Augustin Hadelich and Miguel Harth-Bedoya during the recording session

2 AUGUSTIN HADELICH VIOLIN MIGUEL HARTH-BEDOYA CONDUCTOR NORWEGIAN RADIO ORCHESTRA MENDELSSOHN · BARTÓK VIOLIN CONCERTOS

FELIX MENDELSSOHN (1809–1847) Op.64 in e minor · e-moll · mi mineur 27:02 1 Allegro molto appassionato 12:28 2 Andante 7:55 3 Allegretto non troppo – Allegro molto vivace 6:38

BÉLA BARTÓK (1881–1945) Violin Concerto No.2 Sz.112 35:17 4 Allegro non troppo 14:51 5 Andante tranquillo 8:49 6 Allegro molto 11:36

Many thanks to Alex Fortes, Peter Hennings, Christa Stolzenburg and Eckhardt van den Hoogen.

Recording: 10–14 June 2014, Concert Hall, NRK Radio, Oslo, Norway · Producer: Andrew Keener · Engineer: Thomas Wolden, LAWO Classics Post-production engineer and editor: Phil Rowlands · Artist photography: Paul Glickman (cover photo); Bell Soto (back inlay photo); Balázs Böröcz (booklet photo), www.pilvaxstudio.com Design: Jeremy Tilston for WLP Ltd. ൿ 2015 The copyright in this sound recording is owned by Augustin Hadelich Ꭿ 2015 Augustin Hadelich. www.augustin-hadelich.com Marketed by Avie Records www.avie-records.com DDD

Applicable laws provide severe civil and criminal penalties for the unauthorised reproduction, distribution and digital transmission of copyright sound recordings.

3 MENDELSSOHN · BARTÓK: VIOLIN CONCERTOS

y first collaboration with Miguel Harth-Bedoya came about quite spontaneously. Shortly after I had won the Gold Medal at the 2006 International Violin Competition of Indianapolis, Miguel asked me to play the Tchaikovsky Concerto in several performances with the MFort Worth Symphony Orchestra. We performed it three times for very large groups of students, many of whom had no prior experience of classical music concerts. It was remarkable how uninhibited they were, without any thought of ‘how am I supposed to behave at a classical concert?’ At the end of the exposition of the first movement, where the first long violin solo ends and the orchestra triumphantly plays the first theme, the students started clapping! It reminded me that when this music was written, it was customary for audiences to cheer whenever they liked something they were hearing (or to boo if they didn’t). To this day, Miguel and I still sometimes talk about that first performance we gave together. In the seven years since then, we have collaborated many times (by my count, at least 24 performances with many different orchestras) and have become good friends. When the opportunity arose to make a recording with the Norwegian Radio Orchestra, where Miguel is now chief conductor, I was thrilled!

The combination of Mendelssohn and Bartók may seem strange at first, and it is certainly unusual. However, as often happens with contrasting pairings, there are more similarities between Mendelssohn and Bartók than one might expect, and the character and style of each work are made clearer and have more impact when one hears them side by side. According to the popular clichés, Mendelssohn was the happy romantic and Bartók the tortured soul. There is some truth to that; I would say that Mendelssohn was overall an optimist (despite all the Leidenschaft of the first movement, the ending of the concerto could not be any more positive) and Bartók more of a pessimist (there are many blissful and even some humorous moments in his Second Violin Concerto, though in the end the darker, grim side wins out). Indeed, when one examines the music more closely, things are much more complex!

Felix Mendelssohn (1809–1847) composed his Violin Concerto between 1838 and 1844 for his friend and concertmaster of the Gewandhaus Orchestra, Ferdinand David. When they were discussing the proposed violin concerto, David asked Mendelssohn to write a brilliant, virtuosic piece – even jokingly using the words ‘stilo moltissimo concertantissimo’. Mendelssohn joked back that the soloist’s entire first entrance would consist of a high E. Thankfully he didn’t keep his word on that! The work is extremely well written for the instrument and exhibits its capabilities to full effect. Even though the Mendelssohn Concerto is one of the most performed and most popular works for violin, it is also one of the least appreciated for what a groundbreaking masterpiece it is. Perhaps it is precisely because it lies so well on the instrument, and is often played very early on by young children and students, that it has gained the reputation of being a ‘student piece’. In reality, the musical challenges of this piece are significant. Many later composers (such as Tchaikovsky and Sibelius) were deeply influenced by the Mendelssohn Concerto and its innovations with regard to violin concerto form.

Rather than beginning the work with an orchestral introduction (as would have been expected at the time) the soloist enters immediately, with the urgent, passionate first theme spinning out over murmuring, agitated arpeggios in the violins and a portentous, heartbeat rhythm in the bass. The mood is restless, and the tempo indication molto appassionato. In complete contrast, the second theme is calm and blissful – tranquillo,

4 Felix Mendelssohn

5 romantic, and loving. Mendelssohn’s placement of the cadenza at the end of the development was a new idea at the time, and by connecting all three movements he further shapes the work’s dramatic flow. To connect the second and third movement, he inserts a short operatic intermezzo of just fourteen bars (Allegretto non troppo). It is a short recitativo based on the opening motif of the first movement, bringing us into E major, where the fun can begin! This is Mendelssohn’s whimsical side, which is on display in many of his scherzo movements (in A Midsummer Night’s Dream, for example, or in the Octet), and which for me conjures up delightful images of woods teeming with fairies and other magical creatures.

Béla Bartók (1881–1945) wrote his Violin Concerto No.2 (1937–8) during the time when fascism in Europe was on the rise. It was a bleak time. It was hard to imagine a positive future, and the music he wrote during this period reflects this. When the great Hungarian violinist Zoltán Székely first asked Bartók to write a violin concerto, Bartók responded that he wished instead to compose a Theme and Variations for violin and orchestra. Székely, however, insisted on a full-length concerto. Bartók responded by stubbornly delivering a work that was both. Not only is the second movement a theme and variations, but the last movement itself is a variation of the first – following the same form and reprising all the themes, while at the same time altering them in surprising ways. It is an amazing compositional feat.

It is also the source of the performer’s greatest challenges. Audiences hearing the work for the first time often do not realize how closely the last movement is related to the first. Due to the numerous tempo changes and transitions in the second and third movements, the work can easily sound fragmented. It is up to the soloist and conductor to preserve the dramatic flow of the piece, in order for the form to be understood. Bartók’s metronome numbers and tempo instructions are a useful clue in this respect; often the differences in tempo are very subtle. Only rarely is the music actually supposed to come to rest, and rubato should not be exaggerated. Miguel and I have observed these instructions for the most part, occasionally according a bit more time to some of the lyrical sections than Bartók’s tempi would indicate. (Bartók and Mendelssohn shared the tendency to write overly fast metronome markings.)

I see three main influences on the style of Bartók’s mature works. The most obvious is that of Hungarian folk music. Like his countryman Zoltán Kodály, Bartók loved, studied and composed many works in a style derived from the folk music of his native country. Even in his most abstract works one can still hear rhythms and turns of phrases that are unmistakably Hungarian. At the same time, Bartók’s compositional methods were very much influenced by the great German masters, Bach and Beethoven in particular. He constructs his pieces motivically (that is, out of small building blocks which are then endlessly varied and developed), and there is an inescapable logic to the chromaticism, figurations and harmonic developments. The third strong influence is French music.

In the first movement, Bartók uses these three elements against one another. The more folkloristic Bartók can be seen in the violin’s first theme, which is passionate and warm, with notably Hungarian rhythms and intervals. The second theme consists of a twelve-tone row, permuted seven times in imaginative ways – an example of the Germanic influence in his writing and a nod to Schoenberg. The French influence can be seen throughout, in the stunning orchestration full of beautiful and unusual colors. Bartók writes with expert knowledge of what is possible on the violin, throwing in all kinds of technical obstacles and extended techniques – even quarter-tones. Yet this is always in service to the music, never to impress in a flashy way. The performer’s struggle against these technical hurdles heightens the power and intensity of the music. I feel strongly

6 that even though the work is so emotionally charged, intense, and at times wrenching, it is always meant to sound beautiful. It’s interesting that in recordings of Bartók’s piano-playing, he plays elegantly, with a beautiful, delicate touch – not the percussive, expressionistic approach one might expect. I have been inspired by his piano-playing, and also by the live recording of the premiere of this violin concerto, performed by Székely and the Concertgebouw Orchestra under Willem Mengelberg in March 1939. The lyricism and expressivity are unforgettable.

I have been playing both of these works since I was eight years old, and they are among the pieces I love most. I hope this recording will inspire you to love them too!

AUGUSTIN HADELICH

Augustin Hadelich has established himself as one of the most sought-after violinists of his generation, continuing to astonish audiences worldwide with his phenomenal technique, poetic sensitivity and gorgeous tone. His remarkable consistency throughout the repertoire, from Paganini to Brahms, Bartók to Adès, is seldom encountered in a single artist.

In North America, Augustin Hadelich has performed with the Saint Paul and Los Angeles chamber orchestras, the Boston Symphony, , Los Angeles and New York Philharmonics, and , in addition to the symphony orchestras of Atlanta, Baltimore, Cincinnati, Colorado, Dallas, Houston, Minnesota, New Jersey, Oregon, San Diego, San Francisco, Saint Louis, Seattle, Toronto and Vancouver. Festival appearances include Aspen, Blossom, Bravo! Vail Valley, Chautauqua (where he made his American debut in 2001), the Hollywood Bowl, Marlboro and Tanglewood.

Worldwide appearances include the London Philharmonic, BBC Philharmonic (Manchester), BBC Symphony (London), Bournemouth Symphony, Danish National Symphony, Helsinki Philharmonic, Mozarteum Orchestra Salzburg, Netherlands Philharmonic, Orchestre Philharmonique de Strasbourg, Royal Scottish National Orchestra, RTÉ National Symphony Orchestra (Dublin), Stuttgart Radio Orchestra, Tokyo Symphony, and a highly acclaimed tour of China with the San Diego Symphony.

Mr. Hadelich has collaborated with such renowned conductors as Roberto Abbado, Marc Albrecht, Marin Alsop, Herbert Blomstedt, Lionel Bringuier, Justin Brown, James Conlon, Christoph von Dohnányi, the late Rafael Frühbeck de Burgos, Alan Gilbert, Hans Graf, Giancarlo Guerrero, Jakub Hru˚ša, Christoph König, Jahja Ling, Hannu Lintu, Andrew Litton, Cristian Macelaru, Jun Märkl, Sir Neville Marriner, Fabio Mechetti, Juanjo Mena, Ludovic Morlot, Sakari Oramo, Andrés Orozco-Estrada, Peter Oundjian, , Yan Pascal Tortelier, Edo de Waart, Hugh Wolff and Jaap van Zweden, among others.

7 An enthusiastic recitalist, Augustin’s numerous appearances include Carnegie Hall, Concertgebouw (Amsterdam), The Frick Collection (New York), Kennedy Center (Washington, D.C.), Kioi Hall (Tokyo), the Louvre (Paris), Wigmore Hall (London), and the chamber music societies of Detroit, La Jolla, Philadelphia, Seattle and Vancouver. His chamber music partners have included Inon Barnatan, Jeremy Denk, James Ehnes, Alban Gerhardt, Richard Goode, Gary Hoffman, Kim Kashkashian, Robert Kulek, Cho-Liang Lin, Midori, , Vadim Repin, Mitsuko Uchida, Joyce Yang, and members of the Guarneri and Juilliard quartets.

Augustin’s previous recordings for AVIE include the Gramophone Award-nominated pairing of the violin concertos of Sibelius and Adès (Concentric Paths) with Hannu Lintu conducting the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra; Histoire du Tango, a program of violin-guitar works in collaboration with Pablo Sáinz Villegas; Echoes of Paris, featuring French and Russian repertoire influenced by Parisian culture in the early 20th century; and Flying Solo, a CD of masterworks for solo violin.

The 2006 Gold Medalist of the International Violin Competition of Indianapolis, Mr. Hadelich is the recipient of an Avery Fisher Career Grant (2009), a Borletti-Buitoni Trust Fellowship in the UK (2011), and ’s Martin E. Segal Award (2012).

The son of German parents, Augustin Hadelich was born and raised in . A resident of New York City since 2004, he holds an artist diploma from The , where he was a student of Joel Smirnoff. He plays on the 1723 ‘Ex-Kiesewetter’ Stradivari violin, on loan from Clement and Karen Arrison through the Stradivari Society of Chicago. www.augustin-hadelich.com

MIGUEL HARTH-BEDOYA

Grammy-nominated and Emmy Award-winning conductor Miguel Harth-Bedoya is currently Chief Conductor of the Norwegian Radio Orchestra (Oslo) and in his fifteenth season as Music Director of the Fort Worth Symphony Orchestra. He is also the Founder and Artistic Director of Caminos del Inka, a non-profit organization dedicated to performing and promoting the music of the Americas.

Miguel Harth-Bedoya has appeared regularly with major North American orchestras such as Los Angeles, Chicago, Philadelphia, Cleveland, Boston, Atlanta, Baltimore, Milwaukee, Toronto, Montreal and Quebec. In Europe he has conducted the London Philharmonic Orchestra, BBC Symphony Orchestra (London), Munich Philharmonic, Orchestre de Paris, National Orchestra of Spain, Orchestre de la Suisse Romande, Royal Scottish National Orchestra and Helsinki Philharmonic. He is a frequent guest at major North American festivals, including Aspen, Tanglewood, Bravo! Vail Valley, Ravinia, Grant Park, Oregon Bach and Grand Teton. A regular in the world of opera, he has conducted numerous productions with the Canadian Opera Company, Minnesota Opera, Santa Fe Opera, Cincinnati Opera and the English National Opera (London).

An active recording artist, Mr. Harth-Bedoya’s recent recording projects include three discs for Harmonia Mundi.

He currently lives in Fort Worth with his wife Maritza and their three children, Elena, Emilio and Elisa. www.miguelharth-bedoya.com 8 MENDELSSOHN · BARTÓK: VIOLINKONZERTE

eine erste Zusammenarbeit mit Miguel Harth-Bedoya kam recht spontan zustande: Kurz nachdem ich 2006 die Goldmedaille beim Internationalen Violinwettbewerb von Indianapolis gewonnen hatte, lud mich Miguel ein, das Tschaikowsky-Konzert mit ihm und dem MFort Worth Symphony Orchestra zu spielen. Es fanden drei Auftritte in einer Highschool vor einem großen Schüler-publikum statt, von denen viele noch nie ein klassisches Konzert besucht hatten. Sie waren erstaunlich unbefangen und machten sich keine großen Gedanken, wie man sich bei solch einem Konzert verhalten sollte. Am Ende der Exposition des ersten Satzes, wo das erste große Violinsolo endet und das Orchester triumphierend wieder das erste Thema anstimmt, fingen die Schüler an zu klatschen! Ich musste daran denken, dass es zu der Zeit, als diese Musik geschrieben wurde, vollkommen üblich war zu klatschen, wann immer einem etwas gefiel (oder auch zu buhen, wenn nicht). Noch heute sprechen Miguel und ich manchmal von diesem ersten gemeinsamen Konzert. In den sieben Jahren, die seither vergangen sind, haben wir oft zusammengearbeitet (über zwanzig Auftritte mit einer Reihe von verschiedenen Orchestern) und sind gute Freunde geworden. Als sich die Gelegenheit ergab, eine Aufnahme mit dem Orchester des Norwegischen Rundfunks zu machen, das Miguel mittlerweile als Chefdirigent leitet, war ich begeistert!

Die Kombination aus Mendelssohn und Bartók mag zunächst überraschen und ist sicherlich ungewöhnlich. Dennoch findet man – wie so oft bei kontrastierenden Zusammenstellungen – zwischen den Werken mehr Gemeinsamkeiten, als man vielleicht erwartet: Ihr Charakter und Stil treten, wenn man sie nacheinander hört, deutlicher hervor. Dem volkstümlichen Klischee zufolge war Mendelssohn der glückliche Romantiker, Bartók hingegen die gepeinigte Seele. Das ist nicht ganz falsch; ich würde sagen, dass Mendelssohn insgesamt eher ein Optimist war (trotz all der aufgewühlten Leidenschaft des ersten Satzes könnte der Schluss seines Konzertes gar nicht freudiger ausfallen), während bei Bartók der Pessimismus überwog (in seinem zweiten Violinkonzert gibt es viele glückliche und sogar einige humorvolle Momente, doch am Ende überwiegen unerbittliche, düstere Kräfte). Tatsächlich werden die Dinge jedoch etwas komplizierter, wenn man sich eingehender mit den Stücken auseinandersetzt.

Felix Mendelssohn (1809–1847) komponierte sein Violinkonzert zwischen 1838 und 1844 für seinen Freund Ferdinand David, den Konzertmeister des Leipziger Gewandhausorchesters. Als sie das geplante Konzert besprachen, wünschte sich David ein brillantes, virtuoses Stück – er sprach sogar scherzhaft von einem „stilo moltissimo concertantissimo“. Mendelssohn witzelte zurück, dass der gesamte erste Einsatz des Solisten aus einem einzigen hohen E bestehen werde. Zum Glück hat er diesbezüglich nicht Wort gehalten! Das Werk ist für die Violine außerordentlich gut geschrieben und bringt ihre Möglichkeiten voll zur Wirkung.

Mendelssohns Konzert gehört zwar zu den meistgespielten und populärsten Werken für Violine, wird aber in seiner bahnbrechenden Bedeutung oft verkannt – womöglich gerade weil das Konzert auf dem Instrument so gut liegt, dass viele Kinder und Studenten es schon früh spielen und es deshalb fast schon den Ruf eines Schülerstückes hat. Die musikalischen Herausforderungen sind jedoch beträchtlich. Viele spätere Komponisten (wie Tschaikowsky und Sibelius) waren von Mendelssohns Konzert und seinen formalen Neuerungen außerordentlich beeinflusst.

9 Anstatt das Werk mit einer Orchestereinleitung beginnen zu lassen (wie es damals üblich war), setzt der Solist gleich am Anfang mit dem drängenden, leidenschaftlichen ersten Thema ein, das sich über murmelnden, unruhigen Arpeggien in den Violinen und einem unheilvollen Pulsschlag im Bass entfaltet. Der ruhelosen Stimmung entspricht die Tempoangabe molto appassionato. In völligem Kontrast dazu steht das ruhige, glückliche zweite Thema: tranquillo, innig und romantisch. Mendelssohns Platzierung der Kadenz am Ende der Durchführung (statt am Ende des Satzes) war damals eine ganz neue Idee, und indem er alle drei Sätze miteinander verbindet, gestaltet er den dramatischen Fluss des Werkes weiter aus. Um den zweiten und dritten Satz zu verbinden, fügt er ein kurzes opernhaftes Intermezzo von nur vierzehn Takten ein (Allegretto non troppo). Es ist ein kurzes Rezitativ, das auf dem Anfangsmotiv des ersten Satzes aufbaut und uns nach E!Dur bringt, wo der Spaß beginnen kann! Im letzten Satz zeigt sich Mendelssohn von seiner spielerischen Seite, und wie in vielen seiner Scherzi – etwa im Sommernachtstraum oder im Oktett – muss ich an Wälder denken, in denen sich Feen, Irrlichter und andere magische Kreaturen tummeln.

Béla Bartók (1881–1945) komponierte sein Violinkonzert Nr. 2 1937/38, zu der Zeit, als sich in Europa der Faschismus ausgebreitete. Es war eine düstere Zeit, in der man sich nur schwer eine positive Zukunft vorstellen konnte, und dies spiegelt sich auch in Bartóks Musik wider. Als der große ungarische Geiger Zoltán Székely ihn um ein Violinkonzert bat, antwortete Bartók, lieber ein Thema mit Variationen für Violine und Orchester schreiben zu wollen. Székely jedoch beharrte auf einem Konzert in voller Länge. Bartók reagierte darauf, indem er störrisch ein Werk ablieferte, das beides war. Nicht nur, dass der zweite Satz ein Thema mit Variationen ist; der letzte Satz ist auch eine Variation des ersten – er folgt der gleichen Form und greift alle Themen und Motive wieder auf, während er sie auf einfallsreiche Weise variiert. Es ist eine verblüffende kompositorische Meisterleistung und zugleich eine der größten Herausforderungen an den Interpreten.

Ein Hörer, der das Werk zum ersten Mal hört, kann nur schwer erkennen, wie der letzte Satz mit dem ersten verbunden ist. Außerdem kann das Werk aufgrund der vielen Tempowechsel und Übergänge im zweiten und dritten Satz fragmentiert wirken. Es ist die Aufgabe von Solist und Dirigent, den dramatischen Fluss des Stückes zu wahren, damit die Form verständlich wird. Hierbei sind Bartóks Metronomangaben und Tempoanweisungen von großem Nutzen. Die Tempounterschiede sind oft sehr subtil, die Rubati dürfen nicht übertrieben werden, und die Musik soll nur selten wirklich zur Ruhe kommen. Miguel und ich haben uns im Großen und Ganzen an diese Anweisungen gehalten, nur gelegentlich einigen lyrischen Abschnitten etwas mehr Zeit zugestanden, als Bartóks Tempi vorgeben (Bartók und Mendelssohn neigten beide zu übertrieben schnellen Metronomangaben).

Für mich sind in Bartóks Werken drei wichtige stilistische Einflüsse zu erkennen. Am deutlichsten ist der Enfluss der ungarischen Volksmusik. Wie sein Landsmann Zoltán Kodály liebte und studierte Bartók die ungarische Folklore, die ihm als stilistische Grundlage vieler Werke diente. Selbst in seinen abstraktesten Werken kann man immer noch eindeutig ungarische Rhythmen und Figurationen hören. Bartóks Kompositionsmethoden waren jedoch auch stark von den großen deutschen Meistern beeinflusst, insbesondere von Bach und Beethoven. Er konstruierte seine Werke motivisch (also aus kleinen Bausteinen, die dann unaufhörlich variiert und weiterentwickelt werden), wobei der Chromatik und den harmonischen Prozessen eine strenge Logik innewohnt. Der dritte starke Einfluss ist die französische Musik.

10 Im ersten Satz stellt Bartók diese drei Elemente einander gegenüber. Dem eher folkloristischen Bartók begegnen wir gleich im ersten Thema der Violine, dessen Leidenschaft und Warmherzigkeit von auffallend ungarischen Rhythmen und Intervallen geprägt ist. Das zweite Thema besteht aus einer Zwölftonreihe, die siebenmal auf einfallsreiche Weise permutiert wird – ein Beispiel für den germanischen Einfluss und ein Gruß an Arnold Schönberg. Den französischen Einfluss kann man das ganze Stück hindurch an den schönen, ungewöhnlichen Klangfarben der herrlichen Instrumentierung erkennen. Bartók komponierte mit genauer Kenntnis der technischen Möglichkeiten der Geige und schöpfte diese bis an die Grenzen aus – bis hin zu Vierteltönen. Doch dies erfolgte immer im Dienste der Musik, und nie um oberflächlich zu beeindrucken. Das Ringen des Solisten mit diesen technischen Hürden erhöht die Kraft und Intensität der Musik. Ich bin überzeugt, dass diese Musik trotz ihrer Emotionalität und bisweilen geradezu zerreißenden Intensität immer auch schön klingen sollte. Auf Bartóks eigenen Klavieraufnahmen spielt er elegant, mit einem schönen und sensiblen Anschlag – nicht der perkussiv-expressionistische Klang, den man hätte erwarten können. Bartóks Klavierspiel hat mich ebenso inspiriert wie der Live-Mitschnitt der Uraufführung dieses Konzertes vom März 1939, mit Székely und dem Concertgebouw Orchester unter Willem Mengelberg – die Lyrik und Ausdrucksstärke sind unvergesslich.

Ich spiele diese beiden Werke nun schon seit meinem neunten Lebensjahr, und sie gehören zu meinen absoluten Lieblingsstücken. Ich hoffe, dass diese Aufnahme dazu führt, dass auch Sie diese Werke lieben!

AUGUSTIN HADELICH

Mit seiner phänomenalen Technik, seinen poetisch-feinsinnigen Interpretationen und seinem wundervollen Klang hat sich Augustin Hadelich als einer der bedeutendsten Geiger seiner Generation etabliert. Nur wenige Künstler können mit einem Repertoire von Paganini, über Brahms und Bartók bis hin zu Dutilleux und Adès gleichermaßen überzeugen.

In Nordamerika ist Augustin Hadelich mit dem Boston Symphony Orchestra, dem Cleveland Orchestra, dem Orchestra, dem Orchestra, dem Philadelphia Orchestra und den Sinfonieorchestern von Atlanta, Baltimore, Cincinnati, Colorado, Dallas, Houston, Minnesota, New Jersey, Oregon, San Diego, San Francisco, Saint Louis, Seattle, Toronto und Vancouver aufgetreten. Seine Einladungen zu Festivals umfassen Aspen, Blossom, Bravo! Vail Valley, Chautauqua (wo er 2001 sein Debüt in Amerika spielte), die Hollywood Bowl, Marlboro und Tanglewood.

Zu seinen weltweiten Aktivitäten zählen Auftritte mit dem London Philharmonic, BBC Philharmonic (Manchester), BBC Symphony (London), Bournemouth Symphony, dem Danish National Symphony, Helsinki Philharmonic, Mozarteum Orchester Salzburg, Netherlands Philharmonic, dem Orchestre Philharmonique de Strasbourg, dem Royal Scottish National Orchestra, RTÉ National Symphony Orchestra (Dublin), dem Radio- Sinfonieorchester des SWR Stuttgart und dem Tokyo Symphony Orchestra. 11 Er hat mit vielen namhaften Dirigenten zusammengearbeitet, darunter Roberto Abbado, Marc Albrecht, Marin Alsop, Herbert Blomstedt, Lionel Bringuier, Justin Brown, James Conlon, Christoph von Dohnányi, Rafael Frühbeck de Burgos, Alan Gilbert, Hans Graf, Giancarlo Guerrero, Jakub Hru˚ša, Christoph König, Jahja Ling, Hannu Lintu, Andrew Litton, Cristian Macelaru, Jun Märkl, Sir Neville Marriner, Fabio Mechetti, Juanjo Mena, Ludovic Morlot, Sakari Oramo, Andrés Orozco-Estrada, Peter Oundjian, Vasily Petrenko, Yan Pascal Tortelier, Edo de Waart, Hugh Wolff und Jaap van Zweden.

Mit Rezitalen war Augustin Hadelich u.a. schon in der Carnegie Hall in New York, im Concertgebouw (Amsterdam), Kioi Hall (Tokyo), Kennedy Center (Washington D.C.), Louvre (Paris), und den Kammermusikreihen in Detroit, Philadelphia, Seattle und Vancouver zu Gast. Zu seinen Kammermusikpartnern zählen Inon Barnatan, Jeremy Denk, James Ehnes, Alban Gerhardt, Richard Goode, Gary Hoffman, Kim Kashkashian, Robert Kulek, Cho-Liang Lin, Midori, Charles Owen, Vadim Repin, Mitsuko Uchida, Joyce Yang sowie Mitglieder des Guarneri und Juilliard String Quartet.

Augustin Hadelichs bisherige Aufnahmen für AVIE umfassen die für einen Gramophone Award nominierte Einspielung der Violinkonzerte von und Thomas Adès (Concentric Paths) mit Hannu Lintu und dem Royal Liverpool Philharmonic Orchestra; Histoire du Tango (im Duo mit Pablo Sáinz Villegas) mit Werken für Violine und Gitarre; Echoes of Paris (mit französischem und russischem Repertoire im Flair von Paris des frühen 20. Jahrhunderts) sowie Flying Solo mit Werken für Violine solo.

2006 sorgte er mit dem Gewinn der Goldmedaille beim Internationalen Violinwettbewerb von Indianapolis für Furore. Zu seinen Preisen und Stipendien zählen außerdem ein Avery Fisher Career Grant (2009), ein Fellowship des Borletti-Buitoni Trusts (2011) und der Martin E. Segal Award des Lincoln Center (2012).

Augustin Hadelich wurde 1984 als Sohn deutscher Eltern in Italien geboren. Er studierte an der Juilliard School bei Joel Smirnoff und lebt bis heute in New York. Er spielt auf der „Ex-Kiesewetter” Stradivari von 1723, einer Leihgabe von Clement und Karen Arrison durch die Stradivari Society in Chicago. www.augustin-hadelich.com

MIGUEL HARTH-BEDOYA

Der für einen Grammy nominierte und mit einem Emmy Award ausgezeichnete Dirigent Miguel Harth-Bedoya ist seit 2013 Chefdirigent des Norwegischen Rundfunkorchesters Oslo und seit fünfzehn Jahren Chefdirigent des Fort Worth Symphony (Texas). Zudem ist er der Gründer und künstlerische Leiter der Organisation “Caminos del Inka”, die sich für die Aufführung und Förderung von Musik aus Süd-, Mittel- und Nordamerika einsetzt.

12 Miguel Harth-Bedoya tritt regelmäßig mit den großen nordamerikanischen Orchestern wie denen von Los Angeles, Chicago, Philadelphia, Cleveland, Boston, Atlanta, Baltimore, Milwaukee, Toronto, Montreal und Quebec auf. In Europa hat er unter anderem das London Philharmonic Orchestra, das BBC Symphony Orchestra, die Münchner Philharmoniker, das Orchestre de Paris, das Spanische Nationalorchester, das Orchestre de la Suisse Romande, das Royal Scottish National Orchestra und das Helsinki Philharmonic Orchestra dirigiert. Häufig gastiert er bei großen nordamerikanischen Festivals, darunter Aspen, Tanglewood, Bravo! Vail Valley, Ravinia, Grant Park, Oregon Bach und Grand Teton. Auch in der Opernwelt ist Miguel Harth-Bedoya regelmäßig aktiv: So hat er eine Vielzahl von Produktionen der Canadian Opera Company, Minnesota Opera, Santa Fe Opera, Cincinnati Opera und der English National Opera geleitet.

Miguel Harth-Bedoya zeichnet sich durch seine regen Aufnahmeaktivitäten aus. Zu seinen Projekten in jüngerer Zeit zählen drei CDs für Harmonia Mundi.

Er lebt mit seiner Frau Maritza und ihren drei Kindern Elena, Emilio und Elisa in Fort Worth. www.miguelharth-bedoya.com

MENDELSSOHN · BARTÓK: CONCERTOS POUR VIOLIN

a première collaboration avec Miguel Harth-Bedoya s’est présentée assez spontanément. Peu après que j’ai remporté la Médaille d’or du Concours international de violon d’Indianapolis en 2006, Miguel m’a demandé d’assurer la partie soliste du Concerto de MTchaïkovski pour plusieurs exécutions avec le Fort Worth Symphony Orchestra. Nous l’avons joué à trois reprises pour de grands groupes d’étudiants, dont la plupart n’avait encore jamais assisté à des concerts de musique classique. Il était étonnant de voir combien ils étaient désinhibés, sans s’interroger sur la façon dont on est supposé se comporter lors d’un concert classique. À la fin de l’exposition du premier mouvement, où le premier long solo de violon s’achève et que l’orchestre joue triomphalement le premier thème, ils ont commencé à applaudir ! Cela m’a fait penser qu’à l’époque où la musique fut écrite, il était monnaie courante que les spectateurs applaudissent chaque fois qu’ils appréciaient ce qu’ils entendaient (ou huent dans le cas contraire). Aujourd’hui, il nous arrive encore avec Miguel de nous remémorer notre première exécution commune. Lors des sept années qui ont suivi, nous avons collaboré à de nombreuses reprises (au moins vingt-quatre fois, d’après mes calculs, avec divers orchestres) et sommes devenus de bons amis. Lorsque s’est présentée l’occasion de faire un disque avec l’Orchestre de la radio norvégienne, dont Miguel est maintenant le chef principal, j’étais enchanté !

Associer Mendelssohn et Bartók peut sembler surprenant de prime abord, et c’est sans aucun doute peu commun. Toutefois, comme cela arrive souvent avec des pièces contrastées, il y a plus de similitudes entre Mendelssohn et Bartók qu’on pourrait s’y attendre, en outre le caractère et le style de chaque œuvre se trouvent clarifiés, gagnent en impact lorsqu’entendus côte à côte. Selon les clichés populaires, Mendelssohn était un homme romantique et jovial, Bartók une âme torturée. Il y a du vrai dans cela ; je dirais que Mendelssohn était globalement un optimiste (malgré toute la Leidenschaft – ardeur en allemand – du premier mouvement, la fin du concerto ne saurait être plus positive) et Bartók plus un pessimiste (il y a beaucoup de moments merveilleux, voire humoristiques parfois, dans son Deuxième Concerto pour violon, même si à la fin, la face sombre et sinistre prend le dessus.) De fait, si l’on étudie la musique attentivement, les choses sont bien plus complexes ! 13 Béla Bartók

14 Felix Mendelssohn (1809–1847) composa son Concerto pour violon entre 1838 et 1844 pour son ami, et premier violon du Gewandhaus, Ferdinand David. Lorsqu’ils évoquèrent ensemble le présent concerto pour violon, David demanda à Mendelssohn d’écrire une pièce brillante, virtuose – et plaisanta même en disant « stilo moltissimo concertantissimo ». Mendelssohn lui rétorqua sur le même ton que toute l’introduction du soliste consisterait en un mi aigu. Dieu merci, il ne tint pas parole ! L’écriture ici sied parfaitement à l’instrument et met remarquablement en valeur toutes ses possibilités.

Bien que le concerto de Mendelssohn soit l’une des œuvres pour violon les plus données et populaires, c’est aussi l’un des moins reconnus pour ses qualités de chef-d’œuvre novateur. C’est peut-être précisément car il se prête si bien à l’instrument, et qu’il est souvent joué très tôt par des jeunes élèves qu’il a acquis la réputation de « pièce d’étude ». En réalité, les défis musicaux de cette œuvre ne sont pas négligeables. Nombre de compositeurs plus tardifs (tels que Tchaïkovski et Sibelius) furent profondément influencés par le concerto de Mendelssohn et la liberté novatrice qu’il prend vis-à-vis de la forme du concerto pour violon.

Au lieu de débuter l’œuvre avec une introduction orchestrale (comme c’était la norme à l’époque), le soliste fait immédiatement son entrée avec un premier thème pressant et passionné, s’élevant au-dessus d’arpèges murmurés et inquiets aux violons et d’alarmantes pulsations rythmiques à la basse. L’atmosphère est troublée, et le tempo marqué molto appassionato. En parfait contraste, le deuxième thème est calme et radieux – tranquillo, romantique et tendre. L’inclusion de la cadence à la fin du développement était une idée novatrice alors et, en reliant les trois mouvements, Mendelssohn structure davantage le déroulement dramatique de l’œuvre. Pour lier le deuxième et le troisième mouvement, il insère un bref intermezzo opératique de quatorze mesures seulement (Allegretto non troppo). C’est un court récitatif basé sur le motif initial du premier mouvement, menant à la tonalité de mi majeur, où la fête peut commencer ! C’est le côté fantasque de Mendelssohn, qui s’illustre dans nombre de ses mouvements scherzo (dans le Songe d’une nuit d’été, par exemple, ou dans son Octuor) et qui, pour moi, évoque de délicieux tableaux sylvestres où fourmillent fées et créatures magiques.

Le Deuxième Concerto pour violon (1937–1938) de Béla Bartók fut écrit pendant la montée du fascisme en Europe – une triste époque. Il était difficile d’imaginer un avenir prometteur, et la musique qu’il écrivit à cette période reflète cela. Lorsque le grand violoniste hongrois Zoltán Székely demanda à Bartók (1881–1945) d’écrire un concerto pour violon, Bartók répondit qu’il souhaitait plutôt composer un Thème et variations pour violon et orchestre. Székely, toutefois, insista pour avoir un concerto intégral. Bartók s’obstina et lui livra une œuvre qui était les deux à la fois. Non seulement le deuxième mouvement consiste en un thème et des variations mais le dernier mouvement lui-même est une variation du premier – il adopte la même forme et reprend tous les thèmes, tout en les modifiant de manière surprenante. C’est un remarquable tour de force compositionnel.

C’est également la source des plus grands défis pour l’interprète. Ceux qui écoutent l’œuvre pour la première fois ne se rendent pas souvent compte à quel point le dernier mouvement est étroitement lié au premier. En raison des nombreux changements de tempo et des transitions dans les deuxième et troisième mouvements, l’œuvre peut aisément paraître fragmentée. Il incombe au soliste et au chef de préserver le déroulement dramatique de l’œuvre afin que la forme soit intelligible. Les indications de métronome et de tempo de Bartók s’avèrent très utiles à cet égard ; les différences de tempo sont souvent très subtiles. En de très rares occasions seulement, la musique est censée parvenir à un répit, et le rubato

15 ne doit pas être exagéré. Miguel et moi-même avons respecté ces instructions dans l’ensemble, accordant ponctuellement un peu plus de temps à certaines sections lyriques que ce que les tempi de Bartók indiquent. (Bartók et Mendelssohn avaient tous deux tendance à utiliser des indications de métronome trop rapides.)

Je vois trois principales influences dans le style des œuvres de la maturité chez Bartók. La musique populaire hongroise est la plus manifeste. Comme son compatriote Zoltán Kodály, Bartók appréciait, étudia et composa de nombreuses œuvres écrites dans un style issu de la musique populaire de son pays natal. Même dans ses œuvres les plus abstraites, on retrouve des rythmes et tournures de phrases indéniablement hongrois. Parallèlement, les procédés compositionnels de Bartók furent fortement influencés par les grands maîtres allemands, en particulier Bach et Beethoven. Il élabore ses pièces à partir du motif (c’est-à-dire, à partir de petites unités musicales, variées et développées à l’infini), avec une inéluctable logique vers le chromatisme, les figurations et les développements harmoniques. La troisième grande influence vient de la musique française.

Dans le premier mouvement, Bartók confronte ces trois éléments. Le côté plus populaire du compositeur se retrouve dans le premier thème du violon, passionné et chaleureux, avec des rythmes et des intervalles nettement hongrois. Le deuxième thème consiste en une série dodécaphonique, intervertie sept fois avec la plus grande inventivité – exemple de l’influence allemande dans son écriture et clin d’œil à Schoenberg. L’influence française se manifeste tout au long de l’œuvre, dans la remarquable orchestration riche de couleurs sublimes et singulières. L’écriture de Bartók traduit sa grande connaissance des possibilités du violon, mêlant toutes sortes de défis virtuoses et de techniques complexes – dont des quarts de ton. Mais toujours au service de la musique, jamais pour impressionner et fanfaronner. La lutte du violoniste aux prises avec ses défis techniques décuple le pouvoir et l’intensité de la musique. J’ai le fort sentiment que même si l’œuvre possède une grande charge émotionnelle, une intensité, et par moments un caractère ravageur, c’est toujours dans une visée esthétique. Il est intéressant de voir que, dans les gravures de Bartók au piano, son jeu soit d’une grande élégance, avec un toucher sublime, délicat – et non l’approche percussive, expressionniste qu’on pourrait attendre. Je me suis inspiré de son jeu pianistique, ainsi que de la gravure sur le vif de la création de son Concerto pour violon exécuté par Székely et l’Orchestre du Concertgebouw sous la baguette de Willem Mengelberg en mars 1939. Son lyrisme et son expressivité sont inoubliables.

J’interprète ces deux œuvres depuis mes huit ans et elles figurent parmi mes favorites. J’espère que ce disque vous incitera à les aimer aussi !

16 AUGUSTIN HADELICH

Augustin Hadelich s’est imposé comme l’un des violonistes les plus prisés de sa génération, et continue de surprendre le public du monde entier par sa technique extraordinaire, sa sensibilité poétique et son splendide timbre. Sa remarquable constance dans tout le répertoire, de Paganini à Brahms, de Bartók à Adès, est une qualité fort rare chez un même artiste.

En Amérique du Nord, Augustin Hadelich s’est produit avec les ensembles suivants : Saint Paul Chamber Orchestra, Los Angeles Chamber Orchestra, Boston Symphony Orchestra, Cleveland Orchestra, les orchestres philharmoniques de Los Angeles et New York, Philadelphia Orchestra ainsi qu’avec les orchestres symphoniques d’Atlanta, de Baltimore, de Cincinnati, du Colorado, de Dallas, de Houston, du Minnesota, du New Jersey, d’Oregon, de San Diego, de San Francisco, de Saint Louis, de Seattle, de Toronto et de Vancouver. Il a participé aux festivals d’Aspen, de Blossom, de Bravo ! Vail Valley, de Chautauqua (où il a fait ses débuts américains en 2001), l’Eastern Music Festival, l’Hollywood Bowl, de Marlboro et de Tanglewood.

Il apparaît dans le monde entier, notamment avec le London Philharmonic, le BBC Philharmonic (Manchester), le BBC Symphony (Londres), le Bournemouth Symphony, l’Orchestre symphonique national du Danemark, l’Orchestre philharmonique d’Helsinki, l’Orchestre du Mozarteum de Salzbourg, l’Orchestre philharmonique des Pays-Bas, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg, le Royal Scottish National Orchestra, l’Orchestre symphonique de la radio-télévision irlandaise (Dublin), l’Orchestre de la radio de Stuttgart, l’Orchestre symphonique de Tokyo, et a également réalisé une tournée triomphale en Chine avec le San Diego Symphony.

Augustin Hadelich a collaboré avec des chefs de renom comme Roberto Abbado, Marc Albrecht, Marin Aslop, Herbert Blomstedt, Lionel Bringuier, Justin Brown, James Conlon, Christoph von Dohnányi, feu Rafael Frühbeck de Burgos, Alan Gilbert, Hans Graf, Giancarlo Guerrero, Jakub Hru˚ša, Christoph König, Jahja Ling, Hannu Lintu, Andrew Litton, Cristian Macelaru, Jun Märkl, Sir Neville Marriner, Fabio Mechetti, Juanjo Mena, Ludovic Morlot, Sakari Oramo, Andrés Orozco-Estrada, Peter Oundjian, Vasily Petrenko, Yan Pascal Tortelier, Edo de Waart, Hugh Wolff et Jaap van Zweden, entre autres.

Récitaliste passionné, Augustin Hadelich s’est produit au Carnegie Hall, au Concertgebouw (Amsterdam), à la Frick Collection (New York), au Kennedy Center (Washington, D.C.), au Kioi Hall (Tokyo), au Louvre (Paris), au Wigmore Hall (Londres) et dans les Sociétés de musique de chambre de Détroit, La Jolla, Philadelphie, Seattle et Vancouver. Il compte parmi ses partenaires chambristes Inon Barnatan, Jeremy Denk, James Ehnes, Alban Gerhardt, Richard Goode, Gary Hoffman, Kim Kashkashian, Robert Kulek, Cho-Liang Lin, Midori, Charles Owen, Vadim Repin, Mitsuko Uchida, Joyce Yang et les membres des quatuors Guarneri et Juilliard.

Les précédents disques d’Augustin Hadelich chez AVIE comprennent un disque nominé aux Gramophone Awards des concertos pour violon de Sibelius et d’Adès (Concentric Paths) avec Hannu Lintu à la tête du Royal Liverpool Orchestra ; Histoire du Tango, programme d’œuvres pour violon et guitare en collaboration avec Pablo Sáinz Villegas ; Echoes of Paris, présentant un répertoire français et russe influencé par la culture parisienne du début du XXe siècle ; et Flying Solo, un CD de chefs-d’œuvre pour violon seul.

17 Médaille d’or 2006 du Concours international de violon d’Indianapolis, Augustin Hadelich est lauréat d’un Avery Fisher Career Grant (2009) et d’un Borletti-Buitoni Trust Fellowship au Royaume-Uni (2011) ainsi que du Martin E. Segal Award du Lincoln Center (2012).

Fils de parents allemands, Augustin Hadelich est né et a grandi en Italie. Il vit à New York depuis 2004, et détient un diplôme d’artiste décerné par de la Juilliard School, où il a étudié dans la classe de Joel Smirnoff. Il joue sur le Stradivarius « Ex-Kiesewetter » de 1723, prêté par Clement et Karen Arrison par le biais de la Stradivari Society de Chicago. www.augustin-hadelich.com

MIGUEL HARTH-BEDOYA

Nominé aux Grammys et lauréat d’un Emmy Award, Miguel Harth-Bedoya est actuellement le chef principal de l’Orchestre de la radio norvégienne (Oslo). C’est également sa quinzième saison au poste de directeur musical du Fort Worth Symphony Orchestra. Il est aussi le fondateur et le directeur artistique de « Caminos del Inka », une organisation à but non lucratif dédiée à l’exécution et la promotion de la musique des Amériques.

Miguel Harth-Bedoya se produit régulièrement avec les principaux orchestres nord-américains tels les orchestres de Los Angeles, Chicago, Philadelphie, Cleveland, Boston, Atlanta, Baltimore, Milwaukee, Toronto, Montréal et Québec. En Europe, il a dirigé le London Philharmonic Orchestra, le BBC Symphony Orchestra de Londres, l’Orchestre philharmonique de Munich, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre national d’Espagne, l’Orchestre de la Suisse Romande, le Royal Scottish National Orchestra et l’Orchestre philharmonique d’Helsinki. Il est régulièrement invité aux grands festivals nord-américains dont celui d’Aspen, de Tanglewood, de Bravo ! Vail Valley, de Ravinia, de Grant Park, d’Oregon Bach et de Grand Teton. Habitué de la scène lyrique, il a dirigé de nombreuses productions pour la Canadian Opera Company, le Minnesota Opera, le Santa Fe Opera, le Cincinnati Opera et l’English National Opera de Londres.

Artiste prolifique au disque, Miguel Hart-Bedoya a récemment réalisé trois CD pour Harmonia Mundi.

Il vit actuellement à Forth Worth avec sa femme Maritza et leurs trois enfants, Elena, Emilio et Elisa. www.miguelharth-bedoya.com

18 Augustin Hadelich on AVIE Records

SIBELIUS, ADÈS FALLA, PAGANINI, PIAZZOLLA, SARASATE ‘Violin Concertos’ – AV2276 ‘Histoire du Tango’ – AV2280

AV2323