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Nueva página web CDMC Temporada 2008-2009

Centro para la Difusión Auditorio 400. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de la Música Contemporánea http://cdmc.mcu.es información noticias 09 Horacio Lavandera, actividades 19 ENE 19:30 horas servicios Electroacústica LIEM amigos del CDMC blogs enlaces… Xiaogang Ye Ballade Thomas Adès Still Sorrowing Todo el CDMC al alcance de un clic Herbert Willi Klavierstück 11 http://cdmc.mcu.es Fabián Panisello Doble Estudio No. 6 Alberto C. Bernal De la deconstrucción de un cluster * ¡Visítanos! Alberto Posadas Memoria de “no existencia” para piano y electrónica

* Estreno absoluto.

Auditorio 400 MNCARS. Ronda de Atocha, esquina a calle Argumosa progM19ene09.qxd 9/1/09 13:03 Página 1

CDMC Temporada 2008-2009 Auditorio 400. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

09 Horacio Lavandera, piano

19 ENE 19:30 horas Electroacústica LIEM

Xiaogang Ye Ballade Thomas Adès Still Sorrowing Herbert Willi Klavierstück 11

Fabián Panisello Doble Estudio No. 6 Alberto C. Bernal De la deconstrucción de un cluster * Alberto Posadas Memoria de “no existencia” para piano y electrónica

* Estreno absoluto.

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Depósito Legal: M-39.953-2001 NIPO: 556-09-008-7

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VIRTUOSISMO PARA EL SIGLO XXI

Si tuviéramos que buscar una línea de unión en el repertorio presente en el concierto de hoy no podríamos más que elegir uno: la enorme dificultad y exigencia que representan cada una de estas obras para el pianista que las interpreta. Quizá también sea este programa un buen ejemplo de la poliédrica música actual, con multitud de estilos, influencias y lenguajes, que conviven de manera armoniosa. Seis composi- tores vivos y jóvenes, prácticamente superando la cincuentena los más mayores, que nos sirven como un calidoscopio musi- cal para entrar en el universo de Horacio Lavandera, un pia- nista que, también joven pero sobre todo virtuoso, está convir- tiéndose en uno de los baluartes de la música contemporánea de nuestro país, tanto cuando interpreta música española como cuando se acerca al repertorio internacional. Entre los compositores foráneos han sido elegidos un oriental, un centroeuropeo y un británico, tres frentes perfec- tamente diferenciados de la música. China se está convirtien- do no sólo en un baluarte industrial y económico sino también artístico, desde la apertura de sus fronteras no dejan de sor- prendernos compositores que aúnan oriente y occidente en su trabajo, generando un lenguaje muy especial. Austria, país natal de Herbert Willi, es uno de los baluartes todavía vivos de la que fue la vanguardia desde los sesenta, la escuela de Darmstadt y los lenguajes más “duros” de la contemporanei- dad y el Reino Unido, representado en uno de sus principales creadores, Thomas Adès uno de los valores más interesantes de la música contemporánea de todo el mundo, que ya ha dejado de ser un “niño prodigio” para convertirse en maestro, muestra la libertad con la que siempre, desde Haendel hasta Britten han compuesto los músicos en la Isla. Entre los compositores nacionales, porque no podemos mas que sentir a Fabián Panisello como un compositor espa- ñol pese a haber nacido en , también son muy diver- sos los estilos, del fractalismo a la espectralidad, pasando por la electrónica y la juventud, las obras de Bernal, Panisello y Posadas nos confirman el fantástico estado de salud de nues- tra composición y también la madurez de nuestra música, que ya brilla con libertad. El protagonista de la noche es el piano, la técnica pianísti- ca llevada a sus mayores exigencias, un programa que tiene definidos puntos climáticos y anticlimáticos, “la idea es ir lle- vando paulatinamente los factores sorpresa y sus relaciones

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constantes o variables, de repetición y no repetición de fór- mulas compositivas. La relación e hilo conductor será princi- palmente lo inesperado” según el propio Horacio Lavandera.

Xiaogang Ye: Ballade

Xiaogang Ye, nacido en 1955, es uno de los compositores más conocidos en China. Estudió en el Conservatorio Central de Música de China y obtuvo el Primer Premio en el Premio de Composición Alexander Tscherepnin. Al terminar sus estu- dios se convirtió en Compositor en Residencia y Lector en el Conservatorio Central. Amplió su formación en la Eastman School of Music de la Universidad de Rochester (EEUU), entre sus profesores se encuentran Minxin Du, Samuel Adler, Joseph Schwantner, Louis Andriessen y Alexander Goehr. Emergió como un compositor versátil que desarrolla su carrera en todas las líneas de composición, desde la música sinfónica, la música de cámara para diferentes formaciones instrumentales, música para la escena y para películas. Desde 1993 reside entre Pekín (China) y Exton (Pensilvania). Ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre los que destacan el Alexander-Tchrepnin en 1982, el premio del Japan Dance Star Ballet (1986), el de la Orquesta Sinfónica de Taiwán (1992) o el de la Orquesta Sinfónica Nacional de China (1996). Es miembro del Metropolitan Life Foundation del Con- sejo de las Artes de Pensilvania desde 1996. Como otros compositores asiáticos, entre los que destaca la figura de Tan Dun, ha encontrado un equilibrio entre la música de masas y la música culta, tanto por la música de cine como a través de estrenos multitudinarios como su Con- cierto para piano, escrito ex profeso para la ceremonia inau- gural de los Juegos Olímpicos de Pekín, interpretado por Lang Lang y que escucharon más de tres millones de personas. Ballade fue compuesta en 1987 y publicada por Schott Music. Se trata de una pieza muy exigente para el pianista con su unión única de la narrativa occidental con el colorismo de la música del lejano oriente. Una obra de enorme dificultad técnica que gira en torno a tres materiales que desarrolla de forma intensiva a lo largo de varias secciones musicales. El primero de estos materiales es una progresión, muy rápida e intensa y en acelerando. El segundo, un par de acordes segui- dos de la figura de un trino, más o menos desarrollado y el tercero una sección de acordes o notas repetidas, de un mar-

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cado carácter rítmico. Así en la obra se unen momentos más líricos con otros fuertemente rítmicos en los que el piano aprovecha toda su expresividad como herramienta para la per- cusión. Se trata de una pieza de enormes contrastes tanto dinámicos como agógicos, yendo del pianísimo a fortísimo, con secciones de gran agitación frente a otros más estáticos.

Thomas Adès: Still Sorrowing

Reconocido por su faceta tanto de compositor como de intér- prete, trabaja regularmente con las principales orquestas del mundo, teatros de ópera y festivales. Muchos festivales de todo el mundo han prestado especial atención a su creación musical. Entre estos destaca el Helsinki Música Nova (1999), el Festival Presénces de Radio Francia (2007), el “Traced Over- head” del Barbican (2007). Nacido en Londres en 1971 estudió piano y composición en la Guildhall School y el King’s College. Ha sido compositor residente de la Hallé Orchestra. El lanzamiento internacional de su carrera vino de la mano de Simon Rattle, a través del encargo de la obra para orquesta Asyla, estrenada por el direc- tor en el Symphony Hall de Londres en 1998 y en su concierto inaugural como titular de la Filarmónica de Berlín en 2002. Su segundo trabajo orquestal compuesto para Rattle, Tevot (2007) fue un encargo de la Filarmónica de Berlín y el Carnegie Hall. En su catálogo son fundamentales sus óperas, la primera Powder Her Face fue un encargo de Almeida Opera para el Cheltenham Festival de 1995. The Tempest, su segundo título, fue un encargo de la Royal Opera House de Londres y fue estrenada bajo la dirección del propio compositor en 2004. Su Concierto para violín, Concentric Paths, fue estrenado en el Berliner Festpiele y los BBC Proms. Thomas Adès ha ganado numerosos premios entre los que cabe destacar el prestigioso Grawemeyer, recibido en el año 2000 por la obra Asyla, siendo el compositor de menor edad en recibir este galardón. Entre 1999 y 2008 ha sido director artís- tico del Festival de Aldeburgh. Prácticamente todo su catálogo ha sido grabado por EMI compañía con la que tiene exclusivi- dad como director, pianista y compositor. Still Sorrowing fue encargada por el Park Lane Group con patrocinio del London Arts Board, fue estrenada por el propio compositor en Londres en 1993 con solo 21 años. La técnica que determina tanto las líneas sonoras como la técnica pia-

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nística es el hecho de situar en el rango central del piano por- ciones de “blue-tac” sobre las cuerdas, de forma precisa para poder controlar tanto el ataque como las dinámicas de los sonidos. Así queda delimitada una zona central con una sono- ridad apagada frente a los agudos y los graves, que no sufren ninguna modificación. Estas tres zonas se presentan como independientes. El pedal se mantiene a lo largo de toda la obra, creando una resonancia constante que unifica todas las líneas. El sonido de la zona central recuerda en cierto modo a columnas de bambú, junto a esto un bajo palpitante y un bri- llante agudo completan el teclado. El resultado sonoro es asombroso y pone de manifiesto el talento creativo de este compositor.

Herbert Willi: Klavierstück 11

Herbert Willi, nacido en 1956 en Voralberg (Austria). En la uni- versidad de Innsbruck estudió música y teología, así como filo- sofía, al mismo tiempo que fagot y piano en el conservatorio de dicha ciudad. Desde 1983 estudió composición con Helmut Eder en el Mozarteum de Salzburgo, donde obtuvo el diploma en composición. Amplió su formación con Boguslav Schaeffer. Ha recibido importantes premios y galardones a lo largo de su carrera, entre los que destacan el Premio para Jóvenes Com- positores de la Fundación Ernst-von-Siemens en 1991 y la Cruz de Honor de las Ciencias y las Artes de Austria, concedi- da por el Presidente de la República Austriaca en 1997. Fue nombrado compositor en residencia del Festival de Salzburgo en 1992 y en los años 2002 y 2003 fue Compositor residente de la Sociedad de Amigos de la Música del Wiener Concertve- reins. Su música ha sido interpretada por todo el mundo bajo la dirección de maestros como Claudio Abbado, Ricardo Muti, Seiji Ozawa y Christoph von Dohnányi. En su catálogo encontramos obras para todo tipo de forma- ciones, desde instrumentos a solo y cámara, hasta música sin- fónica y ópera, entre las que destacan la obra compuesta por el 150 aniversario de la Orquesta Filarmónica de Viena y la ópera escrita por el milenio de Austria en 1996, encargada por la ópera de Zurich. En 2008 ha estrenado su concierto para trompa, encargado por la Orquesta Sinfónica de Viena. Para Willi, según sus propias palabras, la composición es un trabajo de escucha interior. “Comienza por un impulso que le evoca una forma, a menudo las composiciones surgen por

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la visión de formas geométricas, que en un determinado punto, se modifican por el movimiento o por los colores y final- mente se convierten en tonos, sonidos, etc.” El Klavierstück nº11, de 1987 es una pieza de juventud y de estudio, estas dos cuestiones marcan las formas y los sonidos de la composición, que surge de la búsqueda de un gesto pia- nístico al que poder extraer toda la información posible. En esta obra vemos la influencia muy presente de la escuela de Darmstadt y su visión “expresionista” de la música. Utilizando un amplio rango del instrumento la obra diferencia las partes en las que el compositor escribe exactamente la música a interpretar y otras en las que “dibuja” el gesto a seguir por el intérprete dejando mucho más libre la interpretación. La obra va evolucionando desde una notación tradicional hasta el dominio de la notación gráfica indeterminada, también va evo- lucionando el virtuosismo, llegando a límites interpretativos, sin que ello suponga necesariamente una variación en el resultado sonoro, lleva los sonidos y al pianista hasta sus lími- tes naturales, para conseguir nuevos efectos. A pesar de ser un trabajo en el que la técnica es fundamental, el deseo del compositor es otro, “la música debe sustentarse por sí misma”, no sólo ser juzgada por la dificultad.

Fabián Panisello: Doble Estudio No. 6

La trayectoria musical de Fabián Panisello (, 1963) se ha desarrollado entre Buenos Aires, Salzburgo y , los tres lugares fundamentales de su biografía. Ha estudiado con Francisco Kröpfl, Boguslaw Schaeffer, Elliott Carter, Franco Donatoni, Brian Ferneyhough y Luis de Pablo. No podemos tampoco dejar de pasar, aunque sea de puntillas dado que no es aquí el entorno para hablar de ello, por su labor como director, vocación nacida con Peter Eötvös y que desarrolla a través de su grupo Plural Ensemble. Ha trabaja- do de cerca con y y, en dos estrenos absolutos de éste último, Hoch-Zeiten y Mixtur 2003, ha tenido una participación muy destacada como codi- rector y como maestro preparador. La carrera del Panisello está alcanzando en este momento sus mejores momentos. Entre sus últimos estrenos destaca el de Aksaks, encargo de la SWR de Baden-Baden, dirigida en su estreno por Pierre Boulez en la última edición del Festival de Donaueschingen. Actualmente compone para la Orquesta

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Nacional de España, la ORCAM y el Quinteto de viento Wien- Berlin. Entre sus obras anteriores destacan las Tres piezas para cuarteto de cuerda que el Cuarteto Arditti estrenó en el Festival de Takefu, en 2006 y también los Cuadernos para orquesta con los que en 2004 ganó el Premio Internacional Rodolfo Halffter o su Concierto de cámara (2005). Es Director Académico de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid. Forma parte del grupo Música Presente, que reúne a destacados compositores e intérpretes para promover la música de hoy y hacerla más presente en la sociedad. El primer cuaderno de estudios, compuesto en el año 2007, ha sido compuesto por encargo de la Fundación Albéniz y está dedicado a Paloma O’Shea, presidenta y fundadora, en su 70 aniversario. Estos estudios no sólo son ejercicios de técnica pianística sino que han servido al compositor para desarrollar recursos que después ha utilizado por ejemplo en sus obras orquestales. En este Doble estudio, el último del primer cua- derno, están presentes algunos de sus rasgos definitorios de estilo, la utilización de patrones, tanto armónicos como motri- ces, las polirrítmias y los sistemas armónicos de gran capaci- dad expresiva, en este caso generado a partir de un material poli-pentatónico. Este estudio recibe el nombre de Doble estu- dio ya que incluye como una de sus secciones al estudio 5 Pen- tafonías que también puede ser tocado de forma independien- te. Según Panisello “el carácter del estudio “doble” 6 es pues transitivo: al ser el último del primer cuaderno retoma, si bien en forma predominantemente diatónicas del espectro, todo esto dentro de una organización temporal vertiginosa.”

Alberto C. Bernal: De la deconstrucción de un cluster

Alberto C. Bernal es uno de los compositores jóvenes más presentes en el panorama musical en estos días, nacido en Madrid en 1978 estudia Piano, Teoría de la Música y Composi- ción en los conservatorios de Madrid-Ferraz y Superior de Salamanca, trasladándose seguidamente a la Escuela Supe- rior de Música de Friburgo, donde estudia Composición con Mathias Spahlinger, Música Electroacústica con Mesías Mai- guashca y Orm Finnendahl, y entre 2002 y 2005 ocupa el cargo de Tutor del Estudio de Música Electrónica de dicha escuela. Posteriormente realiza una estancia en el Estudio de Música Electrónica de la Universidad Técnica de Berlín, recibiendo

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también lecciones del compositor Peter Ablinger. Durante 2006-07 fue compositor residente del CDMC en el Museo Reina Sofía (Madrid). No niega junto a la formación clásica otro importante aba- nico de influencias, lo que le ha llevado a introducirse en el mundo del jazz, del arte sonoro, de la improvisación libre y en otras prácticas musicales que trascienden lo notacional. Es miembro fundador del trío de improvisación Endphase con el que mantiene una actividad continua y regular en diferentes países y eventos. Complementa la música práctica con la reflexión y divulgación de la música contemporánea, publica regularmente artículos en varios medios e imparte cursos y conferencias (Conservatorios Superiores de Pekín, Friburgo, Lisboa y Salamanca, Academia de verano de Waldkirch, Cen- tro Lysebu en Oslo, Centro Cultural de Belgrado, Cursos Inter- nacionales de Darmstadt, CDMC-LIEM, Casa da Musica de Oporto...). Su música se ha interpretado en Alemania, Norue- ga, Holanda, Hungría, China, Serbia, Italia, y España. Ha recibido varios premios y becas, entre los que destacan el del Festival Internacional de Darmstadt, la Fundación Hum- boldt, el Ministerio de Cultura y la Residencia de Estudiantes, donde en este momento es compositor residente. De la deconstrucción de un cluster, obra que se estrena hoy, es la que dio inicio al ciclo de las “deconstrucciones” (de una cadencia, de un trino, de una secuencia...) que parten de la mirada sobre un elemento hasta que su funcionalidad o iden- tidad primaria se deconstruye, mostrando su interior, como disolviéndolo en morfemas que pueden crear nuevos significa- dos. En esta obra, además de las cuestiones puramente musi- cales entran otras de carácter sociopolítico, analizando la “funcionalidad” de la música y las razones para la creación artística en un momento histórico convulso, ante lo cual Ber- nal reacciona de forma activa, no quiere que la música se con- vierta en otra vía de escape sino que necesite del oyente acti- vo y concienciado. Por esta cuestión la obra se convierte en una especie de metáfora ya que hay dos líneas, una del Noc- turno op.15 nº2 de Chopin que no podemos llegar a descubrir por quedar oculto tras los cluster, esta relación evoluciona, pasando de ser prácticamente inaudible a un primer plano según se “deconstruye” el cluster. En palabras de Bernal: “El discurso y construcción de la obra se basan en una conducción dramatúrgica de las fuerzas de una u otra capa, tratadas por medio de recursos cuasi arquitectónicos: trabajo con densida- des, velocidades y amplitudes espectrales de la capa de clus-

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ter, carácter lineal o repetitivo –loops– de los fragmentos del cluster, “crescendos semánticos” de la capa del nocturno –es decir, aumentos progresivos de los huecos por los que el noc- turno aparece–, distribuciones de dinámica...”

Alberto Posadas: Memoria de “no existencia”

Alberto Posadas nace en Valladolid en 1967, donde realiza sus primeros estudios musicales, completándolos posteriormen- te en Madrid. En su carrera es fundamental su relación con Francisco Guerrero, al que conoció en 1988 y al que conside- ra su maestro. Con él descubre nuevas técnicas para la crea- ción de la forma musical tales como la combinatoria mate- mática y los fractales, pero no se ha limitado a seguir al maestro sino que ha buscado a través de estos primeros materiales nuevos elementos, como la traslación de espacios arquitectónicos a música, la aplicación de la topología y de técnicas pictóricas relacionadas con la perspectiva o la explo- ración de las posibilidades acústicas a nivel “microscópico” del instrumento. Del mismo modo experimental se acerca a la electroacústica, que comenzó a utilizar en 1995 en Liturgia de silencio y que hoy sigue aportando una especial sonoridad y significado a su música. Su interés por la investigación en el campo de la relación y aplicación del movimiento a la trans- formación electrónica del sonido, le lleva a participar desde 2006 en un proyecto multidisciplinar desarrollado por el IRCAM de París, cuyo estreno está previsto en 2009. En 2006 comienza también un proyecto junto con el saxofonista Andrés Gomis, sobre nuevas técnicas para este instrumento y su apli- cación a la composición. En su catálogo encontramos obras a solo, dúo, cuarteto, ensemble, orquesta, etc. En 1993 comienza su proyección como compositor fuera de España. Desde entonces, un gran número de países le han incluido en sus programaciones: Austria, Alemania, Bélgica, Canadá, Francia, Portugal, Suiza, Estados Unidos, etc. Ha recibido encargos de Festivales como Agora (IRCAM) de París, Donaueschinger Musiktage de Donaueschingen, Musica Festival de Estrasburgo o Ars Musi- ca de Bruselas, así como del Ensemble Intercontemporain. De su relación directa con los intérpretes surgen la mayor parte de sus obras para instrumento a solo o pequeño ensemble, destacan entre estos músicos Estaban Algora, Andrés Gomis, Alexis Descharmes, etc.

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Sus últimos estrenos han sido, Liturgia Fractal, presentado en el CDMC, un ciclo de cuartetos de cuerda encargo del Fes- tival de Estrasburgo estrenado por el Cuarteto Diotima y un concierto para saxofón para la ORCAM. Desde 1999 sus obras son editadas por la editorial francesa Éditions musicales européenes. Como docente trabaja desde 1991 como profesor de análisis, armonía y fundamentos de composición y es invi- tado frecuentemente a ciclos y jornadas de música contempo- ránea de diferentes universidades y festivales. En la actuali- dad es profesor en el Conservatorio de Música de Majadahonda (Madrid). Memoria de “no existencia”, escrita en 1997, para piano y electroacústica presenta estas dos sonoridades a priori muy alejadas y evoluciona hasta la fusión y unión de ambos mate- riales, contralimentándose de forma clara y evolucionando a través del diálogo dialéctico de ambas líneas sonoras. La téc- nica pianística está desarrollada para buscar sonidos que acerquen a la creación digital, desde su presentación en “gli- sandos” hasta manipulando en el arpa con baquetas, láminas, etc. Aunque en su composición interna ambas secciones tie- nen un origen numérico común en el movimiento browniano, dedicado a estudiar las fluctuaciones en un sistema en equi- librio, estéticamente la búsqueda está claramente en buscar el acercamiento del piano a la electrónica. La evolución de la obra de hecho gira en torno al acercamiento o alejamiento de ambas líneas, modificando las densidades, las figuraciones y la definición de ambas. Así el piano pasa por momentos de densidad sonora contrastantes, dilata al máximo los registros y llega a texturas extremas. Mientras el piano evoluciona así, hasta llegar a una conclusión con un largo pedal, inmóvil, quedando plegado a la electrónica, definitivamente insepara- bles y fundidos.

Leticia Martín

11 progM19ene09.qxd 9/1/09 13:03 Página 12 © Xavi M. Miró

Horacio LAVANDERA

Horacio Lavandera, nació en Buenos Aires en 1984. Reside actualmente en Madrid. Con 16 años, resultó vencedor del III Concurso Internacional de Piano Umberto Micheli, celebrado en el Teatro Alla Scala de Milán. También fue premiado por la Orchestra Filarmonica della Scala como “Mejor Intérprete de Piano y Orquesta”, ante un jurado integrado por los maestros Luciano Berio, , Luis de Pablo, , Michel Beroff y un Comité de Honor formado por los maestros Boulez, Metha, Muti y Barenboim. Desde ese momento ha sido invitado por prestigiosas orquestas, como también para ofre- cer recitales en América, Europa y Asia. En 2004 fue premiado por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen por la interpretación en piano de sus obras en sus Cursos Kuerten. Fue seleccionado como alumno activo en las Master Class del maestro Maurizio Pollini en el marco del Festival de Lucerna 2004. Recibió el Premio El Primer Palau 2004 de la Fundación Orfeó Català – Palau de la Música Cata- lana. Fue premiado como uno de “Los 10 jóvenes sobresalien- tes del TOYP Argentina 2004” por JCI (Junior Chamber Inter- national) y la Cámara Argentina de Comercio. En 1998 obtuvo el 1er premio en el 10º Concurso Interna- cional “Encuentro de Jóvenes Músicos” de Córdoba (Argenti- na) y un año mas tarde el 1er premio en el Vº Concurso Bien- progM19ene09.qxd 9/1/09 13:03 Página 13

al Juvenil organizado por Festivales Musicales de Buenos Aires y Shell. Fue distinguido como “Revelación en Música Clásica” en 2002 en la “Vº Entrega de Premios a las Artes y el Espectácu- lo” del diario Clarín. El mismo año le fue otorgada la beca del Fondo Nacional de las Artes de Argentina. Ha colaborado como solista junto a las orquestas Mozar- teum de Salzburgo, Filarmonica della Scala, Orchestra Accade- mia Nazionale di Santa Cecilia, Youth Orchestra of the Ameri- cas, Orquestra Portuguesa do Norte, Orquesta Sinfónica Ciudad de Oviedo, London Chamber Pleyers, Orquesta Sinfóni- ca Nacional (Argentina), Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Orquesta Estable del Teatro Colón, etc., bajo la dirección de los maestros , , Benjamín Zander, Christopher Wilkins, George Pehlivanian, Antón Nanut, Martin Sieghart, Arthur Fagen, Terje Mikkelsen, Xavier Puig, Javier Logioia Orbe, Joseph Vicent, David Murphy, entre otros. Ha actuado en el Teatro Colón de Buenos Aires, Maison de Radio France, Festival La Roque d´Antheron, Teatro Alla Scala de Milán, Herkulesaal (Munich), Luzerner Saal (Lucerna), Auditorio de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Roma), Teatro Malibrán (Venecia), Jordan Hall (Boston), Teatro Muni- cipal (Rio de Janeiro), Teatro del Sodre (Montevideo), Teatro Teresa Carreño (Caracas), Auditorio Nacional de Música (Madrid), Auditorio de Santa Cruz de Tenerife, Auditorio de Galicia (S. de Compostela), Palau de la Musica Catalana (Bar- celona), Auditorio ‘Príncipe Felipe’ (Oviedo), Wigmore Hall (Londres), Festival (Buenos Aires), Auditorio de Zaragoza. En 2000 grabó su primer CD titulado “Debut”, para el sello Testigo Recordings, registro que incluye obras de Mozart, Cho- pin, Berg y Ginastera, contando con Shell Capsa como auspi- ciante. En 2002 grabó en vivo junto a la Youth Orchestra of the Americas el Concierto nº 4 de Beethoven, durante su Gira Inau- gural. Su último CD “Tres B”, incluye obras de Bach, Brahms y Beethoven, grabado en vivo para Testigo durante la edición 2005 de Festivales Musicales de Buenos Aires, bajo el auspicio del Banco Superville. Desde muy pequeño inició sus estudios con su padre, per- cusionista, quien le enseñó los fundamentos de percusión y teoría musical. Sus estudios de piano comenzaron a la edad de siete años con la profesora Marta Freigido, egresada del con- servatorio del reconocido Vicente Scaramuzza, continuándolos luego a los doce años con el maestro Antonio de Raco presti-

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gioso pianista y pedagogo, de quien recibió un sólido bagaje técnico y musical. Paralelamente realizó sus estudios de armonía, composición y análisis musical con Graciela Tarchini profesora y compositora residente de la Universidad de Bue- nos Aires. En 2001, fue becado por la Embajada de Italia y el CIDIM para concurrir al seminario sobre interpretación de piano en la Accademia Musicale Chigiana de (Italia), dic- tado por el maestro Maurizio Pollini. También fue escuchado y aconsejado por los grandes maestros Martha Argerich, , Pierre Laurent-Aimard y Charles Rosen. En 2003 fue becado por la Fundación Carolina y Juventudes Musicales de Madrid para asistir al curso de postgrado en la Universidad de Alcalá dictado por el maestro Josep Colom, con quien con- tinúa perfeccionándose en la actualidad. Simultáneamente trabaja junto al maestro Iván Cítera, catedrático del Conserva- torio Superior de Aragón. Durante los dos últimos años ha tra- bajado junto a los compositores Karlheinz Stockhausen, Joan Guinjoan, Esteban Benzecry, , Richard Dubug- non, Guillaume Connesson y Marlos Nobre.

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AUDITORIO 400 MNCARS. PRÓXIMOS CONCIERTOS

26 de enero ARDITTI QUARTET PROGRAMA “Monográfico Cristóbal Halffter” Cuarteto nº 3 Cuarteto nº 6 Cuarteto nº 7, “Espacios de silencio”

2 de febrero SOLISTAS DE LA ORCAM PROGRAMA “Españoles en Estados Unidos” Ricardo LLORCA: Dark Side José Luis GRECO: Queen of Hearts Miguel Ángel ROIG FRANCOLÍ: Diferencias y fugas Juan José COLOMER: Como pez en su pecera

9 de febrero SONOR ENSEMBLE. Luis AGUIRRE, director Gudrún ÓLAFSDÓTTIR, mezzosoprano PROGRAMA Gloria Isabel RAMOS TRIANO: Tríptic á cinc Luciano BERIO: Folk Songs José Manuel LÓPEZ LÓPEZ: Jenseits....Diesseits Oliver RAPPOPORT: Reflejos del silencio (movimiento I) * Ib NORHOLM: Tolv minutter af Deres Tid, Oktet Op. 124

16 de febrero REMIX ENSEMBLE Emilio POMÀRICO, director. Dorothee MIELDS, soprano PROGRAMA Jorge LÓPEZ: Kammersymphonie (movimientos I y II) Gérard GRISEY: Quatre Chants pour franchir le seuil

23 de febrero ATELIER GOMBAU. Carlos CUESTA, director PROGRAMA Einojuahani RAUTAVAARA: Adagio Celeste Gyorgy LIGETI: Ramifications Jesús RUEDA: Islas Marisa MANCHADO: Luz

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Centro para la Difusión de la Música Contemporánea

director Jorge Fernández Guerra

coordinadora de producción y asistente del director Charo López de la Cruz

gerencia Enrique García Mercedes Tenjido

relaciones externas Jaime Guerra

administración Ana Gil Juana Lerma Patricia Gallego

servicios de prensa Gema Parra

Laboratorio de Informática y Electrónica Musical (LIEM-CDMC)

coordinador Adolfo Núñez

audio Juan Ávila

software Juan Andrés Beato

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Santa Isabel, 52. 28012 Madrid Tels. 91 7741072 - 91 7741073 Fax. 91 7741075 http://cdmc.mcu.es [email protected]

Catálogo general de publicaciones oficiales http://publicaciones.administracion.es

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