Leonard Bernstein, naissance d’un chef d’orchestre américain Célestin Chemineau To cite this version: Célestin Chemineau. Leonard Bernstein, naissance d’un chef d’orchestre américain. Musique, musi- cologie et arts de la scène. 2017. dumas-01731066 HAL Id: dumas-01731066 https://dumas.ccsd.cnrs.fr/dumas-01731066 Submitted on 13 Mar 2018 HAL is a multi-disciplinary open access L’archive ouverte pluridisciplinaire HAL, est archive for the deposit and dissemination of sci- destinée au dépôt et à la diffusion de documents entific research documents, whether they are pub- scientifiques de niveau recherche, publiés ou non, lished or not. The documents may come from émanant des établissements d’enseignement et de teaching and research institutions in France or recherche français ou étrangers, des laboratoires abroad, or from public or private research centers. publics ou privés. Distributed under a Creative Commons Attribution - NonCommercial - NoDerivatives| 4.0 International License Université européenne de Bretagne Université Rennes 2 Équipe de recherche « Arts : pratiques et poétiques » Master Arts Spécialité Musique et Musicologie Leonard Bernstein, naissance d’un chef d’orchestre américain Mémoire de Master Célestin CHEMINEAU Directeur de recherche : M. Hervé LACOMBE 7 septembre 2017 1 Avertissement Afin d’offrir à ce mémoire une meilleure lisibilité, nous avons choisi de reproduire toutes les citations originales de langue étrangère en annexe. En effet, la quasi-totalité des ouvrages consultés et cités étant anglophones, la seule utilisation des notes de bas de page aurait largement gêné le confort de lecture. Vous trouverez ainsi une annexe par chapitre, restituant dans leur langue originale et leur version intégrale l’ensemble des citations sourcées dans le mémoire. Sauf mention contraire en bas de page, toutes les traductions ont été effectuées par nos soins. 3 Introduction Le chef d’orchestre est probablement le personnage de la mythologie du concert le mieux connu du grand public ; concentrant tous les regards, attirant à lui l’attention de chacun, cet homme ou cette femme surélevé(e) par rapport aux autres musiciens fait office dans l’imaginaire populaire, par l’autorité qu’il exerce sur l’orchestre, d’incarnation de l’accomplissement et de la réussite de la carrière de musicien. Bien que ce pouvoir naturel associé à la fonction de chef ait quelque peu décliné au cours des dernières décennies, le souvenir des grandes personnalités de la direction d’orchestre de la seconde moitié du XXe siècle est encore très frais dans la mémoire collective et certains noms au passé glorieux ont su se frayer un chemin jusqu’à nos jours sans disparaître. C’est ainsi que celui de Leonard Bernstein (1918-1990) figure encore aujourd’hui parmi les plus connus de l’histoire de la musique américaine. Il faut ajouter pour être tout-à fait honnête que sa contribution en tant que compositeur pour Broadway apporte probablement également sa pierre à l’édifice, mais il reste certain que le chef d’orchestre américain a bénéficié pendant la seconde moitié du siècle d’une notoriété rarement égalée dans le milieu musical, si ce n’est par son collègue autrichien Herbert von Karajan (1908-1989). Dans le monde musical, on connaît surtout ces deux musiciens pour leur apport considérable au développement de l’industrie du disque – chacun ayant produit une discographie phénoménale – et si l’on connaît généralement les grandes lignes de leurs répertoires respectifs comme leurs interprétations des grandes œuvres, le caractère publique de leurs figures tend bien souvent à faire oublier leurs engagements esthétiques et leur contribution à l’évolution de l’histoire de la musique. Le cas de Bernstein est particulièrement frappant, dans la mesure où son activité dans la culture populaire – son travail de compositeur de musique dite « de divertissement », ses émissions télévisées et son train de vie de superstar – a presque complètement pris le pas sur son engagement manifeste envers une forme de modernité, de sorte que son œuvre en tant que compositeur sérieux est mal connue et le contexte esthétique dans lequel il s’est formé souvent oublié. De plus, l’histoire même du développement de la vie musicale en Amérique – pourtant un exemple fascinant de construction tardive et donc observable d’une culture musicale nationale propre – fait relativement peu l’objet de recherches dans la musicologie européenne. Probablement éclipsée par l’incroyable prolifération du jazz – qui lui n’attend pas bien longtemps 4 avant de traverser l’océan et parcourir l’Europe – dès la fin de la Première Guerre Mondiale, la musique américaine sérieuse de la première partie du XXe siècle est très peu jouée et diffusée en dehors des salles de concert des grands orchestres américains. Il était par ailleurs saisissant, lors de l’édition 2014 du festival de la Folle Journée de Nantes, dont le thème annoncé était : « des canyons aux étoiles : un siècle de musiques américaines », de constater combien les programmes des différents orchestres invités étaient similaires et combien peu nombreuses étaient les œuvres issues du répertoire sérieux de la première moitié du siècle. En dehors des célèbres œuvres de Gershwin, de l’Adagio pour cordes de Samuel Barber et des ballets des années 1940 de Copland, la plus grande partie du programme était consacrée à la musique de film, le jazz et la musique minimaliste. Il subsiste ainsi encore aujourd’hui tout un répertoire méconnu, fruit des recherches esthétiques de compositeurs en quête d’une écriture autochtone américaine qui leur aurait permis d’affirmer, suivant l’exemple des pays nordiques – Finlande, Norvège, Danemark – à la fin du XIXe, l’autonomisation musicale de leur pays. C’est dans ce contexte et au contact de tous ces mouvements que Bernstein effectue sa formation de musicien professionnel, envisageant dans un premier temps une carrière de pianiste, puis de compositeur et enfin de chef d’orchestre. Nous tenterons de comprendre dans ce travail comment, à travers différentes rencontres, sa fréquentation de prestigieuses institutions américaines et sa propre pratique musicale personnelle, s’est organisée l’américanité1 artistique de Leonard Bernstein et en quoi celle-ci a-t-elle participé au mouvement d’autonomisation musicale des États-Unis dans les années 1920-1930. Notre projet est avant tout de mener un travail de recherche historique sur la formation de Leonard Bernstein, depuis sa découverte de la musique jusqu’à son entrée dans la vie professionnelle. Il s’agit aussi de chercher à comprendre de quelle manière la personnalité artistique du jeune musicien se met-elle en place, au fur et à mesure de son expérience et de sa pratique de la musique. Dans une perspective plus analytique de la pratique de la direction d’orchestre, nous tentons également de développer une réflexion sur les différentes conceptions de la fonction du chef, vis-à-vis de son orchestre comme de la société musicale – voire civile – qui l’entoure, chez les grands praticiens avec qui 1 Nous désignons par « américanité » la composante américaine de la personnalité de Bernstein, fruit de son expérience de jeune musicien bostonien et de ses rencontres importantes. Nous n’avons volontairement pas choisi le terme « d’américanisme » à cause de la grande diversité des définitions et des connotations s’y étant rattachées au cours de l’histoire. 5 les rencontres ont jalonné le parcours initiatique de Bernstein. L’approche musicologique de la direction pose beaucoup de problèmes : il est difficile d’appréhender objectivement une pratique dont les résultats nous sont difficilement vérifiables ; lorsqu’un chef dirige son orchestre, il est impossible d’établir avec certitude à quel point le résultat sonore est directement imputable à son action sur l’orchestre. L’analyse de la réalisation sonore du geste d’un chef d’orchestre fait malheureusement forcément intervenir la subjectivité de l’analyste ; c’est pourquoi une étude des écrits des chefs, quand ils sont disponibles, est intéressante : ne posant pas de problème particulier de subjectivité, elle permet de constater que, si certains points semblent universels, la conception du rôle du chef d’orchestre est extrêmement variable. En cernant plus précisément la manière dont le chef d’orchestre conçoit son rôle et son utilité auprès des musiciens, mais aussi son attitude vis-à-vis de l’œuvre et du compositeur, il est davantage possible d’appréhender sa direction d’un point de vue pratique : plutôt que d’interroger sa part de responsabilité dans le son de l’orchestre, on peut se demander par quels procédés le chef passe-t-il de la théorie à la pratique et comment il met en œuvre les conceptions développées dans ses écrits une fois monté sur le podium. Dans le cas de Bernstein, nous tentons d’analyser les pratiques des trois chefs du point de vue de l’étudiant, en tenant compte du contexte dans lequel il reçoit ces différents enseignements. Au début de nos recherches, le premier constat était l’absence quasi-totale d’études musicologiques françaises pouvant nous intéresser. La musicologie de la direction est encore jeune et les quelques articles déjà existants abordent surtout la direction d’un point de vue général, sans l’appliquer à une pratique ou un praticien en particulier. Il existe tout de même des études très intéressantes sur l’écho de la figure du chef d’orchestre dans la société ; l’expression étant passée dans le langage courant, elle s’est dotée d’une signification correspondant à une pratique bien précise de la direction. L’immixtion de la figure du chef dans la vie contemporaine est d’ailleurs attestée par les interventions de plus en plus fréquentes de techniciens de la baguette au sein d’entreprises, afin de discuter de la gestion d’une équipe et de l’exercice de l’autorité. Ainsi, on peut trouver des études évoquant la problématique de la direction d’orchestre envisagée à travers un prisme plus sociologique – ou à la croisée d’une autre discipline de sciences humaines.