SONG TO SONG SCREENBOX

Ficha núm. 2.300 T.O.: SONG TO SONG NACIONALIDAD: ESTADOS UNIDOS Estreno Screenbox: 25-09-2.020 DURACIÓN: 129’ Estreno España: 25-09-2.020 AÑO: 2.017

WWW.SCREENBOX.CAT TEL: 630 743 981 PI I MARGALL, 26. LLEIDA

FICHA ARTÍSTICA do de la escena musical de Austin, BV: Texas. Faye: Cook: FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR: Rhonda: TERRENCE MALIK (Ottawa, Amanda: Estados Unidos, 30-11-1.943) Miranda: Holly Hunter -Vida Oculta (2.019) Zoey: Bérénice Marlohe -Song to Song (2.017) Duane: -: Life's Journey Lykke: Lykke Li (2.016) (Documental) Emma: Olivia Grace Applegate -Knight of Cups (2.015) Hermana de Faye: Dana Falcon- - (2.012) berry -El Árbol de la Vida (2.011) Madre de BV: Linda Emond -El Nuevo Mundo (2.005) Hermano de BV: Tom Sturridge -La Delgada Línea Roja (1.998) -Días del Cielo (1.978) FICHA TÉCNICA -Malas Tierras (1.973) Director: Guion: Terrence Malick PREMIOS Y PRESENCIA EN Productores: Nicolas Gonda, FESTIVALES (selección) Sarah Green, Ken Kao -Austin SXSW: Premiere Mundial Fotografía: (2017) Montaje: Rehman Nizar Ali, -International Online Cinema Hank Corwin, Keith Fraase Awards (INOCA): Nominada a la Mejor Película, al Mejor Director, a SINOPSIS la Mejor Actriz, a la Mejor Fotogra- Dos triángulos amorosos interre- fía y al Mejor Montaje (2.017) lacionados. Por un lado la pareja -Edinburgh International Film Festi- formada por los compositores val: Nominada al Premio del Público Faye y BV. Por otro lado el pro- (2.017) ductor musical Cook y su novia -Houston Film Critics Society camarera. Todos ellos persiguien- Awards: Nominada al Texas Inde- do el éxito mientras tropiezan con pendent Film Award (2.018) la obsesión y la traición en el mun-

TERRENCE MALICK SOBRE “SONG TO SONG” cuenta de que hay tantas imágenes ahora como habían en (publicado por Revista Fotogramas) el pasado”, ha declarado.

Pocas veces tenemos la oportunidad de escuchar hablar a Linklater ha querido destacar que las últimas películas de Terrence Malick. El cineasta, autor de películas tan alabadas Malick muestran un acercamiento diferente al cine, algo como “El Árbol de la Vida” o “La Delgada Línea Roja”, nunca en lo que el aludido ha estado de acuerdo. El cineasta ha ha sido muy aficionado a dejarse ver en presentaciones, apuntado a los progresos digitales como impulsores de conferencias o a conceder entrevistas, y es por eso que ese cambio en su manera de afrontar sus films. “En estos la sorpresa ha sido generalizada al verlo participar en tiempos de modernas tecnologías, puedes rodar muchas una conversación pública junto a Michael Fassbender y el imágenes en tan sólo 40 días. Llevó mucho tiempo cortar director Richard Linklater en el marco del festival SXSW. “Song to Song” hasta una duración manejable [el primer corte duraba ocho horas]. Teníamos suficiente material Malick ha hecho una excepción para hablar de su última como para contar la historia desde diferentes perspectivas”. película, “Song to Song”, protagonizada por Ryan Gosling y el propio Fassbender. El vídeo de la intervención ha sido Poco a poco, la conversación acabó derivando en un publicado por el perfil oficial de la película en Facebook, análisis más profundo del cine de Malick, en su proceso y se inicia con el acto ya en marcha. Aun así, podemos de exploración mediante la dirección. “Me cuesta trabajar escuchar algunos detalles interesantes de Malick y su con cosas preconcebidas, como los storyboards. Cuando proceso creativo, tanto en este último trabajo como en su algo se prepara demasiado, la vida se escapa de él”, ha carrera en general. asegurado.

“Es una inspiración trabajar con Michael”, declara Malick en LO QUE OPINA LA CRÍTICA sus primeras palabras en el vídeo, unas palabras que más (publicada por Alberto Sáez Villarino en tarde Linklater le dedicará también a él. Tras una batería de elantepenultimomohicano.com) preguntas del público, el cineasta habló un poco de su más reciente película. “No puedes vivir en Austin y escapar de la Walther von der Vogelweide, en uno de sus largos Tagelied, música”, confiesa como inspiración de su film, que se sitúa se recreaba mostrando una visión idealizada del amor, en la escena musical de la ciudad estadounidense, y que un amor puro y reconfortante que se desvanecía con la refleja una preocupación de Malick: situar por fin una de sus llegada del día. El minnesänger austríaco pretendió que ese películas en la actualidad. “Recuerdo sentirme tímido por momento, en el que se rompe la magia romántica, fuera eso, porque es difícil proyectarte en el presente. Creo que asignado a la parte onírica de su composición, para redimir, cuando haces una película contemporánea piensas en qué ya en la última estrofa, el sentimiento de pérdida en favor de imágenes no se han usado en la publicidad.... pero te das un desenlace optimista. Samuel Beckett retomaría la idea del poeta medieval en su “Da Tagte Es” y, en sólo cuatro versos, de que Faye es un elemento externo o, al menos, neófito daría la vuelta al sentido de su mensaje, optando por subrayar en este ambiente de glamurosa decadencia, por lo que la parte del desencanto, la conmoción dolorosa que suponía compone un informador poco fiable de los acontecimientos, tener la noción, por unos segundos, de haberlo perdido todo, ya que su capacidad perceptiva es incapaz de asimilar el de ver cómo la esencia de nuestra vida se evapora con la entramado sociopolítico sin dulcificar —al menos en un primer llegada de un día inmisericorde. Eso es precisamente lo que momento—, la escena de decrepitud que sí entenderemos hace Terrence Malick en su nueva película, “Song to Song”, cuando la conducción de la historia pase a manos de Cook. en la que aísla una parte decepcionante y onírica de una obra La voz en off fluctúa de personaje en personaje, presenta escrita mucho más extensa: la propia vida, y se recrea en la una variada polifonía de voces que consisten en fragmentos percepción introspectiva y en la asimilación de ese dolor. Los de pensamientos, oraciones inconclusas, gritos de auxilio personajes construidos por el director estadounidense se ahogados por el miedo a la soledad o terribles verdades que debaten en una lucha constante entre el sufrimiento interior morirán enterradas en el interior de un cuerpo desengañado. y el fingimiento exterior. Habitan en ese mundo de devaneos Gracias a Cook entenderemos de forma nítida las formas de que construye y da sentido a lo que conocemos como la relación del personaje frente al objeto. La apatía es la clave experiencia ontológica. En líneas generales, el cine ontológico definitoria del capitalismo extremo, donde el objeto, por su no presta tanta atención a las acciones e interacciones fácil adquisición, por la innecesaria lucha que su obtención de los protagonistas como a su estado de ánimo o a su representa o el inexistente esfuerzo para su consecución, deja capacidad de canalizar el torrente de sentimientos cruzados de tener valor para su poseedor, que lo mira con desprecio que desestabilizan su existencia. Malick trata de conectar agónico, incapaz de sentirse nunca satisfecho. Esto hace del al espectador con su ficción por medio de la conmoción; humano el verdadero objeto de deseo, el amor, el terror, la hacer que surjan en él las reacciones de asombro, rechazo, felicidad. Eso es lo que los personajes ansían y mueren por afinidad o exasperación que los personajes son incapaces de conseguir, aquello que les resulta imposible de obtener con evidenciar. Para ello, el filme planteará una serie de preguntas dinero. El mundo de Cook es un entorno fastuoso lleno de lujo inconclusas cuya intención nunca será ilustrarnos respecto a y depravación en el que sólo él puede sobrevivir; las personas una fórmula exacta que nos capacite para afrontar la vida con que, seducidas por su charlatanería y la opulencia de su éxito y felicidad, sino hacernos meditar al respecto de ciertas fachada, intenten penetrar, terminarán por manifestar una acciones sobre las que, por norma general, no nos detenemos incompatibilidad o rechazo que derivará en consecuencias a reflexionar. desagradables.

Así, del mismo modo que podemos sostener la teoría Malick vuelve a renunciar a la estructuración clásica del propuesta por Julio Cabrera en, “Cine: 100 Años de Filosofía”, relato, la narración oscila entre diferentes situaciones de en la que se afirmaba que la inmensa mayoría de los filmes cotidianeidad, saltando con una cámara inquieta “entre se basan en cuestiones ónticas —referidas a entes—: los canción y canción” para penetrar en las pretensiones de estados de ánimo de personas desconocidas, motivados por sus protagonistas, siempre enfocados mediante planos cuestiones de reconocimiento social, amorosas o materiales; abigarrados e inestables que juegan con la luz natural para existen muy pocas películas que podamos clasificar dentro iluminar la escena en función de la vitalidad del personaje del término ontológico, donde esa preocupación presente en que aparezca en pantalla, la luz se hace visible como un los personajes se manifiesta sin ningún motivo aparente y, elemento protagónico más, cobra sentido por sí misma, como en cierto sentido, por todo en general; son personas de una en un cuadro de Rembrandt, acentuando los momentos de sensibilidad extraordinaria cuya vida se fundamenta en un excitación, depresión, desagrado o incomprensión. Aquí es desasosiego primordial a causa del cuestionamiento constante donde entra en juego Rhonda, la última protagonista en sobre las implicaciones de su ser con respecto al mundo en el unirse a la historia, y la más susceptible a la incompatibilidad que habita. El acercamiento idiosincrático que sigue Malick en espacial. El discurso que proporciona Natalie Portman su última película busca profundizar en esta visión existencial tiende a la introspección y a la autocomprensión mediante el del personaje que habita en un plano ontológico construido cuestionamiento de su posición discordante. El director juega sobre tres pilares concretos que suponen la base fundacional entonces, aprovechando la poética cadencia de su trazo de su realidad: el éxito, el dinero y la felicidad inalcanzable. fílmico, a despojar la palabra de intenciones totalizantes. El Podemos atender a esta relación desde cuatro perspectivas pensamiento, la acción y la enunciación del mensaje siguen diferentes, correspondientes a los cuatro protagonistas sobre caminos dispares, como se puede apreciar en la escena los que se construye el argumento y que, de algún modo, de la boda entre Cook y Rhonda. Esta deconstrucción del trazarán una línea de actuación gravitacional en torno a Faye, logocentrismo es una metafórica visión del amor y el acto el personaje interpretado por Rooney Mara. Malick retoma — erótico, que aparece en pantalla como el único instante de parcialmente— la innominación como forma de acentuación conexión sincera entre personajes. Es en las escenas sexuales de los sentimientos. Pese a que los protagonistas sí se donde el director transgrede los límites del propio cuerpo, presentan con un nombre propio, éste funciona como simple consigue acallar la voz interior de sus protagonistas, el silencio recurso anecdótico, ya que no se utiliza como forma de se torna poesía adquiriendo una gravedad comunicativa interactuación, sino como mero etiquetado introductorio. tan importante como la propia palabra, de ahí el laconismo El individuo no es tan importante como el conjunto que de BV durante casi todo el metraje, a excepción de las representa, los personajes son simples estandartes de una secuencias de confrontación romántica; cuando se rompe la idea, por ello se mezclan actores interpretando a personajes armonía y surge la traición, su mente tiende a la inseguridad ficticios, actores que dan vida a actores indeterminados y el desequilibrio. Será gracias a la pericia del director de o músicos interpretándose a sí mismos —o a una versión fotografía, el mexicano Emmanuel Lubezki, que Malick esencializada de sí mismos—. consiga hacer de la naturaleza —auténtica musa del director— el verdadero foco de atención del relato. El contraste de los “Song to Song” abre, como es habitual en el realizador, con animales, de la vida salvaje, con la arquitectura posmoderna una voz en off, la de Faye, cuyo flujo de conciencia será y las formas excesivamente geométricas de los edificios y el aprovechado por Malick como herramienta para presentar interior de las mansiones adquiere una relevancia sublime al las cuestiones primordiales del filme. Es una narración presentarse como la alegoría de la profanación del paraíso. que destaca por su sonoridad y cadencia más que por El tránsito humano que contamina en su destructivo avance su relevancia argumental, los hechos que nos cuenta — el único espacio de tranquilidad y relajación disponible; un incapacidad de aferrarse a un sentimiento genuino; “hacía santuario de pureza natural destruido por la vanidad y el tiempo que todos los besos tenían la mitad de la intensidad egocentrismo. Es la totalización industrial mostrada con una que deberían”— no parecen tan interesantes como el estado finalidad sorprendente, buscando siempre la admiración afectivo de la protagonista. Sin embargo, lo que sí parece ser del espectador y no el rechazo taxativo. Terrence Malick no de especial relevancia para entender ese abatimiento vital es asombra por la originalidad de su estilo, de hecho, muchos el entorno: Texas emerge como un espacio de irreductible lo tacharán de reiterativo y monótono, pero consigue como incertidumbre dramática, donde el polvoriento escenario nadie evidenciar la equiparación absoluta de todos los desértico es sacudido por los amplificadores de bandas seres humanos a través de la razón logopática; cualquier como Red Hot Chili Peppers o Florence and the Machine, distinción social, económica o cultural que pueda existir en por las excentricidades kierkegaardianas de , o por el mundo moderno es desacreditada mediante la exploración los emotivos consejos de Patty Smith acerca del amor, lo introspectiva del individuo, siempre expuesto a una lógica efímero, la separación y la muerte. Pronto nos damos cuenta emocional de la que es incapaz de escapar.

Distribuidora: Avalon