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18 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE 18 INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

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TODAS LAS IMÁGENES POR / ALL IMAGES BY INKA & NICLAS (www.inka&niclas.com) Con Documenta Madrid 2021, nuestra ciudad abre un año más sus puertas al cine de lo real. Desde que en 2004 el Ayuntamiento de Madrid impulsara su primera edición, en una apuesta novedosa e innovadora, el festival ha acom- pañado el crecimiento y la maduración del cine documental y la rica explosión de su lenguaje, convirtiéndose en una cita ineludible para los profesionales del sector cinematográfico, el público y los medios de comunicación. Tras la pasada edición, marcada por lo inusual de las circunstancias, y realizada con gran éxito en diciembre, Documenta Madrid recupera su lugar como cita cultural imprescindible de la primavera madrileña. Madrid acoge un festival que ha demostrado su capacidad para adaptarse a las circunstancias, reafirmando así la apuesta del Ayuntamiento de Madrid por la organización de actividades culturales seguras. Luminoso, abierto, inclusivo y siempre a la cabeza del cine contem- poráneo, Documenta Madrid se ha convertido en estos ya 18 años de vida en una referencia internacional de un cine que explora y abre caminos, llevando el nombre de Madrid por todo el mundo, y situándose como un espacio de impulso a la creación, un lugar vivo y necesario. Una referencia para la creación, para los cineastas, para los artistas. Con Cineteca Madrid como sede principal, y estableciendo una tupi- da red de colaboraciones con instituciones de la ciudad, tejida a lo largo de los años, Documenta Madrid se abre como una ventana al mundo: una ventana para todos los madrileños, pero también para todo el país, que podrá asomarse al festival a través de su cuidada programación digital. En estos tiempos en los que el cine ha demostrado ser un espacio segu- ro, la celebración de un festival que mira al mundo, a la realidad, y nos invita a reunirnos en torno a las imágenes, es un motivo de celebración. Solo me queda invitaros a compartir con nosotros estos días de buen cine, el mejor cine, en una ciudad comprometida con la cultura y con el sector cinematográfico en unos momentos en los que, más que nunca, se requiere el apoyo de todos.

José Luis Martínez-Almeida Alcalde de Madrid

8 With Documenta Madrid 2021, our city is opening its doors back up again this year to cinema of the real. Ever since the City Council of Madrid took a chance on this novel and innovative festival for the first time in 2004, it has grown and matured alongside documentary cinema and the rich explosion of its language to become a major event for professionals in the film sector, for the public and the mass media. After last year’s edition, which was marked by such unusual circum- stances and went off with great success in December, Documenta Madrid regains its spot as an unmissable cultural event in the springtime in Madrid. Madrid hosts a festival that has proven itself to be adaptable to the circum- stances, thus reaffirming the City of Madrid’s commitment to organizing safe cultural activities. Luminous, open, inclusive and always at the forefront of contemporary cinema, Documenta Madrid has become a benchmark in its now 18 years of existence, exploring and opening up new paths, taking the name of Madrid across the world, and making it into a necessary and living place for supporting the creative arts. A reference point for creativity, for filmmakers, for artists. With the Cineteca Madrid as its main venue, and thanks to a long held, tightly knit network of collaborations with institutions across the city, Docu- menta Madrid opens up like a window to the world: a window for everyone, not just in Madrid, but for the entire country as well, who will get the chance to enjoy the festival’s carefully curated online programming. In these times when cinemas have proven to be safe spaces, holding a festival that looks at the world, at reality, and that invites us to come together around the images, is a reason for celebration. Without further ado, let me invite you all to share in these days of good cinema, the best cinema, in a city committed to culture and the film sector at a time when, more than ever, everyone’s support is needed.

José Luis Martínez-Almeida Mayor of Madrid

9 Documenta Madrid alcanza la mayoría de edad: dieciocho años, dieciocho ediciones abriendo un espacio para el cine de lo real, y todas sus ramifi- caciones, primero en Madrid, y ahora también para todo el país, a través de las proyecciones online. Nacido como un festival especializado en documentales, desde su origen albergó la semilla de un cine abierto, libre y luminoso. En esta edición, Documenta Madrid redobla su apuesta por el cine más allá de su forma, definición, género o duración. El festival ha visto pasar muchas, cientos, miles de películas, cineastas, invitados, jurados, directores, y es ahora, al cumplir dieciocho ediciones, cuando mira atrás y abraza a todas y todos. Documenta Madrid es un festival de cine, y así nos gusta presentarlo. La edición de este año consolida y amplía muchas de las ideas que comenzamos a presentar en el festival el año pasado. Dado el notable grado de experimentación y audacia formal que brilla en las películas de la selección, la sección competitiva Fugas se transforma en el premio Fugas a la innovación, que ahora se otorgará, tanto en la competencia Internacional como en la Nacional a cualquier película, independiente- mente de su forma, género o duración. Otra distinción clásica que tam- bién hemos querido poner en cuestión es la que separa lo histórico de lo contemporáneo, ya que las épocas están en constante diálogo. Así presentamos una nueva sección llamada Back and Forth (en honor a la película de Michael Snow, cineasta con una idea igualmente abierta del cine), que reúne nuevos trabajos, minirretrospectivas y restauraciones de películas históricas, clásicas o desconocidas, con la idea de forjar vínculos entre diferentes tradiciones cinematográficas e historiografías de todo el mundo que se extienden desde el pasado hasta 2021. De acuerdo con su naturaleza abierta, Back and Forth también se expande más allá de las salas de Cineteca, situando el festival también en el Círculo de Bellas Artes y manteniendo nuestra fructífera colaboración con Filmin, que mostrará una serie de obras en exclusivaonline, junto al programa de la Competición Internacional.

10 Estamos igualmente felices de seguir trabajando con algunas de las instituciones más respetadas de la ciudad en las retrospectivas de este año. En la Filmoteca Española tendrán lugar las retrospectivas integrales dedi- cadas al singular director senegalés Djibril Diop Mambéty y a su no menos famosa sobrina Mati Diop. Las películas del artista y cineasta británico Luke Fowler se exhibirán en el Museo Reina Sofía, y su atractiva y alegre Patrick será la película de apertura del festival. En este 2021, aún complicado y doloroso para muchas personas, se- guimos creyendo que Documenta Madrid tiene que ser un espacio de luz y descubrimiento. Es por eso que las imágenes que guían este año el festival, a cargo de los artistas Inka & Niclas, nos invitan a mirar el mundo con la esperanza de encontrar personas y paisajes capaces de transformar la realidad en un lugar mejor. Eso creemos que debe ser un festival de cine como Documenta Madrid: ese umbral misterioso que se abre a muchas visiones posibles.

Cecilia Barrionuevo y James Lattimer Comisarios artísticos

Gonzalo de Pedro Amatria Director artístico Cineteca Madrid

11 Documenta Madrid has come of age: eighteen years, eighteen editions opening up a space for the cinema of the real, and all its ramifications, first in Ma- drid, and now for the whole country as well through online screenings. Born as a festival specializing in documentary film, it has from its beginnings held the seed of an open, free and luminous cinema. This year’s Documenta Madrid doubles down on its commitment to cinema beyond its form, definition, genre and duration. Hundreds, thousands of films, filmmakers, guests, juries, directors have made their way through the festival, and it is now, in its eighteenth edition, that it looks back and embraces them all. Documenta Madrid is a film festival, and that’s how we like to present it. This year’s edition consolidates and extends many of the ideas that we started introducing to the festival last year. Given the remarkable sense of experimentation and formal daring on display across all the films in the selection, the Fugas competitive section is getting transformed into the Fugas Award for Innovation, which is now to be awarded in both the International and National competitions to any film, regardless of its form, genre or duration. Another classic distinction which we also want to place in question is that which separates the historical from the contemporary, as the two are in constant dialogue. With this in mind, we are presenting a new section called Back and Forth (named after the film by Michael Snow, a filmmaker with an equally open grasp of cinema), which brings together new work, mini-retrospectives and restorations of historical films, whether classic and unknown, with the idea being to forge links between different cinema traditions and historiographies from across the world that stretch from the past all the way into 2021. In keeping with its open nature, Back and Forth also extends beyond our home venues at the Cineteca, returning the festival to the Círculo de Bellas Artes and maintaining our fruitful collaboration with Filmin.es, who will also be showing a range of works exclusively online, together with the International Competition programme.

12 We are equally happy to continue working with some of the city’s other most respected institutions on this year’s retrospectives. The Filmoteca Española will be hosting the complete retrospectives dedicated to the singular Senega- lese director Djibril Diop Mambéty and his no less storied niece Mati Diop. Brit- ish artist and filmmaker Luke Fowler’s films will be shown at the Museo Reina Sofía, and his engaging and joyful Patrick will be the festival’s opening film. In this 2021, still complicated and painful for many people, we continue to believe that Documenta Madrid must be a space of light and discovery. For this reason, the images guiding this year’s festival, by the artists Inka & Niclas, invite us to look at the world in the hope of finding people and landscapes capable of transforming reality into a better place. That’s what we believe a film festival like Documenta Madrid should be: that mysterious threshold that opens up to many possible visions.

Cecilia Barrionuevo and James Lattimer Artistic curators

Gonzalo de Pedro Amatria Artistic director Cineteca Madrid

13 ÍNDICE INDEX • PREMIOS / AWARDS...... 16 • BACK AND FORTH EPHRAIM ASILI...... 114 • JURADOS / JURY...... 19 FORUGH FARROJZAD / PEDRO COSTA...... 116 • SECCIONES COMPETITIVAS / TATJANA IVANČIĆ...... 118 COMPETITIVE SECTIONS ABBAS KIAROSTAMI...... 120 MANUELA DE LABORDE...... 122 COMPETICIÓN INTERNACIONAL LOURDES PORTILLO...... 124 INTERNATIONAL COMPETITION...... 31 JOCELYN SAAB...... 126 COMPETICIÓN NACIONAL DAÏCHI SAÏTO...... 128 NATIONAL COMPETITION...... 45 FREDERICK WISEMAN...... 129 CORTE FINAL...... 59 MARÍA ALCHÉ, FABRICE ARAGNO, JAMES N. KIENITZ WILKINS, LAILA • SECCIONES INFORMATIVAS / PAKALNINA, NICOLÁS PEREDA, INFORMATIVE SECTIONS JOHN SMITH...... 130

PASES ESPECIALES / SPECIAL • ACTIVIDADES / ACTIVITIES SCREENINGS REBVELADOS DOCUMENTA...... 136 - INAUGURACIÓN. ON DOCUMENTA...... 137 Patrick...... 68 - ENTREGA DE PREMIOS. • INFORMACIÓN ÚTIL / USEFUL Camino incierto...... 69 INFORMATION - APERTURA FILMIN. El ojo del turista: XIII piezas SEDES DEL FESTIVAL fáciles...... 70 FESTIVAL VENUES...... 142 - CLAUSURA FILMIN. The Annotated Field Guide ENTRADAS / TICKETS...... 144 of Ulysess S. Grant...... 71 EQUIPO DOCUMENTA LUKE FOWLER: UNA CIERTA MADRID 2021 PREDILECCIÓN POR COSAS FUERA DOCUMENTAMADRID DE LO COMÚN 2021 STAFF...... 146 A CERTAIN PREDILECTION FOR THINGS OUT OF THE ORDINARY: ÍNDICE DE PELÍCULAS THE FILMS OF LUKE FOWLER...... 72 INDEX BY FILMS...... 148

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI AGRADECIMIENTOS DIOP: DIFERENTES VERSIONES DEL ACKNOWLEDGEMENTS...... 159 MISMO SOL DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP: DIFFERENT VERSIONS OF THE SAME SUN...... 95 PREMIOS SECCIÓN OFICIAL

COMPETICIÓN INTERNACIONAL

Películas de producción o coproducción internacional o nacional, sin límites de duración, no exhibidas en Madrid.

• Premio del Jurado a la mejor película. Dotado con 10.000 €. • Premio Fugas a la innovación y voluntad de cruzar fronteras. Dotado con 5.000 €.

COMPETICIÓN NACIONAL

Películas de producción o coproducción española, así como obras realizadas por directo- ras/es españolas/es, sin límites de duración, no exhibidas en Madrid.

• Premio del Jurado a la mejor película. Dotado con 10.000 €. • Premio Fugas, a la innovación y voluntad de cruzar fronteras. Dotado con 5.000 €. • Premio Joven CineZeta. Diploma.

PREMIOS DEL PÚBLICO

Las películas en cualquiera de las competiciones optan además a los siguientes premios, otorgados de conformidad con la puntuación del público asistente mediante votaciones emitidas tras su proyección.

• Premio del Público Cineteca Madrid. Competición Internacional. Dotado con 1.000 €. • Premio del Público Cineteca Madrid. Competición Nacional. Dotado con 1.000 €.

CORTE FINAL • Premio Corte Final. Dotado con 4.000 €.

16 AWARDS OFFICIAL SECTION

INTERNATIONAL COMPETITION

International or Spanish productions or co-productions, with no limits on duration, never before screened in Madrid.

• Jury Prize for best film. Consisting of €10,000. • Fugas Award for innovation and a willingness to transcend standard boundaries. Consisting of €5,000.

NATIONAL COMPETITION

Spanish productions or co-productions, as well as works made by Spanish directors, with no limits on duration, never before screened in Madrid.

• Jury Prize for best film. Consisting of €10,000. • Fugas Award for innovation and a willingness to transcend standard boundaries. Consisting of €5,000. • CineZeta Young Award. Diploma.

AUDIENCE AWARDS

All films in competition are also eligible for the following awards, to be granted according to scores calculated using votes cast by audiences after their screening.

• Cineteca Madrid Audience Award International Competition. Consisting of €1,000. • Cineteca Madrid Audience Award National Competition. Consisting of €1,000.

CORTE FINAL • Corte Final Award. Consisting of €4,000.

17 JURADO JURY Sofia Bohdanowicz Chema González Zsuzsanna Kiràly Rebecca De Pas Javier Fernández Vázquez Elena Gorfinkel Jurado Joven CineZeta Maria Bonsanti Virginia García del Pino JURADO COMPETICIÓN INTERNACIONAL INTERNATIONAL COMPETITION JURY

SOFIA BOHDANOWICZ

Directora de cine / Polonia - Canadá - Francia Premiada cineasta de Toronto, es la fundadora de la productora Maison du Bonheur. Se han proyectado retrospectivas de su obra en el BAFICI, The Seattle Northwest Film Forum, Cinemateca de Bogotá, DocLisboa y en el Festival du nouveau cinéma. En 2017, la Asociación de Críticos de Cine de Toronto le otorgó el premio Jay Scott y en 2018 fue nominada al premio Rogers a la mejor película canadiense por su documental Maison du bonheur. Su tercer largometraje, MS Slavic 7, que tuvo el honor de ser portada de Cinema Scope y del periódico argentino Página/12, se estrenó en la Berlinale y se presentó en el Harvard Film Archive. Bohdanowicz tiene el Máster de Producción de Cine de la Uni- versidad de York, fue alumna de Berlinale Talents, así como de TIFF Talent Accelerator. Actualmente trabaja en su cuarta película titulada A Portrait, que ganó el premio Kodak-Silverway durante el laboratorio de coproducción del FIDMarseille (Festival de Cine Documental de Marsella).

Film director / Poland - Canada - France Award-winning filmmaker from Toronto, she is the founder of the production company Maison du Bonheur. She has had retrospectives of her work screened at BAFICI, The Seattle Northwest Film Forum, Cinemateca de Bogotá, DocLisboa and Festival du nouveau cinéma. In 2017, the Toronto Film Critics Association awarded her the Jay Scott Prize and in 2018 she was nominated for the Rogers Prize for Best Canadian Film for her documentary Maison du bonheur. Her third feature film,MS Slavic 7, graced the cover of Cinema Scope and the Argentinian newspaperPágina/12, premiered at the Berlinale and was featured at the Harvard Film Archive. Bohdanowicz is an MFA graduate of York University’s Film Production program, an alumni of Berlinale Talents as well as the TIFF Talent Accelerator. She is currently in development on her fourth feature film titled A Portrait which won the Kodak and Silverway Award during FIDMarseille’s co-production lab.

JURADOS | JURIES 19 JURADO COMPETICIÓN INTERNACIONAL INTERNATIONAL COMPETITION JURY

CHEMA GONZÁLEZ

Programador, comisario y trabajador cultural / España Ha explorado las relaciones entre el arte contemporáneo y la imagen en movimiento y ha realizado una amplia programación audiovisual en el campo del ensayo fílmico, del cine experimental y del cine de autor en el Museo Reina Sofía, centro cuya programación de cine y vídeo di- rige desde 2012. Como ejes en este trabajo: recuperar miradas silenciadas que reescriban las historias del cine, conectar la práctica fílmi- ca con un espacio político y teórico comprometido y entender el cine como un arte determinante para transformar nuestra construcción del mundo. En la actualidad es jefe de actividades culturales y audiovisuales del Museo Reina Sofía, institución en la que, junto al cine, desarrolla un amplio y transversal programa de debate crítico. Entre los ciclos recientes, destacanFuturos posibles. Cine y mundos por venir (2021), Guy Debord y René Viénet, del letrismo al situacionismo (junto a Ma- nuel Asín, 2020), El último Godard. Imágenes después de la implosión (2020), Nada pasa, todo cambia. Retrospectiva de Chantal Akerman (2019) y Sarah Maldoror: Poeta y cineasta de la negritud, en colabora- ción con Documenta Madrid (2019).

Culture programmer, curator and worker / Spain He has explored the relationship between contemporary art and motion pictures and has done extensive audiovisual programming in the field of film essays, experimental film and auteur cinema at the Reina Sofía Mu- seum, whose film and video programming he has directed since 2012. As the main areas of this work: recovering silenced visions that might re- write the histories of cinema, connecting the practice of filmmaking with a committed political and theoretical space, and understanding film as an art vital to transforming our construction of the world. He is currently the head of cultural and audiovisual activities at the Museo Reina Sofía, an institution where, along with film, he also leads a wide-ranging and transversal program of critical debate. Some of the most notable recent events include: Possible Futures: Cinema and Worlds to Come (2021), Guy De- bord and René Viénet, from Lettrism to Situationism (along with Manuel Asín, 2020), Late Godard: Images After the Implosion (2020), Nothing Happens, Everything Changes: A Chantal Akerman Retrospective (2019) and Sarah Maldoror: Négritude Poet and Filmmaker in collaboration with Documenta Madrid (2019).

20 JURADOS | JURIES JURADO COMPETICIÓN INTERNACIONAL INTERNATIONAL COMPETITION JURY

ZSUZSANNA KIRÀLY

Productora de cine / Alemania Estudió Ciencias de la Comunicación en Viena y en Berlín. Desde 2009 hasta 2020 trabajó en Komplizen Film como Jefa de Desarrollo. Su labor de producción para la compañía incluye A Tale of Three Sisters, de Emin Alper; Western, de Valeska Grisebach; Toni Erdmann, de Maren Ade; Arabian Nights, Tabu y Redemption, de Miguel Gomes, o Slee- ping Sickness, de Ulrich Köhler, entre muchos otros. En 2011, entró en el equipo editorial de Revolver, Zeitschrift für Film. Ha formado parte del comité de preselección del TorinoFilmLab desde 2013. Desde 2015, también ha producido películas de ficción y documentales experimen- tales con su propia productora, Flaneur Films, impulsando títulos como Take What You Can Carry (2015), de Matt Porterfield;Muito Românti- co (2016), de Melissa Dullius y Gustavo Jahn;Phantasiesätze (2017), de Dane Komljen. Más recientemente, ha producido Afterwater, de Dane Komljen; Outside Noise, de Ted Fendt; Two Minutes to Midnight de Yael Bartana y A Flower in the Mouth, de Eric Baudelaire.

Film producer / Germany She studied Communication Science in Vienna and Berlin. From 2009 to 2020 she has worked in Komplizen Film as Head of Development. Her production work for the company includes Emin Alper’s A Tale of three Sisters, Valeska Grisebach’s Western, Maren Ade’s Toni Erdmann, Miguel Gomes’s Arabian Nights, Tabu, and Redemption, Ulrich Köhler’s Sleeping Sickness, and many others. In 2011, she joined the editorial team of Revolv- er, Zeitschrift für Film. She has been part of the TorinoFilmLab’s preselec- tion committee since 2013. Since 2015, Zsuzsanna has also been producing experimental fiction and documentary films with her own production company Flaneur Films. These titles include Matt Porterfield’s Take What You Can Carry (2015), Melissa Dullius and Gustavo Jahn’s Muito Românti- co (2016), Dane Komljen’s Phantasiesätze (2017) and most recently: Dane Komljen’s Afterwater, Ted Fendt’s Outside Noise, Yael Bartana’s Two Min- utes to Midnight and Eric Baudelaire’s A Flower in the Mouth.

JURADOS | JURIES 21 JURADO COMPETICIÓN NACIONAL NATIONAL COMPETITION JURY

REBECCA DE PAS

Programadora cinematográfica / Italia - República Checa Tras graduarse en Cinematografía con una tesis sobre “Eurimages y el Nuevo cine europeo”, Rebecca De Pas empezó a trabajar para festivales en 2004 en la Filmoteca de Bolonia. Tras adquirir experiencia en Italia, Francia y España, se incorporó al FID Marseille en 2009 donde trabajó durante once años como programadora y como codirectora del FID Lab, la plataforma de coproducción internacional. En 2018 fue ase- sora de programación del Viennale. Ha formado parte del comité de selección de Berlinale Talents, ha sido mentora del Feature Expanded Training Program, directora artística de lasJournées Cinématographi- ques Dionysiennes, encargada del programa de formación Ex Oriente Film, y también ha colaborado en la programación del La Roche sur Yon IFF y ha servido de enlace de la sección Orizzonti del Festival Interna- cional de Cine de Venecia, el Riviera Maya Film Festival de México y el Environmental Film Festival de París. En septiembre de 2019, se unió al equipo de Visions du Réel como programadora y en 2021 codirige un estudio independiente encargado por Eurimages para rediseñar el esquema de apoyo del Lab Projects Award.

Film programmer / Italy - Czech Republic After graduating in cinema studies with a dissertation on “Eurimages and the New European Cinema” Rebecca De Pas started working for festivals in 2004, at the Bologna Film Archive. After different experiences in Italy, France and Spain, in 2009, she joined FID Marseille where she served for 11 years as programmer as well as co-head of the FID Lab, the international co-production platform. In 2018 she became program advisor for the Viennale. In the past she has been in the selection committee of the Berlinale Talents, mentor for the Feature Expanded Training Program, artistic director of the Journées Cinématographiques Dionysiennes, manager of the training program Ex Oriente Film and she collaborated in the programming of La Roche sur Yon IFF, as matchmaker for the Orizzonti section of the Venice IFF, the Riviera Maya Film Festival in Mexico and the Environmental Film Festival of Paris. Starting by September 2019 Rebecca joined Visions du Réel team as programmer, in 2021 she was co-directing an independent study commissioned by Eurimages for the re-shaping of the Lab Projects Award support scheme.

22 JURADOS | JURIES JURADO COMPETICIÓN NACIONAL NATIONAL COMPETITION JURY

JAVIER FERNÁNDEZ VÁZQUEZ

Director de cine, realizador e investigador en cultura visual / España Bilbao, 1980. Tras estudiar Comunicación Audiovisual en la Universi- dad del País Vasco, se diploma en Dirección de Cine por la ECAM con un cortometraje de ficción:Señales de indiferencia (2007), ganador del premio al mejor cortometraje internacional en FIC Valdivia 2008. En 2008 fundó el colectivo Los Hijos, junto a Luis López Carrasco y Natalia Marín Sancho. Su primer largometraje, Los materiales (2010), ganó el premio Jean Vigo a la mejor dirección en el Festival internacional de cine documental Punto de Vista. Entre sus siguientes trabajos destacan Enero 2012 o la apoteosis de Isabel La Católica (2012) y Ár- boles (2013). La trayectoria de Los Hijos fue objeto de una retrospectiva en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. En 2015, Javier Fernández Vázquez inició su carrera académica en el ámbito de la an- tropología, la cual le ha llevado a investigar temas relacionados con la memoria, la historia social y el colonialismo.Anunciaron tormenta (2020), una investigación sobre el pasado colonial español en Guinea Ecuatorial, es su primer largometraje en solitario y fue estrenado en Berlinale 2020.

Film director, filmmaker and researcher in visual culture / Spain Bilbao, 1980. After studying Audiovisual Communication at the University of the Basque Country, he graduated in Film Directing from the ECAM with a short fiction film: Señales de indiferencia (2007), which won the best international short film award at the 2008 FIC Valdivia. In 2008, he founded the collective Los Hijos together with Luis López Carrasco and Natalia Marín Sancho. His first feature film Los materiales (2010) won the Jean Vigo Award for Best Director at the Punto de Vista International Documen- tary Film Festival. Some of his most notable later work includes Enero 2012 o la apoteosis de Isabel La Católica (2012) and Árboles (2013). A retrospective was done on the work made by Los Hijos at the Mar del Plata Interna- tional Film Festival. In 2015, Javier Fernández Vázquez began his academic career in the field of anthropology, which has led him to researching issues related to memory, social history and colonialism. Anunciaron tormenta (2020), an investigation into Spain’s colonial past in Equatorial Guinea, is his first solo feature film and it premiered at the 2020 Berlinale.

JURADOS | JURIES 23 JURADO COMPETICIÓN NACIONAL NATIONAL COMPETITION JURY

ELENA GORFINKEL

Comisaria, programadora y profesora / EE UU - Reino Unido Estudiosa y crítica de cine establecida en Londres, donde es profesora especializada de Estudios Cinematográficos en el King’s Colle- ge. Escribe sobre cine experimental, underground y de mujeres, cine estadounidense posterior a la década de 1960 y cine contemporáneo mundial. Es autora de Lewd Looks: American Sexploitation Cinema in the 1960s (Minnesota, 2017), y coeditora de Taking Place: Location and the Moving Image (Minnesota, 2011) y de Global Cinema Networks (Rut- gers, 2019). Su proyecto de libro más reciente sobre “cines de extenua- ción”, obtuvo la beca Arts Writer de la Fundación Andy Warhol en 2018. También trabaja en dos pequeños libros: uno sobre Wanda de Barbara Loden (BFI Film Classics) y otro sobre la “teoría del atrezo”, con John David Rhodes. Sus críticas se publican en Sight & Sound, Art Monthly, Cinema Scope, Another Gaze y otras publicaciones.

Curator, programmer and lecturer / USA - United Kingdom Film scholar and critic based in London, where she is Senior Lecturer in Film Studies at King’s College London. She writes about experimental, underground and women’s filmmaking, post 1960s US filmmaking, and contemporary global cinemas. She is the author of Lewd Looks: American Sexploitation Cinema in the 1960s (Minnesota, 2017), and co-editor of Tak- ing Place: Location and the Moving Image (Minnesota, 2011) and Global Cinema Networks (Rutgers, 2019). Her latest book project on “cinemas of exhaustion” was awarded an Andy Warhol Foundation Arts Writers Grant in 2018. She is also at work on two small books one on Barbara Loden’s Wanda (BFI Film Classics) and another on the “theory of the prop” with John David Rhodes. Her criticism appears in Sight & Sound, Art Monthly, Cinema Scope, Another Gaze, and other publications.

24 JURADOS | JURIES JURADO JOVEN CINEZETA CINEZETA YOUNG JURY

LUIS ACEITUNO PIZARRO, SARA DOMÍNGUEZ LÓPEZ, FIDEL ENCISO DURÁN, RODRÍGO GARCÍA FERNÁNDEZ-PALOMERO, TAYRI PAZ GARCÍA MEDINA, CLARA GIMÉNEZ LORENZO, TANIA HERNÁNDEZ GONZÁLEZ, DANIEL HERRERO MOLINERO, CARMEN CAMILA DE LUCAS, FIDEL OJEA GONZÁLEZ

Por primera vez Documenta Madrid contará con un jurado de la juventud compuesto por los diez miembros de CineZeta, el equipo de jóve- nes programadores de Cineteca, quienes tendrán la responsabilidad de otorgar el Premio Joven CineZeta a la mejor película de entre aque- llas que compiten en la sección nacional. CineZeta es un programa dirigido a jóvenes menores de 26 años en el que aprenden de primera mano el oficio de programación cine- matográfica, llevando sus propias propuestas cada sábado a la pantalla de la Sala Borau de Cinteca Madrid.

For the first time Documenta Madrid will be featuring a young jury made up of the ten young film programmers at the Cineteca —CineZeta—, who will be responsible for granting an award for best film from among those competing in the national section. CineZeta is a program that gives young people under the age of 26 the opportunity to learn first-hand the trade of film programming, bringing their own proposals to the screen of Cineteca’s Sala Borau every Saturday.

JURADOS | JURIES 25 JURADO CORTE FINAL CORTE FINAL JURY

MARIA BONSANTI

Programadora y gestora cultural / Italia - Francia María Bonsanti se ha labrado un sitio en el mundo del cine documental, desde que inició su andadura en el año 2000. Durante doce años, trabajó para el Festival dei Popoli de Florencia, del que fue nombrada codirectora en 2011. Ha colaborado también con el Festival de Locar- no, donde en 2006 y 2007 coordinó, entre otras tareas, la sección Play Forward de cine experimental y artes visuales. De 2012 a 2017, Bonsan- ti fue directora artística del festival de documentales Cinéma du réel en el Centre Pompidou de París. Desde 2017, ha sido directora de progra- mación de Eurodoc y ha formado parte del jurado de gran número de festivales por todo el planeta (incluyendo el Festival Internacional de Cine de Busan, Festival de Cine de Karlovy Vary, Festival de Locarno, Berlinale, Festival de Cine de Mar del Plata). Participa asiduamente en diversos talleres como experta y profesora, además de colaborar en fondos de apoyo al cine (CNC, Ile de France, MEDIA…).

Film programmer and cultural manager / Italy - France María Bonsanti has established herself in the world of documentary film since she began in 2000. For twelve years, she worked for the Festival dei Popoli in Florence where she was appointed co-director in 2011. She has also frequently worked for the Locarno Festival, where in 2006 and 2007 she coordinated, among other things, the Play Forward section for experimental cinema and visual arts. From 2012 to 2017, Bonsanti was the artistic director of the documentary film festival Cinéma du réel at the Cen- tre Pompidou in Paris. Since 2017, she has been the Programme Director of Eurodoc and she has served on a number of festival juries around the globe (including the Busan International Film Festival, Karlovy Vary Film Festival, Locarno Festival, Berlinale, Mar del Plata Film Festival). She reg- ularly collaborates on various workshops as an expert and tutor and is a member of Film Funds (CNC, Ile de France, MEDIA…).

26 JURADOS | JURIES JURADO CORTE FINAL CORTE FINAL JURY

VIRGINIA GARCÍA DEL PINO

Artista audiovisual, directora, guionista y montadora / España Barcelona, 1966. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Bar- celona, buscó el modo de sacar provecho de la metralla de imágenes melodramáticas que vomitan los mass media y que limita nuestra capacidad de razonar. En algunos de sus films, subvierte los efectos catatónicos de la cultura visual introduciendo una poética sutilmente crítica con el statu quo. En 2008 recibió varios galardones por Lo que tú dices que soy (2007). Este documental forma parte del programa de cine experimental “Del éxtasis al arrebato. 50 años del otro cine español”, que ha itinerado por los principales museos y filmotecas de Europa, EE UU y América Latina. Sus otros cortometrajes son Hágase tu voluntad (2004), Mi hermana y yo (2009), Espacio simétrico (2010), Improvisaciones de una ardilla (2017) y Respirar, correr, mirar (2019). También ha dirigido los largometrajes El jurado (2012) y Basilio Martín Patino. La décima carta (2014).

Audiovisual artist, director, screenwriter and editor / Spain Barcelona, 1966. A degree holder in Fine Arts from the University of Bar- celona, she tried to find a way to make the most of the melodramatic footage that gets spewed out by the mass media and that limits our critical thinking skills. In some of her films, she subverts the catatonic effects of visual culture by inserting a poetic that is subtly-critical of the status quo. In 2008 she received several awards for Lo que tú dices que soy (2007). This documentary is one part in the experimental film program “Del éxta- sis al arrebato. 50 años del otro cine español”, which has traveled to major museums and film archives across Europe, the USA and Latin America. Her other short films are:Hágase tu voluntad (2004), Mi hermana y yo (2009), Espacio simétrico (2010), Improvisaciones de una ardilla (2017), Respirar, correr, mirar (2019). She has also directed the feature films El jurado (2012) and Basilio Martín Patino. La décima carta (2014).

JURADOS | JURIES 27 SECCIONES COMPETITIVAS COMPETITIVE SECTIONS 30 COMPETICIÓN INTERNACIONAL INTERNATIONAL COMPETITION

Proyecciones en Cineteca Madrid y Filmin Screenings at Cineteca Madrid and Filmin Estreno en España Spanish Premiere

contacto: [email protected]

ABISAL ABYSSAL

Abisal convoca un limbo malsano de sensaciones ominosas. Nos arrastra a un universo opre- sivo y enrarecido, permeado de un clima de tensión propio de un film de terror o ciencia ficción de tono postapocalíptico que, paradójicamente, es, a la vez, épico e intimista. Entre esquele- tos de barcos arrumbados en un desguace cubano, donde la línea que separa los vivos de los muertos es casi invisible, unos seres humanos acometen su labor. Modélico y poderoso film de fantasmas que aún llevan prendida la esperanza en el fondo de sus retinas. (AD)

Abyssal summons up an unwholesome limbo of ominous feelings. It drags us into an oppressive and turbulent universe permeated by a climate of tension typical of a post-apocalyptic horror or science fiction film that, paradoxically, is at the same time epic and intimate. Amidst the skel- etons of ships lying in a Cuban junkyard, where the line separating the living from the dead is nearly invisible, some human beings go about their work. An exemplary and powerful film about ghosts who still hold out hope in the back of their minds. (AD)

CINETECA. SALA PLATÓ FILMIN VIE 28 MAYO, 17:00 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO FRI 28TH MAY, 5:00 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

32 COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION Estreno en España Spanish Premiere

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ALL LIGHT, EVERYWHERE

¿Cómo vemos? ¿Por qué vemos? ¿Quién decide lo que vemos? ¿Qué mecanismos de poder operan detrás de lo visible, de lo que se muestra y de lo que se esconde? Theo Anthony utiliza los principios discursivos foucaultianos empleados en su anterior cortometraje, Subject to Review, presente en la pasada edición de Documenta Madrid, para examinar cómo influ- yen las tecnologías de la vigilancia en las sociedades contemporáneas, en el desarrollo de la justicia y de las libertades individuales y colectivas. (JFM)

How do we see? Why do we see? Who decides what we see? What mechanisms of power are operating behind what is visible, what gets shown and what gets hidden? Theo Anthony uses the same Foucauldian discursive principles he used in his previous short film Subject to Review, which screened at the last edition of Documenta Madrid, to examine how surveillance technologies influence contemporary societies in the exercise of justice and individual and collective freedoms. (JFM)

CINETECA. SALA PLATÓ FILMIN JUE 27 MAYO, 17:00 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO THU 27TH MAY, 5:00 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION 33 Estreno en España Spanish Premiere

contacto: puntodefugacontenidos @gmail.com

ESQUIRLAS SPLINTERS

En su ópera prima, Natalia Garayalde utiliza los vídeos caseros que rodó en su infancia para reconstruir un relato de denuncia sobre uno de los acontecimientos más sombríos de la historia reciente de Argentina. El archivo familiar sirve como base para exponer la corrupción y las prácticas criminales del gobierno de Carlos Menem, resignificando las imágenes para dotarlas de un fuerte contenido reivindicativo, contenido que se ve reafirmado por la narra- ción en off de la propia directora. Una nueva constatación de que lo personal es siempre político. (JFM)

In her debut film, Natalia Garayalde uses home videos she shot during her childhood to reconstruct a story denouncing one of the darkest events in Argentina’s recent history. The family- ar chive serves as the basis for exposing the corruption and criminal practices of Carlos Menem’s government. The images are given new meaning that turns them into a powerful protest, reaf- firmed by the director’s own voice-over narration. Yet another acknowledgement that the personal is always political. (JFM)

CINETECA. SALA BORAU FILMIN JUE 27 MAYO, 17:15 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO THU 27TH MAY, 5:15 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

34 COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION Estreno en España Spanish Premiere

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I COMETE I COMETE - A CORSICAN SUMMER

Cuadros estáticos cargados de vida. La ópera prima del actor Pascal Tagnati, rodada en Córcega con una mezcla de actores no profesionales y habitantes de la región, se dibuja en apariencia como una sucesión de escenas veraniegas y costumbristas. ¿Es ficción, es documental? Es, sin duda, un complejo puzle que retrata la energía veraniega y la comple- jidad del paisaje humano: pasiones, turistas, amoríos, voyeurismo, juventud y un luminoso tiempo que parece suspendido por unos instantes. (CB)

Static paintings brimming with life. Actor Pascal Tagnati’s debut feature film, shot on location in Corsica with a mixture of non-professional actors and locals in what appears to be a sequence of scenes showing local customs in summertime. Is it fiction, is it a documentary? It is undoubtedly a complex puzzle portraying the energy of summer and the complexity of the human landscape: passions, tourists, love affairs, voyeurism, youth and a luminous time that seems to get suspend- ed for just a moment. (CB)

CINETECA. SALA PLATÓ FILMIN SÁB 29 MAYO, 17:00 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO SAT 29TH MAY, 5:00 PM MON 31ST MAYO - SUN 6TH JUNE

COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION 35 Estreno en España Spanish Premiere

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NO TÁXI DO JACK JACK’S RIDE

En 2013, Susana Nobre estrenóVida activa, una película que documentaba su trabajo de tres años en una oficina de empleo con la que Portugal trataba de ayudar a parados de larga duración a encontrar un empleo. No táxi do Jack empieza en esa misma oficina, con la cineasta colocando la cámara frente a Jack (sobrenombre de Joaquim), una suerte de Elvis portugués, con un pasado en Estados Unidos, que se enfrenta al último papel de una vida cargada de encarnaciones: la jubilación. Con un trabajo de puesta en escena preciso, Nobre filma al siempre elegante Jack en su recorrido por sus memorias y las cunetas del sueño capitalista. (GDP)

In 2013, Susana Nobre released Vida activa, a film documenting the three years she worked at an employment office set up by Portugal to help the long-term unemployed find a job. No táxi do Jack begins in that same office, with the filmmaker placing the camera in front of Jack (Joaquim’s nickname), a sort of Portuguese Elvis with a past in the United States, who is approaching the last role in a life full of portrayals: retirement. With her finely honed mise-en-scene work, Nobre films the ever-elegant Jack as he looks back on his memories and the pitfalls of the capitalist dream. (GDP)

CINETECA. SALA PLATÓ FILMIN VIE 28 MAYO, 19:45 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO FRI 28TH MAY, 7:45 PM MON 31ST MAYO - SUN 6TH JUNE

36 COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION Estreno en España Spanish Premiere

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ONE THOUSAND AND ONE ATTEMPTS TO BE AN OCEAN

Yuyan Wang 12’ | 2020 | Francia | France Sin diálogos | No dialogue

Una sucesión de fragmentos, de imágenes en origen inconexas aunque emparentadas por una fisicidad que, en su yuxtaposición acelerada, genera un caudal visual que estimula el ojo táctil. Una voz entrecortada, susurrante y repetitiva, que parece resistirse a disolverse en ese “sentimiento oceánico” que lo engulle y abarca todo. Un maremágnum óptico y auditivo que nos remite a la inflación audiovisual de nuestro tiempo, azuzado por internet y las redes sociales. Si no puedes con ello: be water, my friend. (BB)

A series of fragments which, though originally unconnected images, are related by a physicality that, in hasty juxtaposition, creates a visual flow that stimulates a touch-sensitive eye. A choppy, whispering, repetitive voice that appears to avoid fading into that “oceanic feeling” engulfing and encompassing everything. An optical and auditory chaos that sends us into the audiovisual infla- tion of our time, whipped up by the internet and social networks. If you can’t handle it: be water, my friend. (BB)

CINETECA. SALA PLATÓ FILMIN JUE 27 MAYO, 17:00 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO THU 27TH MAY, 5:00 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION 37 Estreno en España Spanish Premiere

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QUÉ SERÁ DEL VERANO WHAT WILL SUMMER BRING

Hasta aquí, el documental: Ignacio Ceroi va a visitar a su novia a Francia en 2019 y decide filmar sus vivencias, por lo que adquiere una cámara digital de segunda mano. Sin embargo, las tomas del anterior dueño siguen todavía en la cámara y borrarlas resulta extraño. Con- tacta con el propietario, un señor francés mayor que se llama Charles, y le pregunta por las imágenes; a partir de ahí, se desarrolla una historia… Ceroi lo narra todo en voz enoff y su “yo” se funde con el “yo” de Charles, su verano con su novia deslizándose en los recuerdos de perros en un río, fracasos matrimoniales, el aeropuerto de Yaundé, los caminos de tierra de la jungla defendida por los rebeldes. ¿Qué pasó en realidad y qué es invención? El verano es época para la imaginación. (JL)

So far, so documentary: Ignacio Ceroi goes to visit his girlfriend in France in 2019 and decides to film his experiences, buying a digital camera second hand. Yet the previous owner’s footage is still on the camera and erasing it feels odd. He contacts the owner, an older French man named Charles, and asks him about the images, whereupon a story unfolds... Ceroi narrates everything in voiceover and his “I” comes to merge with the “I” of Charles, his summer with his girlfriend gliding into memories of dogs in a river, marital frustrations, the airport in Yaoundé, the dirt roads of the rebel-held jungle. What really happened and what is invention? Summer is a time of im- agination. (JL)

CINETECA. SALA BORAU FILMIN SÁB 29 MAYO, 17:15 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO SAT 29TH MAY, 5:15 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

38 COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION Estreno en España Spanish Premiere

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A RIVER RUNS, TURNS, ERASES, REPLACES

Shengze Zhu 87’ | 2021 | Estados Unidos | USA Sin diálogos | No dialogue

Las imágenes de después aparecen primero, de una cámara de vigilancia en Wuhan, calles vacías que solo vuelven a llenarse el 4 de abril de 2020, cuando la sirena suena y las personas guardan silencio. Las imágenes de antes componen el resto de la película, escenas largas de luces brillantes y puentes, solares en construcción y multitudes, como la sinfonía de una ciudad sin música. Las cartas van dirigidas a una pareja, a una abuela, a un padre y a una hija que ya no están aquí. Sus palabras aparecen como texto y las imágenes que evocan se sobreponen a las de la pantalla, solapando visiones del pasado de la misma melancolía. Demasiada agua debajo del puente, pero el río sigue discurriendo. Él no olvida. (JL)

The images of after come first, from a surveillance camera in Wuhan, empty streets that only fill again on April 4th, 2020, when the siren sounds and people stand in silence. The images of before form the rest of the film, lengthy scenes of bright lights and bridges, construction sites and crowds, like a city symphony without music. The letters are addressed to a partner, a grandmother, a father and a daughter, all of them no longer here. Their words appear as text and the images they evoke settle over the ones onscreen, overlapping visions of the past of the same melancholy. So much water under the bridge, but the river keeps flowing. It doesn’t forget. (JL)

CINETECA. SALA BORAU FILMIN VIE 28 MAYO, 17:15 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO FRI 28TH MAY, 5:15 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION 39 Estreno mundial World Premiere

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SENSITIVE MATERIAL

La luz imprevista durante el revelado daña la película distorsionando los colores, los contornos, y aleja las imágenes de su vínculo con lo real. Lo mismo hacen los traumas: sobreex- ponen al cuerpo y a la mente, distorsionándolos y forzando su definición.Sensitive Material trabaja sobre el trauma infantil con grabaciones sonoras capturadas de forma accidental, e instantes de felicidad filmados al azar. En torno al dolor, las heridas, y la madurez, la película sobreexpone los recuerdos para encontrar el camino al perdón. (CB)

Unwanted light when developing film causes damage, distorting its colors and contours, thus distancing the images from their ties to the real world. So do traumas: they overexpose the body and mind, distorting them and stretching their definition. Sensitive Material deals with issues of childhood trauma using sound recordings captured on accident and randomly filmed moments of happiness. About pain, wounds, and maturity, the film overexposes memories in order to find the path to forgiveness. (CB)

CINETECA. SALA PLATÓ FILMIN VIE 28 MAYO, 17:00 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO FRI 28TH MAY, 5:00 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

40 COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION Estreno en España Spanish Premiere

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STE. ANNE

Renée ha regresado y ha vuelto a la casa rural familiar que su hermano Modeste comparte ahora con su esposa; han criado a la hija de Renée, Athene, como si fuera suya. Athene intenta captar la nueva situación, pero la mente de su madre está en otra parte, en el espacio vacío en Sainte Anne, Manitoba, en la foto que le muestra a Athene. Pero el argumento siempre compite con las otras impresiones y fragmentos que lo rodean, el territorio del Tratado 1, la vida en la nación metis, a la que pertenece la familia de Renée, igual que la directora y su familia, que son quienes dan vida a los personajes de la película. En el celuloide parpadean- te, los colores fluctúan, el movimiento se ralentiza, los sueños se hacen realidad y el pasado y el presente se funden. (JL)

Renée has returned, moving back into the rural family home her brother Modeste now shares with his wife; they’ve brought up Renée’s daughter Athene as their own. Athene tries to grasp the new set-up, but her mother’s mind is already elsewhere, the empty lot in Sainte Anne, Man- itoba on the photo she shows Athene. But the plot always vies with the other impressions and fragments around it, of the Treaty 1 territory, of life in the Métis Nation, to which Renée’s family belong, as do the director’s family who play them, she herself in the role of Renée. In the flickering celluloid, colours fluctuate, motion slackens, dreams bleed into reality and past and present merge. (JL)

CINETECA. SALA BORAU FILMIN SÁB 29 MAYO, 19:30 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO SAT 29TH MAY, 7:30 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION 41 contacto: [email protected]

SURVIVING YOU, ALWAYS

La última película del talento británico emergente Morgan Quaintance funde una variedad de elementos dispares en un todo hipnóticamente único por pura fuerza de voluntad. Haciendo uso de películas analógicas, fotografías, fragmentos de música y dos textos que compiten apilados uno encima del otro, Surviving You, Always es muchas cosas a la vez: el recuerdo del viaje provocado por estupefacientes donde se vive la fobia a los reptiles, una hermosa historia de amor melancólica que también es una historia de miedo, paranoia y anhelo, y una historia alternativa del Reino Unido desde la perspectiva de la población negra que murmura con doloroso apremio. No se menciona la política, pero todo está enredado. (JL)

Upcoming British talent Morgan Quaintance’s latest film fuses together a range of disparate elements into a hypnotically unique whole by sheer willpower alone. Drawing on analogue film, photographs, stabs of music and two competing texts stacked on top of one another, Surviving You, Always is many things at once: the evocation of a drug trip of reptilian dread, a beautifully melancholy love story that is also a story of fear, paranoia and longing and an alternative history of the UK from a Black perspective that hums with painful urgency. There is no mention of politics here, but everything is in its coils. (JL)

CINETECA. SALA BORAU FILMIN JUE 27 MAYO, 17:15 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO THU 27TH MAY, 5:15 PM MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

42 COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION Estreno en España Spanish Premiere

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TELLURIAN DRAMA

Tellurian Drama explora el pasado y el presente del monte Malabar, en Java Occidental, donde el Gobierno colonial de las Indias Orientales Neerlandesas hizo que los pueblos indíge- nas locales construyeran una gran estación de radio para mantener el territorio de ultramar en continuo contacto con el país colonizador. Ahora, el Gobierno de Indonesia planea reabrir las instalaciones como atracción turística. Estructurado a través de un texto histórico poco ortodoxo del seudoantropólogo Drs. Munarwan, el ensayo de múltiples capas de Rizaldi presenta imágenes y fotografías de archivo, impresionantes vistas de la selva, planos y diagra- mas, y el sonido de la cítara, en una reflexión cambiante sobre tecnologías e ideologías y sobre la instrumentalización del tiempo y del espacio. (JL)

Tellurian Drama probes the past and present of Mount Malabar in West Java, where the colonial government of the Dutch East Indies had the local indigenous peoples build a vast radio sta- tion to keep the overseas territory in perpetual contact with the home nation. Now the Indone- sian government plans to reopen the facility as a tourist attraction. Structured via an unorthodox historical text by pseudo-anthropologist Drs. Munarwan, Rizaldi’s multi-layered essay marshals archive footage and photographs, stunning forest vistas, plans and diagrams and the sound of the zither into a shifting reflection on technologies and ideologies and the instrumentalization of time and space. (JL)

CINETECA. SALA PLATÓ FILMIN VIE 28 MAYO, 17:00 H LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO FRI 28TH MAY, 5:00 PM MON 31ST MAYO - SUN 6TH JUNE

COMPETICIÓN INTERNACIONAL | INTERNATIONAL COMPETITION 43

COMPETICIÓN NACIONAL NATIONAL COMPETITION

Proyecciones en Cineteca Madrid Screenings at Cineteca Madrid Estreno mundial World Premiere

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A TODOS NOS GUSTA EL PLÁTANO WE ALL LIKE PLANTAIN

Y cuando despertó, el Black Lives Matter también era español. El fotógrafo Rubén H. -Ber múdez, cuyo libro Y tú, ¿por qué eres negro? supuso en 2018 un punto de inflexión en la visibilización de la comunidad afrodescendiente en España, presenta ahora la evolución audiovisual de su trabajo. Un largometraje coral, cálido y maduro, en el que confía la cámara a siete personas negras en España para que intenten hacer una película. Autorrepresenta- ción, dudas, en un retrato íntimo, fragmentario, y necesariamente parcial. Pieles, cuerpos que se filman en la intimidad, que hablan, se escuchan y se exponen. (GDP)

And when he woke up, Black Lives Matter was also Spanish. The photographer Rubén H. Ber- múdez, whose 2018 book Y tú, ¿por qué eres negro? was a pivotal moment in the visibility of the Afro-descendant community in Spain, now presents the audiovisual evolution of his work. It is a warm and mature ensemble film, in which he hands the camera over to seven black people in Spain to have them make a film. Self-representation, doubts, in an intimate, fragmentary and necessarily partial portrait. Skins, bodies filmed in private, that speak, listen to each other, and expose themselves. (GDP)

CINETECA. SALA AZCONA VIE 28 MAYO, 20:00 H FRI 28TH MAY, 8:00 PM

46 COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION Estreno mundial World Premiere

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AUTOPSIA DE UN RELATO PERIODÍSTICO AUTOPSY OF A JOURNALISTIC STORY

Elisa G. Carrasco, Paulina Quiroz Navarro, Alex Ruggeri Buera, Júlia Sainz, Alejandro Dueñas 16’ | 2020 | España | Spain Español | Spanish Por indicaciones de los cineastas, no se subtitula al inglés. | Following filmmakers' ins- tructions, it is not subtitled in English.

En tiempos de sobredosis informativa, fake news y guerras mediáticas y políticas, el cine recupera su misión de retratar la realidad… y de diseccionar la forma en que ésta se construye a través de los medios. Tomando como punto de partida los sucesos ocurridos en Barcelona en octubre de 2019, la película se enfrenta a la diversidad de versiones sobre los mismos hechos. Lenguaje, marco conceptual, manipulación y presunta objetividad. ¿Disturbios o concentraciones, represión o vandalismo? ¿Objetividad o todo lo contrario? (GDP)

In times of information glut, fake news and media and political wars, cinema recovers its mis- sion of portraying reality... and dissecting how it gets constructed through the media. Taking as its starting point the events taking place in Barcelona in October 2020, the film grapples with the diversity of versions of the same events. Language, conceptual framework, manipulation and presumed objectivity. Riots or rallies, repression or vandalism? Objectivity or the complete opposite? (GDP)

CINETECA. SALA AZCONA SÁB 29 MAYO, 17:30 H SAT 29TH MAY, 5:30 PM

COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION 47 Estreno en España Spanish Premiere

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COLECCIÓN PRIVADA PRIVATE COLLECTION

Elena Duque 13’ | 2020 | España, Venezuela | Spain, Venezuela Sin diálogos | No dialogue Super 8 mm

El acto de registrar, de filmar, como el de coleccionar, genera en esta pieza de arqueología visual un archivo de pequeños objetos mundanos. Elena Duque recopila aquí una variedad de curiosidades, que van desde postales, dibujos, fotos, figuritas de porcelana y sellos hasta incluso varios dientes. Al verlos pasar uno tras otro, intuimos que, a pesar de su dudoso valor material, conforman una colección importante, una Wunderkammer popular o un “gabinete de las maravillas” cargado de memorias y recuerdos desconocidos con los que recrearse y fantasear. (BB)

Like the act of collecting, the act of recording, of filming in this piece of visual archeology creates an archive of small mundane objects. Elena Duque compiles here a variety of curiosities, ranging from postcards, drawings, photos, porcelain figurines and stamps, and even a few teeth. As we watch them go by one by one, we get the sense that despite their dubious material value, they make up part of an important collection, a popular Wunderkammer or a “cabinet of wonders” full of memories and unknown souvenirs for one’s amusement and fantasy. (BB)

CINETECA. SALA AZCONA JUE 27 MAYO, 17:30 H THU 27TH MAY, 5:30 PM

48 COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION Estreno mundial World Premiere

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¿CUÁLES SON NUESTROS AÑOS? OUR YEARS

Un grupo de alumnos y alumnas de la Elías Querejeta Zine Eskola se enfrenta a un trabajo titánico: investigar en los archivos de un festival de cine con décadas de historia. “¿Cuá- les son nuestros años?” pregunta una de ellas, al enfrentarse a la montañas de cajas con documentación. Pero esa pregunta resuena por toda la película, y se expande más allá: la juventud del alumnado, su impulso cinematográfico y vital, la voluntad de filmar y entender el presente y el pasado se despliegan por una película que recoge, por encima de todo, momentos de belleza. La de quienes se enfrentan con alegría al pasado para entender su presente, y su futuro. (GDP)

A group of film school students take on a gargantuan task: to research the archives of a film festival with a decades-long history. “Which years are ours?” asks one of them, as she looks at the mountains of boxes filled with documentation. This question resonates throughout the film, and expands beyond it: the students’ youthfulness, their drive for cinema and life itself, their willingness to film and understand the present and the past are all revealed in a film that captures, more than anything else, moments of beauty. The beauty of those who joyfully look to the past in order to understand their present, and their future. (GDP)

CINETECA. SALA AZCONA VIE 28 MAYO, 17:30 H FRI 28TH MAY, 5:30 PM

COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION 49 contacto: [email protected]

ELLA I JO HER AND | ELLA Y YO

Dos artistas, Queralt y Gemma, viven en ciudades lejanas: Barcelona y Atenas. Una es la madre, la otra es la hija, que también es a su vez una nueva madre. Una llama por teléfono a la otra, pero no hay respuesta. Mientras la película estudia esta distancia, ilumina lo que las rodea: el trabajo diario de los cuadros, la luz de sus espacios, las lecturas junto a la ventana. Basada en las pinturas de Roser Agell y Paulina Muxart Agell, Ella i jo es un estudio de las texturas, los cuerpos y los colores que forman el universo de dos mujeres cuya separación también produce rugosidades, como una News From Home telefónica y pictórica. Rodada durante su estancia en la Elías Querejeta Zine Eskola. (LS)

Two artists, Queralt and Gemma, live in distant cities: Barcelona and Athens. One is the mother, the other the daughter, who is also a new mother. One calls the other, but there is no answer. While the film studies this distance, it sheds light on their surroundings: the daily work on the paintings, the light in their spaces, reading by the window. Based on the paintings by Roser Agell and Paulina Muxart Agell, Ella i Jo is a study in the textures, bodies and colors that make up the universe of two women whose separation also leads to some rough spots, like a News From Home over the phone and in pictures. Shot during his stay at the Elías Querejeta Zine Eskola. (LS)

CINETECA. SALA AZCONA VIE 28 MAYO, 17:30 H FRI 28TH MAY, 5:30 PM

50 COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION Estreno mundial World Premiere

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LA MANO QUE CANTA THE HAND THAT SINGS

¿Una mano que canta? Es que en el reino de los sentidos las palabras enloquecen y bus- can salir de todos lados. En esta espiral formada por Alex Reynolds y Alma Söderberg, la cámara arma una coreografía que observa los movimientos de todo: la mano, pero también un pájaro y cómo se extrae del árbol el corcho. De estos movimientos salen relaciones: un gesto produce un sonido, que produce a su vez otro gesto. Y así, sobre todos sus elementos se construyen capas, incluso sobre el lenguaje, que explora ser más de uno, ser bilingüe o trilingüe, con en el idioma de los gritos, chasquidos, cantos y gruñidos. (LS)

A hand that sings? In the realm of the senses, words go crazy and look for a way out anywhere they can. In this spiraling work by Alex Reynolds and Alma Söderberg, the camera puts together a choreography that observes the movements of everything: the hand, as well as a bird, and how cork gets extracted from trees. From out of these movements come relationships: a gesture produces a sound, which in turn produces another gesture. And so, layers get built upon all its elements, even upon language itself, the exploration of having more than one, being bilingual or trilingual, with the language of shouts, clicks, chants and grunts. (LS)

CINETECA. SALA AZCONA VIE 28 MAYO, 17:30 H FRI 28TH MAY, 5:30 PM

COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION 51 Estreno en España Spanish Premiere

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MBAH JHIWO MBAH JHIWO / ANCIENT SOUL | MBAH JHIWO / ALMA ANCIANA

El argumento es lo bastante arquetípico como para que se repita. Yono trabaja en las minas de azufre del este de Java. Su esposa Oliv lo abandona, y él trata de recuperarla; su madre cae enferma y él trata de que se ponga bien. La historia no cambia con cada repetición, aunque las tres variantes son casi idénticas, ya que una de las creencias que suele dar información sobre la vida en común se muestra en primer plano cada vez: el animismo, el islam y el capi- talismo. Ajena a lo que sucede a su alrededor, la montaña arroja humo amarillo, haciendo que los contornos se confundan y que los límites sean borrosos, como el propio debut de Gurrea: una nube inclasificable de antropología, parábola, metafísica, observación y colaboración. (JL)

The plot is archetypical enough to be perfectly repeatable. Yono is a sulphur miner from eastern Java. His wife Oliv leaves him, and he tries to get her back; his mother falls ill, and he tries to get her well. The story is unchanged with each repetition, though the three variations are hardly iden- tical, as one of the belief systems that usually inform life together comes to the fore each time: animism, Islam and capitalism. Regardless of what’s being practised around it, the mountain spews yellow smoke, making outlines indistinct and boundaries blur, like Gurrea’s debut itself: a uncategorisable cloud of anthropology, parable, metaphysics, observation and collaboration. (JL)

CINETECA. SALA AZCONA SÁB 29 MAYO, 20:00 H SAT 29TH MAY, 8:00 PM

52 COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION Estreno mundial World Premiere

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A MINOR FIGURE

La mujer narra en voz en off, en japonés, y cuenta la historia de un hombre que viajó a Nue- va York desde Tokio en 1988, alquiló un coche y se dispuso a cruzar Estados Unidos. Las imágenes que acompañan su relato muestran documentos y lugares del viaje: billetes de avión con nombre falso, mapas, moteles, casas rurales, campamentos, recibos metidos en una bolsa, fotos en blanco y negro que muestran pruebas de todo ello; la rareza de ver pasar América a toda velocidad. Es difícil situar desde qué perspectiva habla la mujer, ya que unas veces describe los sentimientos del hombre y otras a las personas que conoció por el camino; ¿es eso lo que hace la historia? Todo el mundo deja surcos a su paso, pero solo son visibles después de haber pasado. (JL)

The woman narrates in voiceover, in Japanese, telling the story of a man who arrived in New York from Tokyo in 1988, hired a car and set out across the US. The images that accompany her account show documents and locations pertaining to the trip: flight tickets in a false name, maps, motels, rural homes, campgrounds, bagged up receipts, black and white photos showing pieces of evidence; the strangeness of America rushing past. It’s hard to place from which perspective the woman is speaking, at times she describes the man’s feelings and at others those of people he met along the way, is that what history does? Everyone leaves ripples in their wake, but they’re only visible after the event. (JL)

CINETECA. SALA AZCONA SÁB 29 MAYO, 17:30 H SAT 29TH MAY, 5:30 PM

COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION 53 contacto: [email protected]

ORA MARITIMA

Si la Ōra marītĭma de Rufo Festo Avieno, basada en fuentes prerromanas, es el más antiguo texto escrito que cartografía las costas de Iberia, laOra maritima de Alfonso Camacho, basada en todo tipo de imaginería precovid, es la más reciente disección audiovisual del alma de esa “piel de toro”. Mientras que Avieno recurría al verso, Camacho elabora su película a ritmo de flamenco, en un trabajo de rancios y a la vez ultramodernos aromas, para ser visto pero sobre todo para ser escuchado. Film ensayo de montaje, con reminiscencias de un Val del Omar bizarro, que nos habla del mar y del cine como medida del tiempo. ¡Dejémonos arrebatar por la marea de imágenes antes de que las campanas del olvido toquen a rebato! (AD)

If Rufo Festo Avieno’s Ōra marītĭma, which is based on pre-Roman sources, is the oldest written text mapping out the coasts of Iberia, then Ora maritima by Alfonso Camacho, which is based on all kinds of pre-covid imagery, is the most recent audiovisual dissection of the soul of that “bull skin” that is the map of Spain. While Avieno resorted to verse, Camacho crafts his film to the rhythm of flamenco, in a work of both rancid and, at the same time, ultramodern aromas that must be seen but, most of all, must to be heard. A film essay montage reminiscent of a bizarre Val del Omar, one that talks about the sea and cinema as a measure of time. Let us be swept away by the tide of images before the bells of oblivion ring out! (AD)

CINETECA. SALA AZCONA JUE 27 MAYO, 17:30 H THU 27TH MAY, 5:30 PM

54 COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION Estreno mundial World Premiere

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LA PELI DEL ALGORITMO THE ALGORITHM MOVIE

Corren tiempos de relaciones digitales. Pasamos mucho(s) rato(s) conectados a través de pantallas, brincando entre ser espectadores e intérpretes. Claudia sigue diariamente sus clases por Zoom y, mientras la profesora diserta sobre videoarte y cine experimental, ella solo piensa en Fede. Miran, se miran, son mirados. Con frescura, inteligencia y humor, esta pieza secreta que sublima la importancia de lo mínimo (un gesto, el desvío de la mirada, sonrisas…), explora puntos de encuentro entre la vida online y los lenguajes corporales. Una película de ficción, de género fantástico, que nos habla del ciberamor, la vida y el arte… ¡Qué cosas! (AD)

These are the days of digital relationships. We spend long hours connected via screens, jumping back and forth between spectator and performer. Claudia attends her daily classes on Zoom and, while the teacher lectures about video art and experimental cinema, all she thinks about is Fede. They look, they look at each other, they are looked at. With freshness, intelligence and humor, this secret piece highlights the importance of the minimum (a gesture, the averting of the gaze, smiles...), and explores the places where online life and body language meet. A fiction film, of the fantasy genre, that speaks to us about cyber love, life and art... who would’ve thought! (AD)

CINETECA. SALA AZCONA JUE 27 MAYO, 17:30 H THU 27TH MAY, 5:30 PM

COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION 55 Estreno en España Spanish Premiere

contacto: [email protected]

SÍNDROME DE LOS QUIETOS THE STILLNESS SYNDROME

León Siminiani vuelve al cortometraje para poner en escena la historia de un grupo de cineastas que en 2018 trató de documentar un extraño e hipotético síndrome de quietud en Colombia. Cincuenta años más tarde, una investigadora recupera aquellos materiales y los ordena para una exposición pública. Entre la ironía, el desktop-cinema y el homenaje, y con el inigualable Luis Ospina como protagonista, la película juega con el formato expositivo como camino al ensayo y al fake más lúdico que no quiere esconder, en ningún momento, la pasión cinematográfica. (CB)

León Siminiani returns to short films to tell the story of a group of filmmakers who in 2018 tried to document a strange and hypothetical stillness syndrome in Colombia. Fifty years later, a researcher recovers that footage and gets it ready for public exhibition. Somewhere between irony, desktop-cinema, homage, and starring the incomparable Luis Ospina, this film plays with the exhibition format as a vehicle for the film essay and the most playful of fake films, which never tries to hide the passion for film. (CB)

CINETECA. SALA AZCONA SÁB 29 MAYO, 17:30 H SAT 29TH MAY, 5:30 PM

56 COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION Estreno mundial World Premiere

contacto: amarcorartproductions @gmail.com

WINTERREISE WINTER JOURNEY | VIAJE DE INVIERNO

¿Es posible convertir una pieza musical en un viaje cinematográfico?Winterreise, el primer largometraje de la artista y cineasta Inés García, trabaja sobre una composición de Franz Schubert para explorar las relaciones entre sonido, imagen y relato. El Winterreise de Schu- bert, compuesta en los meses antes de morir, y una de sus obras más importantes, reunió en una sola obra veinticuatro poemas de Wilhelm Müller que relatan el paseo de un cami- nante en la nieve tras un desengaño amoroso. La textura del 16 mm en blanco y negro se convierte aquí en el vehículo para este viaje por el invierno del corazón. (GDP)

Is it possible to turn a piece of music into a cinematic journey? Winterreise, the first feature film by artist and filmmaker Inés García, works with a composition by Franz Schubert to explore the relationship between sound, image and story-telling. Composed in the months leading up to his death and one of his most important works, Schubert’s Winterreise brought 24 poems by Wilhelm Müller together into a single work to tell the story of a wanderer’s walk through the snow after suffering heartbreak in love. The texture of black and white 16 mm film becomes the vehicle for this journey through the winter of the heart. (GDP)

CINETECA. SALA AZCONA JUE 27 MAYO, 20:00 H THU 27TH MAY, 8:00 PM

COMPETICIÓN NACIONAL | NATIONAL COMPETITION 57

CORTE FINAL

Documenta Madrid dedica este espacio central del festival al apoyo y el debate en torno a proyectos en fase de producción o postproducción. Y lo hace, por primera vez, con un premio económico como impulso decisivo al tejido creativo, cinematográfico y cultural nacional. Pero Corte Final es algo más que competición entre los proyectos seleccionados, es, ante todo, un espacio de trabajo, pensamiento y debate en torno a películas en fase final. Un foro donde compartir ideas, reflexiones y aportar conocimiento, asesoramiento e impulso. Es el espacio donde crece el cine del futuro.

Sesiones no abiertas al público, solo para profesionales invitados.

Documenta Madrid is dedicating this crucial space to supporting and debating projects in production or post-production. And it does so, for the first time, with prize-winnings to give a deci- sive boost to the creative, filmmaking and cultural industries in Spain. But Corte Final is more than just a competition between the selected projects; it is first and foremost a space for- work ing, debating and thinking critically about films in their final stages. A forum for sharing ideas, reflections and providing knowledge, advice and impetus. It is where the cinema of the future comes to flourish.

Sessions are not open to the public, for invited professionals only.

59 contacto: [email protected]

CANCIÓN A UNA DAMA EN LA SOMBRA SONG TO A LADY IN THE SHADOWS

Tras luchar en el bando republicano durante la Guerra Civil española, un hombre se exilia a Francia. Su mujer se queda con sus hijos esperándolo en un pueblo catalán y entra a trabajar en una fábrica para sacar a su familia adelante. Él le escribe numerosas cartas, pero los años pasan y no regresa. Un coro griego va relatando historias de las tantas Penélopes que no sucumbieron a la trampa del telar y a la espera impasible tras la Guerra Civil.

After fighting for the Republican side in the Spanish Civil War, a man goes into exile in France. His wife stays with his children in a Catalan village to wait for him and she starts working in a factory to support the family. He writes her many letters, but the years go by and he does not return. A Greek chorus tells stories of the many Penelopes who did not fall into the trap of weaving and impassively waiting after the end of the Civil War.

60 CORTE FINAL contacto: [email protected]

Carlos Pardo Ros 72’ | España Español | Spanish

12 de julio de 1969. En el encierro de San Fermín, un hombre muere por una cornada. Es Hi- lario Pardo, mi tío. Mi familia siempre ha fantaseado con lo que hizo Hilario antes de morir. Yo he decidido concluir su imagen. Reuní a un grupo de personas a vivir San Fermín y conver- tirse en los fantasmas de H. Beben, ríen y bailan en una catarsis en la que intentan escapar de un cuerpo que se acaba. (Carlos Pardo Ros)

July 12, 1969. During the running of the bulls in San Fermín, a man gets gored to death. It’s Hilario Pardo, my uncle. My family has always fantasized about what Hilario did before he died. I have decided to draw to a close the image of him. I brought a group of people together to experience San Fermín and become the ghosts of H. They drink, laugh and dance cathartically to try and escape from a body that is coming to its end. (Carlos Pardo Ros)

CORTE FINAL 61 contacto: [email protected]

LA MALA FAMILIA THE BAD FAMILY

Nacho y Luis BRBR 58’ | España Español | Spanish

Andresito acaba de evitar una sentencia que le haría entrar en la cárcel durante 13 años. Ahora, para conservar su libertad, tendrá que convencer a jueces y abogados; pero sobre todo tendrá que convencer a los que eran sus amigos y lo acompañaban la noche de los acontecimientos.

Andresito has just dodged a sentence that would have landed him in jail for 13 years. Now to keep his freedom, he will have to convince judges and lawyers; but most of all, he will have to convince those who used to be his friends and who were with him on the night it all happened.

62 CORTE FINAL contacto: [email protected]

TE FUISTE AL ALBA YOU LEFT AT DAWN

Pedro Sara Vila 74’ | España Español | Spanish

La primera película filmada por menores dentro de un centro tutelado. Cinco chicas de entre 13 y 17 años deciden filmar sus vidas acompañadas por un cineasta. Se acercan los 18 años y la pérdida de la protección del Estado. Sin familia, sin hogar, sin formación y sin dinero, se enfrentan a sus destinos y yerran para sobreponerse una y otra vez, dibujando un emocio- nante retrato de la realidad de 40.000 menores tutelados en España.

The first film shot by minors in a state-run foster care center. Five girls between the ages of 13 and 17 decide to film their lives with the help of a filmmaker. The age of 18 is approaching, and with it the loss of state protection. No family, no home, no education and no money, they confront their fate and make mistakes overcoming them in this moving portrait of the real life situation for 40,000 minors under state guardianship in Spain.

CORTE FINAL 63 SECCIONES INFORMATIVAS INFORMATIVE SECTIONS

PASES ESPECIALES SPECIAL SCREENINGS

CINETECA Inauguración | Opening Patrick Entrega de premios | Awards Ceremony Camino incierto FILMIN Apertura | Opening El ojo del turista: XIII piezas fáciles Clausura | Closing The Annotated Field Guide of Ulysess S. Grant PELÍCULA DE INAUGURACIÓN OPENING FILM

ESTRENO EN ESPAÑA SPANISH PREMIERE

contacto: [email protected]

PATRICK

Con la presencia de Luke Fowler y Jorge Socarras.

La película inaugural de este año es la manera perfecta para adentrarse en el ambiente del festival: el estreno en España del luminoso y vibrante homenaje de Luke Fowler al pionero de la música disco del San Francisco de los años ochenta, Patrick Cowley, que también ofrece una primera muestra de la retrospectiva más amplia dedicada al trabajo de Fowler en el Museo Reina Sofía (véase págs. 72-91). Estamos muy contentos de presentar una performance-conferencia exclusiva junto a la proyección de Patrick: Jorge Socarras, otra leyenda de la música disco de San Francisco y amigo y colaborador de Cowley, interpretará algunos momentos musicales de la época y hablará sobre el legado de Cowley, acompañado de nuevas imágenes en 16 mm de Fowler.

With the presence of Luke Fowler and Jorge Socarras.

This year’s opening film offers the perfect way to get in the mood for the festival: the Spanish premiere of Luke Fowler’s luminescent, toe-tapping tribute to 1980s San Francisco disco pioneer Patrick Cowley that also offers a first taste of the retrospective dedicated to Fowler’s work at the Museo Reina Sofia (see also pp. 72-91). We are very happy to present an exclusive lecture performance to follow the screening of Patrick: Jorge Socarras, another San Francisco disco legend and friend and collaborator of Cowley’s, will play some musical highlights from the era and talk about Cowley’s legacy, accompanied by new 16mm images by Fowler.

CINETECA. SALA AZCONA MIÉ 26 MAYO, 19:30 H WED 26TH MAY, 7:30 PM

68 PASES ESPECIALES | SPECIAL SCREENINGS ENTREGA DE PREMIOS AWARDS CEREMONY

contacto: caminoincierto @doblebanda.com

CAMINO INCIERTO UNCERTAIN JOURNEY

Con la presencia de Pau (Pablo) García Pérez de Lara y Lluís Miñarro. Todo comenzó por el fin: el de Eddie Saeta, en 2015, cuando la mítica productora liderada por Lluís Miñarro tuvo que cerrar sus puertas y replegarse en retaguardia durante un tiempo. Pau García Pérez de Lara, director de la que fuera uno de los primeros éxitos de Eddie Saeta,Fuente Álamo, la caricia del tiempo, decidió acercarse con su cámara y filmar la mudanza. El fin, que fue un nuevo comienzo: el de la productora, que terminaría resurgiendo poco a poco, y el de esta pe- lícula, que entremezclando la historia de Eddie Saeta con las memorias de Miñarro, sus viajes, y los recuerdos y viajes del propio cineasta, acaban convirtiendo el canto del cisne en una historia de amor: la de Miñarro y Pau con el cine. Un camino incierto, pero camino al fin y al cabo. (GDP)

With the presence of Pau (Pablo) García Pérez de Lara and Lluís Miñarro. It all started at the end: the end of Eddie Saeta, in 2015, when the mythical production company led by Lluís Miñarro had to close down and fall back into the rearguard for a while. Pau García Pérez de Lara, director of one of Eddie Saeta’s first successful films, Fuente Álamo, la caricia del tiempo, decided to bring along his camera to film the move. The end, which was a new beginning: that of the production company, which would eventually re-emerge little by little, and that of this film, which, by interweaving the story of Eddie Saeta with Miñarro’s memoirs, his travels, and the memories and travels of the filmmaker himself, ends up turning the swan song into a love story: Miñarro and Pau’s love for cinema. An uncertain path, but a path nonetheless. (GDP)

CINETECA. SALA AZCONA DOM 30 MAYO, 19:30 H SUN 30TH MAY, 7:30 PM

PASES ESPECIALES | SPECIAL SCREENINGS 69 PELÍCULA DE APERTURA EN FILMIN FILMIN OPENING FILM

ESTRENO EN ESPAÑA SPANISH PREMIERE

EL OJO DEL TURISTA: XIII PIEZAS FÁCILES THE EYE OF THE TOURIST: XIII EASY PIECES

Luis Ospina 40’ | 2021 | Colombia Español | Spanish

Luis Ospina (1949-2019) fue un cineasta libre. Una caja de sorpresas. Un cineasta inventivo, siempre a contracorriente, polémico, enérgico. Luis Ospina parecía eterno, y quizás lo fuera: cuando se van a cumplir dos años de su muerte, el autor de títulos esenciales del cine lati- noamericano —y mundial—, como Agarrando pueblo (1978) o Un tigre de papel (2007), sor- prende con un nuevo trabajo filmado con su compañera Lina González en una serie de viajes por Asia (2014-2017). El ojo del turista es una reivindicación de la mirada: la del cineasta y la del espectador. SubtituladaXIII piezas fáciles y concebida como película e instalación al mismo tiempo, la película reinventa la mirada del turista, para reivindicarla como una fuente de goce. (GDP)

Luis Ospina (1949-2019) was a free filmmaker. A box of surprises. An inventive filmmaker, always against the tide, controversial, energetic. Luis Ospina seemed eternal, and perhaps he was: two years after his death, the filmmaker behind such indispensable titles in Latin American and world cinema as Agarrando pueblo (1978) and Un tigre de papel (2007) surprises with a new work filmed with his partner Lina González during a series of trips across Asia (2014-2017). El ojo del turista is a reinvention of seeing: for the filmmaker and spectator alike. Subtitled “XIII piezas fáciles”, and conceived of as a film and installation at the same time, the film reinvents how tourists see and stands up for this as a source of enjoyment. (GDP)

FILMIN LUN 31 MAYO - MAR 1 JUNIO MON 31ST MAY - THU 1ST JUNE

70 PASES ESPECIALES | SPECIAL SCREENINGS PELÍCULA DE CLAUSURA EN FILMIN FILMIN CLOSING FILM

ESTRENO EN ESPAÑA SPANISH PREMIERE

THE ANNOTATED FIELD GUIDE OF ULYSSES S. GRANT

Como un eco amplificado deProfit Motive and the Whispering Wind (2007), la obra maes- tra de John Gianvito, Jim Finn recorre parques militares públicos y escenarios de la Guerra de Secesión para reconstruir la figura del 18.° presidente de los Estados Unidos, el general Ulysses S. Grant. Filmando en 16 mm, Jim Finn afronta la historia como si de un juego de rol se tratara, y en su película caben Roberto Carlos, los policiacos setenteros, y las figuritas de plástico para sustituir a las voces de autoridad del documental. La historia está siempre por escribir y, siguiendo a Marx, parece haber llegado el momento de la parodia. (GDP)

Like an amplified echo of John Gianvito’s masterpiece Profit Motive and the Whispering Wind (2007), Jim Finn travels to public military parks and Civil War locations to reconstruct the figure of the 18th President of the United States, General Ulysses S. Grant. Shooting in 16mm, Jim Finn approaches the story as if it were a role-play game, and he manages to fit in Roberto Car- los, cop shows from the 1970s and plastic action figures to replace the documentary’s voices of authority. History is always still to be written, and following Marx, the time for parody seems to be upon us. (GDP)

FILMIN SÁB 5 - DOM 6 JUNIO SAT 5TH - SUN 6TH JUNE

PASES ESPECIALES | SPECIAL SCREENINGS 71 72 Photo credit: ALAN DIMMICK LUKE FOWLER: UNA CIERTA PREDILECCIÓN POR COSAS FUERA DE LO COMÚN A CERTAIN PREDILECTION FOR THINGS OUT OF THE ORDINARY: THE FILMS OF LUKE FOWLER Proyecciones en Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 28 de mayo - 14 de junio, 2021 Screenings at Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía May 28th - June 14th, 2021 LUKE FOWLER: UNA CIERTA PREDILECCIÓN POR COSAS FUERA DE LO COMÚN

El Museo Reina Sofía y Documenta Madrid presentan esta retrospectiva dedicada a Luke Fowler (Glasgow, 1978), programa organizado en el marco de la colaboración entre ambas instituciones iniciada en 2019. Destacado artista, cineasta y músico bri- tánico, nominado al Premio Turner en 2012, Fowler explora la relación entre sujeto y archivo, entre memoria e historia a través de las posibilidades del cine experimental. Una de las descripciones más certeras del trabajo de Fowler probablemente sea la de una forma de retrato ajena a cualquier convención. En sus películas, situadas en la frontera entre documental y cine experimental, conocemos las experiencias de sujetos heterodoxos a través de fragmentos audiovisuales de sus vidas y experiencias, así como de un entorno material y paisajístico cuidadosamente rodado y editado en un rutilante 16 mm con un ritmo insuperable. Los marginados de la historia cultural o personalidades que apenas reciben atención son el tema principal de este artista, ya sea la cineasta y poeta Margaret Tait —Houses (for Margaret)—; Pavillion, el colectivo británico de fotografía, feminista y pionero —To the Editor Of Amateur Photographer—; el fundador de la antipsiquiatría R. D. Laing —All Divided Selves—; las comunidades remotas de las Tierras Altas escocesas —Depositions—; los residentes invisibles de un vecindario de Glasgow —Anna, Helen, David y Lester— o incluso su propia madre —Mum’s Cards—. Las películas de Fowler son retratos compasivos que generan sensaciones o estados de ánimo antes que cualquier noción de integridad o linealidad, habitando en los espacios en los que estos heterogéneos individuos pasaron sus vidas y recopilando los materiales que acumularon a lo largo del tiempo. Si cada persona deja huellas, ya sean textua- les, pictóricas o audiovisuales, Fowler es su archivero reflexivo y tierno, llevándolas a una composición suave, nunca restrictiva, para que sus múltiples subjetividades, materialidades, temporalidades, ambigüedades e ideologías subyacentes sean ex- puestas. Su empleo del 16 mm, en sí mismo un proceso de captura de huellas, tiene un cometido perfecto para esta finalidad. Su cine resulta siempre un ejercicio de escucha al mismo nivel que de visionado, ya que música y sonido forman una parte integral de sus películas. Fowler, quien asimismo es un músico de exitosa carrera, retrata con generosidad a músicos dentro de esta amplia galería de marginados y heterodoxos. Así ocurre con el pre- cursor homosexual de la electrónica Martin Bartlett—Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett)—, el compositor y profesor de Nueva Inglaterra Christian Wolff— For Christian— y la artista sonora británica Sue Tompkins—Country Grammar (with Sue Tompkins)—. Además, los paisajes sonoros envolventes y los acompañamientos

74 musicales que forman parte integral de la obra de Fowler se construyen mediante colaboraciones directas con artistas sonoros, compositores y sonidistas, como Lee Patterson(A Grammar For Listening – Part 1), Éric La Casa (A Grammar For Listening – Part 2) o Toshiya Tsunoda (A Grammar For Listening – Part 3, Cézanne). El punto de partida de la retrospectiva es el estreno en España del cortometraje más reciente de Fowler, Patrick, el cual resume los enfoques formales y las preo- cupaciones temáticas que recorren su obra. Este retrato de 21 minutos de Patrick Cowley, artista gay pionero de la música electrónica en San Franciso que murió de SIDA en 1982, explora su legado de una manera cambiante, intercalando entrevistas con sus contemporáneos y tomas de su correspondencia y archivo material con fragmentos luminosos e impresionistas de California y de los paisajes urbanos que llamó su hogar, todos unidos por los sonidos dinámicos del propio Cowley. La característica definitiva de Luke Fowler tal vez sea su ritmo, ya que sonido e imagen se encuentran entrelazados y este compás emerge de la banda sonora, pero no se circunscribe a ésta. La singular concepción del montaje del artista crea patrones y pulsaciones propios, una sensación nerviosa, hipnótica e intensamente corpórea que encaja con su inquieta curiosidad por aquellos sujetos a quienes retrata. Una de las primeras frases de Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett) nos ofrece la mejor manera de describir estas combinaciones únicas y delicadas de sonidos y movimientos, de historias y sujetos:una cierta predilección por las cosas fuera de lo común.

James Lattimer

75 A CERTAIN PREDILECTION FOR THINGS OUT OF THE ORDINARY: THE FILMS OF LUKE FOWLER

One of this year’s Documenta Madrid retrospectives continues the festival’s collaboration with the Museo Reina Sofia and is dedicated to the film work of Luke Fowler (Glasgow, 1978), a celebrated British artist, filmmaker and musician and former Turner Prize nominee. Encom- passing short-, medium- and feature-length work that explores the border region between documentary and experimental film, Fowler’s cinema oeuvre is best described as a form of deeply unconventional portraiture. The experiences of his equally unorthodox subjects are tapped into via carefully compiled audiovisual snippets of their lives, endeavours and surroundings, which Fowler edits together on shimmering 16mm with a sense of openness and rhythm second to none. Cultural outsiders or figures seldom given the spotlight are Fowler’s favoured choice of subject, whether filmmaker and poet Margaret Tait —Houses (For Margaret)—, a female photography collective from Leeds —To The Editor Of Amateur Photographer—, unorthodox psychiatrist R. D. Laing —All Divided Selves—, the remote communities of the Scottish High- lands —Depositions—, the unseen residents of a Glasgow tenement —Anna, Helen, David and Lester— or even his own mother —Mum’s Cards—. His compassionate portraits aim more at generating sensation or mood than completeness or linearity, taking their bearings from the spaces these diverse individuals spent their lives in and the materials they collected (or have had collected on them) over time. If every person leaves traces, whether textual, pictorial or audiovisual, Fowler is their thoughtful, tender archivist, bringing them into gentle, never con- strictive alignment so that their multiple subjectivities, materialities, temporalities, ambiguities and underlying ideologies are on clear display; his use of 16mm, itself a process of capturing traces, makes perfect sense to this end. Given Fowler’s own successful musical career, it’s unsurprising that music and sound form another integral part of his filmmaking, which is always as much an exercise in listening as it is in seeing. Musicians, often outsider figures too, are frequently at the heart of his films as such, including gay electronic music pioneer Martin Bartlett —Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett)—, New England based composer and lecturer Christian Wolff —For Christian—and Brit- ish sound artist Sue Tompkins —Country Grammar (with Sue Tompkins)—. In addition, the envel- oping soundscapes and musical accompaniments that form an integral part of Fowler’s work are often forged via direct collaborations with sound artists, composers and recordists, such as Lee Patterson (A Grammar For Listening – Part 1),Eric La Casa (A Grammar For Listening – Part 2)or Toshiya Tsunoda (A Grammar For Listening – Part 3, Cezanne). The starting point for the retrospective is the Spanish premiere of Fowler’s most recent short film Patrick, which encapsulates many of the formal approaches and thematic concerns that run through his oeuvre. This 21-minute portrait of gay San Francisco disco artist Patrick Cow-

76 ley, a further pioneer of electronic music who died of AIDS in 1982, explores his legacy in typically shifting fashion, interrupting interviews with his contemporaries and shots of promotional materials and correspondence with luminous, impressionistic fragments of the California landscape and cityscapes that he called home, all tied together by Cowley’s own propulsive sounds. As sound and image are inextricably intertwined in Fowler’s films, perhaps their most defin- ing formal characteristic is their rhythm, which emerges from the soundtrack but is not restricted to it, as Fowler’s singular grasp of editing creates patterns and pulsations all of its own, a twitchy, hypnotic, intensely corporeal feeling that dovetails with his restless curiosity for those he crafts portraits of. Perhaps one of the opening lines from Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bart- lett) thus offers the best way to describe these unique, delicate combinations of sound and motion, as the way in which their idiosyncratic approach is brought to bear on the idiosyncrasies of their subjects feels like a whole ethos in terms of form and content alike: a certain predilection for things out of the ordinary.

James Lattimer

77 PROGRAMA 1: CREACIÓN MÚSICAL PROGRAMME 1: MUSIC MAKING

• ELECTRO-PYTHAGORAS (A PORTRAIT OF MARTIN BARTLETT) Luke Fowler | 45’ | 2017 | Reino Unido, Canadá | United Kingdom, Canada • FOR CHRISTIAN Luke Fowler | 6’45’’ | 2016 | Reino Unido, EE UU | United Kingdom, USA • COUNTRY GRAMMAR (WITH SUE TOMPKINS) Luke Fowler | 18’29’’ | 2017 | Reino Unido | United Kingdom • PATRICK Luke Fowler | 21’ | 2020 | Reino Unido | United Kingdom

La creación musical es un elemento ineludible en la obra de Fowler, ya sea como un proceso específico, un proyecto vital, la expresión de una posición contracultural o una combinación de todos ellos. Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett) es una biografía distendida del compositor gay canadiense y pionero de la música electrónica Martin Bartlett (1939-93), que se desliza libremente entre texto, foto y vídeo, figuras resaltadas, dispositivos y ubicaciones, así como entre lo personal y lo profesional, con gráficos retro por ordenador, una voz en off perspicaz y la propia música de Bartlett para unir todos estos fragmentos. For Chris- tian cuenta con el compositor Christian Wolff comentando sus estrategias compositivas en voz en off sobre imágenes de su granja de Vermont, mientras que Country Grammar (with Sue Tompkins) entrelaza el proceso de grabación de la pieza titular de la artista Sue Tom- pkins, filmada desde innumerables ángulos diferentes con sonidos e imágenes de la vida cotidiana del propio Fowler: cineasta y tema como uno solo.Patrick , estrenada en España en este ciclo, marca un regreso a lo biográfico. Una caminata soleada por San Francisco y el paisaje circundante en busca de las huellas dejadas por el pionero productor de música disco Patrick Cowley, quien murió de SIDA en 1992, mientras Fowler reviste su palpitante corriente de imágenes luminosas con los brillantes sonidos de Cowley.

Music making forms an inescapable element of Fowler’s oeuvre, whether as a specific process, a life enterprise, the expression of a countercultural position or some combination of the three. Electro-Pythagoras (a portrait of Martin Bartlett) is a suitably loose-limbed biography of gay Ca- nadian composer and electronic music pioneer Martin Bartlett (1939-93), gliding freely between text, photo and video, salient figures, devices and locations and the personal and the professional, with retro computer graphics, an insightful voiceover and Bartlett’s own music on hand to tie the many moving parts together. For Christian has composer Christian Wolff discuss his compositional strategies in voiceover to free-flowing images of his Vermont farm, while Country Gram- mar (with Sue Tompkins) interweaves the recording process for the artist’s titular piece shot from countless different angles with sounds and images from Fowler’s own daily life: filmmaker and subject as one. Patrick, screening as a Spanish premiere, marks a return to the biographical, a sunny jaunt through San Francisco and the surrounding landscape in search of the traces left behind by trailblazing disco producer Patrick Cowley, who died of AIDS in 1992, as Fowler encas- es his pulsating flow of luminous images in Cowley’s sparkling sounds.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA VIE 28 MAYO – 18:00 H | FRI 28TH MAY – 6:00 PM DOM 6 JUNIO – 12:00 H | SUN 6TH JUNE – 12:00 PM

78 LUKE FOWLER PROGRAMA 2: ESCUCHAR PROGRAMME 2: TO LISTEN

• A GRAMMAR FOR LISTENING – PART 1 Luke Fowler | 22’ | 2009 | Reino Unido | United Kingdom • A GRAMMAR FOR LISTENING – PART 2 Luke Fowler | 21’ | 2009 | Reino Unido | United Kingdom • A GRAMMAR FOR LISTENING – PART 3 Luke Fowler | 13’ | 2009 | Reino Unido | United Kingdom • DEPOSITIONS Luke Fowler | 24’32” | 2014 | Reino Unido | United Kingdom

¿Qué significa escuchar? Aunque muchas de las películas de Fowler plantean esta pregunta, el ciclo A Grammar for Listening la sitúa en el centro. Estas tres colaboraciones con artistas sonoros —Lee Paterson, Éric La Casa y Toshiya Tsunoda, respectivamente— constan de hermosas grabaciones envolventes de sonido e imagen en varias localizaciones, incluyendo lugares emblemáticos de Londres, entornos rurales e industriales de Escocia, así como mercados y parques cotidianos. La primera parte etiqueta las distintas ubicaciones y los sonidos allí grabados, al igual que la segunda parte, que no incluye la misma información, mientras que la tercera parte enseña el acto de la grabación en exposición directa. ¿Leemos el sonido a través de la imagen o es al revés? Y si el contexto moldea la percepción, ¿cuándo se convierte en gramática? Depositions lleva la idea de escuchar hacia una dirección diferente, al recabar una mezcla agitada de material de archivo seleccionado de documentales de la BBC de los años 70 y 80 que ilustra cómo se pedía constantemente a las comunidades de las Tierras Altas escocesas que justificaran su existencia, incluso cuando sus respuestas nunca fueron realmente escuchadas. Sin embargo, había mucho más que escuchar más allá de estas declaraciones: el sonido de un paisaje, el del crujido de huesos en un crisol, el del viento y el del agua, el de la canción.

What does it mean to listen? Although many of Fowler’s films pose this question, the A Gram- mar for Listening cycle places it front and centre. These three collaborations with sound artists —Lee Paterson, Éric La Casa and Toshiya Tsunoda respectively— comprise beautifully envel- oping sound and image recordings at various locations, including London landmarks, rural and industrial settings in Scotland and other nondescript markets and parks. Part one labels its different locations and the sounds being recorded there, just as part two withholds the same information, while part 3 puts the act of recording on direct display. Do we read sound via image or is it other way around? And if context shapes perception, when does that become a grammar? Depositions takes the idea of listening in a different direction, compiling a jittery blend of archival footage culled from ‘70s and ‘80s BBC documentaries that illustrates how the communities of the Scottish Highlands were constantly asked to justify their existence, even as their answers were never truly heard. Yet there was so much more to be listened to beyond these banal depositions: the sound of a landscape, of bone cracking in a crucible, of wind and water, of song.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA SÁB 29 MAYO – 18:30 H | SAT 29TH MAY – 6:30 PM LUN 7 JUNIO – 18:00 H | MON 7TH JUNE – 6:00 PM

LUKE FOWLER 79 PROGRAMA 3: PERSONAS, ESPACIOS, HUELLAS PROGRAMME 3: PEOPLE, SPACES, TRACES

• GEORGE Luke Fowler | 5’ | 2008 | Reino Unido | United Kingdom • CÉZANNE Luke Fowler | 6’36’ | 2019 | Reino Unido | United Kingdom • HOUSES (FOR MARGARET) Luke Fowler | 4’57’’ | 2019 | Reino Unido | United Kingdom • MUM’S CARDS Luke Fowler | 9’3’’ | 2018 | Reino Unido | United Kingdom • TO THE EDITOR OF AMATEUR PHOTOGRAPHER Luke Fowler, Mark Fell | 68’45’’ | 2014 | Reino Unido | United Kingdom

Los retratos de Fowler se originan al explorar los espacios fundamentales de los sujetos re- tratados y las huellas y asociaciones que contienen. George recurre a una pantalla dividida y a un estribillo de piano para tomar el pulso de la zona de St. George’s Cross de Glasgow, donde el propio Fowler se crió. Cezánne se acerca al maestro postimpresionista saltando de un lado a otro entre su estudio, su jardín y la montaña que inspiró algunas de sus obras más famosas, mientras que Houses (for Margaret) erige un monumento amable a la poeta y cineasta escocesa Margaret Tait mediante su casa de campo de las Orcadas, los escritos que aloja y su poema sobre el concepto de hogar. Las notas recopiladas de la madre de Fowler, socióloga, dan estructura Mum’sa Cards, el estudio de toda una vida de compromiso teórico a través de un escritorio y todo lo que allí se escribió. To the Editor of Amateur Photo- grapher es un largometraje que examina la historia de Pavilion, el primer centro de fotografía feminista de Europa, establecido en Leeds en 1982. Entrevistas con las figuras clave del centro, innumerables fotos tomadas allí y todo el papeleo que lo acompaña, duros crujidos electrónicos y reflexiones sobre lo que significa como hombre hacer una película sobre el feminismo se funden en un retrato único de un esfuerzo singular.

Fowler’s portraiture frequently proceeds by exploring the spaces pivotal to his subjects and the traces and associations they contain. George draws on splitscreen and a piano refrain to take the pulse of the St. George’s Cross area of Glasgow, where Fowler himself grew up. Cezánne approaches the Post-Impressionist master by jumping back and forth between his studio, garden and the mountain that inspired some of his most famous works, while Houses (for Margaret) erects a gentle monument to Scottish poet and filmmaker Margaret Tait by way of her Orkney cottage, the writings it houses and her poem on the concept of home. The collected notes of Fowler’s sociologist mother give structure to Mum’s Cards, the study of a lifetime of theoretical engagement via a desk and all that was written there. To the Editor of Amateur Photographer is a feature-length ex- amination of the history of Pavilion, Europe’s first feminist photography centre that was established in Leeds in 1982. Interviews with the centre’s key players, countless photos taken there and all the accompanying paperwork, harsh electronic crunches and reflections on what it means to make a film about feminism as a man coalesce into a singular portrait of a singular endeavour.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA DOM 30 MAYO – 12:00 H | SUN 30TH MAY – 12:00 PM DOM 13 JUNIO – 12:00 H | SUN 13TH JUNE – 12:00 PM

80 LUKE FOWLER PROGRAMA 4: ALL DIVIDED SELVES PROGRAMME 4: ALL DIVIDED SELVES

• HELEN Luke Fowler | 3’ | 2009 | Reino Unido | United Kingdom • DAVID Luke Fowler | 3’ | 2009 | Reino Unido | United Kingdom • LESTER Luke Fowler | 3’ | 2009 | Reino Unido | United Kingdom • ANNA Luke Fowler | 3’ | 2009 | Reino Unido | United Kingdom • ALL DIVIDED SELVES Luke Fowler | 93’ | 2011 | Reino Unido | United Kingdom

El cuarteto inicial de cortos de tres minutos son retratos parpadeantes de las personas que viven en el mismo edificio victoriano en Glasgow, a ninguna de las cuales se las ve nunca. Sus vidas se evocan mediante cambios de luz, vistas desde la ventana, texturas, formas y patrones y un número aleatorio de libros: cuatro individuos distintos moldeados por el mismo espacio dividido. All Divided Selves, que granjeó a Fowler una nominación para el prestigioso Premio Turner, es una frenética biografía a modo de collage del famoso psiquiatra escocés R. D. Laing (1927-1989). Fowler se basa en las innumerables apariciones de Laing en la televisión y en la radio del Reino Unido, combinando este amplio material de archivo de manera que la cronología resulta irrelevante. La idea es transmitir la posición del mutable Laing dentro de la sociedad: un cuerpo extraño que sobresale del sistema oficial que espera para masticarlo y un nodo a través del cual fluían todos los movimientos primarios de la época. El propio metraje de 16 mm de Fowler se entrecruza con estas imágenes del pasado con alegría espasmódica, retomando sus ideas centrales a veces pero también desviándose de ellas a voluntad, produciendo así el tipo de corriente de experiencia sensorial pura que el propio Laing trató de captar: forma y contenido entrelazados de forma deslumbrante.

The opening quartet of three-minute shorts are flickering portraits of the titular people who each live in the same Victorian tenement in Glasgow, none of whom are ever seen. Their lives are conjured up instead by shifts in light, views out of the window, textures, shapes and patterns and any number of books: four distinct individuals shaped by the same divided up space. All Divid- ed Selves, which landed Fowler a nomination for the prestigious Turner Prize, is a frenetic, collage-like biography of famed Scottish psychiatrist R.D. Laing. Fowler draws on Laing’s countless appearances on UK television and radio, combining this ample archive material such that chro- nology is irrelevant and repetition more than permitted. The idea is convey the protean Laing’s position within society: a foreign body jutting out of an establishment just waiting to chew him up and a node through which all the primary movements of the period flowed. Fowler’s own 16mm footage is spliced into these past images with spasmodic glee, taking up their motifs at times but also diverging from them at will, thus producing the sort of stream of pure sensory experience that Laing himself sought to grasp: form and content ravishingly intertwined.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA LUN 31 MAYO – 18:00 H | MON 31ST MAY – 6:00 PM LUN 14 JUNIO – 18:00 H | MON 14TH JUNE – 6:00 PM

LUKE FOWLER 81 GEORGE

El acto de mirar está implícito en mi trabajo documental anterior, pero en este estudio se convierte en el centro de atención. La película trata sobre la relación entre los sonidos y las imágenes, los fenómenos acústicos y los detalles arquitectónicos. (Luke Fowler)

The act of looking is implicit in my past documentary work but in this study, it becomes the focus. The film deals with the relationship between sounds and images, acoustic phenomena and architectural details. (Luke Fowler)

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA DOM 30 MAYO – 12:00 H | SUN 30TH MAY – 12:00 PM DOM 13 JUNIO – 12:00 H | SUN 13TH JUNE – 12:00 PM

HELEN

Como artista ganador del premio Jarman de Film London en 2008, a Luke Fowler se le en- cargó producir cuatro cortometrajes para “3 Minute Wonder”, el espacio de cortometrajes de Channel 4. Compositor: Toshiya Tsunoda.

As the winning artist of the 2008 Film London Jarman Award, Luke Fowler was commissioned to produce four short films for 3 Minute Wonder, Channel 4’s shorts strand. Composer: Toshiya Tsunoda.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA LUN 31 MAYO – 18:00 H | MON 31ST MAY – 6:00 PM LUN 14 JUNIO – 18:00 H | MON 14TH JUNE – 6:00 PM

82 LUKE FOWLER DAVID

Titulados Anna, Helen, David y Lester, se trata de una serie de retratos de cuatro personas diferentes unidas por una vivienda que comparten, un apartamento en un edificio victoriano del West End de Glasgow. Compositor: Taku Unami.

Entitled Anna, Helen, David and Lester, they are a series of portraits of four diverse individuals brought together through a shared residence – a flat in a Victorian tenement in the West End of Glasgow. Composer: Taku Unami.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA LUN 31 MAYO – 18:00 H | MON 31TH MAY – 6:00 PM LUN 14 JUNIO – 18:00 H | MON 14TH JUNE – 6:00 PM

LESTER

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA LUN 31 MAYO – 18:00 H | MON 31ST MAY – 6:00 PM LUN 14 JUNIO – 18:00 H | MON 14TH JUNE – 6:00 PM

LUKE FOWLER 83 ANNA

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA LUN 31 MAYO – 18:00 H | MON 31ST MAY – 6:00 PM LUN 14 JUNIO – 18:00 H | MON 14TH JUNE – 6:00 PM

A GRAMMAR FOR LISTENING – PART 1

A lo largo de los siglos, la cultura occidental ha intentado incesantemente clasificar el ruido, la música y los sonidos del día a día. Los ruidos ordinarios y los sonidos mundanos que no se perciben ni como molestos ni como musicales no tienen interés. ¿Cómo crear un diálogo con sentido entre mirar y escuchar?

Over the centuries, Western culture has relentlessly attempted to classify noise, music and everyday sounds. Ordinary noises and the mundane sounds that are not perceived as either annoying or musical are of no interest. How to create a meaningful dialogue between looking and listening?

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA SÁB 29 MAYO – 18:30 H | SAT 29TH MAY – 6:30 PM LUN 7 JUNIO – 18:00 H | MON 7TH JUNE – 6:00 PM

84 LUKE FOWLER A GRAMMAR FOR LISTENING – PART 2

El silencio dominó el “cine experimental” de la década de 1960. El acompañamiento sonoro o musical a menudo se descartaba como ilustrativo, manipulador o redundante. En cambio, un regreso a los experimentos del cine temprano, concentrado en el ritmo, la estructura y el material, consideró el potencial del cine como una forma de arte con su propia gramática única.

Silence dominated “experimental film” of the 1960’s. Sound or musical accompaniment was often dismissed as illustrative, manipulative or redundant. Instead, a return to the experiments of early cinema, concentrated on rhythm, structure and material and thereby considered film’s potential as an art form with its own unique grammar.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA SÁB 29 MAYO – 18:30 H | SAT 29TH MAY – 6:30 PM LUN 7 JUNIO – 18:00 H | MON 7TH JUNE – 6:00 PM

A GRAMMAR FOR LISTENING – PART 3

En la parte 3, Fowler avanza en su diálogo continuo con el artista de sonido Toshiya Tsuno- da (Yokohama, Japón). Tsunoda desarrolla una línea de investigación filosófica permanente sobre el arte de la grabación de campo, como acto conceptual, y el de la relación entre el “campo”, el registrador y la audiencia.

In part 3, Fowler furthers his on-going dialogue with the sound artist Toshiya Tsunoda (Yokoha- ma, Japan). Tsunoda develops an on-going philosophical line of enquiry regarding the art of field recording, as a conceptual act, and that of the relationship between the “field”, the recordist and the audience.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA SÁB 29 MAYO – 18:30 H | SAT 29TH MAY – 6:30 PM LUN 7 JUNIO – 18:00 H | MON 7TH JUNE – 6:00 PM

LUKE FOWLER 85 ALL DIVIDED SELVES

Las revoluciones sociales y culturales de los años 60 estuvieron encabezadas por la figura carismática y de guía espiritual del psiquiatra nacido en Glasgow, R. D. Laing, quien defendía que la normalidad implicaba adaptarnos al desconcierto de un mundo alienante e impersonal.

The social and cultural revolutions of the 1960s were spearheaded by the charismatic, guru-like figure of Glasgow-born psychiatrist R. D. Laing, who argued that normality entailed adjusting ourselves to the mystification of an alienating and depersonalizing world.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA LUN 31 MAYO – 18:00 H | MON 31ST MAY – 6:00 PM LUN 14 JUNIO – 18:00 H | MON 14TH JUNE – 6:00 PM

TO THE EDITOR OF AMATEUR PHOTOGRAPHER

Esta película gira en torno a los testimonios y los documentos recopilados que tienen rela- ción con la compleja y a menudo controvertida historia de Pavilion, el primer centro de foto- grafía feminista de Europa.To the Editor Amateur Photographer examina un cambio radical en la fotografía, a la vez que trae a un primer plano los problemas de presentar una historia a través de fragmentos de archivo y recuerdos personales.

Luke Fowler and Mark Fell’s film revolves around the testimonies and collected documents linked to the complex and often contested history of Pavilion, Europe’s first feminist photography centre. To the Editor of Amateur Photographer examines a radical shift in photography whilst also foreground- ing the problems of presenting history through archival fragments and personal recollections.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA DOM 30 MAYO – 12:00 H | SUN 30TH MAY – 12:00 PM DOM 13 JUNIO – 12:00 H | SUN 13TH JUNE – 12:00 PM

86 LUKE FOWLER DEPOSITIONS

Depositions, silenciosamente apremiante y crítica, intenta devolver un poco de dignidad a las imágenes de las comunidades de las Tierras Altas de Escocia sacadas de los documentales condescendientes de la BBC y de los reportajes de noticias de los años 70 y 80, editándolas con sonido de la School of Scottish Studies. Es una película de diferencias y dicotomías: ciencia y superstición, cerca y lejos, comunidad e individuo.

The quietly insistent and criticalDepositions attempts to restore some dignity to images of the communities of the Scottish highlands taken from patronizing BBC documentaries and news features from the 70’s and 80's, editing them with sound from the School of Scottish Studies, it is a film about differences and dichotomies: science and superstition, near and far, community and the individual.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA SÁB 29 MAYO – 18:30 H | SAT 29TH MAY – 6:30 PM LUN 7 JUNIO – 18:00 H | MON 7TH JUNE – 6:00 PM

FOR CHRISTIAN

For Christian se filmó cuando estuve de residente en Dartmouth College, en la primavera de 2013, donde conocí al compositor Christian Wolff. Mi película muestra extractos breves de una entrevista más larga que recogía gran variedad de sus estrategias compositivas, desde escribir partituras de texto para los que no son músicos hasta lo indeterminado, dar las entradas y su cambio en los años setenta a escribir piezas con un contenido conscientemente progresivo. (Luke Fowler)

For Christian was filmed during a residency I had at Dartmouth College in spring 2013 where I met the composer Christian Wolff. My film features short extracts from a longer interview which covered a variety of his compositional strategies from writing text scores for non-musicians to indeterminacy, cue- ing and his turn in the 1970’s to writing pieces with a consciously progressive content. (Luke Fowler)

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA VIE 28 MAYO – 18:00 H | FRI 28TH MAY – 6:00 PM DOM 6 JUNIO – 12:00 H | SUN 6TH JUNE – 12:00 PM

LUKE FOWLER 87 COUNTRY GRAMMAR (WITH SUE TOMPKINS)

La película de Fowler se centra en la actuación ‘Country Grammar’ de Tompkins, creada en 2003, que empieza con una serie de notas, fragmentos de signos y observaciones, vistas y oídas. Estos textos se ordenan, se juntan y se editan después en actuaciones más largas.

Fowler’s film focuses on Tompkins’ performance ‘Country Grammar’ created in 2003, which begins with a stream of notes, fragments of signs, observations, seen and heard. These texts are then collated, assembled and edited into longer performances.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA VIE 28 MAYO – 18:00 H | FRI 28TH MAY – 6:00 PM DOM 6 JUNIO – 12:00 H | SUN 6TH JUNE – 12:00 PM

Con esta película, Luke Fowler rinde homenaje a la obra y a las ideas musicales de Martin Bartlett (1939-93), compositor canadiense orgullosamente gay que durante las décadas de 1970 y 1980 fue pionero en el uso del ‘microordenador’. Bartlett investigó las relaciones ínti- mas con la tecnología y le interesaba, especialmente, la electrónica hecha a mano.

With this film Luke Fowler pays tribute to the work and musical ideas of Martin Bartlett (1939-93) a proudly gay Canadian composer who during the 1970s and 1980s pioneered the use of the ‘microcomputer’. Bartlett researched intimate relationships with technology and was particularly interested in handmade electronics.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA VIE 28 MAYO – 18:00 H | FRI 28TH MAY – 6:00 PM DOM 6 JUNE – 12:00 H | SUN 6TH JUNE – 12:00 PM

88 LUKE FOWLER MUM’S CARDS

Mi madre es socióloga. Impartió clases en la Universidad de Glasgow hasta que se jubiló. Aunque la universidad le recomendó usar un ordenador e incluso le proporcionó uno propio, ella seguía usando fichas para tomar notas. Ahora que ya no tiene despacho, su casa está llena de cajas de zapatos y archivadores que contienen esas fichas. (Luke Fowler)

My mother is a Sociologist. She taught in Glasgow University until she retired. Although the university advocated and furnished her with her own personal computer she still used index cards to make notes. Now that she no longer has an office her house is filled with shoeboxes and filing cabinets containing these cards. (Luke Fowler).

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA DOM 30 MAYO – 12:00 H | SUN 30TH MAY – 12:00 PM DOM 13 JUNIO – 12:00 H | SUN 13TH JUNE – 12:00 PM

CÉZANNE

Rodada en el estudio y en el jardín del pintor Paul Cézanne en Aix-en-Provence, y también en la montaña Sainte-Victoire; el centro de atención de la película es una larga serie de cuadros pintados entre 1882-1906. Banda sonora de Toshiya Tsunoda.

Shot in and around the studio and garden of the painter Paul Cézanne in Aix-en-Provence and also on the mountain Saint Victoire; the focus of a long running series of paintings made between 1882-1906. Soundtrack by Toshiya Tsunoda.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA DOM 30 MAYO – 12:00 H | SUN 30TH MAY – 12:00 PM DOM 13 JUNIO – 12:00 H | SUN 13TH JUNE – 12:00 PM

LUKE FOWLER 89 HOUSES (FOR MARGARET)

Luke Fowler construyó este homenaje a la cineasta y poeta escocesa Margaret Tait con motivo de su centenario. Iniciando su viaje hacia el Orkney natal de Tait, Fowler crea un docu- mento de su vida y de su obra a través de imágenes de sus anteriores viviendas y escenarios de rodaje, extractos de sus diarios de producción, y el recitar de su poema “Houses” donde reflexiona sobre el significado del hogar.

Luke Fowler constructed this tribute to Scottish filmmaker and poet Margaret Tait on the occasion of her centenary. Setting off to Tait’s native Orkney, Fowler creates a record of her life and work through images of her past dwellings and filming locations, excerpts from her production diaries, and the reciting of her poem “Houses” in which she reflects on the meaning of home.

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA DOM 30 MAYO – 12:00 H | SUN 30TH MAY – 12:00 PM DOM 13 JUNIO – 12:00 H | SUN 13TH JUNE – 12:00 PM

90 LUKE FOWLER PATRICK

El trabajo de Luke Fowler lleva tiempo lanzando la pregunta de cómo llegamos a conocer a alguien en su ausencia. Ha abordado este tema creando retratos póstumos de personas a través de composiciones precisas de las cosas que han dejado atrás: imágenes y sonidos grabados, papeles y notas, obras artísticas, los espacios por donde se movían y el testimo- nio de los amigos que quedan entre los vivos. Patrick evoca la vida del productor de música homónimo —Patrick Cowley— a través todos estos medios. (Ed Halter)

Luke Fowler’s work has long asked how we come to know someone in their absence. He has explored this question by creating posthumous portraits of individuals through precise compo- sitions of the things they have left behind: recorded images and sounds, papers and notes, art- work, the spaces through which they moved, and the testimonies of friends who remain among the living. Patrick evokes the life of its eponymous music producer —Patrick Cowley— by all these means. (Ed Halter)

EDIF. SABATINI, AUD. MUSEO REINA SOFÍA VIE 28 MAYO – 18:00 H | FRI 28TH MAY – 6:00 PM DOM 6 JUNIO – 12:00 H | SUN 6TH JUNE – 12:00 PM

LUKE FOWLER 91 Photo credit: BRIGITTE LACOMBE DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP: DIFERENTES VERSIONES DEL MISMO SOL DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP: DIFFERENT VERSIONS OF THE SAME SUN Proyecciones en Filmoteca Española Screenings at Filmoteca Española 27 de mayo - 4 de junio, 2021 May 27th - June 4th, 2021 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP: DIFERENTES VERSIONES DEL MISMO SOL

Casi al inicio de Mille Soleils (2013), de Mati Diop, Magaye Niang, el protagonista coge un taxi para atravesar Dakar. Por la ventanilla, vemos el sol del final de la tarde justo por encima del mar, a punto de desaparecer en él, un círculo carmesí ante el cielo amarillo y el agua azul claro. A medida que el coche se adentra en el paisaje urbano, el sol sigue desapareciendo y reapareciendo, emergiendo de las sombras de las dunas, las gentes, las motocicletas y las palmeras una y otra vez, una nueva versión del sol cada vez que lo vemos. Hay incontables soles en la última película de Djibril Diop Mambéty, La Petite Vendeuse de Soleil (1999), los miles de ejemplares del periódico Le Soleil que venden en Dakar los niños de la calle, incluyendo a una recién llegada al oficio, una niña llamada Sili, que camina con una muleta y cuya determinación es estimulante, inspiradora incluso. El sol como información, el sol como sustento, el sol como vocación, una nueva versión del sol cada vez que pensamos en él. Conceptualizaciones diferentes, épocas diferentes, sensibilidades diferentes y, sin embargo, es el mismo sol, una de las muchas imágenes polivalentes, fragmentos de realidad innegable, u objetos aparentemente fijos que estos directores emparentados, aunque muy diferentes, son capaces de trazar en nuevas formas a voluntad. La relación más evidente entre Djibril Diop Mambéty y Mati Diop es que son familia. Ella es su sobrina, y el padre de ella, el músico Wasis Diop, aportó la banda sonora a las películas de su hermano Touki Bouki (1973) y Hyènes (1992). Mati Diop incluso analiza este vínculo, el legado de su tío y por extensión el efecto sobre su propia filmografía, enMille Soleils, que devuelve a Ma- gaye Niang, protagonista deTouki Bouki, a las calles de Dakar, donde tiene lugar la proyección de este clásico del cine, cuarenta años después de que las recorriera por primera vez. A partir de este punto de intersección entre dos épocas del cine y dos carreras cinematográficas, el ciclo “Djibril Diop Mambéty y Mati Diop: diferentes versiones del mismo sol” invita al público de Madrid a descubrir la obra de un maestro africano a través de una joven con talento todavía al inicio de su carrera, y viceversa. Además de las relaciones familiares, un fuerte interés por la ciudad de Dakar, sus calles, su atmósfera, sus colores, su luz, sus patrones, sus esperanzas y sus anhelos, forma otra línea de parentesco entre ambas filmografías, incluso aunque las películas de Mati Diop apenas hayan pasado por Senegal. De hecho, si bien se pueden hallar ciertas similitudes sutiles y ecos entre el trabajo del tío y la sobrina, sus diferencias son evidentes, ya que cada uno creció en un continente distinto, recibieron una formación diferente y realizaron sus películas en contextos que no pueden ser más distintos, ya sea en lo referido a las condiciones de produc- ción, a los medios de rodaje, la postura del cine por lo que respecta a su historia y a los hábitos de consumo o el entorno político de la realidad exterior, que inspira a ambos considerablemente en su trabajo. Djibril Diop Mambéty nació en 1945 en Colobane (Senegal), una ciudad que más tarde sería el escenario de Hyènes y que hoy se encuentra en la periferia de la ciudad de Dakar. Estudió interpretación y trabajó en teatro antes de realizar su primera película, el cortometraje Contras’ City (1969), cuando contaba 24 años y sin tener formación cinematográfica alguna. Le siguió otro cortometraje, Badou Boy (1970), antes de su primer largometraje Touki Bouki, una historia que recibe influencias de la Nouvelle-Vague, que trata sobre una pareja joven y moderna de Dakar a la fuga porque sueña con Europa, y que desde entonces ha sido aclamada como una de las mejores películas africanas de todos los tiempos. A pesar del éxito de la película, incluyendo un 94 estreno con gran esfuerzo en la Quincena de los Realizadores de Cannes, pasaron casi veinte años antes de que Diop Mambéty realizara otro largometraje, y sólo el cortometraje Parlons grand-mère (1989) le sirvió como paliativo. Hyènes, una astuta y devastadora adaptación deLa visita de la anciana dama de Friedrich Dürrenmatt, que inyecta las ambivalencias del consumis- mo, el Banco Mundial y las realidades africanas poscoloniales en la obra clásica suiza, también fue recibida con entusiasmo y pareció inaugurar una nueva etapa en la carrera de Diop Mambéty. Sin embargo, su proyecto de trilogía de mediometrajes sobre “las personas de la calle”, las “únicas personas verdaderas, constantes y sencillas del mundo, para las que cada ma- ñana se plantea la misma cuestión: cómo mantener lo que es esencial para sí mismos”, tal y como él lo describía, no pudo completarse. Después deLe Franc (1994), una astuta comedia fragmentada sobre las vicisitudes de un ganador de lotería para conseguir su premio, Diop Mambéty tuvo una muerte prematura a los 53 años, en París, mientras editaba La Petite Ven- deuse de Soleil, una obra alegre de profundo humanismo que prometía un nuevo giro. Aun- que los elementos de todas sus películas tienen su origen en diferentes partes del canon del cine occidental, Diop Mambéty se centró mucho en reconfigurarlas para el entorno africano y crear un cine propio, lo que puede ser una de las razones de la duradera repercusión de su obra. En sus propias palabras: “Hay que elegir entre dedicarse a la investigación estilística o al mero. En mi opinión, un cineasta debe ir más allá del registro de los hechos. Además, creo que los africanos, en particular, deben reinventar el cine. Será una ardua tarea porque nuestro público está acostumbrado a un lenguaje cinematográfico concreto, pero hay que tomar una decisión: o se es muy popular y se habla a la gente de manera llana y sencilla, o se busca un lenguaje cinematográfico africano que excluya el parloteo y se centre más en aprovechar lo visual y lo sonoro”. Mati Diop nació en París en 1982 y, al principio, destacó como actriz. Debutó en la gran pantalla en 35 Shots of Rum, de Claire Denis. Tras algunos trabajos de vídeo autofinanciados, entró en la escuela Le Fresnoy y allí completó su primer cortometraje, Atlantiques (2009), que ganó el Tiger Award en el Festival Internacional de Cine de Róterdam. Centrado en un grupo de jóvenes senegaleses que hablan sobre sus esperanzas de cruzar el mar en busca de una vida mejor y que expresan su deseo de un cambio, este sólido debut ya muestra una de las constantes que recorren toda la obra de Diop, incluyendo la mencionadaMille Soleils y Big in Vietnam (2011): la situación política de los que no tienen voz, los destinos y sentimientos de los personajes en tránsito (dictado por la economía), los mecanismos de su deseo y el modo en que sus identidades son conformadas por ese estado de tránsito. Su cine es un cine en constante movimiento, ya sea físico, emocional, incluso fantástico o imaginario. Entre el documental y la ficción, lo concreto y lo espectral, las películas de Diop captan siempre un estado particular de fragilidad, el ocaso del sol que se pone, esperando que nazca otro. Su celebrado primer largometraje, Atlantique (2019), que se solapa en cierta manera con su anterior cortometraje de título similar, fue proyectado en Cannes y se alzó con el Gran Premio, continúa esta tendencia, aunque sobre un lienzo más grande, aumentado con el suspense y el misterio de una historia de fantasmas. La continua necesidad de hablar de Mati Diop por ser la primera mujer negra que ha sido nominada a la Palma de Oro sugiere, por desgracia, que las cosas no han cambiado mucho desde la época de su tío en cuanto a la visibilidad del cine hecho por personas negras se refiere. El éxito de la película en la Croisette y su posterior venta a Netflix han hecho que el siguiente paso en la carrera de Diop sea aún más esperado, por lo que nos enorgullece presentar también en el cine, como parte de este ciclo, su trabajo más reciente, In My Room (2020). Realizada durante el confinamiento de París el año pasado, el cortometraje, acertadamente, sirve como reflexión sobre su propia práctica como cineasta, al tiempo que marca un regreso a la biografía familiar, esta vez en la forma de recuerdos por parte de su abuela.

James Lattimer y Gonzalo de Pedro Amatria 95 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP: DIFFERENT VERSIONS OF THE SAME SUN

Close to the beginning of Mati Diop’s Mille Soleils (2013), Magaye Niang, the film’s protagonist, takes a taxi through Dakar. Through the passenger window of the car, we see the late evening sun just above the sea, about to disappear into it, a crimson circle before the yellow sky and pale blue water. As the car moves through the cityscape, the sun keeps disappearing and reappearing, emerging from the shadows of dunes, peoples, motorbikes and palms again and again, a new version of the sun each time you see it. There are countless suns in Djibril Diop Mambéty’s final film La Petite Vendeuse de Soleil (1999), all the thousands of copies of the Le Soleil newspaper sold across Dakar by children from the street, including a newcomer to the trade, a girl called Sili who walks with a crutch and whose determination is invigorating, even inspirational. The sun as information, the sun as livelihood, the sun as a calling, a new version of the sun each time you think about it. Different conceptualisations, different times, different sensibilities, yet it’s still the same sun, one of the many multivalent images, fragments of undeniable reality, or seemingly fixed objects that these related, yet so distinct directors are able to bend into new shapes at will. The most overt relationship between Djibril Diop Mambéty and Mati Diop is that of family. She is his niece and her father, musician Wasis Diop, contributed the soundtrack to his brother’s features Touki Bouki (1973) and Hyènes (1992). Mati Diop even examines this bond, her uncle’s legacy and its effect on her own filmmaking by extension in Mille Soleils, which returns Magaye Niang, protagonist of Touki Bouki, to the streets of Dakar 40 years after he first roamed them, where a screening of the now-classic film just so happens to be taking place. Proceeding from this point of overt intersection between two filmmaking eras and careers, the “Djibril Diop Mambéty and Mati Diop: Different Versions of the Same Sun” series invites Madrid audiences to discover the work of an African master by way of an gifted talent still at the start of her career and vice versa. Aside from family connections, a probing interest in the city of Dakar, its streets, atmosphere, colours, light, patterns, textures, hopes and longings forms another area of kinship between the two filmographies, even if Mati Diop’s films have hardly just stayed in Senegal. Indeed, while certain subtle similarities and echoes between the work of uncle and niece can be teased out, their differences are also self-evident, with each growing up on different continents, receiving different degrees of training and making their films in contexts that can hardly be more distinct, whether in terms of production conditions, the shooting mediums, the position of cinema in terms of its history and modes of consumption and the political state of the external reality which both draw on so heavily in their work. Djibril Diop Mambéty was born in Colobane, Senegal, in 1945, a town which would later form the setting for Hyènes and is today on the edge of Dakar’s urban sprawl. He studied acting and worked in theatre before making his first film, the short Contras’ City (1969), at the age of 24 without any formal training in cinema. This was followed by another short, Badou Boy (1970), before he made his feature debut with Touki Bouki, a Nouvelle-Vague-inflected tale of young fashionable couple on the run in Dakar who dream of Europe that has since been hailed as one of the greatest African films of all time. Despite the film’s acclaim, including a hard-won premiere at Director’s Fortnight in Cannes, it was to be nearly 20 years before Diop Mambéty would make another feature, with only the short Parlons grand-mère (1989) serving as a stopgap in between. Hyènes, an astute, devastating adaptation of Friedrich Dürrenmatt’s The Visit of the Old Lady that injects the ambivalences of consumerism, the World Bank and post-colonial African realities 96 into the classic Swiss play, was also received rapturously and seemed to usher in a new phase in Diop Mambéty’s career. Yet his planned trilogy of medium-length films about “the people of the streets”, the “only true, consistent, unaffected people in the world, for whom every morning brings the same question: how to preserve what is essential to themselves”, as he himself put it, was unable to be completed. Following Le Franc (1994), an arch, fragmented comedy about the travails of a lottery winner trying to get his prize, Diop Mambéty died prematurely, at the age of 53, in Paris while editing La Petite Vendeuse de Soleil, a joyful work of profound humanism that promised another new turn in a career cut tragically short. While elements of all his films have their origins in different parts of the Western (film) canon, Diop Mambéty was very much focused on reconfiguring them for the African context to create a cinema all of his own, which may be one reason for the lasting resonance of his work. To return to his own words, “one has to choose between engaging in stylistic research or the mere recording of facts. I feel that a filmmaker must go beyond the recording of facts. Moreover, I believe that Africans, in particular, must reinvent cinema. It will be a difficult task because our viewing audience is used to a specific film language, but a choice has to be made: either one is very popular and one talks to people in a simple and plain manner, or else one searches for an African film language that would exclude chattering and focus more on how to make use of visuals and sounds.” Mati Diop was born in Paris in 1982 and first received attention as an actress, making her screen debut in 35 Shots of Rum by Claire Denis. Following some self-funded video work, she went on to attend Le Fresnoy and completed her first short Atlantiques (2009) there, which went on to win the Tiger Award at the Rotterdam International Film Festival. Centred on a group of young Senegalese, discussing their hopes of crossing the sea in search of a better life and ex- pressing a desire for change, this assured debut already exhibits one of the same constants that runs through Diop’s entire oeuvre, including the aforementioned Mille Soleils and Big in Vietnam (2011): the political situation of those not usually given a voice, the fates and feelings of charac- ters in (economically-dictated) transit, the mechanisms of their desire and the way in which their identities are shaped by this state of transit. Her cinema is one of constant movement, whether physical, emotional, and even fantastical or imagined. Between documentary and fiction, the concrete and the spectral, Diop’s films always capture a particular state of fragility, the twilight of a setting sun, waiting for another to be born. Her celebrated feature-debut Atlantique (2019), which has a degree of overlap with the ear- lier, similarly titled short, screened in the Cannes Competition and walked off with the Grand Prix, continues this trend, albeit on a bigger canvas and augmented with the suspense and mystery of a ghost story. The continued necessity to talk about Mati Diop being the first Black woman to be nominated for the Palme d’Or would unfortunately suggest that not all that much has changed since her uncle’s time in terms of the visibility of Black cinema. The film’s success on the Croi- sette and its subsequent sale to Netflix has meant that Diop’s next career step has been even more eagerly awaited, which is why we are proud to also be presenting her most recent work In My Room (2020) in cinemas as part of the series. Made during the Paris lockdown last year, the short aptly functions as a reflection on her own practice as a filmmaker and also marks a return to family biography, this time in the form of recollections on the part of her grandmother.

James Lattimer and Gonzalo de Pedro Amatria

97 CONTRAS’ CITY CITY OF CONTRASTS / CIUDAD DE CONTRASTES

En su primer cortometraje, Mambéty captura de manera sencilla, imaginativa y pícara la serie de contrastes que definían el convulsionado clima social e ideológico que explotaría en Senegal durante 1968: frente a la opulenta influencia francesa, que seguía dominando la presencia cultural en un país recientemente independizado, era inevitable que la diversidad de las identidades presentes en la ciudad comenzara a abrir grietas en aquel resabio colonial. Un senegalés (el propio director) y una francesa (Inge Hirschnitz) conversan por las calles de Dakar. En un pintoresco carro tirado por un caballo, recorren de forma caótica los barrios residenciales y populares de la capital senegalesa. Arquitectura, sonidos y lenguajes se encuentran en una colisión continua, y el diálogo en off que conduce el docudrama satiriza la asombrada y condescendiente visión francesa de los paisajes senegaleses.

In his first short film, Mambéty sensitively, imaginatively and puckishly captures the series of contrasts that would define the tumultuous social and ideological climate that would explode in Sene- gal in 1968. Faced with the opulent French influence that continued to dominate the cultural presence of a nation that recently became independent, it was inevitable that the diversity of identities present in the city would open fissures in the remains of colonialism. A conversation between a Senegalese man (the director) and a French woman (Inge Hirschnitz). As we travel through the city in a picturesque horse drawn wagon, we chaotically rush into this and that popular neighborhood of the capital. Architecture, sound and languages meet in continuous collision, and the off-screen dialogue that drives this docudrama satirizes the astonished and condescending French vision of the Senegalese landscape.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 SÁB 29 MAYO, 18:00 H | SAT 29TH MAY, 6:00 PM

98 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP BADOU BOY

Djibril Diop Mambéty 56’ | 1970 | Senegal Wolof Subtítulos | Subtitles: español | Spanish

En Badou Boy, Mambéty se introduce con mayor profundidad en las búsquedas temáticas, las herramientas formales y la adorable insolencia que desató en Contras’ City, y que se desvelaría incluso con mayor fuerza en Touki Bouki. En clave explícitamente chaplinesca, el chico del título se mueve frenéticamente por las calles de Dakar, escapando del acecho constante de Al Demba, efectivo policial que sueña con detenerlo para hacerle un servicio a la sociedad pero transpira intentando seguir su ritmo. El montaje y el sonido, mientras tanto, son el motor del vértigo continuo de la película, y aportan breves gags que dicen mucho más sobre el modo de vida en Senegal que aquello que nuestras risas revelan en primer lugar. (Mar del Plata International FF)

In Badou Boy, Mambéty delves deeper into thematic issues, the formal tools and the adorable in- solence he unleashed in Contras’ City and would reveal even more so in Touki Bouki. In explicitly Chaplinesque fashion, the title character rushes frantically through the streets of Dakar to escape the constant stalking of Al Demba, a police officer who dreams of arresting him as a service to society, but who has to sweat bullets just to keep up with him. The editing and sound, meanwhile, drive the film’s dizzying pace and provide brief gags that say much more about the way of life in Senegal than about what our laughter reveals at first. (Mar del Plata International FF)

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 SÁB 29 MAYO, 18:00 H | SAT 29TH MAY, 6:00 PM

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP 99 TOUKI BOUKI

En Dakar, donde vino a vender su rebaño, un pastor conoce a una estudiante. Ambos sueñan con ir a París y cualquier medio es bueno para intentar conseguir el dinero del viaje. Después de muchas aventuras, se encuentran en la cubierta de un barco que parte. Pero el pastor Mory finalmente se niega a irse, dándose cuenta de que este sueño era solo un señuelo. Entre la vida cotidiana de los barrios pobres de Dakar y la representación de un París más simbólico que real, entre tradición y modernidad, entre el sueño y la realidad.

A shepherd meets a student in Dakar, where he came to sell his flock. They both dream of going to Paris and will take any measures they see fit to get the money for the trip. After many adven- tures, they find themselves on the deck of a ship making its departure. But in the end, the shepherd Mory refuses to leave, realizing the dream was just a decoy. Between everyday life in the poor neighborhoods of Dakar and the representation of Paris, which is more symbolic than real, between tradition and modernity, between dream and reality.

Restaurada en 2008 por The World Cinema Foundation en la Cineteca di Bologna/L’Immagine Ritrovata, en colaboración con la familia de Djibril Diop Mambéty. La restauración ha sido financiada por Armani, Cartier, Qatar Airways y Qatar Museum Authority.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 1 FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 JUE 27 MAYO, 19:30 H | THU 27TH MAY, 7:30 PM VIE 4 JUNIO, 18:00 H | FRI 4TH JUNE, 6:00 PM

100 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP PARLONS GRAND-MÈRE LET'S TALK, GRANDMOTHER / HABLEMOS, ABUELA

Djibril Diop Mambéty 34’ | 1989 | Senegal Mooré Subtítulos | Subtitles: español | Spanish

Quince años después deTouki Bouki, Mambéty volvió a retratar las dos cosas que más le importaban: el cine y los niños. Idrissa Ouédraogo es registrado filmando su segundo largometraje, Yaaba. Y más allá de este homenaje también se nos presenta Burkina Faso, uno de los pocos países de África occidental que desarrolló su propia industria cinematográfica, con el fomento de compañías productoras autóctonas y apoyo financiero para la dirección y la distribución. Así, Mambéty usa su retrato de Ouédraogo filmando una historia de una abuela y dos niños para establecer una conexión visual entre la África de su tiempo y el tema de la niñez, su otra gran pasión. En este sentido,Parlons grand-mère es un verdadero manifiesto por la realización de películas, por los niños y por África.

Fifteen years after Touki Bouki, Mambéty returned to the two things he cared about the most: cinema and children. The film documents Idrissa Ouédraogo’s shoot of his second feature, Yaaba. Beyond that sensitive tribute, we are also introduced to a nation, Burkina Faso, which remains the only country in West Africa to have developed a film industry of its own, with native production companies, and financial support for direction and distribution. Mambéty uses his depiction of Ouédraogo shooting a story about a grandmother and two children to establish a visual connec- tion between contemporary Africa and the theme of childhood, his other great passion. Parlons grand-mère is is a genuine manifesto about film-making, children and Africa.

Restaurada en 2018 por Thelma Film AG con el apoyo de la Cinémathèque Suisse.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 SÁB 29 MAYO, 18:00 H | SAT 29TH MAY, 6:00 PM

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP 101 HYÈNES

Cuando La visita de la anciana dama se estrenó en 1956, Friedrich Dürrenmatt no podría haber adivinado que la historia de una mujer rica corrompiendo a un pueblo entero se vol- vería una obra clave de la segunda mitad del siglo XX. Bernard Wicki realizó la primera ver- sión cinematográfica en 1963, como una coproducción internacional repleta de estrellas que cambiaba el despiadado final original por un happy end. Mambéty no podía ser tan frío y cínico como Dürrenmatt: Linguère Ramatou todavía se asegura de que los ciudadanos de Colobane participen en el asesinato de Dramaan Drameh, pero esto está hecho de una manera más colorida de la que cualquiera se atrevería, sin mencionar los toques surrealistas añadidos por el maestro a su inimitable modo. (Olaf Möller, Catálogo de la Viennale)

When The Visit of the Old Lady premiered in 1956, Friedrich Dürrenmatt couldn’t have guessed that the story of a wealthy woman corrupting a whole village was destined to become a key text for the second half of the 20 th century. A first film version was made in 1963 by Bernard Wicki as a star-studded international co-production that changed the merciless original finale into a Hap- py End. Mambéty couldn’t be quite as cold and cynical as Dürrenmatt. Linguère Ramatou still sees to it that all citizens of Colobane take part in the murder of Dramaan Drameh, but it’s done in a more colorful fashion than anybody here would dare, not to mention those cheeky surrealist touches added by the master in his inimitable fashion. (Olaf Möller, Viennale catalogue)

Restaurada en 2018 por Thelma Film AG con el apoyo de la Cinémathèque Suisse.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 MAR 1 JUNIO, 18:00 H | TUE 1ST JUNE, 6:00 PM

102 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP LE FRANC

Después de la monumentalHyènes, cuya realización le tomó siete años, Mambéty volvió al Senegal contemporáneo para abordar la historia de un artista musical llamado Marigo y sus intentos por desarrollar su carrera en un país sometido por la fuerte devaluación del franco CFA, que lo lleva a tener que evitar cruzarse con su casera, a la que le debe seis meses de alquiler. A la par del contexto real, las calles en Le Franc están llenas de personas deambulando, ganando apenas lo necesario para poder comer ese día, buscando la salvación en la lotería o intentando aprovechar el descuido de algún cliente en los comer- cios. Y, en esos escenarios, Marigo se mueve con la gracia, la destreza y el optimismo de los personajes que Mambéty supo delinear a través de su filmografía. (Festival Internacio- nal de Cine de Mar del Plata)

After the monumental Hyènes, which took seven years to film, Mambéty returned to contemporary Senegal to tell the story of a musician named Marigo and his attempts to further his career in a country suffering from a sharp devaluation in its currency, and to avoid his landlady to whom he owes six months’ rent. As it used to be at the time, the streets in Le Franc are full of people wandering around, trying to scrabble enough together to get something to eat, seeking salvation in lottery tickets or in the pockets of a careless shopper. Marigo sails through these scenes with a grace, skill and optimism that Mambéty captures expertly on film. (Mar del Plata International FF)

Restaurada en 2019 por Waka Films con el apoyo del Institut Français, Cinémathèque Afrique y CNC - Centre national du cinéma et de l’image animée.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 DOM 30 MAYO, 18:00 H | SUN 30TH MAY, 6:00 PM

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP 103 LA PETITE VENDEUSE DE SOLEIL

Mambéty describía el que sería su último film como “un himno al coraje de los niños de la calle” pero, como todas sus obras, también es un himno a Senegal, al África poscolonial y a visionarios como la valiente chica del título. Sin desanimarse por la pobreza, la joven Sili deja a su abuela para buscar una mejor existencia para ambas. Como la única mujer vendedora de diarios, encuentra constantes obstáculos, pero reacciona defendiéndose a sí misma y a los demás. La valentía de Sili es retratada con una mezcla de alegría y sufrimiento, pero sin endulzantes. Segunda parte de su inconclusa trilogía de “Historias de gente pequeña” des- pués de Le Franc, esta película mezcla realismo con alegoría, y toma una historia “pequeña” para hacerla tan poderosa como el sol. (Brittany Gravely, Harvard Film Archive)

Mambéty described what would turn out to be his final film as “a hymn to the courage of street children,” but like all of his works, it is also a paean to Senegal, post-colonial Africa and visionaries such as the courageous protagonist. Undaunted by poverty, young Sili leaves her blind grandmother to forge a better existence for them both. As the only female newspaper seller on the street, she encounters plenty of obstacles, but her reaction is always to simply stand up for herself and others. As she struggles for equality and justice, Sili’s courage is depicted with an unsentimental mixture of joy and pain. The second, after Le Franc, in his unfinished Tales of Little People trilogy, this film mixes realism with allegory, taking a ‘small’ story and making it shine as powerfully as the sun. (Brittany Gravely, Harvard Film Archive)

Restaurada en 2019 por Waka Films con el apoyo del Institut Français, Cinémathèque Afrique y CNC - Centre national du cinéma et de l’image animée.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 DOM 30 MAYO, 18:00 H | SUN 30TH MAY, 6:00 PM

104 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP ATLANTIQUES

Mati Diop 16’ | 2009 | Senegal Wolof Subtítulos | Subtitles: español | Spanish

Dakar, 2009. En mitad de la noche, tres amigos se reúnen junto a una hoguera. Serigne cuenta por primera vez a Cheikh y a Alpha su odisea para llegar a España. Desde que fue repatriado a la fuerza, sólo tiene una idea en mente: subirse al primer barco y hacerse de nuevo a la mar. Sus amigos tratan de convencerlo para que se quede, pero Serigne, como si estuviera poseído, parece que ya se ha ido.

Dakar 2009. In the heart of the night, three friends gather around a fire. For the first time, Serigne tells Cheikh and Alpha about his epic journey to Spain. Since he has been repatriated by force, he has only one idea in mind: jump into the first boat and go to sea again. His friends try to convince him to stay but Serigne, as if bewitched, seems like he’s already gone.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 1 VIE 28 MAYO, 17:00 H | FRI 28TH MAY, 5:00 PM

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP 105 BIG IN VIETNAM

Se filma una película en un bosque cerca de Marsella. Henriette, directora francovietnamita, rueda Las amistades peligrosas de Laclos, con su hijo Mike como asistente. Pero el actor principal desaparece y todo debe detenerse de inmediato. La película pierde a Valmont y, a su vez, la directora abandona el plató. Se marcha y abandona a todo su equipo a bordo de un barco fantasma, del que su hijo Mike será el capitán. En sus paseos por la ciudad portua- ria, Henriette descubre un mundo que le recuerda a aquel que dejó, Vietnam. Conoce a un hombre atormentado por un largo viaje sin regreso.

A movie set in a forest near Marseille. Henriette, French-Vietnamese director, turns Dangerous Liaisons by Laclos, assisted by her son Mike. But the main actor disappears and everything must stop already. The film loses Valmont and in turn, the director deserts the set. She leaves behind her entire crew aboard a ghost ship whose young Mike becomes a captain. During her wander- ings in the port city, Henriette discovers a world that reminds her of what she left, Vietnam. She meets a man haunted by a long journey without return.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 JUE 3 JUNIO, 18:00 H | THU 3RD JUNE, 6:00 PM

106 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP SNOW CANON

Los Alpes franceses, febrero de 2011: a Vanina le gusta escuchar el piso de madera del chalet que cruje bajo sus pies descalzos; a Vanina le gusta frotar protector solar en su piel, frente a la chimenea de piedra; a Vanina le gusta la piel amarillenta de su conejo Souci; a Vanina le gusta respirar el aroma de cuero del sofá blanco; a Vanina le gusta pasar horas contemplando los ojos color carbón tras los velos de las mujeres en su colección de postales. A Vanina le gusta chatear con Eloise en internet. Pero lo que más le gusta a Vanina es su niñera americana, Mary Jane...

The French Alps, February 2011. Vanina likes to listen to the chalet’s wooden floor creaking be- neath her bare feet; Vanina likes to rub suntan lotion on her bare skin in front of the stone fire- place; Vanina likes her rabbit Souci’s tawny fur; Vanina likes to breathe in the leather scent of the white couch; Vanina likes to spend hours contemplating the charcoal eyes of the veiled women in her postcard collection. Vanina likes to chat with Eloise on Internet. But what Vanina loves is her American babysitter, Mary Jane…

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 JUE 3 JUNIO, 18:00 H | THU 3RD JUNE, 6:00 PM

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP 107 MILLE SOLEILS

En 1972, Djibril Diop Mambéty filmaTouki Bouki. Los amantes Mory y Anta comparten el mismo sueño: dejar Dakar para ir a París. Finalmente, Anta parte y Mory se queda solo, incapaz de separarse de su tierra. Cuarenta años después,Mille Soleils investiga el legado personal y colectivo deTouki Bouki. Magaye Niang, el actor principal, nunca partió de Dakar y se pregunta qué pasó con Anta.

In 1972, Djibril Diop Mambety shoots Touki Bouki. Lovers Mory and Anta share the same dream, to leave Dakar for Paris. Finally, Anta ships and Mory remains alone, unable to tear himself away from his land. Forty years later, A Thousand Suns investigates on the personal and collective legacy of Touki Bouki. Magaye Niang, the main actor, never left Dakar and asks himself what happened to his lover Anta.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 1 VIE 28 MAYO, 17:00 H | FRI 28TH MAY, 5:00 PM VIE 4 JUNIO, 18:00 H | FRI 4TH JUNE, 6:00 PM

108 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP LIBERIAN BOY

Mati Diop, Manon Lutanie 5’ | 2015 | Francia | France Sin diálogos | No dialogue

Jules pasó todo el año ensayando los pasos de Billie Jean para su espectáculo de fin de curso en el centro de ocio. Ese mismo año, subió al escenario en la actuación de una banda de post-rock a la que luego se unió. Participó en varios conciertos, se quitó la camiseta y se lanzó sobre el público. Empezamos a filmar a Jules entonces y le propusimos pasar un día en el estudio, para grabarlo bailando.

Jules spent the year rehearsing the dance steps to Billie Jean for his end-of-year show at the Lei- sure Centre. The same year, he appeared on stage at a concert of a post rock band that he then joined. He took part in several concerts, took off his shirt and threw himself into the crowd. We started filming Jules then and proposed spending a day in a studio to film him dancing.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 JUE 3 JUNIO, 18:00 H | THU 3RD JUNE, 6:00 PM

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP 109 ATLANTIQUE

A lo largo de la costa del Atlántico, una torre futurista a punto de inaugurarse se alza im- ponente sobre un suburbio de Dakar. Ada, de 17 años, está enamorada de Souleiman, un joven trabajador de la construcción. Pero ella ha sido prometida a otro hombre. Una noche, Souleiman y sus compañeros de trabajo abandonan el país por mar, con la esperanza de encontrar un futuro mejor. Varios días después, un incendio estropea la boda de Ada y una fiebre misteriosa comienza a propagarse. Ada apenas sabe que Souleiman ha regresado.

Along the Atlantic coast, a soon-to-be-inaugurated futuristic tower looms over a suburb of Dakar. Ada, 17, is in love with Souleiman, a young construction worker. But she has been promised to another man. One night, Souleiman and his co-workers leave the country by sea, in hope of a better future. Several days later, a fire ruins Ada’s wedding and a mysterious fever starts to spread. Little does Ada know that Souleiman has returned.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 1 MIÉ 2 JUNIO, 20:00 H | WED 2ND JUNE, 8:00 PM

110 DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP IN MY ROOM

Hecha durante el confinamiento, In My Room nos sumerge en la historia de una mujer en el ocaso de su vida a través de grabaciones de la fallecida abuela de la directora. Las salas se convierten en escenarios donde se actúa la vida. Las ventanas se vuelven portales hacia las vidas de los otros.

Made during lockdown, In My Room takes recordings of the director’s late grandmother to im- merse us in the story of a woman in the twilight of her life. The rooms become stages upon which life is acted out. The windows become portals into the lives of others.

FILMOTECA ESPAÑOLA. SALA 2 JUE 3 JUNIO, 18:00 H | THU 3RD JUNE, 6:00 PM

DJIBRIL DIOP MAMBÉTY + MATI DIOP 111

BACK AND FORTH Ephraim Asili Forugh Farrojzad / Pedro Costa Tatjana Ivančić Abbas Kiarostami Manuela de Laborde Lourdes Portillo Jocelyne Saab Daïchi Saïto Frederick Wiseman Maria Alché, Fabrice Aragno, James N. Kienitz Wilkins, Laila Pakalnina, Nicolás Pereda, John Smith ESTRENO EN ESPAÑA SPANISH PREMIERE

EPHRAIM ASILI

Julian hereda una casa de su abuela en el oeste de Filadelfia y le pide a su novia Gwen que se mude allí, aunque ella es solamente el primer miembro del colectivo que se instala con él entre sus coloridas paredes. Pronto empiezan a recitar poesía afroamericana, a leer teoría poscolonial, a acoger seminarios sobre lenguas sudanesas y a disfrutar de sesiones de jazz. Estas acciones intelectuales de estilofunky pueden verse como ficción, pero son sólo una recreación de las vivencias de Asili en una comuna marxista. Miembros del grupo MOVE hablan en la casa, se muestran sitios clave para la comunidad negra de la ciudad y surgen las disputas sobre las normas de la casa: la teoría topa con la práctica y, como era de prever, saltan chispas. (JL)

Julian inherits a house in West Philadelphia from his grandmother and asks his girlfriend Gwen to move in, though she’s just the first member of the collective that sets up home with him within its colourful walls. Soon they’re reciting African-American poetry, reading post-colonial theory, holding seminars on Sudanese languages and enjoying jazz sessions. These funkily cerebral exploits might read as fiction, yet they’re just a reenactment of Asili’s experiences in a Marxist commune. Members of the MOVE Organization speak at the house, key sites for the city’s Black community are shown and quarrels over house rules arise: theory rubs up against practice and sparks duly fly. (JL)

CINETECA. SALA BORAU JUE 27 MAYO, 19:30 H | THU 27TH MAY, 7:30 PM

114 BACK AND FORTH THE DIASPORA SUITE

FORGED WAYS | 15’ | 2010 AMERICAN HUNGER | 19’ | 2013 MANY THOUSANDS GONE | 8’ | 2014 KINDAH | 12’ | 2016 FLUID FRONTIERS | 23’ | 2017

Coincidiendo con el estreno en España de la muy interesante película de Ephraim Asili,The Inheritance, también se va a exhibir en Filmin su serie en cinco partes The Diaspora Suite, un estudio personal y global de la diáspora africana rodado en 16 mm y cuyas investigaciones sobre la diversidad de la cultura negra anuncian ya lo que será su primer largometraje. Serie creada a lo largo de siete años, cada uno de los cinco cortos posee un ritmo único construi- do alrededor de una amalgama específica de imágenes rodadas en espacios de Estados Unidos y de otros países, todos ellos escenarios importantes durante la diáspora africana. Forged Ways (2011) viaja entre Harlem y Adís Abeba, Etiopía; American Hunger (2013) muestra Filadelfia, Ocean City y Cape Coast, Ghana; enMany Thousands Gone (2014), Harlem y Salvador, Brasil; en Kindah (2016), Hudson, Nueva York y Jamaica; y en Fluid Frontiers (2017), Detroit y Windsor, Canadá. Abarcando la historia, la política, la música, la danza, la poesía y el ritual, The Diaspora Suite va alternando la alegría, la sorpresa y la emoción, y lanza una pregunta radical sobre el legado del colonialismo en su construcción de visión única y global de la identidad panafricana. (JL)

To coincide with the Spanish premiere of Ephraim Asili’s never more topical The Inheritance, we are also screening his five-part series The Diaspora Suite at Filmin.es, a personal and global study of the African diaspora shot on 16mm whose explorations of the diversity of Black culture also inform his debut feature. Created over the course of seven years, each of the five shorts has a unique rhythm built around a specific amalgam of footage shot in American and international locations, all of them important sites within the African diaspora. Forged Ways (2011) travels between Harlem and Addis Ababa, Ethiopia; American Hunger (2013) features Philadelphia, Ocean City, and Cape Coast, Ghana; in Many Thousands Gone (2014), Harlem and Salvador, Brazil; in Kindah (2016), Hudson, New York, and Jamaica; and in Fluid Frontiers (2017), Detroit and Windsor, Canada. Encompassing history, politics, music, dance, poetry, and ritual, The Diaspora Suite is by turns playful, surprising, moving, and a radical interrogation of colonialism’s legacy in its construction of a one-of-a-kind, global vision of pan-African identity. (JL)

FILMIN LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO | MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

BACK AND FORTH 115 FORUGH FARROJZAD / PEDRO COSTA

The House is Black es la única película por la que la poeta iraní Forugh Farrojzad (1935-1967) fue reconocida como directora y esta nueva restauración sirve como homenaje a un talento humano único frustrado por el destino. Película encargada por la Sociedad de Ayuda a los Leprosos, este retrato de veinte minutos que Farrojzad hace sobre una colonia de leprosos en el norte de Irán cumple su cometido educativo al tiempo que lo trasciende constantemente, yuxtaponiendo información sobre la enfermedad y escenas cotidianas con citas de la Biblia y del Corán, su propia poesía e incontables imágenes de un lirismo equivalente y espontáneo: manos demasiado delgadas y rostros afligidos, hojas en el agua y pájaros en el cielo, risas y gran solemnidad. (JL)

The House is Black is the only film for which Iranian poet Forough Farrokhzad (1935-1967) was credited as director, with this new restoration functioning as a tribute to a unique humanistic talent thwarted by fate. Commissioned for the Society for Assistance to Lepers, Farrokhzad’s twenty-minute portrait of a leper colony in northern Iran fulfils its educational remit while transcending it at every turn, juxtaposing information about the condition and everyday scenes with Bible and Koran quotes, her own poetry and countless images of an equivalent, effortless lyricism: hands under weights and stricken faces, leaves in water and birds in the sky, laughter and great solemnity. (JL)

CINETECA. SALA PLATÓ JUE 27 MAYO, 19:45 H | THU 27TH MAY, 7:45 PM

Veinte años después de su estreno, Pedro Costa presenta una restauración de su película más godardiana: un retrato en la oscuridad de la sala de montaje de los cineastas Danièle Huillet y Jean-Marie Straub, los grandes cineastas materialistas, mientras trabajaban en ¡Si- cilia! Como el propio Costa explicó: “Es una película hecha en el montaje y con ella quería transmitir una imagen, un pensamiento, una pedagogía de lo que es ese cine extraño, ese método bizarro, de estos cineastas de nuestro tiempo. Y es una película muy godardiana porque Danièle y Jean-Marie comienzan siempre con las ideas; son gente de convicción. Creen en muchas cosas; yo ya no creo en muchas”. (CB)

Twenty years after its release, Pedro Costa presents a restoration of his most “Godardian” film: a portrait made in the darkness of the editing room of the great materialist filmmakers Danièle Huillet and Jean-Marie Straub while working on Sicily! As Costa himself explained: “It’s a film made in editing, with which I wanted to transmit an image, a thought, a teaching about what this strange cinema is, this bizarre method, by these filmmakers of our time. And it’s a very Godardian film because Danièle and Jean-Marie always start off from ideas; they are people of conviction. They believe in lots of things; I no longer believe in many”. (CB)

CINETECA. SALA PLATÓ JUE 27 MAYO, 19:45 H | THU 27TH MAY, 7:45 PM

BACK AND FORTH 117 DESTELLOS COTIDIANOS: EL CINE DE TATJANA IVANČIĆ FRAGMENT, EVERYDAY: THE FILMS OF TATJANA IVANČIĆ

Tatjana Ivanc^ic´ Programa completo | Full session: 63’ | Croacia | Croatia Sin diálogos | No dialogue

CINETECA. SALA PLATÓ SÁB 29 MAYO, 12:00 H | SAT 29TH MAY, 12:00 PM

118 BACK AND FORTH En 2019, el Kinoblub Zagreb, cineclub fundado en 1928 en Croacia para la promoción del cine amateur, y todavía en activo, inició el proceso de restauración, junto con el Austrian Film Museum, del trabajo de su miembro más prolífico: la cineasta croata Tatjana Ivančić (1913- 1986). Ivančić realizó en torno a setenta películas en Super 8 mm en apenas dos décadas (1960-1980), con una cámara rusa que su hijo había dejado de usar. Siempre desde la posi- ción de que le aseguró una libertad total, sus películas tuvieron un recorrido exitoso en el circuito de festivales de cine amateur de la extinta Yugoslavia. El trabajo de Ivančić, siempre basado en su cotidiano, rescata de forma poética la belleza de la naturaleza, de lo pequeño, pequeños destellos de luz entre lo mundano. (GDP)

In 2019, the Kinoblub Zagreb, a still active film club founded in Croatia in 1928 to promote amateur filmmaking, joined forces with the Austrian Film museum to start the process of restoring the work of its most prolific member: Tatjana Ivančić (1913-1986). Ivancic made around seven- ty Super 8mm films in just two decades (1960-1980), with a Russian camera that her son had stopped using. With all the freedom that comes with amateur filmmaking, her work had a successful run on the amateur film festival circuit in the former Yugoslavia. Always based on her daily life, Ivancic’s work poetically rescues the beauty of nature, of small things, small flashes of light among the mundane. (GDP)

BACK AND FORTH 119 ABBAS KIAROSTAMI ABBAS KIAROSTAMI: KANOON COLLECTION (SELECTED WORKS)

Programa completo | Full session: 107’ | Irán | Iran

CINETECA. SALA PLATÓ SÁB 29 MAYO, 19:45 H | SAT 29TH MAY, 7:45 PM

120 BACK AND FORTH Kiarostami, en una entrevista realizada en 1997 decía: “Ahora que uno puede ver todas mis películas como un cuerpo de trabajo, parece que hablan de las mismas cosas. Alguien dijo que todo cineasta hace básicamente una sola película en su vida, pero la recorta y la ofrece en cuotas cinematográficas durante un período de tiempo.” En 1969 el gobierno de su país le invitó a crear un departamento de cine en el Institu- to para el Desarrollo Intelectual de Niños y Jóvenes Adultos (Kanoon), donde realizó varios cortos sobre la infancia. Bread and Alley fue el primero de ellos, y con una simple anécdota relata cómo la experiencia de cada persona es única. Solution es un viaje visual lírico que se filmó en el paisaje montañoso de Teherán.Two Solutions for One Problem es el germen de ¿Dónde está la casa de mi amigo? en la que Dara y Nader tienen una fuerte discusión sobre un cuaderno roto: un problema, dos soluciones. En Breaktime un niño huye de un partido de fútbol con la pelota y acaba vagando sin rumbo por las calles. First Case, Second Case es un dilema dramatizado que escenifica dos versiones de una situación de disciplina en el aula. La película fue prohibida tras su estreno y desapareció durante décadas.The Chorus es una hermosísima historia sobre contrastes. Los seis trabajos que presentamos forman parte de esa gran película que Kiarostami ofreció a lo largo de toda su vida en la que se entrecruzan la niñez, la experiencia personal, lo simple, lo complejo, la poesía, el cambio y la continuidad, todo enmarcado en un paisaje y un tiempo de profundo lirismo y definida personalidad. (CB)

In an interview in 1997, Kiarostami said: “Now that one can see all my films as a body of work, it seems that they all talk of the same things. Someone said that basically every filmmaker makes only one film in his lifetime, but he cuts it down and offers it in cinematic installments over a period of time.” In 1969 the government of his country invited him to set up a film department at the Institute for the Intellectual Development of Children and Young Adults (Kanoon), where he made several short films about children.Bread and Alley was the first one he made. With a simple anecdote, he tells of how each person’s experience is unique. Solution is a lyrical, visual journey filmed in the mountainous landscape of Tehran. Two Solutions for One Problem is the seed for Where Is the Friend’s House? Dara and Nader have a heated argument over a torn notebook: one problem, two solutions. In Breaktime, a boy runs away from a football match with the ball and ends up wandering aimlessly through the streets. First Case, Second Case is a dramatized dilemma that portrays two versions of a situation involving classroom discipline. The film was banned after its release and disappeared for decades. The Chorus is a beautiful story about contrasts. The six films presented here are a part of the great film work that Kiarostami made over the course of his life, in which childhood, personal experience, the simple, the complex, poetry, change and continuity all intertwine, all set in a landscape and time of profound lyricism and defined personality. (CB)

BACK AND FORTH 121 MANUELA DE LABORDE: ABSTRACCIÓN RÍTMICA MANUELA DE LABORDE: RHYTHMICAL ABSTRACTION

Manuela de Laborde Programa completo | Full session: 82’ Sin diálogos | No dialogue

AS WITHOUT SO WITHIN | 25’ | 2016 | Estados Unidos, México | USA, Mexico EN LA ERA | 19’ | 2019 | México, Portugal | Mexico, Portugal AZÚCAR Y SALIVA Y VAPOR | 16’ | 2020 México | Mexico FICCIONES | 22’ | 2021 | Alemania, México | Germany, Mexico

CÍRCULO DE BELLAS ARTES - CINE ESTUDIO VIE 4 JUNIO, 20:30 H | FRI 4TH JUNE, 8:30 PM

122 BACK AND FORTH Manuela de Laborde apenas acaba de entrar en la treintena, sin embargo su singular sello de cine experimental ya ha dejado su impronta en el circuito internacional, procesos hipnó- ticamente rítmicos de abstracción progresiva plasmados en celuloide brillante. Natural de Ciudad de México, De Laborde estudió Arte en el Edinburgh College of Art, y Cine y Video en el California Institute of the Arts. Este programa reúne sus cuatro películas más recientes, incluyendo su premiado logro internacional As Without So Within, la película de su tesis en el Instituto de California. De Laborde filma una serie de esculturas autorrealizadas, tales que parecen como un universo completo, un valiente nuevo mundo de forma, color, superpo- sición y duraciones precisas tan misteriosas como matemáticas.En la era alterna entre el color y el blanco y negro, de un modo igualmente vibrante para crear el retrato de un taller de escultura del México rural. En cada uno de los tres planos que componen Azúcar y saliva y vapor, es difícil determinar exactamente lo que estamos viendo: un paisaje cósmico inquie- to, un lecho de vegetación cubierto de rocío, una figura que realiza tareas familiares en la sombra. Ficciones capta las texturas producidas mientras el musgo y el liquen crecen sobre una serie de esculturas cerámicas, estas formas difusas armonizan perfectamente con la película desenfocada en 8 mm. (JL)

Manuela de Laborde has barely left her twenties, yet her singular brand of experimental cinema has already left its mark on the festival circuit, hypnotically rhythmical processes of progressive abstraction rendered in glittering celluloid. From Mexico City, de Laborde studied Art at Edinburgh College of Art and Film and Video at the California Institute of the Arts. This programme brings together her four most recent films, including her award-winning international breakthrough As Without So Within, her thesis film at Cal Arts. de Laborde films a series of self-constructed sculptures such that they feel like a whole universe, a brave new world of form, colour, superimposition and precise durations as mysterious as it is mathematic. En la Era alternates between colour and black and white in similarly pulsating fashion to forge a portrait of a sculpture workshop in rural Mexico. In each of the three shots that make up Azúcar y saliva y vapor, it’s hard to determine exactly what we’re seeing: a jittery cosmic landscape, a dewy vegetation bed, a figure carrying out a familiar task in shadow. Ficciones captures the textures produced as moss and lichen grow over a series of ceramic sculptures, these now-fuzzy forms chiming perfectly with the blurry 8 mm film. (JL)

BACK AND FORTH 123 LOURDES PORTILLO

En 2001, la cineasta mexicano-norteamericana Lourdes Portillo estrenóSeñorita extraviada, la primera película sobre la estremecedora, todavía no resuelta y tristemente activa ola de asesinatos de mujeres en Ciudad Juárez: en torno a 1.800 mujeres asesinadas desde la primera víctima reconocida, la menor Alma Chavarría Farel, en 1993. Señorita extraviada, veinte años después, sigue siendo una obra cinematográfica fundamental en muchos sentidos pero, sobre todo, porque ya entonces trató de escapar del relato oficial para erigirse en un homenaje, un contramonumento, a las voces silenciadas: las familias, las víctimas, las supervivientes, las activistas por los derechos humanos. “Vine a Juárez para perseguir fantasmas y para escuchar el misterio que los rodea”, dice la voz de la cineasta al inicio de la película. Thriller irresoluble, Señorita extraviada sigue siendo hoy una película descomunal y, para celebrar los veinte años de su estreno, presentamos una pequeña selección del trabajo de esta cineasta nacida en México (Chihuahua, 1944) y formada en Estados Unidos, y que a lo largo de su carrera ha trabajado incansablemente por un documental tan imaginativo y poco ortodoxo, como combativo. (CB)

In 2001, Mexican-American filmmaker Lourdes Portillo released Señorita extraviada, the first film about the shocking, still unsolved and sadly active wave of murders of women in Ciudad Juárez: around 1,800 women have been murdered since the first recognized victim, the minor Alma Chavarría Farel, in 1993. Twenty years on, Señorita extraviada, continues to be a seminal film in many ways, but most of all because even then it sought to sidestep the official narrative and instead stand as a tribute, a counter-monument, to the silenced voices: the families, victims, survivors, human rights activists. “I came to Juárez to track down ghosts and to listen to the mystery that surrounds them,” says the filmmaker’s voice at the beginning of the film. An unsolvable thriller, Señorita extraviada continues to be a major film today and, to celebrate the twentieth anniversary of its release, we are presenting a small selection of the work by this Mexico-born filmmaker (Chihuahua, 1944) who trained in the United States and who throughout her career has worked tirelessly for a documentary that is as imaginative and unorthodox as it is combative. (CB)

FILMIN MIÉ 2 - JUE 3 JUNIO | WED 2ND - THU 3RD JUNE

Señorita extraviada / Missing Young Woman se revela como el misterio no resuelto al que analiza: el secuestro, violación y asesinato de más de 350 mujeres jóvenes en Juárez, Mé- xico. Visualmente poético, aunque inquebrantable en su mirada, este evocador documental descubre las capas de complicidad que han permitido que estos brutales asesinatos se sigan produciendo justo al sur de la frontera entre Estados Unidos y México. Basándose en lo que Portillo ve como la más fiable de las fuentes —los testimonios de los familiares de las víctimas— Señorita Extraviada documenta dos años de búsqueda de la verdad en la parte más indefensa de la nueva economía mundial. El resultado es un retrato estremecedor y brutal de Ciudad Juárez, “La Ciudad del Futuro”.

La proyección de Señorita extraviada se realiza por cortesía de su directora Lourdes Portillo.

Señorita extraviada / Missing Young Woman unfolds like the unsolved mystery that it examines—the kidnapping, rape and murder of over 350 young women in Juárez, Mexico. Visually poetic, yet unflinching in its gaze, this haunting documentary unravels the layers of complicity that have allowed these brutal murders to continue just south of the US-Mexican border. Relying on what Portillo comes to see as the most reliable of sources —the testimonies of the families of the victims— Señorita Extraviada documents a two-year search for the truth in the underbelly of the new global economy. The result is a shocking and brutal portrait of Ciudad Juárez, “The City of the Future.”

Missing Young Woman screening by courtesy of its director Lourdes Portillo.

BACK AND FORTH 125 JOCELYN SAAB: TRILOGÍA DE BEIRUT JOCELYN SAAB: BEIRUT TRILOGY

BEIRUT, NEVER AGAIN | 35’ | 1976 LETTER FROM BEIRUT | 52’ | 1978 BEIRUT, MY CITY | 37’ | 1982

CINETECA. SALA BORAU VIE 28 MAYO, 19:30 H | FRI 28TH MAY, 7:30 PM

126 BACK AND FORTH Las tres películas de la libanesa Jocelyn Saab que conforman este programa se conocen como “La trilogía de Beirut”. Fueron filmadas entre 1976 y 1983, años tumultuosos en la ciudad que veremos transformarse película a película. Aunque transformarse es un eufemis- mo: la veremos destruirse, construirse y reconstruirse enérgicamente en medio de ataques constantes. El estilo de Saab es muy peculiar, quizás porque lo fue su vida, al igual que su formación: estudió economía en la universidad, fue periodista de profesión y filmó con una inclinación profundamente poética un rango de películas que fue desde la ficción más planificada hasta el reportaje político (Saab fue quien acompañó con su cámara a Josef Arafat en su exilio forzado, un viaje del cual sale la película Le bateau de l’exile). Ésta es una mezcla que hace que las tres películas, tres ensayos sobre su ciudad, sean de una intimidad profundamente política. ¿Cómo filmar cuando la propia casa está en llamas? Rodeada de bombas y fusiles, Saab se detiene a capturar los destellos y chispas que salen de un pueblo que resiste tanto con las armas como con la insistencia en tener una vida vivida siempre juntos, en las calles. Su cine es siempre una poética de la resistencia, pero de una forma inusual para su tiempo (y para el nuestro también), ya que nunca una se impone sobre la otra, lo poético y lo político funcionan juntos, dando forma al entendimiento del conflicto de un pueblo entero. Jocelyn Saab murió en enero de 2019, y este programa es un homenaje a su vida y obra. (LS)

The three films by Lebanese director Jocelyn Saab featured in this programme are known as “The Beirut Trilogy”. They were filmed between 1976 and 1983, tumultuous years in the city that we watch get transformed film by film. Transformed is an understatement: we will see it de- stroyed, built and vigorously rebuilt in an onslaught of attacks. Her style is very peculiar, perhaps because her life was, and her background as well: she studied economics at university, became a journalist by profession and made films with a pro- foundly poetic inclination, ranging from highly planned out fiction to political reportage (Saab was the one who filmed Josef Arafat on his forced exile, a journey that resulted in the film Le bateau de l’exile). This mixture is what makes these three film essays about her city so deeply political in their intimacy. How does one film when one’s own house is in flames? Bombs and rifles all around her, Saab stops to capture the flashes and sparks that come out of a people who resist with both weapons and with an insistence on always living life together in the streets. Her film work is always a poetics of resistance, but in a way that is unusual for her time (and for ours as well); one never imposes itself over the other, the poetic and the political work together, shaping how the conflict of an entire people is to be understood. Jocelyn Saab died in January 2019, and this program is a tribute to her life and work. (LS)

BACK AND FORTH 127 DAÏCHI SAÏTO: CELULOIDE NATURAL DAÏCHI SAÏTO: NATURAL CELLULOID

Daïchi Saïto Programa completo | Full session: 67’ | Canadá | Canada Sin diálogos | No dialogue

ALL THAT RISES | 8’ | 2007 TREES OF SYNTAX, LEAVES OF AXIS | 10’ | 2009 ENGRAM OF RETURNING | 19’ | 2016 EARTHEARTHEARTH | 30’ | 2021

CÍRCULO DE BELLAS ARTES - CINE ESTUDIO SÁB 5 JUNIO, 21:00 H | SAT 5TH JUNE, 9 PM

128 BACK AND FORTH Con un cuerpo de obra de ya casi veinte años, el artista japonés actualmente afincado en Canadá, Daïchi Saïto, se ha transformado en uno de los cineastas analógicos más importantes de nuestro tiempo, tanto por la originalidad y solidez de su trabajo fílmico como por la importancia política de su forma de pensar en los materiales con los que se hace el cine, cosa que hace desde el colectivo de cineastas del cual es cofundador, Double Negative. Los fundamentos del colectivo pueden verse también en toda su obra: la búsqueda de situar el cine en la experiencia humana, en el ojo, mano y latido de corazón. En su caso, se centra también en el oído, en la vida sonora. Estas experiencias humanas se centran sobre todo en la naturaleza, en la tierra, el cielo, la vida vegetal, los minerales que componen las piedras que hacen las montañas. Con formación de cineasta y también de filósofo, no es extraño que Saïto esté buscando siempre hallar la sustancia de las cosas. El parpadeo constante de sus imágenes, que desnaturaliza completamente la mirada, invita a percibir lo natural como algo nuevo, como un nuevo impulso lumínico, pura potencia sensorial. Su último trabajo, earthearthearth, se verá por primera vez en España. Es una aproximación sobre el paso del tiempo en el planeta Tierra, una experiencia sobrecogedora que invita a perderse como ser humano en el paisaje ante la certeza de que, frente al tiempo geológico, no somos nada. (LS)

With a body of work that spans over twenty years, the Canada-based Japanese artist Daïchi Saïto has become one of the most important analogue filmmakers of our time, both for the originality and solidity of his film work and for the political importance of how he thinks about the materials with which cinema is made, something he does at the collective of filmmakers he co-founded, Double Negative. The mainstays of the collective can also be seen throughout his work: the quest to place cinema into the human experience, into the eye, hand and heartbeat. In his case, he also focuses on hearing, on sound. These human experiences focus mainly on nature, on the earth, sky, plant life, on the minerals that make up the stones that make the mountains. Having trained as a filmmaker and philosopher as well, Saïto is, unsurprisingly, always seeking to find the substance of things. The constant flickering of his images, which completely distorts the -view ing, invites us to perceive the natural world as something new, as a new luminous impulse, pure sensory power. His latest work, earthearthearth, will be seen for the first time Spain. It approaches time as it passes on planet Earth, an daunting experience that invites us to lose ourselves as human beings into the landscape, with the certainty that, in geological time, we are nothing. (LS)

BACK AND FORTH 129 FREDERICK WISEMAN CITY HALL

Uno de los padres del direct cinema, aquel cine documental que creía firmemente en la capacidad del cine de capturar la verdad a través de la filmación extendida en el tiempo, se adentró en las tripas del Ayuntamiento de Boston para retratar la “democracia en acción”. Un relato apasionante sobre el funcionamiento del Gobierno de una ciudad y de la ejempla- ridad ética y laboral de los funcionarios públicos. Una inmersión fascinante en una colección de reuniones burocráticas, bodas, problemas sociales. En tiempos de polarización, el cora- zón de la administración palpita con eficacia y rigor. (GDP)

One of the fathers of direct cinema, that kind of documentary film that firmly believed in cinema’s ability to capture the truth by filming for extended periods of time, took a deep dive into the City Hall of Boston to portray “democracy in action”. A gripping account of how a city government works and the exemplary ethics and work of civil servants. A fascinating immersion into a miscel- lany of bureaucratic meetings, weddings, social issues. In polarized times, the heart of the state administration beats with efficiency and rigor. (GDP)

CINETECA. SALA PLATÓ DOM 30 MAYO, 17:00 H | SUN 30TH MAY, 5:00 PM

130 BACK AND FORTH ESTRENO EN ESPAÑA DESPUÉS SPANISH PREMIERE DEL SILENCIO

María Alché 15’ | 2020 | Argentina Español | Spanish

“¿En cuál futuro estamos?”, pregunta una de las niñas protagonistas del nuevo cortometraje de María Alché, cineasta y actriz memorable en el papel de niña santa en la película homó- nima de Lucrecia Martel. Filmado en el confinamiento, navega con facilidad entre la ciencia-ficción, el documental familiar y la teoría de cuerdas y universos paralelos. (GDP)

Which future are we in?” asks one of the girls starring in the new short film by the filmmaker and actress María Alché, who we all remember as the Holy Girl in Lucrecia Martel’s film of the same name. Filmed during the lockdown, it shifts seamlessly between science fiction, family documentary, and string theory and parallel universes. (GDP)

FILMIN LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO | MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

ESTRENO EN ESPAÑA PARENTHÈSE SPANISH PREMIERE PARÉNTESIS

Fabrice Aragno 6’ | 2021 | Suiza | Switzerland Sin diálogos | No dialogue

¿Cómo ha logrado la luna que los pájaros saluden, que los zorros hablen, que los halcones bailen? Ciertamente con el arte, pero también con la revuelta creadora de voces negadas. Fabrice Aragno, colaborador y productor de Godard, filma una naturaleza que reclama sus derechos en este paréntesis. (CB)

How has the moon managed to make birds greet, foxes talk, balconies dance? With art, to be sure, but also with the creative revolt of rejected voices. Fabrice Aragno, Godard’s collaborator and producer, films nature that reclaims its rights in this parenthesis. (CB)

FILMIN LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO | MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

BACK AND FORTH 131 ESTRENO EN ESPAÑA BEST YEAR SPANISH PREMIERE EVER

Con un título que ya es un guiño al momento actual, este nuevo cortometraje típicamente excéntrico de Kienitz Wilkins adapta el clásico de literatura infantil estadounidenseBest Busy Year Ever, de Richard Scarry, filmando directamente de sus páginas en 16 mm: animales an- tropomórficos que llevan la buena vida americana, perfecta y perfectamente ideológica. (JL)

Its title already a nod to the current moment, this typically bizarre new short by Kienitz Wilkins adapts Richard Scarry’s US children’s book classic “Best Busy Year Ever’ by shooting straight from its pages on 16mm: anthropomorphic animals leading the good American life, perfect and perfectly ideological. (JL)

FILMIN LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO | MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

ESTRENO EN ESPAÑA PIRMAIS TILTS SPANISH PREMIERE THE FIRST BRIDGE

Laila Pakalnina 11’ | 2020 | Letonia | Latvia Sin diálogos | No dialogue

En este mundo de tecnologías digitales, hiperconectividad y vida acelerada en el que estamos sumidos, Pakalnina reivindica un mirar pausado, la capacidad de observar como manera de rela- cionarse física y emocionalmente con nuestro entorno y con quien lo habita, y la capacidad de los dispositivos analógicos para devolvernos a una temporalidad y una existencia más humana. (JFM)

In this world in which our rushed lives are inundated with digital technologies and hyperconnectivity, Pakalnina makes a claim for unhurried observation, the ability to see how we physically and emotion- ally relate with our surroundings and those who inhabit it, and how analog devices hold the ability to return us to a more human sense of time and existence. (JFM)

FILMIN LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO | MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

132 BACK AND FORTH QUERIDA CHANTAL DEAR CHANTAL

5’ | 2021 | México, España | Mexico, Spain Español | Spanish

Pereda regresa a Documenta Madrid con un pequeño homenaje, misterioso y conmovedor, a Chantal Akerman, concebido como una serie de alegres cartas imposibles dirigidas a la gran desaparecida del cine, para responder a su pregunta ficticia acerca de alquilar su luminoso apartamento en Coyoacán. (JL)

Pereda returns to Documenta Madrid with a mysterious, moving, miniature homage to Chantal Akerman, conceived as a series of playfully impossible letters addressed to the deceased cinema great that respond to her fictitious enquiry about renting his luminous Coyoacan apartment. (JL)

FILMIN LUN 31 MAYO - DOM 6 JUNIO | MON 31ST MAY - SUN 6TH JUNE

ESTRENO EN ESPAÑA COVID SPANISH PREMIERE MESSAGES

El siempre certero, sarcástico y brillante director inglés John Smith utiliza las intervenciones públicas del primer ministro británico Boris Johnson y las contrapone a las cifras oficiales de contagiados y muertos, de manera que construye —o, más bien, destruye— el discurso oficial elaborado por el mandatario, al tiempo que pone en evidencia cómo las estrategias de manipulación del poder político están más vigentes que nunca. (JFM)

The always spot-on, sarcastic and brilliant English director John Smith uses the British Prime Minister’s public speeches and contrasts them with the official numbers of infected and dead, so he builds up —or rather, brings down— the prime minister’s official discourse, while at the same time demonstrating how the strategies used by political power to manipulate are more valid than ever. (JFM)

FILMIN LUN 31 MAYO- DOM 6 JUNIO | MON 31ST MAY - SUN 6THE JUNE

BACK AND FORTH 133 134 ACTIVIDADES ACTIVITIES REBVELADOS DOCUMENTA 2021 SALA AZCONA. CINETECA. Sesiones matinales el 26, 27 y 28 de mayo. Para centros educativos, previa inscripción.

Rebvelados es el ciclo de cine de Cineteca Madrid dirigido a la comunidad educativa con la intención de ofrecer un lugar de acercamiento a creaciones audiovisuales que inciten a la reflexión, muevan al debate y generen curiosidad entre los jóvenes asistentes. Este curso académico, Rebvelados se ha tomado un respiro, pero vuelve para abrirse un hueco en Documenta Madrid. Como en anteriores ediciones de Documenta, dedicaremos tres sesiones matinales en la sala Azcona a la proyección de una selección de las películas pertenecientes a la sección competitiva nacional. Dichas sesiones incluirán un coloquio con presencia del equipo de las películas, programadores del festival y expertos en cine de Cineteca Madrid, quienes invitarán a los asistentes a debatir y expresar sus ideas en torno a los asuntos sociales, éticos y culturales presentes en los filmes. En resumidas cuentas, se trata de interpelar a los asistentes para que descubran, desde las particularidades de la experiencia del visionado en el espacio de Cineteca, una forma diferente de aprender en colectivo a través del cine.

AZCONA THEATER. CINETECA. Matinee sessions May 26, 27 and 28. , 12:00 p.m. For educational centers, with prior registration.

Rebvelados is the film series programmed by the Cineteca Madrid for the educational community in order to provide them a place to view audiovisual creations that will invite reflection, stir debate and curiosity among the young people attend- ing. Rebvelados has taken a break this school year, but it is making a return with a spot at Documenta Madrid. As in previous editions of Documenta, we will dedicate three morning sessions in the Azcona theater to screen a selection of the films from the national competitive section. These sessions will include a colloquium featuring the attendance of the film crew, festival programmers and film experts from the Cineteca Madrid, who will invite attendees to debate and express their ideas on the social, ethical and cultural issues addressed in the films. In short, the idea is to engage the audience so they might discover a different way of learning collectively through film, thanks to the unique viewing experience provided in the Cineteca space.

136 ON DOCUMENTA 2021

En su vertiente más optimista y positiva, Internet actúa verdaderamente como una red que nos conecta (o que nos atrapa, en su vertiente negativa) generan- do lazos y comunidades, acercándonos lo lejano y descubriéndonos todo tipo de realidades y experiencias. ON DOCUMENTA llega un año más para acom- pañar lo que acontece en la sala, con encuentros paralelos con los protagonistas del festival, quienes desde las pantallas de sus dispositivos se acercan a nosotros para hablarnos en primera persona de las ideas, las historias, las anécdotas, los obstáculos y ocurrencias que rodearon y dieron forma a sus proyectos cinematográficos. Desde el canal de Youtube de Documenta Ma- drid, los comisarios y programadores del festival conversarán con los protagonistas de nuestras secciones paralelas, abriendo una ventana virtual con vistas a Montreal, Glasgow, Ciudad de México o Barcelona, entre otras.

In its most optimistic and positive side, the internet truly acts as a network that connects us (or in its negative side, that traps us) by forming bonds and communities, bringing us closer to things far away, and helping us discover all kinds of realities and experiences. ON DOCUMENTA comes back this year to run alongside everything happening on screen, gatherings with major figures of the festival, who from the screens on their devices will talk to us in first person about the ideas, stories, anecdotes, obstacles and occurrences that took place and shaped their film projects. From Documenta Madrid’s Youtube channel, the festival’s curators and programmers will talk to major figures from our parallel sections, thus opening up a virtual window with views of Montreal, Glasgow, Mexico City, and Barcelona, among others.

www.youtube.com/CinetecaMadrid

137 INFORMACIÓN ÚTIL USEFUL INFORMATION El Ayuntamiento de Madrid y Madrid Destino, Cultura, Turismo y Negocio, S.A. organizado- res de Documenta Madrid 21, no se responsabilizan ni coinciden necesariamente con las opiniones o las producciones incluidas o derivadas del Festival.

Las proyecciones que componen la programación de Documenta Madrid 21 están reco- mendadas para mayores de 18 años.

Esta programación puede estar sujeta a cambios.

The Madrid Council and Madrid Destino, Cultura, Turismo y Negocio, S.A. organizers of Docu- menta Madrid 21, accept no responsability and don’t necessarily agree with the opinions or the works included in the festival or deriving from it.

The showings included in Documenta Madrid 21 programming are recommended for rated: R.

This programme may be subject to changes.

140 SEDES DEL FESTIVAL FESTIVAL VENUES

CINETECA: SEDE PRINCIPAL FILMOTECA ESPAÑOLA MAIN VENUE CINE DORÉ Matadero Madrid. Plaza de Legazpi, 8 Calle Santa Isabel, 3 91 318 44 76 [email protected] CÍRCULO DE BELLAS ARTES. CINE ESTUDIO MUSEO NACIONAL CENTRO Calle del Marqués de Casa Riera, 4 DE ARTE REINA SOFÍA. EDIFICIO SABATINI, AUDITORIO FILMIN REINA SOFÍA MUSEUM. www.filmin.es SABATINI BUILDING, AUDITORIUM. Calle Santa Isabel, 52

141 PRECIOS DE ENTRADAS / PUNTOS DE VENTA

CINETECA FILMOTECA ESPAÑOLA Salas Azcona, Borau y Plató CINE DORÉ Precio por sesión Precio por sesión Entrada general 3,5 € Entrada general: 3 € Entrada reducida 3 € jubilados y mayores de 65 Entrada reducida, 2 € estudiantes, miembros de años, menores de 14, personas con discapaci- familias numerosas, grupos culturales y educa- dad, grupos de más de 20 personas, desemplea- tivos vinculados a instituciones con convenio, dos, familias numerosas y asociaciones artísticas. mayores de 65 años y personas en situación Entrada gratuita: usuarios del bono cultural legal de desempleo. JOBO para sesiones de miércoles a viernes. Entrada gratuita: menores de 18 años. Puntos de venta Abonos: 10 sesiones 15 € / anual 30 € A partir del 19 de mayo: Puntos de venta - Online -OPCIÓN RECOMENDADA- - Online -OPCIÓN RECOMENDADA- A través de la propia web oficial del festival www. Las entradas online se ponen a la venta 72 horas documentamadrid.com y www.cinetecamadrid. antes en www.entradasfilmoteca.gob.es com (https://tienda.madrid-destino.com/es/ - Taquilla del Cine Doré cineteca) Horario de taquilla: 16:30 h. hasta inicio de la - Taquilla de Cineteca última sesión. Se reserva para la venta física ⅓ de Horario de taquilla: desde una hora antes las entradas. Exclusivamente se ponen a la venta del inicio de la primera sesión, hasta el inicio en taquilla las entradas para las sesiones del día. de la última. - Taquilla de Casa de la Panadería. Plaza Mayor, 27. CÍRCULO DE BELLAS ARTES Horario de taquilla: de martes a domingo de CINE ESTUDIO 10:30h a 14:30h y de 16:30h a 20:30h. Precio por sesión 3,50 € MUSEO NACIONAL CENTRO Puntos de venta DE ARTE REINA SOFÍA www.circulobellasartes.com EDIFICIO SABATINI, AUDITORIO - Taquilla CBA: desde una hora antes del inicio Entrada gratuita hasta completar aforo, previa de la primera sesión, hasta el inicio de la última. retirada de entrada en la web del Museo a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la FILMIN / www.filmin.es proyección. Máximo 1 por persona. Festival incluido para los suscriptores de Filmin. www.museoreinasofia.es/actividades/luke-fowler Precios individuales Precio largometrajes: 3,95€ Precio mediometrajes: 2,95€ Precio cortometrajes: 0,95€ Abono Documenta + 2 meses de suscripción en Filmin: 15€ 142 TICKET PRICES / POINTS OF SALE

CINETECA FILMOTECA ESPAÑOLA Azcona, Borau and Plató theaters CINE DORÉ Price per session Price per session General ticket: 3.50 € General admission: 3 € Reduced ticket: 3 € (retirees and people over 65, Discounted admission, 2 € students, members under 14, people with disabilities, groups of more of large families, cultural and educational groups than 20 people, unemployed, large families and from participating institutions, seniors over 65 artistic associations members). and the legally unemployed. Free admission: users of the JOBO cultural pass Free admission: children under 18 years old. for the sessions from Wednesday till Friday. Passes: 10 sessions 15 € / annual 30 € Points of sale Points of sale From May 19th at: - Online - RECOMMENDED OPTION - - Online - RECOMMENDED OPTION - Online tickets go on sale 72 hours in advance at On the official festival website www.documen- www.entradasfilmoteca.gob.es tamadrid.com and www.cinetecamadrid.com - Doré Cinema Ticket Office - Cineteca ticket office Ticket office opening hours: 4:30 pm until the Ticket office hours: from one hour before the start of the final session. ⅓ of the tickets are start of the first session, until the final session reserved for physical sale at the ticket office. begins. Tickets for sessions on the same day will be sold - Ticket office of the Casa de la Panadería. Plaza exclusively at the ticket office. Mayor, 27. Ticket office hours: from Tuesday to Sunday, CÍRCULO DE BELLAS ARTES from 10:30 am to 2:30 pm and 4:30 pm CINE ESTUDIO to 8:30 pm. Price per session 3,50 € REINA SOFIA MUSEUM Points of sale SABATINI BUILDING, AUDI- https://www.circulobellasartes.com TORIUM - CBA ticket office: from one hour before the start Free admission until full capacity, tickets ac- of the first session, until the final session begins. quired in advance on the Reina Sofía Museum website from 10am on the last working day be- FILMIN / www.filmin.es fore the screening. A maximum of 1 per person. Festival included for Filmin subscribers. www.museoreinasofia.es/actividades/luke-fowler Individual prices: Price for Feature films: 3.95€ Price for Medium-length films: 2.95€ Price for Short films: 0.95€ Documenta Pass + 2 months subscription to Filmin: 15€ 143 EQUIPO TEAM

EQUIPO DOCUMENTA MADRID 2021 | DOCUMENTA MADRID TEAM 2021

Director artístico de Cineteca Cineteca artistic director...... Gonzalo de Pedro Amatria Comisarios artísticos Film curators...... Cecilia Barrionuevo, James Lattimer Programación Programming...... Mariana Barassi, Silvia Cruz Gestor coordinador Coordinating manager...... Toni García Administrativo de producción Production administrative...... Mon Rivas Presentaciones y coloquios Presentation and Q&A...... Lucía Salas, equipo Cineteca Madrid Imagen Image...... Inka & Niclas

EQUIPO CINETECA MADRID | CINETECA MADRID TEAM

Coordinación de contenidos Content coordination...... Eva Nuño Coordinadora gestión Management coordinator...... Ana M. González Melcón Programación Programming...... Antonio Delgado Liz, Jara Fernández Meneses Actividades culturales y educativas Cultural and educational activities...... Beatriz Bartolomé Herrera Documentación Documentation...... Julio Fernández Buxó, Rafael Vila Producción Production...... Elena Cano, Natalia Salazar Taquilla Ticket Office...... Ángeles Hornero Montero

144 EQUIPO MATADERO MADRID | MATADERO MADRID TEAM

Directora artística Artistic director...... Rosa Ferré Gerente Manager...... Alma Fernández Rius Responsable de programa Head of program...... Ana Ara Coordinación gerencia General coordinator...... Adela Fernández Coordinación comunicación Communications coordinator...... Myriam González Comunicación Communication...... Marisa Pons Diseño gráfico Graphic design...... Mario Cano Relaciones institucionales Institutional relations...... Marta García Santo-Tomás Gestión de públicos Audience management...... Mercedes Álvarez Gestión de proyectos Project management...... Aitor Ibáñez Coordinación producción Production coordinator...... Miriam Bosch Apoyo coordinación producción Assistant production coordinator...... Santiago Jiménez Producción Production...... Vicente Fernández, David Romero Coordinación técnica Technical coordinator...... Javier del Valle Infraestructuras Infrastructure...... Raúl Cano Jurídico Legal...... Sara Fidalgo, Montserrat Rivero Técnico administración Administration coordinator...... Paloma Benito Administración Administration...... Susana Arranz, Nieves Montealegre, Mila Pinel

El comité de selección de las películas a competición en la presente edición ha estado formado por los equipos de programación de Documenta Madrid 2021 y Cineteca Madrid.

The selection committee for the films in competition this year has been made up of the 2020 Documenta Madrid and Cineteca Madrid programming teams. 145 ÍNDICE DE TÍTULOS INDEX BY FILMS

A D 46 A TODOS NOS GUSTA EL PLÁTANO 83 DAVID 32 ABISAL 87 DEPOSITIONS 86 ALL DIVIDED SELVES 131 DESPUÉS DEL SILENCIO 33 ALL LIGHT, EVERYWHERE 128 ALL THAT RISES E 115 AMERICAN HUNGER 128 EARTHEARTHEARTH 84 ANNA 88 ELECTRO-PYTHAGORAS 71 THE ANNOTATED FIELD GUIDE (A PORTRAIT OF MARTIN BARTLETT) OF ULYSSES S. GRANT 50 ELLA I JO 122 AS WITHOUT SO WITHIN 122 EN LA ERA 110 ATLANTIQUE 128 ENGRAM OF RETURNING 105 ATLANTIQUES 34 ESQUIRLAS 47 AUTOPSIA DE UN RELATO PERIODÍSTICO 118 EQUINOX 122 AZÚCAR Y SALIVA Y VAPOR F B 122 FICCIONES 99 BADOU BOY 133 THE FIRST BRIDGE 126 BEIRUT, MY CITY 120 FIRST CASE, SECOND CASE 126 BEIRUT, NEVER AGAIN 115 FLUID FRONTIERS 132 BEST YEAR EVER 87 FOR CHRISTIAN 106 BIG IN VIETNAM 115 FORGED WAYS 120 BREAD AND ALLEY 103 LE FRANC 118 BOREDOM 118 FROM 0 TO 2 120 BREAKTIME 118 FROM DAWN TO DUSK

C G 69 CAMINO INCIERTO 82 GEORGE 60 CANCIÓN A UNA DAMA 118 GOOD OLD OAR EN LA SOMBRA 84 A GRAMMAR FOR LISTENING - PART 1 89 CÉZANNE 85 A GRAMMAR FOR LISTENING - PART 2 130 CITY HALL 85 A GRAMMAR FOR LISTENING - PART 3 120 THE CHORUS 118 THE GREATEST DAY 118 CITY IN THE SHOP WINDOW 48 COLECCIÓN PRIVADA H 98 CONTRAS' CITY 61 H 88 COUNTRY GRAMMAR 82 HELEN (WITH SUE TOMPKINS) 116 THE HOUSE IS BLACK 133 COVID MESSAGES 90 HOUSES (FOR MARGARET) 49 ¿CUÁLES SON NUESTROS AÑOS? 102 HYÈNES

146 I Q 35 I COMETE 38 QUÉ SERÁ DEL VERANO 111 IN MY ROOM 132 QUERIDA CHANTAL 114 THE INHERITANCE R K 118 RHAPSODY IN GREEN 115 KINDAH 39 A RIVER RUNS, TURNS, ERASES, REPLACES

L S 83 LESTER 118 THE SAND 126 LETTER FROM BEIRUT 40 SENSITIVE MATERIAL 109 LIBERIAN BOY 124 SEÑORITA EXTRAVIADA 56 SÍNDROME DE LOS QUIETOS M 107 SNOW CANON 62 LA MALA FAMILIA 120 SOLUTION 51 LA MANO QUE CANTA 41 STE. ANNE 115 MANY THOUSANDS GONE 42 SURVIVING YOU, ALWAYS 52 MBAH JHIWO / ANCIENT SOUL 108 MILLE SOLEILS T 53 A MINOR FIGURE 63 TE FUISTE AL ALBA 89 MUM’S CARDS 43 TELLURIAN DRAMA 86 TO THE EDITOR OF N AMATEUR PHOTOGRAPHER 36 NO TÁXI DO JACK 100 TOUKI BOUKI 118 TRAVELOGUE O 128 TREES OF SYNTAX, LEAVES OF AXIS 70 EL OJO DEL TURISTA: 120 TWO SOLUTIONS FOR ONE PROBLEM XIII PIEZAS FÁCILES 37 ONE THOUSAND AND ONE U ATTEMPTS TO BE AN OCEAN 118 UNTIL THE LAST DROP 54 ORA MARITIMA 117 OÙ GÎT VOTRE SOURIRE ENFOUI ? V 118 VARIATIONS P 131 PARENTHÈSE W 101 PARLONS GRAND-MÈRE 118 THE WEARY SEA 91 PATRICK 57 WINTERREISE 55 LA PELI DEL ALGORITMO 104 LA PETITE VENDEUSE DE SOLEIL 118 THE PLAY OF LIFE

147

AGRADECIMIENTOS ACKNOWLEDGMENT

A D K Carlos Reviriego Víctor Aertsen Paloma Dema Dane Komljen (Filmoteca Española) (City of Madrid Film Office) Alicia Deza José María Ríos L Laura Alderete (Netflix) Conceiro Isaki Lacuesta (FICUNAM) Alejandro Díaz (Hotel Aloft Gran Vía) Catalina Altuna Castaño Tamara Linares Frutos Jaume Ripoll (Filmin) Salvador Amores E Pablo López (FICUNAM) (Filmoteca Española) Valerio Rocco Pablo Esguevillas Raquel Arguedas Daniela Lučev (Círculo de Bellas Artes) (Museo Nacional Centro de Arte Reina F (Embajada de Croacia en España) Alejandro Rodríguez Sofía) Sonia Fernández Beatriz Lucas (Fundación Japón Madrid) Álvaro Arroba Adrián Fernández Elisa Rodríguez (BAFICI) García M (ICAA) Manuel Asín Vanesa Fernández María Macarro Tito Rodríguez (Cine Estudio del Círculo de Bellas (Instituto Confucio de Madrid) (ICAA) Artes de Madrid) Guerra (Zinebi) Chiara Marañón Sandra Ruesga Ludovic Assémat (Mubi) (British Council Madrid) G Natalia Marín S Mauro García Alena B (Filmoteca Española) Eva Sangiorgi Joanna Gdowska (Viennale) Miranda Baron (Instituto Polaco de Cultura, Madrid) Esperanza Martínez Atilio Barrionuevo Mads Mikkelsen Ana Schmukler Chema González Petra Belc (CPH DOX) Eloísa Suárez (Museo Nacional Centro de Arte Reina (Göethe Institut, Madrid) (Kinoklub Zagreb) Sofía) Fabienne Moris (FIDMarseille) Marion Berger Elvira González T (FCAT) José Manuel González Raquel Moya Romero Antoine Thirion Antonia Blau (Acción Cultural Española) (Cinéma du réel) (Goethe Institut Madrid) N Evgeny Gusyatinskiy María Navarrete Teresa Toledo François Bonenfant (IFFR) Mañosa (Casa de América) (Le Fresnoy) Carlos Gutiérrez Beatriz Navas Natalia Trébik Sofía Bordenave (Cinema Tropical) (ICAA) (Le Fresnoy) Manuel Borja-Villel (Museo Nacional Centro de Arte Reina H O U Sofía) Aline Herlaut Álvaro Ogalla Daniela Urzola Paola Buentempo (Instituto Francés, Madrid) (Embajada de Colombia) (Mar del Plata FF) P I Mark Peranson V C Víctor Iriarte (Berlinale/Cinema Scope) Ángeles Vacas Tila Cappelletto (San Sebastián FF) Matías Piñeiro (City of Madrid Film Office) Josetxo Cerdán Óscar Vincentelli J María Prada (Filmoteca Española) (City of Madrid Film Office) Irena Jelić José Javier Cruz (HAVC, Croatian Audiovisual Centre) Delgado R Jesse Cumming Fernando Juan Lima Jean Pierre Rehm (Mar del Plata FF) (FIDMarseille)

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Organiza

Con la financiación del GOBIERNO DE ESPAÑA

Con la ayuda de

Sedes colaboradoras

Con el apoyo de 18 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE 18 INTERNATIONAL FILM FESTIVAL