rubio. This as well as many other universal human themes director is best known for exploring everyday such as love, trust, survival, dignity, compas- realities. In Black Bull, a 2005 documentary sion, and forgetting. co-directed with Carlos Armella, he portrayed in brutal fashion the young Mayan bullfighter Fernando Pacheco, who, with a history of alcoholism and domestic violence, wants to make his dreams come true. And, in Alamar, a 2009 film that mixes fictional and real-life events, he offered a calculated, didactic-anthropological depiction of Jorge Machado, a young fisherman from Playa del Carmen. Inori takes place in Kannogawa, a small town in the Nara prefecture that is ostensibly a

169 La imagen rebelde

injerto

Verónica Gerber Bicecci

Amos Vogel (1921-2012) tuvo que emigrar “Películas que no puedes ver en otro lugar”, a Nueva York poco después de que su natal “Películas de experimentación artística”: un Austria se convirtiera en provincia del Tercer espacio abierto a las manifestaciones más Reich en 1938. Tenía diecisiete años cuando, avant garde de la imagen en movimiento de en compañía de su madre, atravesó el océano la época. En otras palabras, un sitio donde el Atlántico en un barco alemán sin ser descu- cine de la posguerra encontró su espacio ideal bierto para luego quedar varado seis meses en de proyección. Cuba. Solamente a través de las influencias de El interés de Vogel por el cine data de su un familiar lejano fue posible su entrada en infancia temprana, en gran medida porque — Estados Unidos y el esperado reencuentro con así lo afirmaba— sus padres eran progresistas su padre, quien había escapado antes. y él creció en un ambiente muy politizado, Nueve años después, en noviembre de 1947, abierto a todo tipo de manifestaciones cul- junto con su esposa Marcia, otros familiares turales. En un documental dirigido por Paul y algunos amigos, Vogel fundaría el cineclub Cronin nueve años antes de su muerte, Vogel Cinema 16 “para promover, fomentar, dis- recuerda una película que lo marcó profun- tribuir y patrocinar la exhibición pública de damente y que debió ver cuando acababa de películas documentales, sociológicas, educa- llegar a Estados Unidos: Alexander’s Ragtime tivas, científicas y experimentales, y también Band (Henry King, 1938). No hay mucho de para reforzar la apreciación del cine como un experimental en ella, pero la cinta cuenta la arte y una fuerza social”, tal como se lee en el historia de un niño que, para desgracia de sus estatuto legal de propósitos de su asociación. padres, se rebela y decide dedicarse al ragtime Cinema 16 se mantuvo en actividad durante —un género musical estadounidense lúdico e dieciséis años, hasta 1963, y se convirtió en un innovador que se popularizó a fines del siglo referente neoyorquino para ver cine indepen- XIX, y que influyó en el desarrollo del jazz en diente, distinto al que producía Hollywood. el XX— en lugar de abocarse a la música “en

170 The Rebellious Image

Injerto

Amos Vogel (1921-2012) had to immigrate In other words, an ideal space for postwar to New York shortly after his native Austria films to be projected. became a province of the Third Reich in 1938. For the most part, Vogel’s interest in cinema He was seventeen years old when, while in derived from his early childhood because, as hiding with his mother, he safely crossed the he used to say, his parents were progressives, Atlantic Ocean on a German ship, only to and he grew up in an environment that was get stuck in Cuba for six months. With the highly politicized yet open to all kinds of help of a distant relative he was able to enter cultural manifestations. In a documentary the United States and finally reunite with his directed by Paul Cronin nine years before his father, who had escaped earlier. death, Vogel remembers a film he saw when Nine years later, in November 1947, Vo- he had just arrived to the United States, a gel founded, with his wife, relatives and film that deeply influenced him: Alexander’s friends, Cinema 16 “to promote, encourage, Ragtime Band (Henry King, 1938). The film distribute and sponsor public exhibitions is not very experimental, but it tells the story of documentary, sociological, educational, of a child who rebels against his parents and scientific and experimental motion pictures, decides to devote himself to ragtime—the and to further the appreciation of the motion playful nineteenth century musical genre that picture as an art and as a social force.” Cinema greatly influenced jazz—instead of focusing on 16 maintained operations for sixteen years, “serious music.” Alexander’s spirit of rebellion until 1963, and it served as a model in New that pushed him to different music is without York for watching independent films. The a doubt the same rebelliousness that drove organization screened “films you can’t see Vogel to show that broke with conventions anywhere else,” “artistic and experimental and traditions. films,” opening a space to the most avant- In different interviews and statements, garde manifestations of the moving image. Vogel insisted that the most traumatic experi-

171 serio”. El espíritu de rebeldía de Alexander Muchos de los cortometrajes de Injerto fue- hacia la música distinta es, sin lugar a dudas, ron exhibidos en Cinema 16 y otros tantos, el mismo que impulsó a Vogel hacia un cine más contemporáneos, continúan la línea de que rompía con tradiciones y ataduras. esa estética. En distintas entrevistas y declaraciones, El primer programa de Injerto es más bien Vogel insistió en que la experiencia más trau- histórico. Reúne diversos cortometrajes reali- mática que vivió a causa de la guerra y el zados entre 1943 y 1963, proyectados tiempo exilio fue recomenzar su vida en un idioma atrás en la pantalla de Cinema 16, que parten completamente nuevo. “Los nazis me quitaron de una mirada subjetiva para registrar en el alemán”, decía, no sólo porque había perdido imágenes un entorno cotidiano poco común su lengua materna sino sobre todo porque eso en el cine comercial: la forma en que una lo convirtió en extranjero de forma perma- pareja de gatos enamorados conforma su nente. Las películas que a Vogel le interesaba hogar en un departamento (Private Life of ver eran difíciles de encontrar en Nueva York a Cat, Maya Deren, 1944) y el diario de una a principios de los cuarenta; por eso no resulta mujer embarazada centrado en los personajes extraño que Cinema 16 haya reunido a más de mayores que visitan el mercado de su barrio seis mil miembros interesados en otras formas y las enormes calabazas de los puestos de de ver y hacer cine. Cinema 16 es producto fruta para completar un ciclo que configura de dos trincheras: la búsqueda de la imagen el origen y el fin, el fruto y la vejez (L’Opera rebelde, latente en la peculiar forma en que Mouffe, Agnès Varda, 1958). Vogel entendía el mundo o en sus primeros El segundo programa de Injerto corres- recuerdos cinematográficos, y la posibilidad ponde a la ciudad que vio nacer Cinema 16. de hablar en otra lengua, también como una Se trata de un homenaje a Nueva York que forma de subversión: ese lenguaje que perte- exhibe diversas aristas de su complejidad nece únicamente a las imágenes y en el que visual, social y cotidiana: un viaje en metro en el alemán, el inglés o cualquier otro idioma el que los espíritus del río se hacen presentes resultan inoperantes. (The Wonder Ring, Stan Brakhage, 1955); un Esa estética rebelde y experimental, ese juego visual de superposición de los puentes idioma particular de las imágenes que buscan que atraviesan toda la isla (Bridges-Go-Round, su liberación, su espíritu, es lo que une a los Shirley Clarke, 1958); un retrato de la majes- filmes seleccionados para la sección Injerto tuosidad de sus rascacielos, puertos y fábricas de Ambulante Gira de Documentales 2013. (24 Dollar Island, Robert Flaherty, 1926), o bien De algún modo esta sección es un homenaje el diario en cine de Jonas Mekas que comienza al libro de Amos Vogel, Film as a Subversive con su llegada a Nueva York en 1949 y retrata Art (1974), y a sus pequeños ensayos de más la forma en que la colonia lituana en la que de seiscientas películas seleccionadas para creció intentaba echar raíces en una tierra configurar la historia de un cine distinto. ajena (Lost, Lost, Lost, 1976).

172 ence he had during war and exile was starting turn an apartment into their home (Private his life again in a completely new language. Life of a Cat, Maya Deren, 1944); “a pregnant “Nazis robbed me of my German,” he used woman’s diary” registers elderly people who to say, not only because he lost his maternal visit her neighborhood market and the enor- language but also because he became a per- mous pumpkins in the fruit stands. Budding manent foreigner. The films Vogel wanted to fruit and old age thus complete a cycle of see were hard to find in New York during the beginning and end, life and death (L’Opera 1940s. This is why it is not surprising that Mouffe, Agnès Varda, 1958). Cinema 16 attracted more than six thousand Injerto’s second program is dedicated to members interested in other ways of making New York, the city that gave birth to Cinema 16. and seeing films. Cinema 16 is the product It features the multifarious visual, social and of two motives: the search for rebellious im- everyday complexities of the city. It includes a ages, a search latent in the peculiar way Vogel subway trip in which the river spirits manifest understood the world—tied perhaps to his themselves (The Wonder Ring, Stan Brakhage, early cinematographic memories—and the 1955); a playful visual juxtaposition of all the possibility of communicating in a different bridges that cross the city (Bridges-Go-Round, language, one of images for the purpose of Shirley Clarke, 1958); a portrait of majestic subversion—a task at which German, Eng- skyscrapers, piers and factories (24 Dollar lish or any other language were completely Island, Robert Flaherty, 1926); and the story ineffective. of Jonas Mekas who in 1949 immigrated to This experimental and rebellious aesthetic, a Lithuanian colony in New York (Lost, Lost, this particular language that seeks liberation is Lost, 1976). This film traces the history of the what links the films selected for the Injerto sec- colony in which he grew up, as its residents tion of Ambulante 2013. In a way, this section tried to take root in a foreign land. pays homage to Amos Vogel’s book Film as a Next comes the space for subversion. The Subversive Art (1974), with its short essays on films in this program deal with social, political more than six hundred films selected to com- and sexual themes, but their discourse is not pose the history of a different cinema. Many theoretical or propagandistic. The raw depic- of Injerto’s shorts were exhibited in Cinema tion of slaughterhouses on the outskirts of Paris 16, and many other more contemporary films in Blood of the Beasts (Georges Franju, 1949) continue to further this aesthetic. shows the paradox between the cold blood of The first Injerto program gathers diverse those who work there and the rivers of boiling shorts made between 1943 and 1963 that blood that ooze out of our daily meals. were once shown on the Cinema 16 screen. A central theme of the liberated image is, The point of departure for these shorts is a of course, sexuality, and a program of Injerto subjective gaze upon everyday images rarely is dedicated to it. The short Removed (Naomi seen in commercial cinema. Two cats in love Uman, 1999) stands out. The film is a new

173 Aparece después el espacio de la subver- recientes, es el que corresponde a la primera sión. La selección de estas películas encuen- persona. Límites: 1ª persona (2009), de León tra su coherencia en temas sociales, políticos Siminiani, por ejemplo, lleva la confesión y de género, pero su discurso no es teórico a sus últimas consecuencias: nos narra, en ni panfletario: la transgresión sucede en y a voz de un experto, la situación amorosa de partir de las imágenes. El crudo retrato de los una pareja durante un viaje por el desierto, diversos rastros de caballos, vacas y becerros explicando teóricamente cómo las imágenes en las afueras de París en Le sang des bêtes, de son una muestra fehaciente de su amor; pero Georges Franju (1949), consigue evidenciar después el director se desmiente y cuenta la la paradoja entre la sangre fría de quienes verdadera historia de ese viaje a Marruecos, trabajan en esos lugares y los ríos de sangre el modo en que ha logrado manipular todas hirviendo que manan de nuestros alimentos las imágenes. diarios. “Los muchos misterios del cine empiezan Un tema central en la reflexión de la imagen en este momento —escribió Amos Vogel—. liberada es, desde luego, la sexualidad, y a ella Aceptamos la superficie plana de la pantalla está dedicado un bloque de Injerto. Destaca como un espacio tridimensional, los bruscos el cortometraje Removed (1999), de Naomi cambios de acción o escala o escenario como Uman, renovado acercamiento al material algo común; el borde que delimita ese universo pornográfico de los años setenta que la artista fraudulento nos parece normal, admitimos el intervino con un tratamiento de cloro para blanco y negro como la realidad.” Unidos por “remover” las imágenes femeninas de las cintas. esa naturaleza misteriosa y por el espíritu de Las manchas blancas movedizas censuran los rebeldía y experimentación que el Cinema 16 desnudos femeninos al mismo tiempo que de Vogel persiguió —y al que hoy la sección ridiculizan a los personajes masculinos que Injerto rinde homenaje, al mismo tiempo que dialogan y se excitan con algo que ya no está propone un camino para continuar con esa allí, que ya no existe. Fuses (1965), de Carolee tradición—, los cortometrajes aquí reunidos Schneemann, utiliza imágenes superpuestas exploran la manera de hacer y pensar las imá- de una recámara y una ventana difuminadas genes en movimiento desde otro lugar, uno con colores ambientales y diversas texturas; más cotidiano y personal, en el que la imagen durante breves intervalos esos espacios re- logra transformarse para encontrar su camino velan, a su vez, las imágenes de una pareja hacia la liberación. heterosexual haciendo el amor. La mezcla entre lo visible y lo invisible da a la película una energía erótica que no necesita palabras para transmitir su mensaje. Tal vez el programa más peculiar de Injerto, y también el que cuenta con las películas más

174 approach to pornographic material from the making film and the ways we can think about 1970s in which the artist “removes” the female the moving picture from a different place, a images from the films. Moving white spots more ordinary and personal place where im- censor the female nudes and at the same time ages are transformed and liberated. mock the male characters who talk to and get excited about something that no longer exists. Fuses (Carolee Schneemann, 1965) presents superimposed images of a bedroom and a window, blurred with ambient colors and textures. During brief periods, these spaces show a heterosexual couple making love. The mix between the visible and the invisible gives the film an erotic energy that needs no words to transmit its message. The section focusing on films that use first- person narrative is perhaps the most peculiar part of the Injerto program. For instance, Limits: 1st person (Leon Siminiani, 2009) takes a confession to its ultimate consequences. The short narrates, with an expert’s voice, the amorous relationship of a couple during a trip across the desert, explaining how the images shown are an irrefutable proof of their love. But then the director comes clean to tell the true story of that trip to Morocco and the way he was able to manipulate the images. “The many mysteries of film begin at this moment,” wrote Amos Vogel, the moment at which one accepts “a flat surface as three- dimensional, of sudden action-, scale- or set-changes as ordinary, of a border delimit- ing this fraudulent universe as normal, of black-and-white as reality.” United by this mysterious nature and the spirit of rebellion and experimentation that Vogel’s Cinema 16 pursued—the spirit that today Injerto honors—these shorts explore the various ways of

175 Los caminos de la redención

Sonidero

Bernardo Esquinca

La música salva. Se escuche en solitario o reunión de Simon con los músicos originales como parte de una multitud, tiene la suficiente que participaron en la grabación del disco, energía para elevar el espíritu por encima de además de un concierto de aniversario en la miseria humana. Una expresión que no Sudáfrica, Berlinger nos cuenta la historia sólo dignifica a quienes se dejan llevar por detrás de un álbum superventas y ganador de ella como seguidores, sino también a los que dos premios Grammy, cuya trascendencia fue la ejecutan. Aunque tarde, su recompensa más allá del medio musical. siempre llega. La música es tan poderosa que El director se apoya en los testimonios de incluso puede tener un papel importante en los involucrados, pero también en los de una las revueltas sociales y contribuir, a su manera, serie de voces autorizadas entre quienes se en la abolición de la tiranía. En pocas palabras, encuentran Harry Belafonte, David Byrne, la música como religión sanadora. Esto es lo Quincey Jones, Peter Gabriel, Paul McCartney que nos transmiten, en distintos niveles, las y Philip Glass. Todos coinciden en que Grace- películas que Ambulante Gira de Documentales land tendió un puente entre dos mundos —los ha incluido en su sección Sonidero. ritmos africanos y la música pop—, logrando Under African Skies (2012), de Joe Berlinger, una afortunada fusión que fue innovadora nos lleva por un viaje de veinticinco años. para su época. Gabriel, impulsor del concepto Cualquier melómano nacido en las décadas world music, afirma que Paul Simon también de los cincuenta y sesenta sabe quién es Paul le mostró al mundo que no todo era negativo Simon y que Graceland representa uno de sus en Sudáfrica, y que la gente se podía contagiar trabajos clave. Pero quizá lo que no todos sus con su música. fanáticos saben o recuerdan con claridad es Cuando Simon llegó a esa turbulenta parte cómo se hizo este disco, las implicaciones que del mundo en 1985, Nelson Mandela aún estuvo para su creador, y sus ecos en la debacle taba en la cárcel y el boicot contra el apartheid del apartheid. Utilizando como pretexto la estaba en su apogeo. Sin embargo, su gran

176 The Paths to Redemption

Sonidero

Music saves lives. Whether you listen to it by concert in South Africa, as pretexts to tell us yourself or amid a crowd, music has enough the history behind a best-selling record that energy to raise your spirit above human mis- won two Grammys and had repercussions ery. It is an expression that dignifies not only beyond the music world. those who listen to it but also those who play The director bases the film on testimonials it. Even if it arrives late, music always brings a of those involved but also features a variety of reward. Music is so powerful that it can even authoritative voices such as Harry Belafonte, take on an important role in social revolu- David Byrne, Quincy Jones, Peter Gabriel, Paul tions and contribute in its own way to the McCartney, and Philip Glass. They all agree abolition of tyranny. In other words, music is that Graceland built a bridge between two a healing religion. This is what we can gather, worlds—African rhythms and pop music— on different levels, from the documentaries and that it created a fortuitous fusion ahead that Ambulante is featuring this year in its of its time. Gabriel, champion of the concept Sonidero section. of world music, says that Simon also showed Joe Berlinger’s Under African Skies (2012) everybody that not everything was negative takes us through a twenty-five year journey. in South Africa and that people could connect Any music lover born in the 1950s or 1960s to its music. knows who Paul Simon is, and that Graceland When Simon traveled to that turbulent part is one of his seminal works. But what many of of the continent in 1985, Nelson Mandela was his fans do not know or remember is how that still in jail, and the boycott against apartheid record was made, the implications it had for the was at its peak. However, Simon’s greatest talent artist, and its reverberations during the apart- was to understand that he should not make heid debacle. Berlinger uses Simon’s reunion a political album. As he himself accepts, “It with the original musicians who participated wasn’t my thing.” He wisely chose to produce in the recording, as well as an anniversary what he knew best: a pop album. The musicians

177 acierto fue entender que no debía hacer un película cuenta la increíble historia de Sixto disco político. Como él mismo confiesa, “no Rodriguez, un prometedor cantautor folk de era lo mío”. Optó entonces por la congruencia Detroit con raíces mexicanas que, tras editar e hizo lo mejor que sabía: un producto pop. dos discos a inicios de los setenta, se evaporó Los músicos que lo acompañaron ni siquiera dejando la leyenda de que se había suicidado sabían quién era él. Unos trabajaban de me- en pleno escenario. Y como la realidad siempre cánicos, otros de mineros. Pero todos poseían supera a la ficción, la música de Rodriguez, cualidades extraordinarias. El entendimiento absolutamente desconocida en Estados Unidos, fue inmediato, mágico. Y entre ellos había encontró con el paso de los años una legión un conjunto vocal que le daría al disco y a la de seguidores en Sudáfrica, donde hasta la gira que vino después un toque espectacular: fecha se le idolatra. Ladysmith Black Mambazo, hoy conocidos a El documental muestra las pesquisas de nivel internacional. dos admiradores —un periodista y un dueño Pero no todo fue miel sobre hojuelas. Una de una tienda de discos— que se dieron a la vez que el disco salió a la venta en 1986, Paul tarea de averiguar la verdad detrás del mito. Simon recibió duras críticas por romper el Su investigación los lleva a la más imprevista bloqueo cultural contra Sudáfrica aprobado de las revelaciones: Rodriguez sigue vivo y se por las Naciones Unidas. Los artistas que dedica a demoler casas en la desolada Detroit. estaban contra el apartheid consideraron que Vive modestamente, alejado de los escenarios, su decisión de grabar en Sudáfrica dañaba la e ignora que en Sudáfrica es más popular que solidaridad contra las sanciones impuestas y Elvis Presley. De inmediato se pone en marcha que hacía más daño que bien. Simon, por su un plan para llevarlo ante sus seguidores, lo que parte, nunca dudó de sus motivos: la música desemboca en una serie de apoteósicos con- africana debía ser conocida más allá de sus ciertos. Por fin, aquel hombre frágil y olvidado fronteras. recibe altas dosis de lo que durante muchos La controversia pronto tuvo un desenlace años le fue negado: el apapacho del público. afortunado: en 1990 terminó el apartheid y Searching for Sugar Man, sin embargo, plan- Nelson Mandela fue liberado. Los hechos le tea más dudas que respuestas. Más allá de su daban la razón a Paul Simon. Lejos de afectar a aparente happy ending, pone sobre la mesa la presión internacional contra la segregación cuestiones inquietantes sobre el funcionamien- racial, su atrevimiento fue parte de la impa- to de la industria musical, la relatividad de la rable ola de cambio que finalmente trajo la fama y los extraños caminos de la creación. democracia multirracial a Sudáfrica. ¿Por qué un artista de enorme talento como La música también puede hacer justicia Rodriguez no tuvo el mismo impacto global que a un solo hombre. Searching for Sugar Man otros de sus contemporáneos, por ejemplo Bob (2012), de Malik Bendjelloul, es un emotivo Dylan? Misterio desconcertante. Ni siquiera los documental narrado en clave de thriller. La productores de sus discos, quienes son citados

178 playing with him did not even know who he truth is stranger than fiction. Over the years, was. Some were mechanics, others were miners. Rodriguez’s music, totally unknown in the But they all had extraordinary abilities. They United States, was adopted by throngs of fans understood each other instantly, like magic. in South Africa, where it is revered to this day. And among them was a group of vocalists who The documentary features the investiga- would give the album and the subsequent tour tion of two fans, a journalist and the owner a spectacular touch: the now internationally of a record store who devoted themselves to acclaimed Ladysmith Black Mambazo. uncovering the story behind the legend. Their Not everything was peaches and cream. research led them to the most improbable Once the album debuted in 1986, Paul Simon revelation: Rodriguez was alive working a was harshly criticized for breaking the UN home demolition job in desolate Detroit. He cultural blockade against South Africa. Artists was living a modest life, away from the stage, who opposed apartheid thought his decision to ignorant that in South Africa he was more record there clashed with the solidarity move- popular than Elvis Presley. Instantly a plan ment that supported sanctions and caused was hatched to take him to his fans, result- more harm than good. Simon, on the other ing in a series of amazing concerts. Finally, hand, never questioned his motives: South this fragile and forgotten man enjoyed what African music needed to be heard beyond he was denied for so long: the adoration of its borders. an audience. The controversy had a fortunate resolution; However, Searching for Sugar Man provides apartheid ended in 1990, and Nelson Mandela more questions than answers. Beyond its happy was freed. The facts were on Paul Simon’s side. ending, it reveals disturbing issues about the Far from having a negative impact on the in- music industry, the relativity of fame, and ternational pressure against racial segregation, the strange ways of artistic creation. Why his audacity became part of the unstoppable did an artist as talented as Rodriguez not wave of change that eventually brought a have the same global impact as some of his multiracial democracy to the country. contemporaries, such as Bob Dylan? It is a Music can also represent justice for a single perplexing mystery. Not even his producers, man. Malik Bendjelloul’s Searching for Sugar who speak on camera about those times, have Man (2012) is a moving documentary struc- a reasonable explanation. tured as a thriller. The film tells the incredible The history of Sixto Rodriguez is unique, story of the Mexican-American Sixto Rodri- but at the same time it represents the defeat guez, a promising folk music singer-songwriter and revenge of the common folk, which is why from Detroit, who after releasing two albums Searching for Sugar Man is such a poignant in the early 1970s disappeared into thin air, film. The artist says it in one of his songs: “I leaving behind the legend that he had com- wonder how many dreams have gone bad.” mitted suicide on stage. As is always the case, Rodriguez decided to put his guitar away.

179 ante la cámara para recordar aquellas épocas, cena electrónica durante dos décadas, pero tienen una explicación razonable. no existía un registro oficial de sus poderosas La historia de Sixto Rodriguez es única, presentaciones en vivo. Lo primero que queda pero a la vez representa la derrota y revancha claro al observar esta película es que el papel del ciudadano corriente: por eso Searching for del disc jockey como sumo sacerdote sigue en Sugar Man es una cinta que cala hondo. El total vigencia. El director Adam Smith quiso mismo artista lo dice en una de sus cancio- plasmar eso, pero también el hecho de que los nes: “I wonder how many dreams have gone gurús de la mezcladora no serían nada sin sus bad.” Rodriguez decidió guardar su guitarra. acólitos. Ya se sabe que los elementos visuales Le dio la espalda a los estudios de grabación con los que se hacen acompañar los Chemical para quedarse en su barrio y seguir viviendo Brothers son impactantes, así que las veintiún la épica del hombre común. A pesar de eso cámaras en las que se apoyó el documental se es una leyenda. utilizan sobre todo para introducirnos en la La redención de un músico, como queda “intimidad” de la multitud. Vemos claramente claro, puede llegar por los caminos más ines- las reacciones del público, acercamientos a perados. También le sucedió a Arnel Pineda, sus rostros extáticos que hacen sus propias un filipino que gracias a un video subido a coreografías al compás de los beats. Pocas YouTube se convirtió en el nuevo cantante veces la filmación de un concierto había sido principal de la legendaria banda ochentera tan efectiva para dejarnos ver el papel de los Journey y pudo dejar atrás una vida de drama asistentes de manera individual, más allá del y penurias. Don’t Stop Believin’: Everyman’s aullido colectivo. El mensaje de los Chemical Journey (2012), de Ramona S. Diaz, es un cuento Brothers es claro: no pienses, déjate llevar de hadas moderno, algo que ya habíamos visto por la religión de la música. Primero viene la ocurrir en los reality shows tan en boga en la catarsis, después tú sabrás qué hacer con tu década pasada o en YouTube mismo, pero no a cuerpo exhausto. esta escala. Sustituir a Steve Perry y hacer una Una presentación memorable ante un pú- gira mundial con Journey es algo en verdad blico memorable. La expresión nunca fue grande. Pineda vivía en las calles, pero un día más cierta, pues hay rostros que llegan a ser se despertó en una limusina. Y todo gracias a reconocibles al final del concierto. Aquí el un cover que demostraba que su voz podía ser público fiel encontró también su retribución. tan potente como la del antiguo frontman de una banda inmensamente popular. Otra cara de la misma moneda es The Che- mical Brothers: Don’t Think (2012), que da testimonio del concierto que este dúo dio en el Fuji Rock Festival de Japón en 2011. Tom Rowlands y Ed Simons han dominado la es-

180 He turned his back on his recording studios film’s twenty one cameras serve primarily to to stay in his neighborhood and live the life invite us to experience the “intimacy” of the of the common man. And despite all that, he crowd. We enjoy an up-close and clear picture is still a legend. of the reactions of the audience, ecstatic faces, The redemption of a musician clearly can and bodies creating their own choreographies happen through the most unexpected channels. to the rhythm of the beats. Rarely has a filmed That is also the case of Arnel Pineda, a Philip- concert been as effective in showing us the pine man who uploaded a video to YouTube role of individuals in the audience, beyond and became the new lead singer of the legend- the collective scream. The Chemical Brothers’ ary 1980s band Journey, leaving behind a life message is clear: Don’t think, let the religion full of hardship and drama. Ramona S. Diaz’s of music carry you away. First you experience Don’t Stop Believin’: Everyman’s Journey (2012) catharsis; much later you figure out how to is a modern fairy tale, a portrait of something overcome your exhaustion. that we have seen in popular reality shows or A memorable concert for a memorable on YouTube itself—yet never on this scale. To audience. The expression, never before so true, step in for lead singer Steve Perry and go on a is evinced by some recognizable faces after the world tour with Journey is truly remarkable. concert. The loyal audience has been rewarded. One day Pineda was living in the street, and the next day he found himself in a limousine. And all this because of a cover song that showed his voice could be as powerful as the voice of the front man of an immensely popular band. The other side of the same coin is The Chemical Brothers: Don’t Think (2012), a tap- ing of the concert that the duo performed at the 2011 Fuji Rock Festival in Japan. Tom Rowlands and Ed Simons have dominated the electronic music scene for two decades, but there was no official record of their powerful live concerts. The first thing the film makes clear is that the role of the disc jockey as high priest is still in full force. Director Adam Smith wanted to stress this fact and reveal that the sound-mixing geniuses would be nothing without their helpers. It is well known that the visual elements that the Chemical Brothers feature in their shows are impressive, so the

181 El cosmonauta de la memoria

Retrospectiva Chris Marker

Mauricio Montiel Figueiras

Al final de su valioso estudio Chris Marker: manera en que Marker (1921-2012) redefinió Memories of the Future, Catherine Lupton los ámbitos de la ciencia ficción, reduciéndolos lo capta concentrado en la recolección, la a claustros protofuturistas en dos espléndidas conservación y el análisis de imágenes de un incursiones dentro de este género. Tanto en presente que se derrumba de forma veloz e 2084 (1984), cortometraje hecho para celebrar irremediable: un arqueólogo por anticipado. un siglo de sindicalismo en Francia, como en Recluido en un departamento de París con las Level Five (1996), largometraje consagrado ventanas oscurecidas para impedir la entrada a la “tercera tragedia” de la isla de Okinawa de la luz, el hombre que se hace llamar Chris con el que Marker dijo adiós a los formatos Marker —su antifaz o seudónimo más cono- fílmicos convencionales para volcarse por cido— remite también a un anacoreta llegado entero al orbe cibernético —un adiós que de otra dimensión o más bien del porvenir; en encubrió de modo parcial un acto de fuga las pantallas de televisión que lo circundan se del cine—, los personajes habitan estancias alternan transmisiones vía satélite de China y cuyo nexo con el mundo exterior se traduce Corea y programas franceses, mientras que las en estímulos recibidos a través de pantallas cintas y los libros desparramados alrededor de donde las imágenes son manipuladas y re- la butaca donde él trabaja y duerme “como un contextualizadas (2084) o bien examinadas y mono anciano que no necesita cama” —dice cuestionadas no sin nostalgia (Level Five). En Lupton— evidencian una irrefrenable pasión estos austeros laboratorios visuales instalados por el viaje que ha durado una o quizá varias en un futuro posible, hombres y mujeres se vidas. Fiel a la naturaleza esquiva de su prota- empeñan en dar nuevo sentido y sobre todo gonista, este retrato de encierro e incluso de permanencia a las estampas del pasado al recogimiento tecnológico lleva a pensar en la otorgarles el estatus de memorias o heridas,

182 The Cosmonaut of Memory

Chris Marker Retrospective

At the end of her valuable book, Chris Marker: it to proto-futuristic cloisters in two splendid Memories of the Future, Catherine Lupton cap- explorations within the genre. tures her subject, an archaeologist ahead of his One of these explorations was 2084 (1984), time, collecting, conserving and analyzing im- a short celebrating a century of syndicalism ages of an irremediably fast-crumbling present. in France. The other was Level Five (1996), Secluded in a Paris apartment with the curtains a feature-length film devoted to Okinawa’s drawn to prevent light from entering, the man “Third Tragedy” in which Marker waved who calls himself Chris Marker—his best- good-bye to conventional film formats to fully known mask or pseudonym—also reminds embrace the cybernetic world—a farewell us of a hermit from another dimension, even that partially concealed a flight from film. from the future. The TV screens surrounding In both films the characters occupy rooms him alternate between satellite transmissions that are connected to the real world only from China and Korea and French program- through monitors where images are either ming, while the tapes and books around the manipulated and re-contextualized (2084) armchair where he works and sleeps—“Like or nostalgically examined and questioned an elderly monkey who has no use for a bed,” (Level Five). as Lupton says—demonstrate an unstoppable In these austere visual laboratories set in passion for traveling that has lasted one or a potential future, men and women strive to more life times. give images of the past a new meaning, and Loyal to its protagonist, this portrait of especially, permanence. They confer on them confinement, even of technological withdrawal, the status of memories or wounds, to use the reminds us of the way Marker (1921-2012) beautiful saying from La Jetée (1962): “Nothing redefined the field of science fiction, reducing distinguishes memories from ordinary mo-

183 para usar la bella distinción efectuada en La elegidos más como representantes que como Jetée (1962): “Nada diferencia los recuerdos leitmotivs: el gato y el búho. Tal anhelo por de los momentos habituales. Sólo se dan a desaparecer, por encontrar máscaras y borrarse conocer más tarde, cuando muestran sus ci- tras otras personalidades o personas, alcanzó catrices.” Dos décadas después de La Jetée, su cima a finales de los años sesenta y durante la fotonovela con que Marker se apartó del los setenta, cuando el hombre que optó por el documental para internarse con fortuna en nombre de batalla de Chris Marker se entregó el terreno de la ficción y específicamente de en cuerpo y alma a engendrar proyectos colec- la ciencia ficción, Sans soleil (1982) vino a tivos que revelaron una enorme firmeza en sus insistir en ese proceso de cicatrización de la compromisos políticos y sociales y de los que imagen mediante la metamorfosis a la que el en varias ocasiones llegó aun a retirar su firma camarógrafo y viajero húngaro Sandor Krasna en aras del grupo; ello ocurrió especialmente somete su fabuloso equipaje visual al enviarlo a con las películas impulsadas por la Sociedad la Zona, el espacio que funda su amigo japonés para el Lanzamiento de Obras Nuevas (SLON), Hayao Yamaneko con ayuda de una máquina establecida en 1967 para producir Loin du generadora de alteraciones digitales. (La Zona Vietnam, poderoso documental de protesta en de Sans soleil rinde homenaje a la Zona de el que participaron Jean-Luc Godard, Claude Stalker [1979], de Andréi Tarkovski, donde se Lelouch, Alain Resnais y Agnès Varda, entre pueden cumplir los deseos más íntimos.) La otros cineastas. Antes de la fusión con la colec- máquina imaginaria de Yamaneko prefiguraría tividad, sin embargo, estuvo la labor individual el programa real que Marker, según evoca Isaki en tres registros: como autor de Le cœur net Lacuesta en un tributo lúdico y notable titulado (1949), la única novela de Marker, donde se Las variaciones Marker (2007), inventó en los anuncian algunos motivos —el interés por la años noventa para ordenar sus planos al azar memoria y la subjetividad, la yuxtaposición de y por ende crear “nuevas e infinitas películas” perspectivas— que caracterizarían su filmo- suyas. Cicatrices inéditas e ilimitadas para la grafía; como colaborador de la revista Esprit, piel del mañana. donde con un sagaz vuelo ensayístico Marker Nacido en el suburbio parisino de Neuilly- mostró la elegancia y el ingenio que desplegaría sur-Seine, Christian-François Bouche-Ville- después en sus inconfundibles narraciones en neuve creyó siempre que la identidad era una off, y como editor de Editions du Seuil, donde especie de cicatriz que había que ocultar o al entre 1954 y 1958 el director —su debut como menos maquillar. Por eso, mago del disfraz, tal sucedió en 1952 con Olympia 52— coordinó decidió diseñar una cauda de álter egos que una serie heterodoxa de guías de viaje llama- recorrería su filmografía desde el inicio (Jacopo da Petite Planète. Compuesta por un total de Berenzi, Sandor Krasna, Fritz Markassin, Chris diecinueve volúmenes, la serie evidenció no Marker, Chris Villeneuve, Hayao Yamaneko) y sólo el irreductible talante errabundo de Mar- a la que se sumarían dos animales totémicos ker sino su destreza para tramar asombrosos

184 ments. Only later do they claim remembrance, or personae reached its peak in the late 1960s. when they reveal their scars.” During the 1970s, the man who chose the nom Two decades after La Jetée, the photonovel de guerre Chris Marker devoted his heart and that pushed Marker away from documentaries soul to collaborating in projects that displayed to successfully embrace fiction and specifi- the strength of his social and political commit- cally science fiction, Sunless (1982) continued ments, although on many occasions he with- this process of “scarring” the images via the drew his name from them. This commitment metamorphosis carried out by Sandor Krasna. showed particularly in the films promoted by A Hungarian cinematographer and traveler, the Society for Launching New Works (Société Krasna sends his fantastic visual baggage into pour la Lancement des Œuvres Nouvelles, or the Zone, the space that his Japanese friend SLON), established in 1967 to produce Far Hayao Yamaneko founded with the help of a from Vietnam, a powerful protest documentary machine that generates digital alterations. (The in which Jean-Luc Godard, Claude Lelouch, Zone in Sunless is an homage to the Zone in Alain Resnais, and Agnès Varda, among other Andrei Tarkovsky’s Stalker [1979], where the filmmakers, participated. most intimate desires can be fulfilled.) But before he embraced collaboration, Yamaneko’s imaginary machine foreshad- Marker worked individually in three realms: ows the real program that Marker invented in as a fiction writer, a contributor to Esprit maga- the 1990s, according to Isaki Lacuesta in his zine, and as editor of Editions du Seuil. In The playful tribute entitled The Marker Variations Forthright Spirit (1949), his only novel, Marker (2007), to randomly organize his scenes so explored the themes of memory, subjectivity, that he could create “new and infinite films.” and the juxtaposition of perspectives that Fresh, unlimited scars for the skin of tomorrow. would later characterize his filmography. In Born in the Paris suburb of Neuilly-sur- his essays for Esprit magazine he displayed the Seine, Christian-François Bouche-Villeneuve same shrewd sense of elegance and wit that he always believed that identity was a kind of would later show in his off-screen narrations. scar, something to hide or embellish. That’s As editor at Editions du Seuil between 1952 and why, being a wizard of disguise, he designed 1958, Marker, who had by this point debuted as a trail of alter-egos who populated his films a filmmaker with the 1952 release of Olympia from the beginning (Jacopo Berenzi, Sandor 52, prepared a heterodox travel series called Krasna, Fritz Markassin, Chris Marker, Chris Petite Planète (Small Planet). Consisting of Villeneuve, Hayao Yamaneko). These characters nineteen volumes, the series proved not only were joined by two totemic animals he chose Marker’s undeniable nomadic disposition but not so much as leitmotifs but as representa- also his gift for creating astounding visual nar- tives: the cat and the owl. ratives with seemingly disparate elements. This Marker’s yearning to disappear, to find characteristic would eventually relate him to masks and erase himself behind characters Joseph Cornell, the great New York artist who

185 relatos visuales con elementos en apariencia escrutar el presente desde un porvenir proba- dispares: un rasgo que se afinaría con el tiem- ble para prever su articulación como pasado, po para emparentarlo con Joseph Cornell, el el hombre que se hizo llamar Chris Marker gran artista neoyorquino que dio asilo a los se acordó lo mismo de la guerra de Argelia objetos huérfanos del mundo en cajas donde y su impacto en la ciudadanía francesa (Le se operan pequeños pero indiscutibles mila- joli mai, 1962) que de los movimientos que gros. A diferencia de Cornell, que prefirió el modificaron la faz social en los años sesenta viaje mental a regiones como Europa para y setenta (el ambicioso fresco titulado Le fond no dejar su casa-estudio en Queens, Marker de l’air est rouge, 1977). Se acordó de Vértigo se desplazó a lo largo y ancho del globo para (1958), de Alfred Hitchcock, al grado de alojar luego regresar a la penumbra de su caverna la escena rodada en el bosque de las secoyas platónica en París. Al igual que Cornell, Mar- milenarias a las afueras de San Francisco en ker se ocupó de recoger las cosas e imágenes un segmento de La Jetée y de visitar las loca- desechadas por la historia para concederles ciones californianas de la cinta en Sans soleil. un nuevo contexto, una residencia fija. Como Se acordó del golpe de estado chileno de 1973 las cajas feéricas de Cornell, las películas de y le dio una vuelta de tuerca para reubicarlo Marker están habitadas por una distinguida en una ciudad “muerta e indescifrable” que estirpe de mementos visuales. remite al París posapocalíptico de La Jetée En latín, la palabra memento es una forma (L’ambassade, 1973). Se acordó de tres maes- imperativa: “Acuérdate.” Mediante un arse- tros del cine y los homenajeó con inteligencia nal de dispositivos literarios que dieron un y profundidad en sendos retratos: Aleksandr cariz novedoso al documental —del ensayo Medvedkin (Le train en marche, 1971, y Le al diario de viaje, de la estructura epistolar tombeau d’Alexandre, 1993), Akira Kurosawa a la narración de bordes lírico-filosóficos—, (AK, 1985) y Andréi Tarkovski (Une journée Marker se convirtió en uno de los mayores d’Andrei Arsenevitch, 1999). Se acordó, lo que exponentes del género que el crítico André es más, de los objetos que el hombre crea sólo Bazin bautizó como film ensayo pero también, para obsequiarlos después al abandono y los y esto es más importante, cumplió a cabalidad rescató en Junkopia (1981), cortometraje que con la consigna latina parapetada tras los se realizó mientras se filmaba la sección de mementos que recolectó en su errancia por Sans soleil dedicada a Vértigo y que exhibe un nuestro “pequeño planeta”. Explorador de una grupo de esculturas ajadas por la intemperie subjetividad que nunca ignoró el orbe donde en Emeryville Mudflats: cristalizaciones del se inscribía, Marker se erigió poco a poco en paso voraz del tiempo y de los recuerdos que una mezcla de aventurero y depositario de se lleva el olvido. Una imagen desoladora que recuerdos propios y ajenos: el cosmonauta deviene metáfora de la memoria humana y de de la memoria humana, para acudir a la efigie los cosmonautas que luchan por preservarla futurista de Catherine Lupton. Aficionado a contra viento y marea.

186 sheltered orphaned objects in boxes, turning scene shot in the redwoods outside San Fran- them into small but indisputable miracles. cisco into a scene of La Jetée and visiting the Unlike Cornell, who preferred to imagine California locations in Sunless. He remembered Europe from his home/studio in Queens, the 1973 Chilean coup d’état by reassembling Marker travelled around the world before and setting it in a “dead, indecipherable” city going back to the shadows of his Platonic cave that evoked the post-apocalyptic Paris of La in Paris. Like Cornell, Marker collected things Jetée (The Embassy, 1973). He remembered and images discarded by history and gave them three film masters and paid homage to them a new context and a permanent home. Like with deep and intelligent portraits: Aleksandr Cornell’s magic boxes, Marker’s films contain Medvedkin (The Train Rolls On, 1971, and The a distinguished lineage of visual mementos. Last Bolshevik, 1993), Akira Kurosawa (AK, In Latin, the word “memento” is an impera- 1985) and Andrei Tarkovsky (One Day in the tive form: “Remember.” Through an arsenal Life of Andrei Arsenevich, 1999). of literary devices that gave a novel touch to Furthermore, in Junkopia (1981), a short the documentary genre—from essays to travel he filmed while he was working on theVertigo diaries and the epistolary form to lyrical and section of Sunless, he remembered and rescued philosophical narratives—Marker became the objects we acquire just to discard them, one of the major exponents of the essay film, in this case a series of sculptures corroded as defined by French critic André Bazin. But by the elements in the Emeryville Mudflats: more importantly, he followed, through his crystallizations of the voracious passage of wanderings around our “small planet,” the time and the memories that oblivion takes Latin meaning of the mementos he collected. away. The sculptures provide a devastating Explorer of a subjectivity that never ignored image, an image that becomes a metaphor of the world to which it belonged, Marker gradu- human memory and the cosmonauts who try ally became half adventurer and half recipient to preserve it against all odds. of his and other people’s memories: the cosmonaut of human memory, to echo Catherine Lupton’s futuristic portrait. Fond of examining the present from a probable future to foresee its construction as past, the man who called himself Chris Marker remembered the war in Algeria and its impact on the French people (Le joli mai, 1962) as well as the movements that changed the social fabric during the 1960s and 1970s (the ambitious A Grin Without a Cat, 1977). He remembered Alfred Hitchcock’s translations by Vertigo (1958) to the point of translating the mariana carreño king

187 188 DIRECTORIO DIRECTORY

DIRECCIÓN | DIRECTION Comité de Programación COMUNICACIÓN | DEPARTMENT OF Programming Team COMMUNICATION Consejo Directivo Ambulante A.C. Elena Fortes Board of Directors Ambulante Org. Mara Fortes Coordinadora de Comunicación Gael García Bernal Meghan Monsour Communications Coordinator Diego Luna Marie-Ève Parenteau Noemi Cuetos Pablo Cruz Antonio Zirión Coordinadora Editorial Consejo Honorario Ambulante A.C. Comité de Pre-Selección Editorial Coordinator Honorary Board Ambulante Org. Pre-Screening Team Lorena Gómez Mostajo Alejandro Ramírez Magaña Karla Castro Cuauhtémoc Cárdenas Batel Brenda Contreras Coordinadora de Difusión y Redes Daniela Michel Lorena Gómez Mostajo Sociales | Outreach and Social Media Misha Maclaird Coordinator Directora General Ambulante A.C. Mariana Velasco Director Ambulante Org. Corresponsales de Programación Elena Fortes Programming Correspondents Coordinadora de Prensa María Campaña Press Coordinator Directora Operativa | Managing Director Josetxo Cerdán Icunacury Acosta Marie-Ève Parenteau Hussain Currimbhoy Christine Davila Asistente de Prensa | Press Assistant Directora Ambulante Más Allá Denis de la Roca Rodrigo García Director Ambulante Beyond Niklas Engström Carolina Coppel Sean Farnel Diseño Gráfico | Graphic Design Mads Mikkelsen Juanjo Güitrón ADMINISTRACIÓN | ADMINISTRATION Veton Nurkollari Alejandro Magallanes Garbiñe Ortega Ana Laura Alba Administradora | Administration Roxana Alejo Curadoras de la sección Injerto Desarrollo Web | Web Development Programming Curators of Injerto TEORUS Asistente Administrativa Mara Fortes Administration Assistant Garbiñe Ortega PRODUCCIÓN | PRODUCTION Yvette Vergara Coordinador de Sedes y Eventos Paralelos Coordinadora de Producción PROGRAMACIÓN | PROGRAMMING Venues and Special Events Coordinator Production Coordinator Jonathan Martell Carolina Gómez Coordinadora de Programación Programming Coordinator Coordinador de Invitados Coordinadora de Logística Meghan Monsour Guest Coordinator Logistics Coordinator Álvaro Ramírez Marcela Hinojosa Asistente de Programación Programming Assistant Asistente de Invitados Coordinadora de Producción Ambulante Julieta Cuevas Guest Assistant Más Allá | Ambulante Beyond Production Raúl Alejandro Chávez Coordinator Cristina Valle

189 Coordinadora de Voluntarios y Vinculación Veracruz Registro fotográfico | Photographic record Liaison and Volunteer Coordinator Yamilet García Karloz Byrnison Karla Castro Baja California Delia Martínez Margarita González Asistentes de Producción Nuevo León Música Production Assistants Fabián García Adolfo Gurrola Coahuila Los Vega y Leo Heiblum Chloë Roddick Alejandra Peart Requinto Chiapas Claudio Naranjos Vega Coordinadora Beca Cuauhtémoc Irene Rojas Leona Moctezuma–AMBULANTE | Cuauhtémoc Jalisco Enrique Palacios Vega Moctezuma–AMBULANTE Grant Coordinator Judith Guzmán Jarana 2a Luciana Kaplan Michoacán Raquel Palacios Vega Ariana Castellanos Jarana 3a y Quijada Coordinadora Académica Ambulante Mayra Nuñez Freddy Naranjos Vega Más Allá | Ambulante Beyond Academic Oaxaca Zapateado Coordinator Juan Robles Rosario Cornejo Duckles María Inés Roqué Mosco, Palmas y Tabla Estrategia y Operación Cinépolis Leo Heiblum Tutores Ambulante Más Allá | Ambulante Cinépolis Strategy and Operations Beyond Tutors Miguel Rivera Locutor | Voice Christiane Burkhard Jimena Rodríguez Sánchez- Gael García Bernal Israel Cardenas Medal Armando de la Cruz Ana Luisa Cerqueda Animación | Animation Diego Delgado Paulina Villaseñor Memoma (Juan Arriagada) Pablo Fulgueira Bertín Mendoza Pedro Gómez Data to Film y Mezcla de Sonido Lucrecia Gutiérrez AUDIOVISUAL | AUDIOVISUAL DEPARTMENT Data to Film and Sound Mix Laura Guzmán LaboDigital Gabriel Hernández Coordinador Audiovisual Luciana Kaplan Audiovisual Coordinator Multicopiado 35 mm | 35mm Copies Sergio Morkin Armando de la Cruz New Art Lab Ernesto Pardo Joel Prieto Coordinador Técnico SERVICIO SOCIAL | INTERNS María Inés Roqué Technical Coordinator Carlos Rossini José Ángel Villegas Miriam G. L. Victoria Anaya Martha Uc Elsa Alejandra Ávalos Berenice Vásquez Coordinador Audiovisual Ambulante Más Allá Hernández José Villalobos Audiovisual Coordinator Ambulante Más Allá Nidia Castañeda de la Vega Xicoténcatl Santana Joshua Hernández Coordinadores por estado Mariana Hernández Camarillo State Coordinators Traducción & Subtitulaje Emily Kramer Distrito Federal Translation & Subtitling Margarita Kostova Patricia Ireta Azucena Benavides Yul Jacobo López Rivera Abril Serrano Miriam Jiménez Rodrigo Márquez Guerrero Marianna Ruvalcaba Karla Andrea Monroy Liquidano Natalia Velazco Carlos Santiago Puebla Diseño de Sonido | Sound Design Luis Parra Vargas Mariana Peláez Leo Heiblum Jeannie Sui Wonders

190 ÍNDICE DE REALIZADORES INDEX of DIRECTORS

130 Alegria, Oskar 101 Flaherty, Robert 92 Leonteva, 60 Rivero Uicab, 40 Altuna, Emiliano 28 France, David Nadezhda Carlos R. 64 Álvarez Medrano 103 Franju, Georges 52 Lerner, Jesse 92 Rodkevich, Sofia Flor de María 127 Frank, Herz 146 Lhomme, Pierre 78 Rodrigues, 103 Anger, Kenneth 107 Gailiunas, Paul 30 Lifshitz, Sébastien João Pedro 103 Baillie, Bruce 90 George, Sylvain 99 Lye, Len 86 Rodríguez, Marta 148 Bellon, Yannick 147 Godard, Jean-Luc 62 Magaña, Jaime 76 Ross, Bill 122 Bendjelloul, Malik 46 González-Rubio, 144-149 Marker, Chris 76 Ross, Turner 120 Berlinger, Joe Pedro 103,126 McLaren, Norman 40 Rossini, Carlos F. 70 Borg, Maja 34 Greenfield,Lauren 101 Mekas, Jonas 52 Rozental, Sandra 101 Brakhage, Stan 107 Grey, Julian 132 Moffatt, Tracey 116 Salfati, 99 Broughton, James 78 Guerra da Mata, 92 Moiseenko, Anna Pierre-Henry 110 Bulger, Jay João Rui 48 Moncada, 105 Schneemann, 107 Callard, Andrea 50 Gutiérrez, Diego Mercedes Carolee 72 Castaing-Taylor, 104 Hammer, Barbara 88 Moreh, Dror 92 Seregin, Anton Lucien 99 Hammid, 92 Mustafina,Madina 74 Seung-Jun, Yi 61 Chávez Carreño, Alexander 32 Nougaret, 86 Silva, Jorge Eloi Antonio 107 Hill, Helen Claudine 107 Siminiani, León 127 Chomón, 144,147 Ivens, Joris 61 Oliveros, Sara 112 Smith, Adam Segundo de 26 Jarecki, Eugene 44 Ortiz Maciel, 68 Staron, Wojciech 101,118 Clarke, Shirley 63 Jiménez Díaz, Adrián 62 Suárez Aguilar, 127 Cline, Edward F. Néstor A. 40 Osorno, Diego E. Concepción 103 Conner, Bruce 126 Jodoin, René 105 Painlevé, Jean 60 Torres Canul, 105 Cornell, Joseph 127 Keaton, Buster 72 Paravel, Veréna Glenny G. 136 Cousins, Mark 106 Keller, Marjorie 56 Paso, Joaquín del 56 Trzaska, Jan 103 Cuevas, Ximena 92 Khoreva, Elena 126 Plympton, Bill Pawel 99 D’Avino, Carmen 82 Klayman, Alison 36 Polley, Sarah 105 Uman, Naomi

24 Dencik, Daniel 92 Klebleev, Denis 42 Portillo Padua, 99,147,150 Varda, Agnès 32 Depardon, 138 Klein, Carlos Otilia 127 Veen, Joost van Raymond 147 Klein, William 63 Ramírez Guada- 84 Wiese, Marc 99 Deren, Maya 92 Kubasov, Dmitry rrama, Ana Isabel 126 Woloshen, Steven 114 Diaz, Ramona S. 92 Kurov, Askold 130 Ray, Man 92 Zhiryakov, Alexey 101 Drasin, Dan 106 Laboratorium 103 Reeves, Jennifer 134 Fiennes, Sophie 150 Lacuesta, Isaki 64 Rejón Cruz, Victor 54 Fiesco, Roberto 147 Lelouch, Claude 147 Resnais, Alain

191 ÍNDICE DE TÍTULOS INDEX of TITLES

107 11 Thru 12 110 Ciudado con el Sr. Baker

146 A Day In the Life of Andrei Arsenevich 28 Cómo sobrevivir una plaga

145 A Grin Without a Cat 107 Colección de Florestine, La

144 A Valparaíso 103 Cosmic Ray

144 ...à Valparaiso 126 Cow Who Wanted to Be a Hamburger, The

144 A.K. 150 Dans l’atelier de Chris Marker

52 Absent Stone, The 107 Daughters of Chaos

150 Agnès Varda in Chris Marker’s Atelier 107 De 11 a 12

82 Ai Weiwei: Never Sorry 61 De tres…uno

82 Ai Weiwei: nunca se arrepiente 107 Despiste

40 Alcalde, El 42 Diario a tres voces

103 All My Life 32 Diario de Francia

126 Alouette 127 Diez minutos mayor

132 Amor 101 Domingo

101 Anillo del asombro, El 114 Don’t Stop Believin’: Everyman’s Journey

68 Argentinian Lesson 138 Donde vuelan los cóndores

68 Argentynska Lekcja 56 Dream of San Juan

146 Beautiful May 105 Dyketactics

99 Bed, The 44 Elevador

110 Beware of Mr. Baker 44 Elevator

102 Blood of the Beasts 130 Emak Bakia

105 Borrado 130 Emak Bakia baita

86 Brickmakers 150 En el estudio de Chris Marker

101 Bridges-Go-Round 103 Ensayo de un crimen

122 Buscando a Sugar Man 24 Expedición al fin del mundo

99 Cama, La 24 Expedition to the End of the World

84 Camp 14 - Total Control Zone 147 Far from Vietnam

86 Campesinos 103 Fear of Blushing

84 Campo 14 – Zona de control total 60 Field 9

60 Campo 9 126 Fiesta Brava

107 Canción del antes de morir 103 Fireworks

26 Casa donde vivo, La 107 Florestine Collection, The

130 Casa Emak Bakia, La 145 Fond de l’air est rouge, Le

112 Chemical Brothers: Don’t Think, The 145 Fondo del aire es rojo, El

60 Chibal’Kan 107 Forgetfulness

86 Chircales 99 Free Radicals

192 61 From Three... One 32 Journal de France

103 Fuegos artificiales 146 Journée d’Andrei Arsenevitch, Une

105 Fuses 127 Kiriki acrobates japonais, Les

105 Fusibles 127 Kiriki acróbatas japoneses, Los

61 Future in Our Hands, The 127 Kiri-ki Japanese Acrobats, The

70 Future My Love 62 Koltavanej

61 Futuro en nuestras manos, El 78 Last Time I Saw Macao, The

70 Futuro mi amor 68 Lección Argentina

116 Gainsbourg by Gainsbourg: An Intimate 147 Lejos de Vietnam

Self-Portrait 147 Level 5

88 Gatekeepers, The 72 Leviatán

62 Guardianes del Mayab 72 Leviathan

88 Guardianes, Los 107 Límites: 1ª persona

62 Guardians of the Mayab 107 Limits: 1st Person

134 Guía de ideología del pervertido, La 147 Loin du Vietnam

99 Habitación, La 101 Lost, Lost, Lost

116 He venido a decirle… 132 Love

Gainsbourg por Ginzburg 48 Magic Words (To Break a Spell)

146 Hermoso mayo, El 150 Marker Variations, The

107 Hijas del caos 90 May They Rest in Revolt (Figures of Wars I)

36 Historias que contamos, Las 40 Mayor, The

26 House I Live In, The 103 Miedo a sonrojarse

28 How to Survive A Plague 145 Muelle, El

63 I Don’t Want to Say Goodbye 63 Nail, El

46 Inori 103 Neighbours

127 Interlude 147 Nivel 5

127 Interludio 63 No quiero decir adiós

92 Invierno, ¡lárgate! 149 On vous parle du Brésil: Tortures

30 Invisibles, Les 149 On vous parle du Chili: Ce que disait Allende

30 Invisibles, Los 127 One Week

30 Invisible Ones, The 99 Opéra-Mouffe, L’

101 Isla de los veinticuatro dólares, La 99 Ópera Mouffe, La

116 Je suis venu vous dire... 99 Opera Mouffe, The

Gainsbourg par Ginzburg 118 Ornette: Made in America

145 Jetée, La 48 Palabras Mágicas (para romper un

146 Joli mai, Le encantamiento)

193 50 Partes de una familia 148 Sans Soleil 50 Parts of a Family 130 Search for Emak Bakia, The 120 Paul Simon: Under African Skies 122 Searching for Sugar Man 86 Peasants 148 Sin sol 101 Perdido, perdido, perdido 107 Song before Dying 134 Pervert’s Guide To Ideology, The 148 Souvenir d’un avenir, Le 52 Piedra ausente, La 36 Stories We Tell 145 Pier, The 56 Sueño de San Juan, El 74 Planet of Snail 101 Sunday 74 Planeta del caracol 148 Sunless 99 Private Life of a Cat, The 76 Tchoupitoulas 101 Puentes giran, Los 127 Ten Minutes Older 90 Qu’ils reposent en révolte (Des figures 42 Three Voices de guerres I) 103 Toda mi vida 90 Que descansen en rebelión (Figuras de 149 Train en marche, Le guerras I) 149 Train Rolls On, The 136 ¿Qué es esta película llamada amor? 64 Tramas y trascendencias 54 Quebranto 149 Tren en marcha, El 34 Queen of Versailles, The 101 Twenty-Four-Dollar Island 99 Radicales libres 78 Última vez que vi Macao, La 103 Rayo cósmico 78 Última vez que vi Macau, A 148 Recuerdos del porvenir 146 Un día en la vida de Andrei Arsenevitch 103 Rehearsal for a Crime 127 Una semana 34 Reina de Versalles, La 146 Une journée d’Andrei Arsenevitch 148 Remembrance of Things to Come 126 Vaca que quería ser hamburguesa, La 105 Removed 144 Valparaiso 149 Report on Brazil: Tortures 105 Vampire, Le 149 Report on Chile: What Allende Said 105 Vampire, The 149 Reportes desde Brasil: Torturas 105 Vampiro, El 149 Reportes desde Chile: Lo que dijo Allende 150 Variaciones Marker, Las 64 Resilience 103 Vecinos 99 Room, The 99 Vida privada de un gato, La 105 Rose Hobart 136 What Is This Film Called Love? 54 Ruin 138 Where The Condors Fly 103 Sang des bêtes, Le 92 Winter, Go Away! 103 Sangre de las bestias, La 101 Wonder Ring, The 64 Sanjuana

194 PATROCINADORES SPONSORS

ártires d M e Ta Documenta cu e de le go en la Ciu ba n ra enero d s al dad ya G Gi e 2 20 id d 6 r u 0 1 H e 2 1 3 M , po 3 éx C i c o Fo E o l. g l te . E Ta ra S ., c n n l t c .A. de C.V a la e ir ub . s tá bu ir aj ay el s e logo Am m e c a, De igu re t ri on l. M la er imp stó mp minó de de 2500 eje Agradecemos profundamente a todas las personas que año con año suman fuerzas con nosotros para mantener a Ambulante rodando.

We would like to express our heartfelt gratitude to everyone who has helped to keep Ambulante rolling year after year

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